Древнее Искусство Японии
МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ
ФЕДЕРАЛЬНОЕ АГЕНТСТВО ПО ОБРАЗОВАНИЮ
Государственное образовательное учреждение высшего профессионального образования
Российский
государственный торгово-
УФИМСКИЙ ИНСТИТУТ
Факультет юриспруденции и заочного обучения
Заочное обучение (5,5 лет)
Курс 1
Специальность Экономика и управл. на предприятии(туризм и гостинич.хоз-ва)
Контрольная работа
По предмету: Культурология
Тема: Древнее Искусство Японии
Фамилия: Галиева
Имя: Ольга
Отчество: Жановна
Контрольная работа выслана в университет
Фамилия преподавателя
(полностью)
Заполняется преподавателем
Дата рецензии
Оценка
УФА-2009г.
Древнее Искусство Японии
Содержание:
- Древнее искусство Японии
“ноо”……3
- Искусство Японии
“темари”…..4
- Японская живопись….4
- Чайные церемонии в Японии…10
- Японское оружие –
Самурайский меч….11
6. Японский театр Кабуки….12
- Японский сад камней…..13
- Сквозь века, традиции и стили….14
- Ритмы древних орнаментов….15
- Японская скульптура:
Поиски и традиции….19
Список используемой литературы…23
1. Древнее искусство Японии
Древнее искусство Японии, удивляющее
бесконечным стремлением к
Ноо – театральное искусство Японии
Ноо – наиболее традиционное театральное искусство Японии, ведь на протяжении нескольких столетий не подвергается модернизации. Как и в XIV веке, так и сегодня это театральное искусство базируется на одних и тех же принципах, использует все те же приемы.
Данная традиционность проявляется в нескольких основных постулатах:
- оформление сцены неизменно: неокрашенный, но отполированный подиум, на котором разворачивается действо пьесы, открыт взгляду с трех сторон. Задняя часть сцены ограничена стеной с изображением вечнозеленой сосны, символизирующей долголетие. Сцена окружена дорожкой из гальки, а под сценой в земле вырыты ямы для подвешивания медных котелков, издающих мелодичные звуки при танцевальных па актеров;
- многие костюмы несут на
себе столетнюю историю, бережн
- режиссер спектакля, как и
в средневековье, обретает
Какие особенности выделяют театральное искусство ноо в ряду прочих?
1. Основополагающая часть
Специальные приемы раскраски масок создают мужские и женские образы всех возрастов, пристрастий и профессий. Мастерство актера заключается в умении оживить маску под переливающимся освещением сцены, передать настроение и мысли каждого персонажа.
2. Составной частью роскошного
костюма актера является не
только само одеяние, но и
парик, различные аксессуары, как-то:
гребни для волос, веера,
3. Искусство ноо базируется на
музыкальном сопровождении:
4. Отдельный жанр или конкретный
спектакль может иметь своего
покровителя, который по
Удивительным является факт, что
при минимуме декораций и лиц
на сцене разворачивается
2. Искусство Японии – темари
Искусство Японии во многом волшебно и необычайно красиво. Одним из направлений такого искусства является японская вышивка на шарах, называемая темари.
Как и многие виды искусств, японские шары изначально были развлечением аристократов и императорских семей. Сформированные из кожи шарики-игрушки предназначались для подбрасывания ногами, а немного позже процесс изготовления несколько усложнился. Изменилось и применение шаров. Во-первых, ими можно играть, подбрасывая руками. Во-вторых, искусно вышитые шарики используются в качестве предмета интерьерного декора.
Аристократичность темари объяснялась следующей причиной: шарики формировались из кусочков недоступной простолюдинам шелковой ткани и вышивались дорогими нитями. В связи с этим японские шары темари делали богатые женщины, соперничая друг с другом в изяществе, виртуозности и мастерстве вышивки. Часто узоры, секреты и приемы под строгим секретом передавались от мамы к дочери.
Позже искусство темари распространилось среди народа, поскольку стали использоваться простые хлопчатобумажные нити для вышивания.
Что же представляет собой процесс изготовления темари?
Первый этап. Формируется шарик нужного размера. Современными материалами могут быть: ткани, пенопласт, дерево, поролон или любой подходяший шарик.
Второй этап. Шар плотно обматывается нескользкой нитью для придания ему идеальной формы и создания основы для вышивки.
Третий этап. Вышивание, в процессе которого используются всевозможные нитки и ленты, которые с помощью игл различными стежками наносятся на канву. При этом разнообразие орнаментов ограничивается только фантазией мастера.
Сегодня калейдоскоп вышивок темари завораживает ценителей всего мира и как бы приглашает попробовать собственные силы в изготовлении японских шаров.
3. Японская живопись
Специалисты уже давно обратили внимание на то, что искусство живописи в
странах Дальнего Востока генетически связано с искусством каллиграфии. В
Японии, в частности, существует понятие единства каллиграфических и
живописных принципов. Соответственно в японской живописи, как и в
китайской, издавна большую роль играет линия и распространены монохромные
картины. Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не
следует преувеличивать. Характерно, например, что во времена японского
средневековья довольно долго основным течением в живописи было суйбокуга.
Произведения в стиле
игра света и тени на предметах, но отсутствовали контурные линии.
Развитию японской живописи способствовали контакты с континентом,
откуда в начале VII века было позаимствовано искусство изготовления красок,
бумаги и туши.
Большое значение для судеб японской живописи, равно как и скульптуры,
имело распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской
культовой практики создавали определенный спрос на произведения этих видов
искусства. Так, с Х века с целью распространения среди верующих знаний о
событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так
называемые эмакимоно (длинные горизонтальные свитки), на которых
изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею
притч.
Японская живопись в VII веке была весьма еще проста и безыскусна.
Представления о ней дают росписи на ковчеге Та-мамуси из храма Хорюдзи,
отображающие те же сцены, которые воспроизводились на эмакимоно. Росписи
выполнены красной, зеленой и желтой краской на черном фоне. Некоторые
росписи на стенах храмов, относящиеся к VII веку, имеют много общего с
аналогичными росписями в
По мере дальнейшего
распространения буддизма
культовые изображения. В связи с этим профессия художника стала очень
распространенной, причем уже в VII веке среди мастеров, занятых созданием
картин, развилась даже специализация: одни делали общий набросок рисунка,
другие раскрашивали его, третьи обводили контуры.
Рисунки на полотнищах эмакимоно в VII—VIII веках имели весьма простой,
близкий к символическому характер, изображениям не хватало динамики. Однако
с течением времени художественное качество рисунков эмакимоно возросло, и
лучшие из них весьма выразительны и совершенны.
С VIII века в Японии начинается развитие жанровой и пейзажной живописи.
До наших дней дошла ширма под условным названием «Женщина с птичьими
перьями». На ширме изображена женщина, стоящая под деревом, волосы и кимоно
ее украшены перьями. Рисунок исполнен легкими, струящимися линиями.
Для буддийской живописи с IX века характерными являются изображения
мандалы, что на санскрите означает алтарь. При создании мандал
использовались дорогостоящие материалы. Например, «Такао мандала»,
хранящаяся в монастыре
фиолетовом шелке.
Своеобразным стимулом
для развития японской
учение одной из махаянистских сект (мёо) о том, что для избавления мира от
страданий и горестей необходимо лишь... создать изображение бодисатвы
определенного, но неизвестно какого вида. Творческое воображение художников
заработало вовсю. Примером такой картины является изображение бодисатвы,
сохраняющего государство, из храма Кон-гобудзи. На дошедшей до нас части
этой картины передано стремительное движение охваченной пламенем фигуры
божества.
Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером
тематики, над которой они
находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле, или
стиле кара-э. Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э
стали появляться светские по тематике картины в японском стиле, или стиле
ямато-э (живопись Ямато). В Х—XII веках стиль ямато-э стал господствующим в
живописи, хотя произведения сугубо религиозного характера все еще писались
в китайском стиле. В этот период получила распространение техника нанесения
контуров рисунка мельчайшей золотой фольгой.
В XI—XII веках появилось много выдающихся по технике исполнения
произведений чисто светской живописи, включая портретную. Многие художники-
профессионалы создавали картины только на светские темы, такие картины
изображали и на складных ширмах и сёдзи (ставни).
Мы уже говорили о живописи на эмакимоно. Особенно большое
распространение эмакимоно получили с XII века, когда художники, создавая
их, стали работать в японском национальном стиле ямато-э. Религиозное
содержание живописи на эмакимоно постепенно уступает место светским
мотивам. Объектами изображения тут могли уже стать события японской
истории, но трактуемые с точки зрения буддийской морали.
Одним из образцов исторической живописи эпохи Камакура является
знаменитый свиток XIII века «Хэйдзи-моногатари», на котором запечатлено
восстание, поднятое в 1159 г. главой крупного самурайского клана Еситомо
Минамото. Как и миниатюры в древнерусских летописях, свитки, подобные
«Хэйдзи-монбгатари», являются не только выдающимися памятниками искусства,
но и историческими свидетельствами. Соединяя текст и изображение, они
воспроизводили по горячим следам бурные события княжеских усобиц второй
половины XII века, воспевали военные подвиги и высокие моральные качества
вышедшего на арену истории нового военно-дворянского сословия — самураев.
О художественных достоинствах исторических самурайских эмакимоно
(свитков) указанного времени можно судить по фрагменту из «Хэйдзи-
моногатари» с изображением одного из эпизодов войны — «Битвы у Рокухара».
При яростном динамизме сцены и яркости ее художественного решения не
устаешь удивляться степени проработанное™ отдельных деталей. А ведь это
лишь один из фрагментов свитка! Выразительны лица захлебнувшегося в крике,
атакующего всадника с огромным луком в руках и мечом на поясе и бегущего
справа от него пехотинца. Отлично выписана черная лошадиная голова на
переднем плане. Более условны, почти как маски театра Но, напряженные лица
самураев на заднем плане. Но и они поданы в броске, в движении. Развеваются
красные ленты за шлемом бегущего слева воина с колчаном стрел за плечами,
напряженно прижат к груди локоть его левой руки. Мастерство художника в
передаче движения, жеста не может не вызвать восхищения. И при этом —
свободное владение всем многообразием цветовых оттенков, профессиональная
точность в воспроизведении деталей самурайских доспехов, оружия, конской
сбруи.
В отличие от индивидуальных портретов самурайских военачальников —
сёгунов, фактических правителей страны, где поэтизируется внутренний мир
самурая, здесь, в рассмотренном фрагменте «Битвы у Рокухара», воспевается
внешняя сторона «самурайства» — храбрость, натиск, агрессия, безжалостность
к себе и к другим. Это противоречие самурайской эстетики и этики
замечательно сформулировал
своих трехстиший — хокку:
Как же это, друзья?
Человек глядит на вишни в цвету —
А на поясе длинный меч.
(Перевод В. Марковой)
Впрочем, противоречие ли это? Может быть, здесь, на новом уровне,
воспроизводится извечная для японского духа и искусства гармония хаоса и
космоса, красоты и беспорядка, кротости и жестокости, ярости и
умиротворенности? Причем каждое из полярных качеств, свойств души и мира
доводится художником до максимального напряжения и подобно тетиве
натянутого лука. Да, воинам во всем мире — не в одной стране Восходящего
Солнца — приходилось не только любоваться цветущей сакурой или хризантемой
в монастырском саду, но и выполнять «черную работу» Истории — воевать,
борясь за объединение страны, защищая ее от врагов. И высокий смысл
искусства Камакура — времени расцвета бусидо и слияния его с философией
дзэн — состоит в том, что оно воспевало очистительную, всепоглощающую силу
долга, исполняемого и перед лицом смерти.
Ярким свидетельством появления светских мотивов в живописи стало
состоящее из четырех свитков известное эмакимоно «Тёдзю гига» — сцены из
жизни животных, в том числе животных, подражающих людям. Это эмакимоно
написано тушью. Выдающимся по экспрессивности и технике исполнения является
относящееся к XIII веку эмакимоно «Ямай-но соси», изображающее людей,
пораженных различными болезнями. Рисунки на этих свитках проникнуты
своеобразным юмором. Известно историческое эмакимоно «Повесть о монгольском
нашествии». В период Муромати (1392—1578) соотношение между буддийской
живописью, живописью в японском стиле и монохромной живописью решительно
сдвигается в пользу последней. Но с течением времени в ней появляются
контурные линии. В буддийской живописи также появляются новые формы.
Например, выдающийся мастер монохромной живописи Као Нин-га писал сильными,
грубыми мазками. Стиль известного художника Минтё, писавшего свитки на
буддийские темы, представляет собой нечто среднее между традиционной
буддийской живописью и
Величайшим художником периода Муромати является Сэссю (1420—1506),
который создал свой собственный стиль. Ему принадлежит выдающееся
произведение японской живописи «Длинный пейзажный свиток», датированное
1486 г., имеющее в длину 17 м при ширине 4 м. На свитке изображены четыре
времени года. Сэссю был отличный портретист, о чем свидетельствует
написанный им портрет Масуда Канэтака.
В последние десятилетия периода Муромати происходит процесс интенсивной
профессионализации живописи. В начале XVI века возникает знаменитая школа
Кано, основанная Кано Масанобу (1434—1530), который заложил основы
декоративного направления в живописи. Одним из ранних произведений жанровой
живописи школы Кано является роспись художником Хидэёри ширмы на тему
«Любование кленами в Такао».
С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись,
картины на складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы
аристократов, дома горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль
декоративных панно — да-ми-э. Такие панно писали сочными красками на
золотой фольге.
Признаком высокого уровня развития живописи является существование в
конце XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку, Сога,
Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся картины, созданные в этот период, принадлежат
не только известным живописцам, но и оставшимся безвестными мастерам.
В течение XVII—XIX веков
исчезает ряд некогда
место занимают новые, такие, как школа гравюры на дереве укиё-э, школы
Маруяма-Сидзё, Нанга, европейской живописи, а также школа, ратовавшая за
возрождение в живописи стиля ямато-э, т. е. старого японского стиля.
Центрами культуры и
искусства позднего
Японии практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара
и Киото новая столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др.
Расцвет специфической городской культуры и сопутствующих видов искусства
определил основное направление развития японского искусства в XVII—XIX
веках. При этом подверглись изменению как формы «бытования» искусства, так
и его общественная функция. Например, в архитектуре утратило свою ведущую
роль культовое зодчество, зато была создана четкая отработанная форма
жилого дома, имеющая не только практический, но и несомненный
художественный смысл. Соответственно в живописи возросла роль декоративных
интерьеров, росписей. Высочайшего уровня достигла также гравюра на дереве,
ставшая в XVIII—XIX веках главных видом японского искусства.
Вообще искусство эпохи Эдо (1615—1868) характеризуется особым
демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги горожан —
третьего сословия) и сочетанием
художественного и
такого сочетания является живопись на ширмах. Ширма — вещь, имеющая точное
функциональное назначение в интерьере японского жилища, предмет быта.
Одновременно это — картина, произведение искусства, определяющее
эмоциональный тонус жилища, предмет эстетического созерцания. Именно на
парных ширмах написаны «Красные и белые цветы сливы» — самое значительное и
знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина
(1658—1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только
японской, но и мировой живописи. Одним из наиболее популярных жанров
японской мелкой пластики были нэцкэ. Происхождение их чисто практическое:
поскольку традиционная одежда японцев не знает карманов, все необходимые
мелкие предметы прикреплялись к поясу с помощью небольших брелоков — нэцкэ.
Вместе с тем, сохранив свое функциональное назначение, нэцкэ превратились в
силу непреходящих эстетических потребностей народа в разновидность тонкой
миниатюрной скульптуры.
В нэцке преломился
художественный канон
ренессансной раскованностью искусств в эпоху Эдо. Эти произведения
миниатюрной пластики как бы сфокусировали в себе тысячелетия пластического
опыта Японии:
от диковатых догу Дзёмона, ханива Поздних Курганов до канонической
культуры средневековья, каменных будд и живого дерева Энку. Из
классического наследия заимствовали мастера нэцкэ богатство экспрессии,
чувство меры, завершенность и точность композиции, совершенство деталей.
Материал для нэцкэ был самым различным: дерево, слоновая кость, металл,
янтарь, лак, фарфор. Над каждой вещью (как правило, не более 10 см в
высоту) мастер трудился иногда целые годы. Тематика их варьировалась
безгранично: изображения людей, животных, богов, исторических лиц,
персонажей народных поверий. Расцвет этого чисто городского вида
прикладного искусства приходится на вторую половину XVIII века.
Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э. В свое
время, в прошлом столетии, Европа, а затем и Россия именно через гравюру
впервые познакомились с феноменом японского искусства. Между тем в самой
Японии гравюру на дереве первоначально вообще не считали искусством, таким,
как живопись на ширмах или на свитках. Возникшая на стыке искусства и
ремесла, японская гравюра действительно имела все признаки массовой
культуры — тираж, доступность, дешевизну. Не случайно ее так и назвали —
«укиё-э» (слово «укиё» означает в переводе «земное, мирское, обиходное»).
Мастера укиё-э добивались максимальной простоты и доходчивости как в выборе
сюжетов, так и в их воплощении. Сюжетами гравюр были в основном жанровые
сценки из повседневной жизни города и его обитателей: торговцев, артистов,
гейш.
Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула целый ряд
первоклассных мастеров. Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с
именем Хисикава Моронобу (1618—1694). Первым мастером многоцветной гравюры
был Судзуки Харунобу, творивший в середине XVIII века. Главные мотивы его
творчества — лирические сцены с преимущественным вниманием не к действию, а
к передаче чувств и настроений: нежности, грусти, любви. Подобно древнему
изысканному искусству эпохи Хэйан, мастера укиё-э возрождали в новой
городской среде своеобразный культ утонченной женской красоты, с той только
разницей, что вместо гордых хэйанских аристократок героинями гравюр стали
изящные гейши из увеселительных кварталов Эдо. Художник Утамаро (1753—1806)
представляет собой, может быть, уникальный в истории мировой живописи
пример мастера, безраздельно посвятившего свое творчество изображению
женщин — в разных жизненных обстоятельствах, в разнообразных позах и
туалетах. Одна из лучших его работ — «Гейша Осама» находится в Москве, в
Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Необыкновенно тонко
передано художником единство жеста и настроения, освещения и выражения
лица.
Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика
Хокусая (1760—1849). Ему свойственны неизвестные ранее в японском искусстве
полнота охвата жизни, интерес ко всем ее сторонам — от случайной уличной
сцены до величественных явлений природы. Творческая судьба Хокусая
необычна. Плодовитейший мастер, — ему принадлежит свыше 30 тысяч гравюр и
рисунков, более 500 иллюстрированных книг, — он обрел творческую
индивидуальность лишь в преклонном возрасте, накопив за долгую жизнь
великое множество знаний, навыков, умений, достигнув подлинной мудрости в
видении мира и человека. В возрасте 70 лет Хокусай создает свою самую
знаменитую серию гравюр «36 видов Фудзи», за нею последовали серии «Мосты»,
«Большие цветы», «Путешествия по водопадам страны», альбом «100 видов
Фудзи». Каждая гравюра — ценный памятник живописного искусства, а серии в
целом дают глубокую, своеобразную концепцию бытия, мироздания, места
человека в нем, традиционную в лучшем смысле слова, т. е. укорененную в
тысячелетней истории японского художественного мышления, и совершенно
новаторскую, временами дерзкую, по средствам исполнения.
«36 видов Фудзи», представляющие священную гору японцев в разные
времена года и суток, при разном освещении, из различных мест страны —
издалека, вблизи, с моря, сквозь заросли бамбука, явились по существу
первым в японском искусстве образом родины, одновременно конкретным и
обобщенно-символическим. Творчество Хокусая достойно связывает многовековые
художественные традиции Японии с современными установками художественного
творчества и его восприятия. Блистательно возродив пейзажный жанр, давший в
средние века такие шедевры, как «Зимний пейзаж» Сэссю, Хокусай вывел его из
канона средневековья прямо в художественную практику XIX—XX веков, оказав и
оказывая влияние не только на французских импрессионистов и
постимпрессионистов (Ван-Гога, Гогена, Матисса), но и на русских художников
«Мира искусства» и другие, уже современные нам школы.
Искусство цветной гравюры
укиё-э явилось в целом
может быть, даже своеобразным завершением неповторимых путей японского
изобразительного творчества.
Итак, мы познакомились с основными направлениями в истории японского
искусства. Вопреки распространенным суждениям, мы увидели, как органично
связано развитие художественной культуры Японии с развитием культуры
- Древнее население Урала
- Древнее письмо
- Древнее царство Египет
- Древнеиндийская и древнекитайская философия: специфика философии Востока
- Древнеиндийская культура
- Древнеиндийская культура
- Древнеиндийская философия
- Древнеегипетская мифология и религия
- Древнеегипетская цивилизация
- Древнеегипетская цивилизация
- Древнеегипетский эталон красоты
- Древнеегипетское государство
- Древнеегипетское государство
- Древнеегипетское государство
