Этапы Возрождения на примерах итальянских живописцев
План
- Введение…………………………………………………………
……………………………. 3 - Искусство раннего возражения……………………………………………… 4
2.1. Ченни ди Пепо………………………………………………………………… 4-5
2.2. Джотто ди
Бодоне………………………………………………………..
2.3. Мазаччо.
3. Искусство высокого Ренессанса.
3.1. Сандро Боттичелли.
3.2. Леонардо да Винчи
Введение
Возрождение (ренессанс) - качественно новый этап в искусстве западноевропейской культуры. Цель его - переход от эпохи средне векового виденья мира к культуре Нового времени. Переход произошел во всех областях мировоззрения и мироощущения человека: в науке, религии, искусстве. Возрождение было подготовлено и выпестовано средневековыми интеллектуалами, художниками, рыцарями, поэтами, историками. Среди определений нет общепризнанного: есть различные объяснения этом культурному феномену.
Возрождение – это не столько совокупность произведений культуры (картины, фрески, статуи, соборы, дворцы, поэмы, новеллы), но прежде всего новый тип мышления и религиозности, особый духовный склад и образ жизни. Творчество деятелей Возрождения проникнуто верой в безграничные возможности человека, его воли и разума, отрицанием схоластики и аскетизма (гуманистическая этика итальянцев Лоренцо Валлы, Пико делла Мирандолы и др.). Пафос утверждения идеала гармонической, раскрепощенной творческой личности, красоты и гармонии действительности, обращение к человеку как к высшему началу бытия, ощущение цельности и стройной закономерности мироздания придают искусству Возрождения большую идейную значительность, величественный героический масштаб. В развитии культуры Возрождения различают следующие этапы: Раннее Возрождение, представителями которого были Петрарка, Боккаччо, Донателло, Боттичелли, Джотто и др.; Высокое Возрождение, представленное Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэлем, Франсуа Рабле, и Позднее Возрождение, когда обнаруживается кризис гуманизма (Шекспир, Сервантес).
Цель работы: Проследить этапы Возрождения на примерах итальянских живописцев.
Задачи работы:
1. Провести отбор материалов по данному вопросу.
2. Рассмотреть изменения в живописи на различных этапах Возрождения.
Искусство Раннего возрождения
Началом ренессансной живописи считают эпоху Дученто, т.е. XIII века. Проторенессанс ещё тесно связан со средневековыми романскими, готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII – начала XIV вв. ещё далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, ещё использую условные образы византийской изобразительной системы – скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведён, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделённом свойствами реальности – объёмом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приёмов передачи на плоскости объёма и трёхмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря ей, фигуры и здания приобретают плотность и объём.
По-видимому, первым, кто применил античную перспективу, был флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожалению, самая его значительная работа – серия росписей на темы Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан-Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчётливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращается от итальянской живописи XIII века, усвоившей византийские традиции, к их непосредственным истокам. Он почувствовал в них то, что осталось недоступным его современникам, - гармоническое начало возвышенную эллинскую красоту образов.
Жесткость и схематизм уступают место музыкальной плавности линий. Фигура Мадонны уже не кажется бесплотной. В средневековой живописи ангелы трактовались как знаки, как атрибуты Богоматери, они изображались как маленькие символические фигурки. У Чимабуэ они приобретаю совершенно новый смысл, включаются в сцену, это прекрасные юные существа, предвосхищающие тех грациозных ангелочков, которые появятся у мастеров XV века.
Творчество Чимабуэ было исходным пунктом тех новых процессов, которые определили дальнейшее развитие живописи. Но историю искусства невозможно объяснить только эволюционным путем. Иногда в нём обнаруживаются резкие скачки. Великие художники предстают смелыми новаторами, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи ХIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337) . Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей.
Флорентинец по рождению, он работал во многих городах Италии. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто – цикл росписей в Капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа. Этот уникальный живописный ансамбль – одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных отдельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл. 38 сцен из жизни Христа и Марии («Встреча Марии и Елизаветы», «Поцелуй Иуды», «Оплакивание» и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения. Джотто придает формам почти скульптурную ощутимость, тяжесть, плотность. Он моделирует рельеф, постепенно высветляя основной красочный фон. Этот принцип светотеневой моделировки, позволявший работать чистыми, яркими красками без темных теней, стал господствующим в итальянской живописи вплоть до ХVI века.
Реформа, произведенная в живописи Джотто, произвела глубокое впечатление на всех его современников.
Влияние Джотто приобрело свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто. Этап Раннего Возрождения называют триумфальным периодом в истории искусства. Щедрость, размах художественного творчества в Италии ХV века создает впечатление небывалой творческой активности скульпторов и живописцев.
Слава основоположника живописи Кватроченто принадлежит флорентийскому художнику Мазаччо, (1401-1428). (Мазаччо – это прозвище, что означает примерно “Большущий Томмазо”, полное имя художника Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи Гвиди), на долю которого выпала ведущая роль в живописи флорентийского Кватроченто. Так же как Брунеллески и Донателло его считают одним из отцов Возрождения. А кроме того -- гениальным, поскольку к 28 годам (когда прервалась его жизнь) он успел совершить подлинную революцию в искусстве: он смог решить те проблемы живописи, которые поставил за столетие до этого Джотто. Он освоил перспективу (но этим его новаторство не ограничилось); создал росписи в капелле Бранкаччи для флорентийской церкви Санта Мария дель Кармине (Флоренция) (1425/1427-1428), из которых самые известные – “Подать” (другое название фрески “Чудо со статиром”) и “Изгнание Адама и Евы из рая”, которые стали школой для многих поколений художников. В этих сценах Мазаччо показал себя художником, который великолепно понимал, как поместить фигуры в пространстве, придать им телесность и объем, связать их между собой, с пейзажем и каковы законы анатомии человеческого тела. Фреска “Подать” объединяет сразу 3 сюжета: Христос с учениками у ворот города, остановленный сборщиком податей, – центральная композиция; Пётр, по велению Христа вылавливающий рыбу, - чтобы достать из нее необходимую для уплаты монету (дидрахму, или статир, отсюда и другое название фрески – “Чудо со статиром”) – композиция слева. И, наконец, сцена выплаты подати сборщику -- справа. Следует сказать, что сам принцип соединения на одной плоскости трех сцен еще архаичен, но то, как эти сцены написаны – с учетом линейной и воздушной перспективы – явилось подлинным откровением и для современников и Мазаччо, и для всех последующих мастеров. Мазаччо первый решил главную проблему Кватроченто – проблему линейной и воздушной перспективы (вдаль уходят холмы и деревья, и образуют среду, в которой находятся герои. Между фигурами Иисуса и его учениками создается как бы воздушная среда). Некоторым из учеников Христа Мазаччо придал портретное сходство: так, в правой крайней фигуре современники видели самого Мазаччо, в лице слева от Христа улавливали сходство с Донателло. Фрески Мазаччо способствовали тому, что церковь Санта Мария дель Кармине превратилась в своеобразную академию, где учились многие поколения художников, вплоть до Микеланджело, также испытавшего заметное влияние Мазаччо.
Искусство Кватроченто раскололось на множество местных “школ” – чуть не каждый город Италии (как, впрочем, Фландрии или Германии) имел собственную живописную школу. Однако слово “школа” не должно вводить нас в заблуждение. Художественных школ, в которых ученики посещают классы, в те дни не существовало. Живописные школы ХУ в. очень напоминали средневековую школу ремесла, когда ученик поступал в обучение к ведущему мастеру города, с раннего возраста жил в доме учителя, был на побегушках для всей семьи, стараясь тем самым доказать свою полезность; растирал краски, подготавливал доски и холсты, затем начинал выполнять какие-нибудь мелочи в картине, но наконец наступал день, когда хозяин просил его прописать второстепенные фигуры либо раскрасить фон, и, если это удавалось, юноше поручались более сложные вещи – самостоятельно целиком написать картину по эскизу учителя. Таковы живописные школы ХУ в. В каждой из этих школ был ясно выражен ее характер. Как утверждают искусствоведы, всегда видно где, в каком городе была написана та или другая картина ХУ в. – во Флоренции – столице Возрождения, либо в Сиене, Венеции и т.д.
Вслед за Мазаччо целый ряд художников разрабатывал проблемы перспективы, движения и анатолии человеческого тела. Это Паоло Уччелло, Андреа Кастаньо, умбрийский живописец Доменико Венециано. Они получили в науке название перспективистов и аналитиков. Андреа дель Кастаньо обладал четким рисунком, обращался к сильной светотеневой моделировке и монументализировал фигуры (портреты Данте, Петрарки, Боккаччо), а Доменико Венециано строил образ на основе тонкой разработки цвета.
.
Характерная черта живописи позднего Кватроченто – многообразие школ и направлений. В это время складываются Флорентийская, умбийская (Пьеро дела Франческа, Пинтуриккьо, Перуджино) североитальянская (Мантеньи), венецианская (Джованни Беллини) школы.
Один из самых выдающихся художников Кватроченто – Сандро Боттичелли. Полное имя Боттичелли –Алессандро ди Мариано Филипееи (1445-1510). Выразитель эстетических идеалов двора знаменитого тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников.
В искусстве Боттичелли происходит своеобразный синтез средневекового мистицизма с античной традицией, идеалов готики и Возрождения. В его мифологических образах происходит возрождение символизма. Он изображает прекрасных античных богинь не в чувственных обликах земной красоты, а в романтических, одухотворённых, возвышенных образах. Прославившая его картина – «Рождение Венеры». Здесь мы видим своеобразный женский образ Боттичелли, который не спутаешь с работами других художников. Боттичелли удивительно сочетал языческую чувственность и повышенную одухотворённость, скульптурную женственность и нежную хрупкость, изысканность линейную точность и эмоциональность, изменчивость. Он один из самых поэтических художников в истории искусств. Он предпочитает символические, аллегорические темы, любит мечтать, выражаться намёком.
Последние годы жизни Донателло провел во Флоренции. Мрачное и тревожное настроение овладевает в эти годы художником. В произведениях его все чаще звучат темы старости, страданий, смерти
Однако среди флорентийских художников существовало и более архаическое направление, выражавшее консервативные вкусы. Часть из этих художников были монахами. В истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был фра (т.е. “брат” – обращение монаха к монаху) Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (1387—1455). - монах доминиканского ордена. В своем творчестве он испытал влияние Мазаччо, но наряду с чертами Ренессанса у него еще сохранились традиции средневекового искусства. Он соединил в своем творчестве средневековые принципы с ренессансными, облек традиционное религиозное содержание в новые изобразительные формы.
Фра Анжелико писал мадонн, образы которых по средневековым традициям даны на золотом фоне, но полны лиризма, покоя и созерцательнсти. А встречающийся в его работах пейзажный фон – жизнерадостен (что очень характерно для Возрождения). Так, полны лиризма и мечтательности светлые и нарядные фрески в монастыре Сан Марко во Флоренции (1439—1445) - вершина его творчества. Фрески украшают торцовые стены коридоров и монашеские кельи. В одной из келий художник написал “Благовещение” (около 1440). Не трудно убедиться, что законы перспективы не вызывали у него затруднений.
Любимым художником Козимо Медичи был (почти) ровесник Мазаччо, флорентийский мастер Филиппо Липпи (1406—1469). О жизни Филиппо складывались легенды. Он был монахом-кармелитом, но ушел из монастыря. Стал бродячим художником, похитил из монастыря монашенку – Лукрецию Бути (представил ее в образе мадонны),сделал ее своей возлюбленной и умер, если верить Вазари, отравленный родственниками молодой женщины, в которую влюбился уже в преклонном возрасте. С 1437 г. он открыл свою мастерскую во Флоренции. К зрелым работам мастера относятся “Коронование Марии” (1441—1447);“Поклонение Младенцу” (ок.1458—1460), выполненная для алтаря капеллы палаццо Медичи. А лучшей картиной мастера считается “Мадонна с младенцем и ангелами” (1465). В целом, Филиппо работал в жанрово-повествовательном ключе, а его мадонны были проникнуты светским духом.
Искусство Высокого Ренессанса
Ранний Ренессанс длился около столетия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром художественной жизни в это время становится Рим.
Если искусство Кватроченто – это анализ, поиски, находки, свежесть юношеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса – это итог, синтез, мудрая зрелость. Поиски художественного идеала в период Кватроченто привели искусство к обобщению, к раскрытию общих закономерностей. Главное отличие искусства Высокого Ренессанса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у великих мастеров Чинквеченто в грандиозном обобщении.
Образ прекрасного, сильного духом человека составляет главное содержание искусства того времени. В отличии от искусства ХV века ему свойственно стремление постигнуть и воплотить общую закономерность явлений жизни.
Это была эра титанов Возрождения, подарившая мировой культуре творчество Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. В истории мировой культуры эти три гения, несмотря на всю их несхожесть, творческую индивидуальность олицетворяют главную ценность итальянского Возрождения – гармонию красоты, мощи и интеллекта. Их жизнь – свидетельство того изменения отношения общества к творческой личности художника, которая характерна для эпохи Возрождения.
Мастера искусств стали заметными и ценными фигурами в обществе, они справедливо считались образованнейшими людьми своего времени. характеристика, может быть, больше, чем к другим деятелям Возрождения, подходит к Леонардо да Винчи (1452 – 1519). Он объединил в себе художественный и научный гений. Леонардо был ученым, изучающим природу не ради искусства, а ради науки. Поэтому до нас дошло так мало законченных произведений Леонардо. Он начинал картины и бросал их, как только проблема казалась ему ясно сформулированной. Многие его наблюдения предвосхищают развитие европейской науки и живописи на целые столетия. Современные научные открытия подогревают интерес к его научно-фантастическим инженерным рисункам.
Его «Мадонна в гроте» - первая монументальная алтарная композиция Высокого Ренессанса. Это большая картина распространенного в ренессансной живописи формата, который напоминает окно, закругленное наверху.
Новым этапом в искусстве была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария деле Грацие на сюжет «Тайной вечери», который писали многие художники Кватроченто. «Тайная вечеря» - краеугольный камень классического искусства, в ней осуществлена программа Высокого Возрождения. Леонардо работал над этим произведением 16 лет. Громадная фреска, где фигуры написаны в полтора раза больше натуральной величины, стала примером мудрого понимания законов монументальной живописи, связанной с реальным пространством интерьера. В ней воплотились научные изыскания художника в области физики, оптики, математики, анатомии, необходимые для решения проблем пропорций и перспективы на огромном живописном пространстве. Главное же, гениальное произведение Леонардо обладает огромном психологической силой. Никто из художников, изображающих тайную вечерю до Леонардо, не ставил такой сложной задачи – через реакцию разных людей, индивидуальностей, темпераментов, эмоциональных откликов показать единый смысл этого великого момента. 12 апостолов, 12 разных характеров по-разному проявляют себя в момент душевного потрясения. Через их эмоциональные реакции, выраженные в движении, раскрываются извечные вопросы человека: о любви и ненависти, преданности и предательстве, благородстве и подлости.
Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо «Джоконда». Этот портрет жены купца дель Джокондо приковывал внимание на протяжении столетий, о нем написаны сотни страниц комментариев, его похищали, подделывали, копировали, ему приписывали колдовскую силу. Неуловимое выражение лица Джоконды не поддается точному описанию и воспроизведению. Этот портрет стал шедевром ренессансного искусства.
Впервые в истории мирового искусства портретный жанр встал на один уровень с композициями на религиозную тему.
Идеи монументального искусства Возрождения нашли яркое выражение в творчестве Рафаэля Санти (1483-1520). Леонардо создал классический стиль, Рафаэль утвердил и популяризовал его. Искусство Рафаэля часто определяют как «золотую середину».
Творчество Рафаэля отличают качества классики – ясность, благородная простота, гармония. Всей своей сутью оно связано с духовной культурой Ренессанса. Он был на 30 лет моложе Леонардо, а умер почти одновременно с ним, успев совершить так много в истории искусств, что трудно представить, что все это мог исполнить один человек. Разносторонний художник, архитектор, монументалист, мастер портрета и многофигурной композиции, талантливый декоратор, он был центральной фигурой художественной жизни Рима. Вершиной его мастерства стала «Сикстинская мадонна», написанная в 1516 г. Для бенедиктинского монастыря в Пьяченце (сейчас картина находится в Дрездене). Для многих она является мерилом самого прекрасного, что способно создать искусство.
Эта алтарная композиция в течение веков воспринимается как формула красоты и гармонии. Трагическим чувством веет от поразительно одухотворенных лиц Мадонны и младенца-Бога, которого она отдает во искупление человеческих грехов. Взгляд Мадонны направлен как бы сквозь зрителя, он полон скорбного предвидения. В этом образе воплощен синтез античного идеала красоты с духовностью христианского идеала.
Историческая заслуга
искусства Рафаэля в том, что
он связал в одно целое два мира
– мир христианский и мир языческий.
С этого времени новый
Микеланджело Боунарроти (1475-1564) – величайший мастер Высокого Возрождения, создавший выдающиеся произведения скульптуры, Живописи, архитектуры. В Риме художник находился уже в 1508 году, куда был снова вызван Юлием II, заказ украшение потолка Сикстинской капеллы во дворце Ватикана фресковой живописью. Юлий II скончался спустя пару месяцев после завершения росписи Сикстинского потолка.
Падение Флоренции, грозившее Микеланджело опасностью умереть, произвело в его душе серьёзное потрясение, а также ухудшило здоровье. И будучи итак необщительным и суровым, он стал ещё нелюдимее и мрачнее, погрузившись целиком и полностью в свой идейный мир, что никак не могло не сказаться на характере его творчества.
В 1532 году он получил приглашение от «нового» папы в Рим, дабы завершить украшение Сикстинской капеллы, изобразив «Страшный суд» на алтарной стене, а «Падение Люцифера» на противоположной. Только первая была исполнена Буонаротти в 1534-1541 без помощников.
Последними произведениями кисти Микеланджело были фрески в капелле дворца Ватикана. Буонаротти немного позже расстался со скульптурой, своей любимой отраслью, в которой работал, будучи в преклонном возрасте.
Художник занимался архитектурой, доживая свои последние годы. Он был назначен в 1546 году главным зодчим собора Петра, потому как Микеланджело был не только талантлив, но и опытен в деле строительства.
Заключение
Живописцы Ренессанса создали цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира, наполнили традиционные религиозные сюжеты земным содержанием. Реалистическое изображение человека стало главной целью художников Раннего Возрождения, о чем свидетельствуют их творения. Изобретение способа передачи перспективы способствовало более правдивому отображению действительности. В это же время сложилось представление о царящей в природе гармонии и о человеке как венце её творения. На смену жесткости и схематичности пришли плавность линий . Начинается поиск новых приемов письма для передачи объема и трехмерного пространства. Художники раннего учились пониманию как поместить фигуры в пространстве, придать им объем , связать их между собой , с пейзажем. Была решена одна из проблем Раннего Возрождения в произведения, появилась линейная и воздушная перспектива. Также разрабатывались другие перспективы как движение и анатомическое изображение тел.
Различные течения раннего Возрождения даже крайне религиозные получили новый облик. Фрески полны лиризма, покоя и созерцательности.
Этапу Высокого Возрождения свойственно обобщение, раскрытие общих закономерностей. Если Ранние Возрождение это поиск находки по Высокий –итог, мудрость. Творцов этого этапа трудно назвать только художниками. Они разносторонне развиваются в различных областях не только искусства, архитектуры, но и науки в различных ее направления. Яркий пример Леонардо да Винчи. Научные изыскания также значительны, как и его художественные произведения. Наука и живопись в деятельности Леонардо да Винчи перекликались. Научные изыскания в оптике, математике, анатомии требовались для решения проблем с пропорциями на огромных пространствах фресок. И такое смешение науки и живописи было распространено в данный период. Впервые в истории мирового искусства портретный жанр стал на один уровень с композициями на религиозную тему.
Ренессанс, эпоха интеллектуального и художественного расцвета, который начался в Италии в XIV веке, достигнул пика в XVI веке и оказав значительное влияние на живопись. Но это влияние распространилось не только на культуру, изменения коснулись науки, других форм общественного сознания. Европа впервые ощутила живую связь времен. К закату Возрождения это ощущение утратится.
