Титаны ренессанса (Санти, Микеланджело, Леонардо да Винчи)
Титаны ренессанса (Санти, Микеланджело, Леонардо да Винчи)
Введение
В конце XIV - начале XV веков в Италии, начала формироваться культура, получившее название культуры Возрождения (культуры Ренессанса). Термин «Возрождение» указывает на связь новой культуры с античностью. В это время итальянское общество активно интересуется культурой Древней Греции и Древнего Рима. Усиливаются светские мотивы в европейской культуре, все более самостоятельными и независимыми от церкви становятся различные сферы жизни общества - искусство, философия, литература, образование, наука. В центре внимания деятелей Возрождения был человек, поэтому мировоззрение носителей этой культуры обозначают термином «гуманистическое».
Гуманисты Возрождения полагали, что в человеке важно не его происхождение или социальное положение, а личностные качества, такие, как ум, творческая энергия, предприимчивость, чувство собственного достоинства, воля, образованность. В качестве «идеального человека» признавалась сильная, талантливая и всесторонне развитая личность, человек-творец самого себя и своей судьбы. В эпоху Возрождения человеческая личность приобретает невиданную ранее ценность, важнейшей чертой гуманистического подхода к жизни становится индивидуализм, что способствует распространению идей либерализма и общему повышению уровня свободы людей в обществе [2].
Цель работы – описать гуманистическое начало в произведениях мастеров эпохи Возрождения.
Для решения цели работы необходимо выполнить следующие задачи:
- раскрыть гуманистические представления Леонардо да Винчи;
- описать гуманистические взгляды Санти;
- раскрыть гуманистические представления Микеланджело.
Актуальность выбранной темы состоит в том, что в современном обществе гуманистические начала, заложенные Санти, Микеланджело, Леонардо да Винчи, в большинстве своем утеряны. Только сейчас человеколюбие в людях «просыпается» после «спячки» в девяностых годах XX века, благодаря деятельности государства и церкви. Необходимо развивать во всем мире гуманистические взгляды, например, через искусство, несмотря ни на что. Это позволит обрести дружбу между народами и государствами.
Леонардо да Винчи (1452-1519)
Леонардо да Винчи итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый, инженер. Леонардо да Винчи создал образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам Высокого Возрождения.
Отец отдал Леонардо на обучение в художественную мастерскую Андреа дель Верроккьо – живописца, скульптора, человека разностороннего, как многие образованные люди Возрождения.
В картине «Поклонении волхвов», одной из первых работ Леонардо - художник превращает религиозный образ в зеркало разнообразных человеческих эмоций.
В работе «Мадонна Бенуа» Леонардо изобразил юную мать в тот момент, когда она играет с ребенком – протягивает ему цветок и с улыбкой следит за тем, как неловко он старается его схватить. Пред зрителем возникает простая жизненная сцена. Но в ней проявляются любовь к человеку, восхищение им, характерные черты для эпохи Возрождения.
В картине «Мадонна Литта» Леонардо сосредоточил все внимание на выразительном лице матери, передал ее нежный, задумчивый взгляд.
С 1481 года Леонардо выступает в роли военного инженера, гидротехника, организатора придворных празднеств в Милане при дворе правителя Лодовико Сфорца. В это время был создан конный памятник отцу Лодовико – Франческо. Жизнеописатель Вазари: «Те кто видел огромную глиняную модель, которую сделал Леонардо, утверждают, что никогда не видели произведения более прекрасного и величественного» [4].
Рис. 1.1 – Картина «Тайная вечеря»
В 1491 году Леонадо написал картину «Мадонна Литта». На картине изображена женщина, держащая на руках младенца, которого она кормит грудью. Фон картины — стена с двумя арочными окнами, свет из которых падает на зрителя и делает стену более тёмной. В окнах просматривается пейзаж в голубых тонах. Сама же фигура Мадонны освещена светом, идущим спереди. Женщина смотрит на ребёнка нежно и задумчиво. Лицо Мадонны изображено в профиль, на губах нет улыбки, лишь в уголках притаился некий её образ. Младенец рассеянно смотрит на зрителя, придерживая правой рукой грудь матери. В левой руке ребёнок держит щегла.
В 1497 году написана картина «Тайная вечеря» (рис. 1.1) отражает новую ступень зрелости гуманистического сознания Высокого Возрождения. В ней поражает многообразие типов, характеров, душевных движений людей, переданных художником. Смысловой центр произведения - страшный акт предательства, торжество отвратительного злодейства.
Преследуемый
врагами Христос тайно
В «Тайней вечере» есть и красивые, импозантные фигуры, но есть и менее импозантные. А главное - нет убежденности в своей правоте, нет единства. Точнее, - единство только кажущееся, оно распадается на глазах. Рядом с отдельными смелыми, готовыми к действию - уставшие, трусливые, равнодушные, озабоченные только собой. Фреска Леонардо - это обличение зла - предательства и равнодушия, которое подпитывает зло.
Раньше художники эпохи Возрождения изображали только положительные черты человека, такие как воля, дух. Леонардо же первый взглянул на человека шире, не скрывая и отрицательных сторон человека.
Рис. 1.2 – Портрет Моны Лизы
Гуманистический идеал женской красоты воплощен в портрете Моны Лизы 1503 года. Молодая женщина смотрит прямо на зрителя. Ее внимательный взгляд, чуть-чуть улыбающийся рот выражают меняющиеся оттенки чувсв и настроений – задумчивость, мечтательность, затаенную насмешку, подавленную печаль. Основное значение данной картины это передача богатства внутреннего мира человека, которое способна запечатлеть живопись [1].
Как ученый и инженер Леонардо да Винчи обогатил проницательными наблюдениями и догадками почти все области знания того времени, рассматривая свои заметки и рисунки как наброски к энциклопедии. Он был ярким представителем нового, основанного на эксперименте естествознания. Особое внимание Леонардо уделял механике, называя ее «раем математических наук» и видя в ней ключ к тайнам мироздания; он попытался определить коэффициенты трения скольжения, изучал сопротивление материалов, увлеченно занимался гидравликой. Многочисленные гидротехнические эксперименты получили выражение в новаторских проектах каналов и ирригационных систем. Страсть к моделированию приводила Леонардо к поразительным техническим предвидениям, намного опережавшим эпоху: таковы наброски проектов металлургических печей и прокатных станов, ткацких станков, печатных, деревообрабатывающих и прочих машин, подводной лодки и танка, а также разработанные после тщательного изучения полета птиц конструкции летальных аппаратов и парашюта [6].
Собранные Леонардо наблюдения над влиянием прозрачных и полупрозрачных тел на окраску предметов, отраженные в его живописи, привели к утверждению в искусстве принципов воздушной перспективы. Универсальность оптических законов была связана для него с представлением об однородности Вселенной. Он был близок к созданию гелиоцентрической системы, считая Землю «точкой в мироздании». Изучал устройство человеческого глаза, высказав догадки о природе бинокулярного зрения.
В анатомических исследованиях, обобщив результаты вскрытий, в детализированных рисунках заложил основы современной научной иллюстрации. Изучая функции органов, рассматривал организм как образец «природной механики». Впервые описал ряд костей и нервов, особое внимание уделял проблемам эмбриологии и сравнительной анатомии, стремясь ввести экспериментальный метод и в биологию. Утвердив ботанику как самостоятельную дисциплину, дал классические описания листорасположения, гелио- и геотропизма, корневого давления и движения соков растений. Явился одним из основоположников палеонтологии, считая, что окаменелости, находимые на вершинах гор, опровергают представления о «всемирном потопе».
Явив собою
идеал ренессансного «
Леонардо да Винчи является одним из самых ярких представителей эпохи Возрождения. Его гуманизм проявился не только в его произведениях. Любовь к человеку проявляется и в его научных открытиях, столь важных для мира. Некоторые изобретения Леонардо используются и до сих пор. Некоторые его идеи опередили эпоху Леонардо. Великий исследователь, художник и изобретатель. Сделавший так много для человечества и для гуманистического мировоззрения.
Рафаэль Санти (1483-1520)
Рафаэль Санти – великий итальянский живописец, график и архитектор. Один из самых ярких представителей эпохи Возрождения. В чьих произведениях искусства ярко проявились гуманистические идеи того времени. В творчестве Санти с наибольшей ясностью воплотились гуманистические идеалы Высокого Возрождения о прекрасном и совершенном человеке, живущем в гармонии с миром, характерные для эпохи идеалы жизнеутверждающей красоты.
Рафаэль синтезировал достижения предшественников и создал свой идеал прекрасного, гармонически развитого человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа.
Рафаэль Санти был безмерно талантлив. И удостоился высоких оценок своих работ еще при жизни.
Сестра герцога Урбинского Вазари в своем письмо подробно описывает личность Рафаэля.
«Чтобы дать себе отчет, - пишет Вазари, - насколько небо может проявить себя расточительным и благосклонным, возлагая на одну лишь голову то бесконечное богатство своих сокровищ и красот, которое оно обыкновенно распределяет в течение долгого времени между несколькими личностями, надо взглянуть на столь же превосходного, как и прекрасного, Рафаэля Урбинского. Он был от природы одарен той скромностью и той ласковостью, что можно иногда наблюдать у людей, которые более других умеют присоединять к естественному благорасположению прекраснейшее украшение чарующей любезности, проявляющей себя во всем и при всех обстоятельствах одинаково милой и приятной. Природа сделала миру этот дар, когда, будучи побеждена искусством Микеланджело Буонарроти, она захотела быть побежденной одновременно искусством и любезностью Рафаэля». В Рафаэле, свидетельствует Вазари, блистали «самые редкие душевные качества, с которыми соединялось столько грации, трудолюбия, красоты, скромности и доброй нравственности, что их было достаточно, чтобы извинить все пороки, как постыдны они ни были бы. Таким образом, можно утверждать, что те, кто так счастливо одарен, как Рафаэль Урбинский, не люди, но смертные боги, если только так позволено выразиться... В течение всей своей жизни он не переставал являть наилучший пример того, как нам следует обращаться как с равными, так и с выше и ниже нас стоящими людьми. Среди всех его редких качеств одно меня удивляет: небо одарило его способностью иначе себя вести, нежели это принято среди нашей братии художников; между всеми художниками, работавшими под руководством Рафаэля царило такое согласие, что каждый злой помысел исчезал при одном его виде, и такое согласие существовало только при нем. Это происходило от того, что все они чувствовали превосходство его ласкового характера и таланта, но главным образом благодаря его прекрасной натуре, всегда столь внимательной и столь бесконечно щедрой на милости, что люди и животные чувствовали к нему привязанность... Он постоянно имел множество учеников, которым он помогал и которыми он руководил с чисто отеческой любовью. Поэтому, отправляясь ко двору, он и был всегда окружен полсотней художников, всё людей добрых и смелых, составлявших ему свиту, чтобы воздать ему честь. В сущности, он прожил не как художник, а как князь» [4].
Дух описания Вазари соответствует гуманистическому духу того времени. Подчеркивается личностные качества Рафаэля, а его положение в обществе отходит на второй план.
В культурном наследии
Рафаэля так много «
В своих работах сначала Рафаэль опирался на опыт Перуджино, позднее поочередно - на находки да Винчи, Бартоломео, Микеланджело.
Одной из первых работ Санти является картина «Сон рыцаря». На фоне красивого пейзажа изображен рыцарь. Юноша уснул на распутье. И во сне ему явились две прекрасные женщины: одна, с цветами в руках, олицетворяет Чувственность, другая, с мечом и книгой, - Доблесть. Которой из них отдаст предпочтение юноша, вступающий в жизнь, какой путь он изберет? Таков глубокий смысл картины (А.С. Жукова) [1].
В 1504 году Санти приехал во Флоренцию. Во Флоренции в то время работали величайшие художники Италии Леонардо да Винчи и Микеланджело. Познакомившись с такими мастерами, Рафаэль многому у них учится. В это время в творчестве, Санти, привлекает образ мадонны с ребенком.
Например, картина
«Мадонна Грандука». Мадонны Рафаэля
полны такой прелести, что один
из владельцев этой картины, герцог Тосканский,
приобретший картину почти
В 1504 году Рафаэль создает картину «Обручение Девы Марии».
На переднем плане изображена группа участников свадебной церемонии: в центре, на одной оси с храмом, — священник, держащий за руки Марию и Иосифа, который протягивает ей обручальное кольцо. В левой руке Иосифа — расцветший посох, что, по преданию, и явилось знаком его избранности, посланным свыше: рядом с Иосифом один из отвергнутых женихов в гневе ломает свой посох. Любопытно, что, согласно раннехристианскому преданию избрание Иосифа среди других претендентов совершается по другому чудесному знамению: из его посоха вылетела голубка и села ему на голову. Рафаэль же использует свидетельство святого Иеронима, который в свою очередь основывался на библейской истории о расцветшем миндалевым деревом жезле Аарона. Из близости слов virga — «палочка» и virgo — «девственница» в средние века за миндалем закрепилось значение девственной чистоты, а само дерево стало одним из атрибутов Богоматери.
Существенный символический
аспект получает в картине мотив
сквозного прохода через храм,
через который виднеются
Фигуры, созданные Рафаэлем, уже лишены архаической скованности, в них меньше статики — даже при том, что он использует все ту же идеально симметричную композицию, математическую выверенность которой только подчеркивает Идеальный Храм на заднем плане. Новаторство языка его архитектуры — с легкой аркадой ионического ордера, идеальным полусферическим куполом — заставило предположить некоторых исследователей влияние на Рафаэля Браманте, уже построившего к 1502 году свой знаменитый Темпьетто. Однако до своего переезда во Флоренцию Рафаэль скорее всего не мог видеть этой постройки, к тому же изображенный на его картине храм отличается весьма неконструктивным духом, что особенно проявилось в странных завитках волют, обеспечивающих переход от венца колонн к барабану купола, сложная спиралевидная форма которых не слишком подходит для исполнения из камня. Его храм — в первую очередь символ, и только затем — манифест новых архитектурных идей.
Рис.2.1 – Автопортрет Рафаэля Санти
К флорентийскому периоду творчества Рафаэля относится его автопортрет (рис. 2.1.), написанный в 1506 году в двадцать три. Голова его и плечи четко вырисовываются на гладком фоне. Контур необыкновенно тонок, чуть волнист . Взгляд задумчив и мечтателен. Рафаэль как бы смотрит на мир и проникается его гармонией. Смотря на картину можно сопоставить описание Вазари с визуальным видением зрителя.
И, глядя на его
автопортрет, как не согласиться
с итальянским писателем
Рис.1.2 – Фреска «Афинская школа»
В 1508 году Папа Юлий II приглашает Рафаэля в Рим и, совместно с другими приглашенными художниками, поручает им роспись парадных залов Ватиканского дворца. Со временем Папа Римский оставил одного Санти. Рафаэль расписал три зала. Лучший из них – зал «Станца дела Сенья-тура». Каждую из стен зала занимает огромная фреска на темы: богословие «Диспут», поэзия «Парнас», закон «Мудрость, Мера и Сила», и философия «Афинская школа» (рис. 2.2).
На фреске изображено величественное античное здание. На его ступеньках, под сенью статуй самых творческих богов древности - Аполлона и Минервы, собрались прославленные мудрецы античности - философы, математики. В центре, сойдясь плечом к плечу - Платон и Аристотель. Седовласый Платон, подняв руку, указывает на небо: там истина; значительно более молодой Аристотель, напротив, раскрытую ладонь в энергичном жесте обратил к земле: нет, истина здесь. Вправо и влево от этих двух отцов мудрости - их ученики и сторонники. Одни напряженно слушают, другие сосредоточенно размышляют, третьи торопливо записывают, иные не скрывают своего сомнения, горячо спорят, энергично жестикулируя, а те спешат не опоздать к ученому спору. Отдельные кружки как бы обособились, но всюду напряженно работают. Особенно выразительна группа молодых людей в правом углу картины, собравшаяся вокруг маститого ученого склонившегося над каким-то чертежом. Они атлетически сложены, их позы, жесты полны горячей заинтересованности, лица светятся жаждой знания: они и стараются понять, и активно участвуют в решении трудной задачи [4].
Чтобы оценить силу и глубину этого творения, нужно учесть, какая невероятно сложная задача была поставлена перед художником - изобразить Философию (таково первоначальное название фрески). Рафаэль разрешил эту задачу гениально и - вполне в духе Высокого Возрождения: пожалуй, в ренессансном искусстве не существует другого произведения, где бы с такою художественной убедительностью, в такой могучей гармонии слилось и выразилось отдельное и цельное, индивидуальное и общее.
«Афинская школа», быть может, самое художественное творение ренессансного гуманизма, но прежде всего это гимн свободе и могуществу человеческой мысли, безбрежности полета свободного, познающего разума. Во фреске Рафаэля мышление представлено как высшее воплощение свободы и достоинства человека.
Наряду с образами идеальных людей, рожденных его творческим вдохновением. Рафаэль рисовал и портреты своих современников. Например, о портрете Юлия II Вазари говорит: «В это же время, пользуясь уже величайшей известностью, он написал маслом портрет Папы Юлия, настолько живой и похожий, что при одном виде портрета люди трепетали, как при живом Юлии».
В 1515 году Рафаель написал портрет «Донна Велата». «Донна Велата» принадлежит к числу величайших шедевров гуманистического Высокого Возрождения. Она - редчайший эталон тихой, ничем не замутненной женской красоты.
В период с 1515 по
1519 года Рафаэль создал обаятельный
образ женщины в картине «
Жуковский: «Перед глазами полотно, на нем лица, обведенные чертами, и все стеснено в малом пространстве, и, несмотря на то, все необъятно, все неограниченно... Занавесь раздвинулась, и тайна небес открылась глазам человека... В Богоматери, идущей по небесам, не приметно никакого движения; но чем более смотришь на нее, тем более кажется, что она приближается».
Брюллов: «Чем больше смотришь, тем более чувствуется непостижимость сих красот: каждая черта обдумана, переполнена выражения грации, соединена со строжайшим стилем...»
Белинский: «В ее взоре есть что-то строгое, сдержанное, нет благодати и милости, но нет гордости, презрения, а вместо всего этого какое-то не забывающее своего величия снисхождение”»
Герцен: «Внутренний мир ее разрушен, ее уверили, что ее сын - Сын Божий, что она - Богородица; она смотрит с какой-то нервной восторженностью, с материнским ясновидением, она как будто говорит: “Возьмите его, он не мой”. Но в то же время прижимает его к себе так, что, если б можно, она убежала бы с ним куда-нибудь вдаль и стала бы просто ласкать, кормить грудью не спасителя мира, а своего сына».
Достоевский видел в «Сикстинской мадонне» высшую меру человеческого благородства, высочайшее проявление материнского гения. Большая поясная ее репродукция висела в его комнате, в которой он и скончался [4].
Рафаэль был не только живописцем, но и поэтом и архитектором. Он писал сонеты, строил дворцы, церкви, часовни.
В 1514 году Папа Лев X поставил Санти во главе строительства собора Святого Петра.
Смерть Рафаэля прервала эту работу.
Рафаэль оставил
нам большое богатство –
Микеланджело Буонарроти (1475-1564)
«Не родился еще человек, который, подобно мне, был бы столь склонен любить людей», - писал о себе великий итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт Микеланджело.
С наибольшей силой Микеланджело в своих произведениях искусства выразил глубокие, человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, а также трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания в период Позднего Возрождения в годы торжества церковной и феодальной реакции.
В возрасте 13 лет отец Микеланджело привел его учеником в мастерскую Художника Гирландайо. Год спустя, Буонарроти переходит в школу скульптора Бертольдо ди Джованни. Среди его скульптурных работ того времени можно выделить рельефы «Мадонна у лестницы» и «Битва кентавров», статую «Вакха» и скульптурную группу «Пьета».
«Мадонна у лестницы» - первая самостоятельная скульптурная работа Микеланджело, созданная в 1491 году по его собственному замыслу.
Представляет собой барельеф, изображающий Богоматерь, сидящую в профиль на скамье у подножия лестницы и держащую в руках младенца. Вопреки сложившейся к тому времени традиции Иисус обращён спиной к зрителю, его лица не видно. Боковая доска балюстрады лестницы и рука мальчика Иоанна Крестителя, стоящего на ступенях, образуют символический крест, стоящий на коленях Мадонны (или же упирающийся ей в ладонь). Это изображение показывает, что Богоматерь будто чувствует тяжесть креста, на котором, как она знает, будет распят её Сын.
Итальянский мастер в скульптурной группе «Пьета» переосмыслил в духе высокого гуманизма скульптурное изображение безжизненного Христа на руках матери. Мадонна представлена им как совсем юная и прекрасная женщина, которая скорбит об утрате самого близкого ей человека.
Несмотря на сложность соединения в одном изваянии двух столь крупных фигур, композиция «Пьеты» безупречна. Фигуры трактованы как единое целое, их соединение поражает слитностью. Вместе с тем скульптор тонко противопоставляет мужское и женское, живое и мёртвое, нагое и прикрытое, вертикальное и горизонтальное, чем вносит в композицию элемент напряжения.
Крупные, ломающиеся складки одеяния Мадонны не только намеренно усиливают драматический излом лежащего на её коленях тела, но и служат своеобразным пьедесталом для всей пирамидальной композиции. В этих изощрённых складках угадывается скрытая мощь, как духовная, так и физическая, контрастирующая с мягкими чертами лица Богоматери.
Рис.3.1 – Скульптура Давида
В 26 лет Микеланджело берется за трудную работу. Олин скульптор начал высекать статую из мраморной глыбы высотой более пяти метров, но испортил мрамор и бросил его. Лучшие мастера того времени, в том числе и да Винчи, отказывались браться за эту работу. Микеланджело согласился. Через три года перед зрителями предстал отважный юноша Давид, который, согласно легенде, победил в единоборстве великана Голиафа (рис. 3.1). Скульптор показал своего героя, как прекрасного, атлетически сложенного гиганта в момент перед сражением, полного уверенности и грозной силы. Впоследствии было сделано несколько копий скульптуры [1].
Рис.3.2 – Сиктинская капелла
Фрески Сикстинского плафона (рис. 3.2) — самый грандиозный из осуществленных замыслов Микеланджело. Роспись громадного свода включает в себя девять больших композиций в зеркале свода на темы книги Бытия — от «Сотворения мира» до «Всемирного потопа». Один из ярких образов этой росписи – первый человек Адам. Мужественный и прекрасный, с еще неразбуженной мыслью и нераскрывшимися силами лежит он на склоне холма, протянув руку к создавшему его Богу. Через плечо Бога смотрит ангел, изумленный красотой человека (А.С. Жукова) [1]. В этом образе прекрасно сливаются гуманистические представления о человеке. Представляя качества человека, которыми можно восхищаться. Можно восхититься и самим художником ведь он в неимоверно трудных условиях создавал эти росписи. Более четырех лет труда, требовавшего почти сверхчеловеческого духовного и физического напряжения. Наглядное представление об этом дают такие саркастические стихи Микеланджело:
Я получил за труд лишь зоб, хворобу
(Так пучит кошек мутная вода
В Ломбардии - нередких мест беда!)
Да подбородком вклинился в утробу;
Грудь как у гарпий; череп мне на злобу
Полез к горбу; и дыбом борода;
А с кисти на лицо течет бурда,
Рядя меня в парчу, подобно гробу;
Сместились бедра начисто в живот;
А зад, в противовес, раздулся в бочку;
Ступни с землею сходятся не вдруг;
Свисает кожа коробом вперед,
А сзади складкой выточена в строчку,
И весь я выгнут, как сирийский лук [4].
В 1507 году Микеланджело создает картину «Мадонна Дони». Первый план отдан мускулистой фигуре девы Марии; над ней как бы нависает Иосиф Обручник. На заднем плане и несколько в стороне по тосканской традиции помещён Иоанн Креститель. Взоры всех троих устремлены на младенца Христа, которого Мария то ли передаёт мужу, то ли принимает от него.
Картина проникнута усложнённым символизмом. Например, клевер на переднем плане символизирует Троицу, иссоп перед Иоанном Предтечей - крещение. Загадочный элемент композиции - пять обнажённых мужских фигур, которые расположены на заднем плане, отделены от Святого семейства горизонтальной полосой и не смотрят на Христа. В искусствоведческой литературе приводятся многочисленные интерпретации этих фигур - от теологических (древние язычники, ожидающие крещения) до психоаналитических.
Ближайшим аналогом «Мадонны Дони» в искусстве Возрождения принято считать произведение Синьорелли «Мадонна Медичи», где также присутствуют обнажённые юноши. Подобно картине «Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом» Леонардо да Винчи, композиция строится на симметрии треугольников.
В 1520 году Микеланджело принялся за сооружение во Флоренции гробницы семьи Медичи – правителей города. Работа над гробницей была прервана восстанием города против Медичей. В 1527 году во Флоренции была восстановлена республика. Микеланджело сам принимал активное участие в защите города. Но республика была побеждена.
Для помилования Буонарроти пришлось закончить строительство гробницы семьи Медичи. В 1534 году гробницы Джулиано и Лоренцо Медичи были закончены. Четыре обнаженные фигуры на саркофагах – «Вечер», «Ночь», «Утро» и «День» - как бы символизировали быстротекущее время.
Внутренняя напряженность и в то же время щемящее сомнение, предчувствие обреченности - вот что выражают все эти фигуры. Печаль разлита во всем и ходит от стены к стене.
В честь самой знаменитой фигуры - прекрасной «Ночи» - были сочинены такие стихи:
Вот эта ночь, что так спокойно спит
Перед тобою, - ангела создание.
Она из камня, но в ней есть дыхание:
Лишь разбуди, - она заговорит.
Но Микеланджело с этим не согласился и так ответил от имени самой «Ночи»:
Отрадно спать, отрадно камнем быть,
О, в этот век, преступный и постыдный,
Не жить, не чувствовать - удел завидный,
