Рим

    Оглавление 

    Введение

    Глава 1. Характерные признаки древнеримского искусства

        1.1. Исторические корни римской культуры

        1.2. Римский стиль живописи

    Глава 2. Основные направления и разновидность  древнеримской живописи

        2.1. Фаюмские портреты.

        2.2. Монументальная живопись

        2.3. Живопись этрусков

        2.4. Живопись эпохи республики

        2.5. Живопись времени принципата  Августа

        2.6. Искусство времени Юлиев –  Клавдиев и Флавиев

    Заключение

    Библиография

 

     Введение 

    Искусство Древнего Рима с его оригинальными  и совершенными памятниками живописи, архитектуры и скульптуры принадлежит  к высшим достижениям мировой  культуры. Римское изобразительное  искусство, подобно искусству греков, составляет неотъемлемую часть художественной системы античности. Границы Римского государства и сферы его влияния  были обширны. В орбиту художественных влияний Рима включалось множество  разнообразных народов и племён, обладавших своими, подчас сильными художественными  традициями. Римское искусство, развиваясь в рамках античной рабовладельческой  эпохи, вместе с тем сильно от него отличалось. Становление и формирование культуры римлян происходило в иных исторических условиях. Познание мира римлянами приобретало новые  формы. Художественное осмысление жизни  римлянами несло на себе печать аналитического отношения. Их искусство воспринимается как более прозаическое в отличие  от греческого. Яркой особенностью искусства Рима является его теснейшая  связь с жизнью. В художественных памятниках находили отражения многие исторические события. Перемена в общественном строе – смена республики империей, смена династий правителей Рима –  непосредственно влияли на изменения  в живописных, скульптурных и архитектурных  формах. Именно по этому порой не трудно по стилистическим признакам  определить время создания того или  иного произведения.

    Целью нашей работы является познать –  каково оно художественное  искусство  Римской Республики. Для этого  рассмотрим живопись Древнего Рима.

    Для достижения поставленной цели необходимо выполнить следующие задачи:

    - изучить литературу по этому  вопросу;

    - познакомиться с репродукциями;

    - выявить характерные признаки  древнеримской живописи.

      Множество источников помогут  нам в этой задаче. Так прежде  всего “История искусств” под  редакцией А. Воротникова, О.  Горшковоза, О. Еркина. Также “История  культуры Древнего Рима и Греции”  перевод с польского В. К.  Ронина.

    Работа  состоит из введения, двух глав, заключения и литературы.

 

     Глава 1. Характерные  признаки древнеримского искусства

    1.1. Исторические корни  римской культуры

    К концу VI в. до н.э. Рим, история которого началась с небольшой родовой  общины на Тибре, стал аристократической  республикой. Республиканский период явился временем становления римской  культуры.

    В IV-III вв. до н. э. Рим сумел подчинить  себе весь Апеннинский полуостров, в III-II вв. римляне разбили Карфаген, завоевали Грецию и все Восточное  Средиземноморье. Завоеватели и  солдаты, римляне создали мощное военно-административное государство, ввели твердую упорядоченность  в свой быт, напоминавший быт казармы. Постоянный приток рабов из пленных  давал дешевую рабочую силу. Римская  республика патрициев и плебеев  превратилась очень скоро в могущественную рабовладельческую державу древнего мира. Но на протяжении всей истории  существования Римскую республику сотрясали восстания рабов, гражданские  войны, борьба за власть, что и привело  к падению республики и возникновению  империи.

    Римляне, как греки и этруски, были язычниками. Но их религия, а отсюда и художественная фантазия была прозаичнее греческой, их мировосприятие - более практичным и трезвым. От этрусков они заимствовали многие религиозные представления  и обычаи, более суровые, чем греческие, а также некоторые основы строительной техники. Уже в эпоху республики римляне создали свой прекрасный театр, острую комедию, мемуарную литературу, строгие исторические сочинения, выработали кодекс законов (римское право явилось  основой всей европейской юриспруденции). После завоевания Римом Греции началось более тесное знакомство с греческим  искусством, которое римляне почитали за образец.

    Во II в. до н. э. греческий язык стал обычным  в высшем обществе. Произведения греческого искусства, прекрасные греческие статуи заполнили общественные здания Рима, жилые дома, загородные виллы. Тогда  и появилось помимо подлинников  много копий с прославленных  греческих произведений Мирона, Фидия, Поликлета, Праксителя, Скопаса, Лисиппа. Но поэтического вдохновения греческого искусства, самого отношения к художнику  как избраннику богов, наделивших его  талантом, в Риме не было никогда. Римское  искусство всегда было более утилитарным.

    Утилитарность мышления римлян сказалась и в  архитектуре. Вслед за этрусками  римляне построили прежде всего  прекрасные дороги. По древнейшей из них, Аппиевой (ее строительство в IVв. до н. э. начал Аппий Клавдий), римские  легионеры шли на завоевание государств Средиземноморья.

    С конца I в. до н.э. с угасанием эллинистических  государств ведущее значение в античном мире приобретает римское искусство. Впитав в себя многое из достижений культуры и искусства Греции, оно  воплотило их в художественной практике колоссальной римской державы. В  основе римской художественной культуры лежат точность и историзм мышления, далекие от возвышенной поэтики  мифотворчества греков.

    Практический  склад римской культуры сказывается  во всем - в прагматичном стиле их мышления, в нормативном представлении  о целесообразном миропорядке, в  скрупулёзности римского права, в тяготении  к точным историческим фактам, в  примитивной конкретности религиозных  представлений, в суровости прозы  как формы литературы, главенствующей в римской культуре.

    Хронологические рамки древнеримской культуры охватывают почти тысячелетие. Начало римского искусства относится к периоду Республики - конец V - конец I вв. до н.э. Оно достигло своего наивысшего расцвета в так называемую эпоху Римской империи - конец I в. до н.э. - V в. н.э.

    Художественная  культура Рима отличалась большим разнообразием  и пестротой форм. В ней отразились черты, свойственные искусству покоренных римлянами народов, которые нередко  стояли на более высоком культурном уровне. Римское искусство сложилось  на основе сложного взаимопроникновения  самобытного искусства италийских племен и народов, среди которых особое место занимали этруски, обладатели высокоразвитой самобытной и древней художественной культуры. Именно этруски познакомили римлян с искусством градостроения, настенной монументальной живописью, скульптурным и живописным портретом. Большой вклад в формирование римской культуры внесли греческие колонисты Южной Италии и Сицилии, никогда не порывавшие культурных связей с метрополией. Именно греческая архитектура и греческие ордерные системы и принципы декора перерабатывались римлянами.

    Не  меньшее значение позже приобрело  для римской культуры и эллинистической  искусство, склонное к грандиозности  и масштабности. Вбирая разнообразные  и наиболее ценные для него элементы римская художественная культура сохраняла, тем не менее свою самобытность и  оригинальность.

    Особенности исторического развития определили важнейшие отличия искусства  римского от греческого. В художественном наследии Рима едва ли не первое место  завоевал скульптурный портрет, к котором  проявился особый интерес к проблеме личности и ее судьбе, представление  о конкретно-историческом характере  рядового человека - гражданина римского государства, сознающего свое значение как самоценной личности.  

    1.2. Римский стиль  живописи

    Начав покорять мир, римляне знакомились  со все новыми способами украшательства домов и храмов, в том числе  с фресковой живописью.

    “Что  касается живописи римлян, то самый  ранний фрагмент росписи, уцелевший  до наших дней, датирован 3 в. до н. э. Речь идет о детали фрески из гробницы, открытой на холме Эсквилин в Риме. Роспись, скомпонованная в три яруса, представляла сцену битвы (с крепостной стеной и вождями враждующих племен). Стоит признать, что работа не поражает виртуозностью исполнения, однако это  вовсе не умаляет ее исторической ценности. От более ранней римской  живописи сохранялись только письменные рассказы, из которых известно, что  в конце 4 в. до н.э. в Риме жил популярный живописец Фабий, покрывший фресками стены храма богини Спасения. не особо изощряясь, граждане Вечного  города (так станут называть Рим  впоследствии) дали Фабию прозвище “Пиктор”, что как раз и означает “живописец”” [2, с. 156].

    Владел  кистью и известный трагический  поэт середины 2 в. до н. э. Паукувий, расписавший  храм на Бычьем форуме.

    Захватив  греческие полисы, римляне свезли себе в город чуть ли не все произведения искусства, какие им удалось погрузить  на корабли. Кроме, того, они понаделали со скульптур Лисиппа, Праксителя, Скопаса  и других греческих мастеров более  или менее удачные копии а  также попробовали сами создавать  кое-что подобное.

    “С  перенесением акцента на интерьер и  появлением парадных комнат в римских  домах и виллах на основе греческой  традиции разрабатывается система  высокохудожественных стенных росписей. С традициями эллинистических фресок тесно связан первый римский стиль  живописи – так называемый помпейский, изученный по фрескам обнаруженных в раскопанных археологами провинциальных Помпеях и в других городах  Кампании (II-I вв. до н. э.). Помпейские росписи  уцелели благодаря тому, что во время сильного извержения вулкана  Везувий (79 г. н. э.) толстый слой вулканического пепла засыпал Помпеи вместе с  домами и виллами, а в некоторых  случаях даже и с жителями” [3, с. 245].

    В доме Саллюстия в Помпеях сохранился прием росписи стен, получивший название в науке “первый помпейский стиль”. Возник он как подражание станковой  живописи, из желания создать впечатление  развешенных по стенам картин. Суть его заключается в том, что все архитектурные детали стены сначала лепятся на поверхность стены объемно из штукатурки (карнизы, квадраты облицовки, цоколь и другие детали), а потом еще и расписываются. Помпейские росписи знакомят нас с основными чертами античной фрески. Римляне применяли росписи также и для украшения фасадов, используя их как вывески торговых помещений или ремесленных мастерских. Первый стиль - инкрустационный, был распространён во II в. до н.э. и до 80-х годов до н. э. после чего его сменил так называемый “второй стиль”.

    “С 80-х гг. до 20-х гг. до н.э. применялся второй из помпейских стилей - архитектурно-перспективный. Стены оставались гладкими и расчленялись живописно-иллюзорными, расписанными колоннами, карнизами, нишами и портиками. Интерьер приобретал нарядность благодаря  тому, что между колоннами часто  размещали большие многофигурные  композиции на мифологические сюжеты. Стены покрывались также изображениями  перспективно переданных улиц, площадей, храмов, садов, сельских равнин и гор. Это позволяло римлянам как бы расширять внутреннее пространство помещений. Второй стиль отличался  от первого полным отсутствием лепных украшений. В оформлении стен вводятся настоящие живописные картины. Привычка копировать греков оказалась такой  сильной, что чаще всего римские  живописцы лишь повторяют произведения греческих классических или эллинистических  художников. Эллинистический пейзаж со множеством фигур на тему “Одиссеи”  сохранился на стенах дома богатого римлянина (понятное дело, что бедные римляне  на стены картин не заказывали) на холме  Эсквилин. Что до портретных аллегорических изображений, то их можно видеть на вилле в Боскореале (середина I в. до н. э.), а также на стенах помпейских вилл, среди которой самой знаменитой считается “Вилла мистерии”” [1, с. 324].

    “Вилла  мистерий”, насчитывает 60 комнат, получила свое название по росписи стен одного из залов. Считается, что образом  для подражания римскому художнику  послужила греческая композиция, иллюстрирующая праздник (мистерию) в  честь Диониса и Ариадны. Особенно живописно выглядят крылатая богиня с хлыстом в руке, обнаженная танцовщица и коленопреклоненная девушка (весьма вероятно, что хлыст предназначается  именно для нее), припавшая к креслу женщины властного облика.

    “Третий стиль - ориентализирующий - больше характерен для периода империи. В противоположность  некоторой пышности второго стиля, этот стиль отличает строгость, изящество  и чувство композиции. Иногда, посредством  воспроизведения какой-нибудь знаменитой картины известного мастера, выделяется центральное поле стены. Орнамент в  виде тонких колонн, гирлянд из цветов подчёркивает уют комнаты” [4, с. 345].

    “Четвёртый  или декоративный стиль распространяется с середины I в. н.э. Своей пышностью  и декоративностью он продолжает традиции второго стиля. Вместе с  тем, богатство орнаментальных мотивов  напоминает росписи третьего стиля” [1, с. 34].

    Помпейские  росписи сыграли важную роль в  дальнейшем развитии декоративного  искусства Западной Европы.  
 

 

     Глава 2. Основные направления  и разновидность  древнеримской живописи

    2.1. Фаюмские портреты. 

    В расписном искусстве портрет  получает широкое распространение  и в живописи. Однако эволюцию римского живописного портрета нельзя проследить подобно скульптурному. Живописных портретов сохранилось немного. Об их характере в известной мере дают представления фаюмские портреты 2-3.в названых по месту нахождения в некрополе Эль-Фаюм, в восточной  римской провинции Египта. Живописный портрет в Эль-Фаюме, развивался под воздействием эллинестически - римского искусства. Он сохранил здесь  ещё культовое назначение, продолжая  этим традицию древнеегипетского портрета. Исполненный на тонкой деревянной дощечке  или холсте, портрет после смерти человека вставлялся в забетонированную мумию. Фаюмский портрет был основным видом живописного искусства. В  нём уже не было скованности фронтальной  композиции египетского портрета. Модель изображалась с естественным трёх четвёртным поворотом головы и обычно помещалась в нейтральном фоне. Плоская декоративная раскраска сменилась живописной лепкой объёма. Применялась чистая темпера, а также смешение этих красок, дающее разнообразные живописные эффекты. В фаюмских портретах обращает внимание яркая обрисовка индивидуальных особенностей модели: Точно воспроизводятся  и возрастные особенности, и этнические черты различных народов. Особенно привлекают обаятельные женские  образы. В изысканном портрете «Молодой женщины», за внешней горделивостью  и сдержанностью, проступает волевой, яркий, страстный темперамент. К  прекрасным образцам в технике энкаустики относится портрет «Молодого  человека с бородкой в золотом  венке». Насыщенные краски переливаются глянцем, мерцают как драгоценные  камни. В конце 2-3в. н.э. в фаюмских портретах появились элементы схематизма. Вместе с тем в них усилилось  воздействие местной древнеегипетской традиции. Формы представлялись плоскостно, контур силуэта становился более  чётким, черты лица воспроизводились дробным орнаментальным рисунком.

    Хотя  из источников известно, что в Древнем  Риме существовала станковая живопись, дошедшими до нас образцами древнеримской  живописи являются лишь изображения, включённые в настенные росписи, выполненные  главным образом в двух городах  Кампании – Помпеях и Геркулануме.

    В 1 в. до н. э. Древнеримская живопись отходит от Этрусской традиции, с  которой она была до этого связанна,  и обращается к греческим образцам. Один из художников называющий себя «афинским», оставляет свою подпись под монохромной  картиной «Женщины, играющие в кости». На ней изображено несколько тонко  прорисованных и покрытых слоем  краски женских фигур, навеянных  изображениями с аттических белофонных ваз. С более поздними эллинистическими образцами связаны эпизоды настенных  росписей с изображениями, например, обряда бракосочетания в «Свадьбе Альдобрандинии», возведённые в конце 16 в, в ранг шедевра после их обнаружения  при раскопках. Это скорее всего  произведение хорошего копииста, который  свободными, сочными мазками передаёт плавные движения фигур, хотя при  этом,  возможно, и не схватывает пространственно – композиционное средство оригинала. Для древних  живопись являлась средством передачи образов и, как таковая, не должна была обладать корпусностью и пластической грузностью. Она сводилась к уравновешенности цветовых пятен, света и тени. То, что её тематика восходила к определённым образцам, часто воспроизводимым  по памяти и с некоторыми отклонениями, вело к эскизности, беглости в работе и быстроте исполнения.

    Однако, не следует путать, как это часто  случается, этот обобщённый стиль работы, отличавшийся быстротой и зависимостью от известных образцов, с современным  импрессионизмом, стремящимся к  абсолютно непосредственной передаче зрительных впечатлений. Рассмотрим, например, первую попавшуюся группу, - « Гермафродит и Силен» из дома Веттиев. Живописный язык отличается здесь эскизностью, живописностью и подчёркнутостью интонации, но служит для иллюстрации весьма условной схемы. Эта живопись основана на противопоставлении пятен, но контраст, между светлым пятном тела Гермафродита и тёмным пятном тела Силена, определяется традицией, принятой среди художников, изображающих в светлых тонах нежные тела женщин и юношей  и в коричнево – красноватых тонах – атлетов и стариков. Условны также жесты действующих лиц и фон. Такой же характер носят даже белые блики на выступающих скулах Силена. Художник стремится не к выдумке, а к живому и точному повторению известного образа. Перед нами не творец, а музыкант, педантично следующий указаниям партитуры.

    В вилле «Мистерий», близ Помпеи великолепно  сохранившийся большой фриз, изображающий, по всей вероятности, ритуальное поклонение культу Диониса. Фигуры вырисованы на фоне красной стены, которая подчеркивает их точные, яркие контуры, навеянные  классической простотой. Но сам контур является не столько линией, нарисованной  на поверхности стены, сколько границей между двумя цветовыми зонами, от которой в значительной мере зависит  их соотношение.

    Колористическая гамма построена на лёгких, слитных, прозрачных цветах. Применяя резкие контуры, художник стремился не к обозначению  рельефности тел или анатомии, а к фиксации, путём проецирования  на плоскость стены, бесплотных образов, вылепленных игрой света и  тени. О римском происхождении  указанных росписей, основанных на подражании эллинистическим образам, свидетельствует, как правило, их подчёркнуто  натуралистическая трактовка, которая  проявляется  не столько в повышенном внимании к правдоподобию изображения, сколько в огрублении образа, мало чем отличающегося от подобных же образов в этрусской живописи. В пейзажах и особенно в портретах  образ, хотя и не зависит от впечатления  или ощущения, непосредственно полученного  от созерцания натуры, тем не менее  утрируется  для большего правдоподобия. Возьмём, например, «Морской порт». Он изображён сверху и похож скорее на план: здание и корабли распределены на нём как на топографической  карте, отблески света не имеют ни какого отношения к реальному  освещению, это всего лишь приём  для иллюзорного оживления изображаемых явлений. В изображении сада в  вилле Ливии в Риме мы находим  настоящий инвентарь растений, воспроизведенный художником по памяти: ему хорошо известна форма каждого отдельного дерева или куста, и он с уверенностью её воспроизводит. Но то, что уточняется быстрыми цветовыми мазками, - это  не предметы, находящиеся перед глазами  художника, а лишь представления  о них: Художник, таким образом, воплощает  в красках не пейзажах, написанный с натуры, а умозрительный образ  природы, для передачи которого особенно подходит та обобщающая, беглая и эскизная техника, в задачу которой не входит непосредственное общение с изображаемыми  предметами. Эта техника становится ещё более беглой и насыщенной в раннехристианских росписях катакомб, где часто символическое изображение  святых не имеют никакой связи  с реальным миром. 

    2.2. Монументальная живопись

    Типичным  примером является построенный во время  Августа Алтарь Мира, на четырёх  сторонах которого помещены рельефы  с растительными мотивами, завитками  и различными фигурами. Наиболее выступающие  части барельефа взаимодействуют  с окружающим пространством, светом, воздухом: промежуточные и более  глубокие слои способствуют иллюзорному  разрушению физической плоскости и  созданию воображающей глубины, неизбежно  ограниченной плитой алтаря. Ветви  аканта хотя и даны в виде рельефа, но вместе с тем построены в  виде ритмических украшений стены, то есть приведены в соответствие с её плоскостью. Последняя выступает, таким образом, как соединительная мембрана между естественным пространством  и пространством воображаемым.

    Для пластических украшений используется также техника стукко, особенно подходящая для получения более тонких светотеневых и художественных эффектов. Техника  эта очень древняя, она была известна уже египетским и критским мастерам. Состоит она в использовании  смеси извести с мраморной  пылью. Практически эта же самая  смесь, которая использовалась в  Греции в качестве последнего слоя, которым покрывались архитектурные  детали и скульптура и который  служил основой для нанесения  красок. При корпусном нанесении  на поверхность, то есть в виде слоя значительной толщины, смесь эта  поддавалась лепке и использовалась для создания рельефных изображений, которые формируются непосредственно  на стене, пока смесь ещё не застыла. По высыхании и затвердении поверхность  приобретает шелковистость, чувствительную к малейшему изменению освещения, и имеет вид монохромной живописи. В самом деле, по своим пластическим свойствам стукко скорее приближается к живописи, чем к рельефу. Это  находит своё отражение как в  быстроте лепки, так и в нежных, сочных светотеневых переходах. И действительно, техника стукко применяется вместо живописи, там где из-за влажности  или слабой видимости нельзя прибегнуть к настенной росписи. Типичным её примером является великолепное украшение  подземной базилики Порта-Маджоре  в Рим. Древнеримская настенная  живопись зависит, несомненно, от эллинистических  образцов. 

    2.3. Живопись этрусков

    Этрусские гробницы представляют огромный интерес  не только как дошедшие до нас памятники  архитектуры, но и своими хорошо сохранившимися на стенах живописными композициями, выполненными в различной манере. В некоторых гробницах живопись лежит на штукатурке, в других прямо  на камне, в массиве которого вырублено  помещение склепа. Краски обычно наносились в технике  фрески, но в ряде случаев  мастера расписывали стены на сухой основе. Краски применялись  минеральные, преобладали тёплые тона. Этрусские художники, несомненно,  были хорошо знакомы с искусством других народов. В живописи некоторых  гробниц, заметно воздействие эллинского искусства – в использовании  сюжетов, в изображении персонажей греческой мифологии. Сюжет росписи  гробницы Быков взят из греческого эпоса,  из сказаний о Троянской  войне: Ахилл, в шлеме, с толстыми икрами и крупными мышцами ног, с  широкими бёдрами и тонкой талией, подобный атлетам в греческом  архаическом искусстве, подстерегает троянского героя Троила.

    Роспись основной сцены близка рисункам на греческих архаических вазах. В  этом убеждает фризовость композиции, чёткое разделение поля изображения  на две части, заполненные орнаментами  свободных пространств. Фигуры здесь  просто раскрашены, лишены светотеневой моделировки. В композиции росписей этрусских гробниц можно видеть умелое подчинение живописи архитектуре  склепов: в частности, изображения  на люнетах торцовых стен удачно вписаны  в их треугольники, различные элементы композиций гармонично связаны друг с другом. В гробнице Борона, названной  так по имени открывшего её барона Кестнера, хорошо согласованы друг с другом  сцены на люнете и  на торцовой стене. По краям первой помещены живые и подвижные дельфины и морские фантастические существа гиппокампы, а на стене под люнетой  этрусский мастер расположил фигурки  гарцующих на конях всадников, фланкирующих среднюю группу со сдержанными  в  движениях персонажами. Красива  и полна торжественности эта  центральная стена, связанная, очевидно, с каким – то ритуальным действием. Мужчина отчески положил руку на плечо мальчику, играющему на двойной флейте, другой рукой поднимает  чашу с вином. Молоденькое деревце  со свежими зелёными листочками отделяет от них воздевающую руки женщину. Высокое мастерство композиции проявляется  и в росписи гробницы Ванхнатов. Фигуры льва и лани, заполняющие треугольник, люнеты хорошо вписаны в него; им не тесно в этом пространстве и оно не слишком свободно для них. Выразительны линии контуров животных, безупречен рисунок, изображающий гибкое тело, тонкие быстрые ноги, напряжённые уши встревоженной  лани и тяжеловесно мягкую поступь хищника. Метко переданы настороженность лани и готовность её прыжку. Некоторые росписи  воспроизводят картину внутренних помещений дома. Так, в частности, в гробнице Львиц, на потолке  изображаются кровельные черепицы, в углах – колонны. Художник представил в основной сцене ритуальные пляски. Центр композиции занимает огромный сосуд для вина – украшенный гирляндой кратер, возле  которого стоят два музыканта, играющие на флейте и струнном инструменте. По обе стороны кратера изображены танцующие. Обращает внимание гармоническая уравновешенность отдельных элементов росписи. Фигуре женщины в широких развевающихся одеждах, заполняющей большую часть пространства слева от кратера, художник противопоставляет справа танцующую пару, занимающую примерно столько же места. Продуман и цветовой строй росписи. Как бы для соблюдения цветового равновесия волосы у изображённой белой краской женщины показаны тёмными, у мужчины, тело которого закрашено коричневой краской, - светлыми. Широкие плечи, крупные бёдра танцующих, массивны, как и в статуях архаической Греции. Но образы греческой архаики более спокойны, торжественны. В этрусском искусстве, в частности в этой сцене, действие пронизано напряжением и динамикой; выразительной ритмикой движения мастер побеждает инертность и тяжеловатость форм. Сюжеты росписей этрусских гробниц разнообразны: заупокойные трапезы, ритуальные пляски, игры на похоронах, эпизоды борьбы юношей – атлетов. Встречаются порой и сцены из жизни умершего, воссоздающие либо его труд, либо его любимые развлечения. В гробнице Охоты, и рыбной ловли представлены рыбаки в лодках, охотники, стреляющие из рогаток в птиц. Мастер показал скалы и море, выпрыгивающих из воды дельфинов, летающих птиц, охотников, рыбаков забрасывающих сети. Примечательно, что у этрусских мастеров больше, чем у греческих живописцев, стремление к конкретности; поверхность моря отмечена волнистой линией, над которой показан высоко подпрыгивающий дельфин, изображены редкие кусты на скалистом берегу и другие детали.