Роспись интерьера в технике трафаретной живописи
Министерстерство образования и науки Российской федерации
БОУ ОО СПО «Сибирский профессиональный колледж»
по дисциплине «Композиция и макетирование»
специальность 070602 «Дизайн» (по отраслям)
Тема:
«Роспись интерьера в технике трафаретной живописи»
«Допустить к защите»
_____________________
«__»_____________2012г.
Омск 2012
Содержание:
Введение
Глава 1.
1.1 История возникновения монументальной живописи
1.2 Виды монументальной живописи
1.3 Монументальная живопись в наше время
Глава 2.
2.1 Анализ объекта
2.2 Организация рабочего места
2.3 Этапы выполнения
Заключение
Приложение 1. Аналоги
Приложение 2. Этапы выполнения работы
Список использованной литературы
Введение
Актуальность данного курсового проекта обусловлена реальным заказом. Заказчица - молодая девушка она творческая, яркая и активная. В данной квартире ей не хватает романтической атмосферы и легкости в данном интерьере. В квартире есть стена, расположена в переходе из прихожей на кухню и в гостиную. Эта стена видна из гостиной, кухни и прихожей её можно рассмотреть с любого ракурса. Она является неким композиционным центром, мы решили украсить эту стену росписью со стилизованным растительным рисунком, чтобы придать всему помещению легкую атмосферу, элегантности и утонченности.
Целью данного курсового проекта является роспись стены для придания интерьеру эстетичного вида, выражающее внутреннее мироощущение.
Выдвинутая цель предоставила нам следующие задачи исследования:
1. Анализ помещения и требования заказчика
2. Анализ соответствющих аналогов и работы с литературой
3. Разработка концепции
4. Разработка эскизов
5. Выполнение в материале
В ходе решения задач были проанализированы многие статьи и фотографии монументальной росписи и сделаны выводы, что именно растительный орнамент подойдет для данного помещения. Так как растительный орнамент добавляет в помещение динамичность, оживленность и подходит для остального интерьера данной квартиры.
Был проведен анализ помещения и подборка аналогов росписи стен в растительном стиле, было определено основное тематическое направление – «Растительные узоры» в интерьере, и сделан вывод о том, что цветовая гамма должна быть теплых, пастельных оттенков коричневого цвета. Так как большую часть интерьера данного помещения составляет теплая коричневая гамма цветов.
На основе концепции была разработана серия эскизов в холодной гамме, а также серия эскизов в теплой пастельной гамме, выбрана серия эскизов в пастельной гамме, потому что в квартире напряженная атмосфера и эта гамма позволит заказчице разрядить обстановку, данная цветовая гамма способствует отдыху от внешне будничной суеты.
В ходе анализа была выполнена роспись стены в теплой цветовой гамме с растительным орнаментом.
Глава 1.
1.1 История возникновения монументальной живописи.
ЖИВОПИСЬ МОНУМЕНТАЛЬНАЯ – род живописи, относящийся
к монументально-декоративному искусству.
К монументальной живописи относятся
произведения, непосредственно связанные
с архитектурными сооружениями, помещенные
на стены, потолки, своды, реже – на полы,
а также все виды росписей по штукатурке
– это фреска, энкаустика, темперная, масляная
живопись (либо живопись на каком-то ином
связующем), мозаика, написанные на холсте
живописные панно, специально приспособленные
для определенного места в архитектуре,
а также витражи, [сграффито], майолика
и другие формы плоскостно-живописного
декора в архитектуре.
По характеру содержания и образного
строя различают произведения живописи,
обладающие качествами монументальности,
являющиеся важнейшей доминантой архитектурного
ансамбля и монументально-декоративные
росписи, лишь декорирующие поверхность
стен, перекрытий, фасадов, которые как
бы «растворяются» в архитектуре. Монументальную
живопись называют также монументально-декоративной
живописью, или живописным декором, что
подчеркивает специальное декоративное
назначение росписей. В зависимости от
своей функции произведения монументальной
живописи решаются в объемно-пространственном
или плоскостно-декоративном ключе.
Монументальная живопись приобретает
цельность и законченность лишь
во взаимодействии со всеми составляющими
архитектурного ансамбля.
Древнейшие известные украшения стен
– процарапанные контурные изображения
животных в пещерах Дордони во Франции
и на юге Пиреней в Испании. Вероятно, они
были созданы кроманьонцами между 25 и
16 тыс. до н.э. Широко известны пещерные
росписи Альтамиры (Испания) и более совершенные
образцы этого искусства эпохи позднего
палеолита в пещере Ла Мадлен (Франция).
Настенные росписи существовали в
додинастическом Египте (5–4 тыс. до н.э.),
например, в гробницах Иераконполя (Гиераконполя);
в этих росписях уже заметна склонность
египтян к стилизации человеческих фигур.
В эпоху Древнего царства (3–2 тыс. до н.э.)
сформировались характерные черты египетского
искусства и были созданы многие прекрасные
настенные росписи. В Месопотамии настенных
изображений сохранилось мало, что связано
с непрочностью использовавшихся строительных
материалов. Известны фигуративные изображения,
отражающие некоторую склонность к реализму
в передаче натуры, но для Месопотамии
более характерны орнаменты.
Во 2 тыс. до н.э. Крит становится культурным
посредником между Египтом и Грецией.
В Кноссе и других дворцах острова сохранилось
много фрагментов великолепных фресок,
выполненных с живым реализмом, что сильно
отличает это искусство от иератической
египетской живописи. В Греции доархаического
и архаического периодов роспись стен
продолжала существовать, но от нее почти
ничего не сохранилось. О расцвете этого
жанра в классический период свидетельствуют
многочисленные упоминания в письменных
источниках; особенно были знамениты росписи
Полигнота в Пропилеях Афинского акрополя.
Прекрасные образцы древнеримской монументальной
живописи сохранились под слоем пепла
на стенах домов в городах Помпеи, Геркуланум
и Стабии, погибших при извержении Везувия
в 79 г., а также в Риме. Это полихромные
композиции с разнообразными сюжетами,
от архитектурных мотивов до сложных мифологических
циклов, например фреска Одиссей в стране
лестригонов из дома на Эсквилине в Риме;
в подобных композициях видно великолепное
знание художником натуры и умение ее
передать.
В раннехристианский период (3–6 вв.) и
в Средние века монументальная живопись
была одним из ведущих видов искусства.
В этот период фресками украшались стены
и своды катакомб, а затем настенные росписи
и мозаика стали главными видами монументальной
декорации храмов как в Западной -
Римской империи (до 476), так и в Византии
(4–15 вв.) и других странах Восточной Европы.
В Средние века в Западной Европе храмы
в основном украшались фресками или росписями
по сухой штукатурке; в Италии также продолжала
существовать мозаика. В росписях романского
стиля (11–12 вв.) в отличие от классической
и ренессансной живописи отсутствует
интерес к пластической моделировке объема
и передаче пространства; они плоскостны,
условны и вовсе не стремятся точно воспроизводить
окружающий мир.
Пластическая моделировка
Художники Высокого Возрождения также
начинают экспериментировать с живописными
техниками. Так, композиция Тайная вечеря
Леонардо да Винчи в трапезной
монастыря Санта Мария делле Грацие
в Милане написана маслом по плохо подготовленной
поверхности стены. Однако она сильно
пострадала от времени и оказалась почти
неразличимой под слоем позднейших обновлений.
В 16–18 вв. в итальянской монументальной
живописи нарастает стремление к пышности,
декоративности и иллюзионизму.
В 19 в. настенные росписи часто применяли для украшения общественных зданий как в Европе, так и в Америке. В 20 в. монументально-декоративная живопись испытала новый подъем благодаря деятельности мексиканских художников Д.Риверы, Х.Ороско и Д.Сикейроса.
1.2 Виды монументальной живописи
1.Мозаика
МОЗАИКА (фр. mosaique, ит. mosaico, от лат. musivum,
букв. – посвященное музам) – разновидность
монументальной живописи, а также техника
монументальной декорации, в которой изображение
создается из мелких кубиков (тессер, от
лат. tesserae) мрамора, гальки, керамической
плитки, смальты (глушенного стекла) и
др. на сглаженной загрунтованной поверхности
пола, стен или потолка. Обнаруженные во
время раскопок в шумерском городе эль-Убейд
(Междуречье) фрагменты красных и черных
глиняных конусов в форме гвоздя свидетельствуют
о том, что техника настенной мозаики была
известна уже в 3500 до н.э. Небольшая плакетка,
называемая «Штандарт войны» (ок. 2600 до
н.э., из города Ура в Междуречье, ныне в
Британском музее в Лондоне) украшена
плоским рельефом, выложенным из лазурита
и розового песчаника, тоже принадлежит
шумерскому искусству. Египтяне применяли
стеклянную мозаику в ювелирных изделиях.
Следы мозаик обнаружены в раскопках городов
минойской культуры на Крите и микенской
на территории материковой Греции (ок.
2000–1400 до н.э.). Также в разных частях Греции
при раскопках находят напольные мозаики,
выложенные черной и белой галькой; некоторые
из них датируются концом 5 в. до н.э. В эллинистический
и римский периоды напольные мозаики,
набранные из разноцветных мраморных
кубиков на светлом фоне, создавались
по всему Средиземноморью. В раннехристианскую
эпоху мозаика стала использоваться для
украшения не только полов, но и стен и
сводов. В Северной Африке и языческие,
и христианские надгробия нередко украшались
мозаикой. В Византии в 5–15 вв. было создано
множество прекрасных настенных мозаик,
кубики которых изготавливались из смальты,
перламутра и других драгоценных материалов.
Фоны выкладывались золотой смальтой,
сделанной из прозрачной стеклянной массы,
наплавленной на тонкий лист золота. Техника
мозаики продолжает использоваться и
в настоящее время.
Метод изготовления мозаики в древней
Греции и Риме состоял из ряда процессов.
Сначала землю утрамбовывали, чтобы
образовалась ровная поверхность. На нее
укладывали основание из камня, сухой
гальки и извести толщиной 15–23 см.
На образовавшийся слой наносили другой,
10–15 см толщиной, составленный из извести
и битого кирпича, смешанных с
водой. По еще мягкой поверхности
наносился предварительный
Техника мозаики, восходящая к античной
традиции, называется римской мозаикой.
Такая мозаика выкладывается
из кубиков смальт и камня. Существует
также тип т.н. флорентийской мозаики,
когда изображение
Смальтовая мозаика может быть
изготовлена двумя способами: 1) «прямой
набор» – изображение выкладывается
непосредственно на архитектурных
поверхностях и закрепляется в незатвердевшем
штукатурном слое; 2) «обратный набор»
– изображение выкладывается на кальке
будущей картины лицевой стороной вниз
и, после закрепления тыльной стороны,
лицевая поверхность окончательно обрабатывается,
иногда шлифуется и покрывается воском.
«Обратным набором» были выполнены мозаичные
картины во 2-ой пол. 19в. для Исаакиевского
собора в Петербурге, точно повторявшие
живописные оригиналы.
В России мозаика применялась для
украшения храмов издавна, известна
еще со времен Киевской Руси (Софийский
собор, Михайловский златоверхий монастырь
в Киеве). В 18 в. М.В.Ломоносов с учениками
возродил искусство
мозаики и создал ряд мозаичных картин.
С середины 18 в. появилась т.н. русская
мозаика: набор из пластинок камня одной
породы: малахита, яшмы, лазурита и др.
самоцветов на поверхности столешниц,
колонн, ваз, шкатулок, имитирующий изделие,
высеченное из цельного камня.
В 20 в. в технике мозаики работали Антонио
Гауди (Испания), Фернан Леже (Франция),
Диего Ривера (Мексика), Ханс Эрни (Швейцария).
В России мозаика применялась для украшения
станций метрополитена и общественных
зданий (А.А.Дейнека, П.Д.Корин, И.М.Рабинович,
Б.А.Тальберг и др.)
2. Фреска
ФРЕСКА (итал. fresco – свежий), техника настенной
росписи водяными, реже – казеиново-известковыми
красками по сырой или сухой штукатурке,
а также живописное произведение, выполненное
в этой технике. Фреска может быть выполнена
двумя способами: а секко (a secco – по сухому),
т.е. написана по сухой штукатурке, и в
технике аффреско (аль фреско), когда водяные
краски наносятся на сырую штукатурку;
такая фреска (buon fresco), без последующих
исправлений темперой, наиболее сложна
в исполнении, поскольку требует быстрого
завершения работы. Как только влажный
грунт высыхал, живопись становилась неотъемлемой
частью поверхности стены. Роспись асекко,
далеко не столь долговечная, имеет тенденцию
трескаться и осыпаться. Тайная вечеря
Леонардо да Винчи (в трапезной монастыря
Санта Мария делла Грацие, 1495–1497) – наиболее
известный пример того, как великое произведение
разрушается по той причине, что мастер
не использовал в качестве грунта сырую
штукатурку. Средневековые художники
смешивали порошкообразные красящие пигменты
с казеином или яичным белком, однако с
16 в. наиболее часто употреблявшимся эмульгатором
стала вода. Итальянский художник Ченнино
Ченнини (ок. 1370 – ок. 1440) детально описал
технику фрески в своем Трактате о живописи
(Trattato della Pittura, 1437). Работая в технике аффреско,
художник использует картоны в размер
росписи, частями перенося с картона на
стену ровно такую часть изображения,
которую можно написать, пока штукатурка
еще влажная.
Наиболее древние фрески сохранились
в Фивах в Египте; они относятся
к эпохе Нового царства (1555–1090 до н.э.).
Греки в Микенах и Тиринфе и критяне в
росписях Кносского дворца применяли
наравне с а секко технику аффреско. В
античной живописи классического и эллинистического
периодов фреска оставалась популярной
и позднее применялась первыми христианами
для росписи катакомб. Великолепные античные
фрески сохранились в разрушенных зданиях
Помпеи и Геркуланума. В последующие столетия
техника чистой фрески (т.е. живописи по
сырой штукатурке и без применения каких-либо
иных связующих, кроме воды) использовалась
мало. Во Франции и Германии сохранились
романские фрески 11 в., что говорит о продолжении
существования этой традиции. Фреска во
Франции была почти полностью забыта с
увеличением популярности витража и стремительным
нарастанием высоты готических сводов.
Однако в Италии, особенно в Сиене и во
Флоренции, благодаря творчеству Симоне
Мартини и Джотто фресковая живопись получила
новый импульс к дальнейшему развитию.
Римские архитектурные формы, которым
отдавали предпочтение в Италии, хорошо
подходили для фресковой росписи. В эпоху
Ренессанса такие мастера, как Мазаччо,
А.Мантенья, Л.Синьорелли, Рафаэль, Микеланджело
и Леонардо да Винчи, украшали церкви и
дворцы фресками, выполненными с такой
виртуозностью, что, казалось, исчезала
сама плоскость потолка или стены, на которых
они были написаны. Еще в 18 в. фреска оставалось
главной и наиболее популярной формой
монументальной декорации; одним из выдающихся
мастеров, работавших в этой технике, был
Дж. Б.Тьеполо. Несмотря на то, что фресковая
живопись распространена по всему миру,
до сих пор ее развитие связывают преимущественно
с Италией. Замечательным исключением
стало творчество мексиканских живописцев-монументалистов
19–20 вв. Д.Риверы, Х.Ороско и Д.Сикейроса,
которые в своих плоскостных композициях
с угловатым рисунком воплотили национальные
индейские мотивы.
3. Витраж
ВИТРАЖ (от лат. vitrum – стекло), произведение
декоративного искусства, наборная орнаментальная
или сюжетная композиция из цветного и
расписанного стекла или других пропускающих
свет материалов. Предполагается, что
витражи были известны еще в Древнем Египте
и Древнем Риме. В раннехристианских базиликах
5–6 вв. окна заполнялись прозрачными плитками
алебастра и селенита. Расцвет искусства
витража пришелся на Средние века. В основном
витражные окна из вырезанных по контуру
цветных фрагментов стекла, скрепленных
свинцовыми переплетами, использовались
в церковном зодчестве, хотя иногда появлялись
и в жилых зданиях, особенно начиная с
эпохи Возрождения. Витражи продолжали
создаваться и в 19в., а в 20в. это искусство
пережило новый расцвет в церковной и
светской архитектуре.
Вероятно, средневековые стекольщики
научились делать цветную стеклянную
массу, окрашивавшуюся в процессе плавления,
в 9 в., переняв опыт восточных ремесленников,
где мастерство окраски стекла имело
уже долгую традицию. Первое письменное
упоминание о настоящих витражах
содержится в рукописи 10в., в которой говорится
об их использовании для украшения собора
в Реймсе во время его перестройки в 969–988.
Самые ранние из сохранившихся витражей
– несколько изображений пророков из
собора в Аугсбурге (Германия), датирующиеся
11в., а также окно с композицией Вознесение
из собора Ле Ман (Франция), относящиеся
к тому же времени.
Витражи 12 в. гораздо более многочисленны.
Лучшие из английских образцов, созданных
в этом столетии, находятся в соборе Кентербери.
На них представлены предки Христа (ок.
1180). Прекрасные витражные окна 12 в. сохранились
в Шартрском соборе во Франции, здесь на
знаменитом западном окне, получившем
название La belle Verriиre (прекрасный витраж),
изображено Древо Иессеево с предками
Христа на ветвях и Богоматерь с Младенцем.
В витражах 12 в., сохранившихся также в
Анжере, Сен-Дени, -
Шалон-сюр-Марн, Бурже, Страсбурге и Пуатье,
чувствуется характерная для романского
искусства условность композиции, но меньшая
строгость, чем в более ранних произведениях.
В конце романской эпохи
Готические витражи
В середине 14в. наступила реакция на пышность
стиля предыдущего столетия. Первое время
запрет на изготовление витражей, содержавшийся
в специальных эдиктах цистерцианского
и францисканского орденов, имел -
силу и за пределами этих братств. Кроме
того, из-за свирепствовавшей по всей Европе
чумы прервалась ремесленная традиция,
сильно сократилось число мастеров, коммерческое
процветание городов, обеспечивавших
строительство крупных соборов, было подорвано.
Окна стали делать из чистого стекла в
форме ромбов. Единственный вид украшения,
который продолжал использоваться, –
гризайльные контурные рисунки, наносившиеся
глазурью темных цветов и вплавлявшиеся
в белое стекло. Цветное стекло использовалось
лишь в маленьких круглых окнах или отдельных
сценках.
В начале 14 в. желтое стекло стали получать
путем нанесения на поверхность
белого стекла раствора нитрата серебра,
вместо того чтобы окрашивать всю
стеклянную массу, как это делалось
прежде. Еще раньше тот же раствор
придумали наносить на синее стекло,
получая, таким образом, великолепный
зеленый цвет. Однако в конце 14в. желтый
был, чуть ли не единственным цветом, использовавшимся
для украшения окон наряду с росписью
гризайлью. Поскольку раствор наносился
на белое стекло, цвет мог варьироваться
от бледно - лимонного до ярко - оранжевого.
Обрамлением для композиций, выполненных
в технике гризайли, могли служить резные
каменные кивории. Сначала они были очень
простыми и состояли из колонн и арок,
а впоследствии к концу 15 в. приобрели
замысловатые и вычурные формы.
В 15в. сказался упадок искусства витража
в предыдущем столетии: сильно снизились
технические навыки и качество живописи,
несмотря на то, что снова появилась полихромия.
Витражи собора в Экзетере и знаменитое
Окно пяти сестер в соборе Йорка демонстрируют
тенденцию к использованию гризайльного
рисунка для разработки фона. Художники,
работавшие в каждой стране, как правило,
имели учеников, которые продолжали ремесленные
традиции мастерской, и можно говорить
о существовании различных национальных
школ в этом виде живописного искусства.
Лучшие английские мастера работали в
Йорке, Ковентри, Уинчестере, Оксфорде,
Уэльсе, Линкольне, Норвиче и Вестминстере.
Начиная с 15 в. много замечательных витражей
было создано в английских приходских
церквах, находившихся недалеко от упомянутых
центров.
Очень эффектны геральдические композиции,
выполненные в технике витража,
распространившиеся с 15 в. Их предшественником
можно считать витраж 13 в. из апсиды
собора Вестминстерского аббатства с
изображением трех простых щитов. Использование
геральдических мотивов, без сомнения,
было продиктовано желанием указать на
происхождение заказчика или увековечить
память человека, похороненного в данном
храме. В Англии, Голландии и особенно
в Швейцарии искусство витражных геральдических
композиций достигло высочайшего уровня.
Изображения на поле герба наносились
разными цветами на стекло и процарапывались,
свинцовые перемычки между стеклами различных
тонов уже почти не использовались.
В конце 15 – начале 16 в. многие мастера
переехали из Нидерландов в Лондон. Они
привезли в Англию свой стиль, сформировавшийся
в Нидерландах, Франции и Германии. В основе
его лежит соединение северных традиций
с приемами живописи итальянского Ренессанса,
такими, например, как использование перспективы.
В композиции витражей произошли большие
изменения: теперь витраж понимался как
вид из окна и строился как ренессансная
картина. В Англии наиболее совершенный
образец этого стиля – окна капеллы короля
Генриха VII в Вестминстере, созданные нидерландским
мастером Бернардом Флауэром, поступившим
на королевскую службу в 1505. Другой комплекс
витражей, вероятно, выполненных тем же
мастером, находится в церкви Фэрфорда
в Глостершире. Во Франции лучшие образцы
данного стиля находятся в Руанском соборе.
Сохранились также замечательные витражи
в соборах Антверпена, Брюсселя, Льежа
и Амстердама. В конце 16в. были закончены
знаменитые витражи собора в Гауде, созданные
братьями Дирком и Воутером Крабетами
и их учениками.
В Германии, особенно в Кёльне, и
в Италии значительно больше была
распространена роспись по стеклу.
Большая школа возникла в Милане
в связи со строительством собора.
Среди работ, выполненных мастерами
этой школы, особенно выделяются произведения
Кристофоро де Мотти и Никколо да Варалло.
Другой итальянский мастер живописи по
стеклу, Гульельмо де Марчиллат, работал
в Ареццо, Риме и Кортоне.
Росписи по стеклу, созданные в это
время, оказались не столь долговечными,
как более древние витражи, составленные
из кусочков цветного стекла. Только в
Швейцарии произведения расписного
стекла сохранились достаточно хорошо,
в основном это небольшие окна
жилых домов. Причина плохой сохранности
большинства расписных окон заключается
в том, что цветная глазурь
и стекло, на которое она наносилась,
претерпевали различные изменения
(сжатия и расширения) при смене
температур, поэтому глазурь со временем
трескалась и осыпалась.
В 17, 18 и 19 вв. искусство живописи по
стеклу продолжало существовать, однако
произведения этого времени не представляют
особого интереса. В конце 19 в. в Англии
художник У.Моррис возглавил движение
за возрождение английского готического
витража. К нему присоединились англичанин
Э.Бёрн-Джонс и француз Э.Виолле-ле-Дюк;
оба создали несколько очень изящных произведений
из цветного стекла.
В Америке в конце 19 в. строилось
много новых церквей; часто это
были здания, выполненные в псевдоготическом
стиле, со стеклянными окнами, напоминающими
витражи. Замечательными мастерами
этого вида искусства были Чарлз
и Льюис Тиффани, Джон Ла Фарж, Чарлз Дж.
Конник, Фредерик Коул, Клемент Хитон и
Джоэл Николас.
Восстановление церквей и
В современных витражах используется
цветное и бесцветное стекло, литое
стекло, толстое колотое стекло,
цветные зеркала, а также различные
виды обработки: роспись, травление, гравирование,
пескоструйная обработка. Литому и
прессованному стеклу придается
разнообразная фактура и разная
степень прозрачности.
1.3 Монументальная живопись в наше время
Монументальная живопись находит широкое применение в дворцах культуры, клубах, театрах, станциях метрополитена, вокзалах и т. д. Многие из нас видели мозаики в метро, созданные по эскизам П. Корина, А. Дейнеки и других советских мастеров. Росписи интерьера Автовокзала и Музея Вооруженных Сил в Москве (художник Ю. Королев), росписи Музея Циолковского в Калуге (группа художников во главе с А. Васнецовым), витражи литовских мастеров, чеканные панно грузинских художников украсили многие новостройки наших городов.
Современная монументальная живопись представляет собой довольно пеструю картину, в которой выделяется несколько ведущих направлений. Ряд проведенных исследований показал кардинальное изменение архитектурного контекста, особенно характеристик современных общественных интерьеров, а, следовательно, места и роли в них монументальной живописи. Действительно, анализ монументальных проектов 90-х гг. показал, что ведущее положение в них постепенно занимали наиболее броские и зрелищные по формам композиции. Тематические, сюжетные составляющие монументальных композиций постепенно, но явно отступали на второй план. Показательно, что из всего широкого круга тем, существовавших в 70–80 гг., избирались не имевшие в монументальной живописи развернутого повествовательного сюжета, не обладавшие конкретным фактологическим содержанием и не претендовавшие на философско-эпическое раскрытие темы. Усиление декоративных функций монументальных композиций вызвало интерес к пейзажным, флоральным, орнаментальным темам, способным создать в интерьерах определенное эмоциональное состояние. Пожалуй, основным направлением, в русле которого протекает наиболее активное и динамичное монументальное формотворчество, является постмодернизм. Так же, как и в архитектуре, он многолик в обращении к различным историко-культурным периодам.