1. ВВЕДЕНИЕ

     Один  из главенствующих стилей в европейской  архитектуре и искусстве конца 16—середины 18 в. в., барокко утвердился в эпоху интенсивного сложения наций  и национальных государств (главным  образом абсолютных монархий). Барокко  воплотило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости, интерес к реальной среде, к окружающей человека природной стихии барокко пришло на смену гуманистической художественной культуре Возрождения и изощрённому субъективизму искусства маньеризма. Отказавшись от присущих классической ренессансной культуре представлений о гармонии и строгой закономерности бытия, о безграничных возможностях человека, его воли и разума, эстетика барокко строилась на коллизии человека и мира, идеальных и чувственных начал, разума и власти иррациональных сил. Человек в искусстве барокко предстаёт многоплановой личностью, со сложным внутренним миром, вовлечённым в круговорот и конфликты среды.

     Эпоха барокко - одна из наиболее интересных эпох в истории мировой культуры. Интересна она своим драматизмом, интенсивностью, динамикой, контрастностью и, в то же время, гармонией, цельностью, единством. Для нашего времени - смутного, неопределенного,  гипердинамичного, ищущего стабильности и упорядоченности, - эпоха барокко необычайно близка по духу.

1. 1. Термин

     В разное время в термин "барокко" вкладывалось разное содержание. Поначалу он носил оскорбительный оттенок, подразумевая нелепицу, абсурд (возможно, он восходит к португальскому слову, означающему уродливую жемчужину). В настоящее время он употребителен в искусствоведческих трудах для определения стиля, господствовавшего в европейском искусстве между маньеризмом и рококо, то есть приблизительно с 1600 г. до начала 18 века. От маньеризма Барокко искусство унаследовало динамичность и глубокую эмоциональность, а от Ренессанса - основательность и пышность: черты обоих стилей гармонично слились в одно единое целое.

           Существует несколько  версий происхождения термина:

     1) от итальянского “baruecco” - жемчужина неправильной формы;

     2) “baroco” - одна из форм схоластического (религиозно-догматического) силлогизма (рассуждения, в котором две посылки объединены общим термином);

     3) от итальянского barocco — причудливый, странный;

     В XVIIIв. термин приобретает значение отрицательной  эстетической оценки. Барочным обозначалось все неестественное, произвольное, преувеличенное.

     В 50-е годы XIXв. начинается рассмотрение барокко как исторического стиля, закономерного этапа в развитии искусства позднего возрождения.

     В 80-е годы XIXв. происходит настоящее  “открытие” барокко: работы Гурлита, Вельфлина, Юсти. За барокко признали право на существование как особого  художественного явления.

     В 20е годы XXв. происходит кризис капиталистического мировоззрения. Пробуждается интерес  к местным, национальным вариантам  барокко. Дается периодизация, устанавливаются  исторические границы.

2. СТИЛЬ

2.1. Общая характеристика

     Самые характерные черты Барокко - броская цветистость и динамичность - соответствовали самоуверенности и апломбу вновь обретшей силу римской католической церкви. За пределами Италии стиль Барокко пустил самые глубокие корни в католических странах, а, например, в Британии его влияние было незначительным. У истоков традиции Барокко искусства в живописи стоят два великих итальянских художника - Караваджо и Аннибале Карраччи, создавшие самые значительные работы в последнее десятилетие 16 века - первое десятилетие 17 века.

     В изобразительном искусстве барокко преобладают виртуозные декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированность общественного положения человека. Идеализация образов сочетается в них с бурной динамикой, неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная аффектация — с подчёркнутой чувственностью, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью. В произведениях искусства барокко порой включаются реальные предметы и материалы (статуи с реальными волосами и зубами, капеллы из костей и т. п.). В живописи большое значение приобретают эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, часто непринуждённая свобода мазка, в скульптуре — живописная текучесть формы, ощущение изменчивости становления образа, богатство аспектов и впечатлений. Для итальянской живописи конца 16 века характерны неестественность и стилевая неопределённость. Караваджо и Карраччи своим искусством вернули ей цельность и выразительность. В итальянской архитектуре самым видным представителем Барокко искусства был Карло Мадерна (1556-1629 гг.), который порвал с маньеризмом и создал свой собственный стиль. Его главное творение - фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 г.). Основной фигурой в развитие барочной скульптуры был Лоренцо Бернини, чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к 1620 г. Квинтэссенцией барокко, впечатляющим слиянием живописи, скульптуры и архитектуры считается капелла Коранаро в церкви Санта-Мария делла Виктория (1645-1652 гг.).

     Самыми  видными итальянскими современниками Бернини в этот период зрелого барокко были архитектор Борромини и художник, и архитектор Пьетро да Кортона. Несколько позднее творил Андреа дель Поццо (1642-1709 гг.); расписанный им плафон в церкви Сант-Иньяцио в Риме (Апофеоз св. Игнатия Лойолы) является кульминацией тенденции барокко к помпезному великолепию. В 17 веке Рим был столицей мира в области искусства, привлекал художников всей Европы, и Барокко искусство скоро распространилось за пределы "вечного города". В каждой стране Барокко искусство подпитывалось местными традициями. В одних странах оно становилось более экстравагантным, как, например, в Испании и Латинской Америке, где развился стиль архитектурного украшательства, названный чурригереско; в других приглушалось в угоду более консервативным вкусам. В католической Фландрии Барокко искусство расцвело в творчестве Рубенса, на протестантскую Голландию оно оказало не столь заметное влияние. Правда, зрелые работы Рембрандта, чрезвычайно живые и динамичные, явно отмечены влиянием Барокко искусства. Во Франции оно ярче всего выразило себя на службе монархии, а не церкви. Людовик XIV понимал важность искусства как средства прославления королевской власти. Его советником в этой области был Шарль Лебрен, который руководил художниками и декораторами, работавшими во дворце Людовика в Версале. Версаль с его грандиозным сочетанием пышной архитектуры, скульптуры, живописи, декоративного и ландшафтного искусства явил собой один из самых впечатляющих примеров слияния искусств.

     Барокко искусство способствовало созданию театральных эффектов, достигавшихся освещением, ложной перспективой и эффектными сценическими декорациями. Однако оно мало отвечало сдержанному британскому вкусу. В английской архитектуре влияние барокко было заметно лишь в начале 18 века в своеобразном творчестве Ванбру и Хоксмора. К этому стилю приближаются некоторые из более поздних работ Рена. Тяга Барокко искусства к масштабности чувствуется в величественных проектах собора Св. Павла (1675-1710 гг.) и Гринвичского госпиталя (начало 1696 г.). Барокко сменилось более спокойным палладианством. Во всех видах искусств барокко слилось с более легковесным стилем рококо. Это слияние было весьма плодотворным в Центральной Европе, особенно в Дрездене, Вене и Праге.

2.2. Искусство Италии

2.2.1. Архитектура

           Первоначально очагом культуры барокко была Италия. Для Италии - это время медленного заката многовекового блистательного искусство. Наиболее ярко стиль проявился в архитектуре. Для нее характерно:

           1. Усиление черт  изобразительности; в частности, в композициях фасадов:

           а) фасад становится декорацией, связанной со зданием  в качестве одной из картин в сюите  зрительных ощущений от общего (“Фасад есть не что иное, как обман” - Милиция);

           б) фасад - как изображение  несуществующего, воображаемого здания: колонны выступают вперед, углубляются, превращаются в плоские пилястры; окна – то как пролеты, то как изобразительный элемент (дворец Цуккары, окна - раскрытая пасть чудовища).

           2. Стилизация одних  форм под другие (церковь Сант-Иво Баррамини. План здания выполнен в форме пчелы).

           3. Излишества различного  рода (детализация, обилие украшений).

     Представители:

           Барромини Франческо. Для его работ типично:

           1. Дробность массы  здания;

           2. Дематериализация  каменных масс;

           3. Динамизм решений;

           4. Богатая внутренняя  отделка: золото, полудрагоценные  камни... Например: церковь Св. Карло  алле квадро фонтане в Риме. 
 

     Бернини Лоренцо. Для его работ типично:

     1. Изящество в сочетании с математическим  расчетом;

     2. Мастерская работа с фактурой  камня;

     3. Использование оптических эффектов.

     Например: лестница в папском дворце в Ватикане, церковь Сант-Андреа дель Квиринале (овал в плане здания).

     Будучи  великим архитектором, он был прекрасным графиком, рисовальщиком и скульптором. Наиболее известные работы:

       “Давид” - динамизм (тело повернуто  вокруг своей оси), напряженность  мускулов, экспрессия лица. 

           “Алтарь св. Терезы”  в церкви Санта-Мария делла Витториа: “... стена алтарного полукружия расторгается сверхъестественной неудержимой  силой. Из-за нее выступают вперед величественные скульптурные композиции. Массивные колонны с тяжелыми капитолиями более объемны, чем пилястры за ними. Из-за колонн выступает вперед повисший на окаменевших облаках трон, вокруг которого стоят четыре статуи. Золотые лучи, вырываясь из-за облаков, пышным снопом озаряют это видение”. (Липатов.)

2.2.2. Скульптура

           Вообще, в скульптуре существовала следующая тенденция: человеческая фигура на фоне здания уподобляется концерту для голоса и оркестра. Фигуры выходят за пределы ниши, обрамление становится объемной формой, за которую можно войти. Скульптура напоминает живопись, живопись - скульптуру. Крупным скульптором был Антонио Канова, первые работы которого являются отражением стиля барокко. Характерен выбор сюжетов, связанных с библейской, мифологической тематикой героического или драматического плана. Его работы отличаются монументальностью, необычностью, вычурностью, динамикой ракурсов, общедраматическим звучанием (“Орфей”, “Геркулес и Лихас”). Постепенно Канова отходит от стиля барокко и лучшие его работы принадлежат к классицизму.

     2.2.3. Живопись

           Живопись итальянского барокко выдвинула на сцену ряд имен:

           Себастьяно Риччи. Для его произведений характерно:

     1) мифологические, библейские, исторические  сюжеты;

     2) эффектное, театральное, помпезное изображение;

     3) обязательное присутствие архитектурного  фона;

     4) яркость, контрастность колорита;

     5) динамика изображения.

     Например: “Сотник перед Христом”. 

           Другим блистательным  мастером барокко был Джованни Батисто  Тьеполо - художник широчайшего масштаба, великолепный импровизатор. Его перу принадлежат картины: “Пир Клеопатры”, “Двое святых”, “Смерть Дидоны”, “Меценат, представляющий императору Августу свободные искусства”. 

           К стилю барокко  относится творчество Алессандро Маньяско, но в его произведениях чисто барочные черты: динамизм, эффектное изображение, получили иную окраску - все кажется увиденным во сне, о котором рассказывают с оттенком болезненной иронии и демонстративного сарказма. Характерно:

           1. Гиперболизм в  изображении;

     2. Искажение пропорций;

     3. Мрачная, холодная красочная гамма;

     4. Нервный, “пляшущий” мазок.

Выдающимся  живописцем барокко был Караваджо. Его черты:

1. Жесткость,  плотность фактуры;

2. Пластическая  моделировка;

3. Приближение  фигуры к переднему плану;

4. Цельность, строгая соотнесенность частей;

5. Детализация.

Среди его произведений такие, как “Неверие Фомы”, “Успение Марии”, “Положение во гроб”, “Мандолинистка”, “Призвание апостола Матфея”, “Обращение св. Павла”.

2.2.4. Музыка

           В музыкальном искусстве XVII в. начинается как бы с решительного перелома, с бескомпромиссной борьбы против полифонии строгого стиля. В это время было провозглашено рождение нового стиля - монодии с сопровождением, гибко следующим за поэтическим словом. В результате, динамичнее становится музыкальный язык, обновляется музыкальное искусство, порождающее новые творческие искания.

           Новые исторические условия и социальная атмосфера, новые черты мировоззрения сильным  образом повлияли на судьбы и характер музыкального искусства. Музыка ощутила на себе напряженный, тревожный, неустойчивый, патетический дух времени. На пороге новой эпохи остро прозвучало требование драматической выразительности в музыке: флорентийцы создали оперу. Именно возникновение оперы в Италии открывает эпоху XVIIв. в истории музыкального развития Западной Европы. Будучи новым синтетическим жанром, она была призвана воплотить идеал “нового стиля”. Появление данного жанра было длительно и многосторонне подготовлено в художественной атмосфере Возрождения: увлечение образцами древнегреческой трагедии, пасторальные драмы, духовная опера Кавальери, мадригальная комедия (Веке “Тик-так-ток”), комедия масок, драматические спектакли, интермедии... Выдающимся оперным композитором был Клаудио Монтеверди, который углубил драматическую сущность нового жанра, обогатил полифонической традицией, средствами музыки показал многообразие человеческих характеров. В основу его опер положена драматическая мелодия (concitato - взволнованный стиль), сплавлявшая речевые интонации, декламацию и вокал. Монтеверди включил в оперу симфонические эпизоды (увертюры), детально разрабатывал оркестровку, вводил новые технические приемы для большей выразительности: тремоло, пиццикато. Таким образом, Монтеверди явился смелым новатором, далеко опередивший современное ему музыкальное искусство. Его произведения: оперы  “Орфей” 1607 г., текст А.Стриджо,  “Ариадна” 1608г., текст Ринуччини, “Коронация Поппеи” 1642г. и др., интермедии  “Балет неблагодарных”, “Музыкальные шутки” и др.

     С середины XVIIв. намечается определенная колея развития оперного жанра, устанавливаются типы, разновидности, образуются школы:

     1) Венецианская: Фр. Ковали, Марк А.Чести,  Фр. Сократти, А. Сартарио, Дж. Лоренцо,  Д.Фрески и др.

     Характерно:

     а) античный, мифологический, исторический сюжет в свободной трактовке;

     б) захватывающее действие, любовные интриги;

     в) введение комических эпизодов;

     г) опора на арии, мелодии близки бытовым, народным;

     д) утрачивается виртуозность;

     е) изменяется функция речитативов - только связки между ариями;

           ж) большая роль оркестра. Увертюры программны, тематически связаны с оперой;

           з) утверждаются оперные  декорации (Торелли). 

     2) Неаполитанская: во главе с А.Скарлатти.  В его творчестве откристаллизовался  жанр оперы-serio (серьезной оперы). Черты:

           а) Сюжет исторический, легендарный, античный, мифологический;

     б) стержень - любовная интрига;

           в) герои условны, главное не характер, а эмоции, данные в контрастах и противоречиях;

           г) главенствующее значение музыки;

           д) текст носит  обобщающий характер;

           е) вырабатываются определенные типы арий, их функции: ария-жалоба, ария мести (гнева), героическая ария, пасторальная, бравурная,...

           ж) большая роль принадлежит  оркестру. Индивидуализируются партии струнных и духовых, утверждается трехчастная  увертюра - simfonia: 1ч-быстрая, 2ч - кантиленная, 3ч - моторная.

           Параллельно опере  развивается крупный вокальный  жанр оратории, более камерный кантаты. Главным принципом оратории становится раскрытие только музыкальными средствами драматического содержания. Постепенно итальянская оратория вытесняет ораторию с латинским текстом. Сольное пение вытесняется хоровым. Текст оратории сближается оперным либретто. Проявляется стремление к типизации арий и ансамблей. Достигнув зрелости, итальянская оратория проникает в другие страны: Англию, Австрию (Гендель, Гайдн).

           Кантата в XVIIв. складывалась как жанр по преимуществу светский, постепенно приближаясь к оперной композиции в камерных масштабах. Кристаллизация жанра связана с именами Дж. Кариссими, А. Страделла. Постепенно определяются разновидности кантат: лирическая (камерная), праздничная (более масштабная).

           История инструментальной музыки XVIIв. - это история создания инструментальных ансамблей с ведущей ролью скрипки. Постепенно определяются ведущие типы ансамблей (трио), выдвигаются солирующие инструменты. В середине века образуется соната, как цикл нового типа.

     Это породило:

           1) поиск нового  тематизма, образной определенности, конкретности;

           2) расширение рамок  композиции, самоопределение частей;

           3) контрастность  динамики и лирики в макро-  и микромасштабах.

     Постепенно  соната из контрастно-составной формы  превращается в цикл.

           Развивается и жанр сюиты. Постепенно создается тип  концерта - grosso. Представители:

           Арканджело Корелли. Характерно: отсутствие тематических контрастов в пределах частей; сопоставление solo и tutti для активизации музыкальной ткани; ясный и открытый образный мир.

           Антонио Вивальди. Черты: отсутствие в большинстве произведений программы, но яркий тематизм, конкретность музыкального языка. Мелодии близки фольклорному песенному, танцевальному пласту, оперным интонациям. Вырабатывается определенный тип трехчастной композиции:

           1ч - быстро; рондо,  разработочный характер;

           2ч - медленно, лирический  центр;

           3ч - быстро.

           В области органной музыки ведущее место принадлежит Фрескобальди. Основные черты стиля: смешение полифонических форм, тяготение к “взволнованному стилю”, жанровое разнообразие, тематическая индивидуализация.

           Таким образом, художественная и музыкальная жизнь Италии была многоплановой и разнообразной.

2.3. Искусство Фландрии

2.3.1. Живопись

           Первая буржуазная революция, ставившая целью освобождение народа от власти церкви, разделила  страну на две части: юг (Фландрия, современная  Бельгия) и север (Голландия). Огромный социальный и духовный подъем, пережитый  Фландрией в период революции, сыграл решающую роль в расцвете культуры. Не случайно через все искусство проходит тема стихийной жизненной мощи, всевластной, безграничной; слышатся отзвуки героической эпохи. В начале XVIIв. происходит восстановление страны от разрухи. Культовая архитектура воспринимает черты и формы итальянского барокко: декоративное оформление фасадов, играющих самостоятельную роль, с применением скульптур, пластической орнаментации. Например, церковь св. Карла Барромея в Антверпене (1614-1621гг.), архитектор П.Хёйсенс (церковь Иль Джезу).

           Скульптура сочетает в себе народную традицию и итальянскую  пластику барокко (многие мастера работали в Италии). Представители: Франсуа  Дюкенуа, Лукас Файдхербе...

           В целом в искусстве  Фландрии было преобладание живописи, определяющей пути развития скульптуры, архитектуры, художественной промышленности. Представители:

           Антонио ван Дейк (1599-1641). Характерна внешняя эффектность, барочная патетика, внутренняя экспрессия, духовная сила, большая реалистичность и достоверность. Например, “Портрет Ф.Снайдера”.

       Непревзойденным Мастером эпохи стал Питер Пауль  Рубенс (1577-1640). Органично претворил  наследие итальянского Возрождения: единство мира, жизнеутвержде-ние, прославление человека как центра мироздания; новой  куль-турной эпохи: высший дина-мизм, пластичность, резкость, разомкнутость композиции, страдание и горе в тематике, мо-нументальность, декоратив-ность, торжественность; нацио-нальные традиции: реализм. Явился творцом парадного портрета, создателем классичес-кого типа, алтарного образа. Например: “Охота на львов”, “Водружение креста”, “Персей и Андромеда”, “Вакханалия”...

           “Надо видеть Рубенса, надо Рубенсом жить, надо Рубенса копировать, ибо Рубенс - Бог” Делакруа. 

     2.4. Искусство Испании

     2.4.1. Живопись

           Более жесткое, строгое  воплощение получил стиль Барокко  в Испании. К тому времени Испания  переживала свой “Золотой век” в искусстве, находясь при этом в экономическом  и политическом упадке. Это первая страна с законченной формой абсолютной монархии с господствующим классом - земельной аристократией.

           Для искусства Испании  характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного.

     Среди представителей:

      Доменико  Теотекапуле (Эль Греко) - художник рубежа XVI-XVIIвв. Он был глубоко религиозен, поэтому в его искусстве представлены многочисленные варианты религиозных  сюжетов и празднеств: “Святое  семейство”, “Апостолы Петр и Павел”, “Сошествие святого духа”, “Христос на масляничной горе”.

Эль Греко  был великолепным портретистом. Всегда изображаемое он трактовал как ирреальное, фантастическое, воображаемое. Отсюда деформация фигур (элементы готики), предельные колористические контрасты с  преобладанием темных цветов, игра светотени, ощущение движения...

“Портрет  поэта Эрсильи-и-Суньиги”,

“Портрет  кардинала Тавера”,

“Портрет  неизвестного”.

      Но  не его картины украшали пышный испанский  двор. Среди художников, работавших при дворе Филиппа II, были:

      1. Франческо Сурбаран (1598-1664) - “Отрочество Богоматери”, “Младенец Христос”. Главное в его картинах - ощущение святости, чистоты; простое композиционное решение, плавность линий, плотное цветовое решение, материальность, вещественность, богатство колорита, величавость, сдержанность, реальность жизни, соединенные с мистичностью веры, высокой духовностью, эмоциональной напряженностью.

           2. Хусепе Риберо (1591-1652). Основные сюжеты его картин - мученичество  святых, портреты людей, проживших  долгую жизнь. Но его работы  не сентиментальны. Он более всего не хотел, чтобы его модели вызывали жалость. В них - истинно испанская народная гордость. Например, “Хромоножка”, “Святая Инесса”, “Апостол Яков-старший”.

           Казалось, что испанская  живопись никогда не выйдет из “стен” храмов. Но это сделал Диего Веласкес (1599-1660) - великолепный мастер психологического портрета, живописец характеров. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, многокадровостью, предельной детализацией, прекрасным владением цветом. Веласкес - великий полифонист живописи. “Завтрак”, “Портрет Оливареса “, “Шут”, “Сдача Бреды” (“Колья”), “Пряхи”.

           Художником, завершившим  “золотой век” испанской живописи, был Бартолелло Мурильо. Он, отчасти, продолжил бытовую линию, намеченную Веласкесом. “Девочка с фруктами”, “Мальчик с собакой”.