Ирина Эланс

Автор который поможет с любыми образовательными и учебными заданиями

История стиля модерн

Хронологические рамки модерна 1886-1914 гг.

Моде́рн (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например в архитектуре), расцвет прикладного искусства.

Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В других странах называется также: «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «ар-нуво» и «fin de siècle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» (точнее, «югендштиль» — нем. Jugendstil, по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend) в Германии, «стиль Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии, «модерн стайл» (modern style, букв. «современный стиль») в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Нидерландах, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии.

Общая характеристика

В 1860—1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей.

В 1880-е годы в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приёмы. Уильям Моррис (1834—1896) создавал предметы интерьера, вдохновлённые растительными орнаментами, а Артур Макмёрдо (англ.) (1851—1942) использовал элегантные, волнистые узоры в книжной графике.

Заметное влияние на стиль модерна оказало искусство Японии, ставшее более доступным на Западе с началом эпохи Мэйдзи. Художники модерна также черпали вдохновение из искусства Древнего Египта и других древних цивилизаций.

Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. «Визитной карточкой» этого стиля стала вышивка Германа Обриста «Удар бича».

Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполненные в одном ключе. Вследствие этого в этот период возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике, книжной графике.

В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремёсел» (1888) в Великобритании, «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Нансийская школа» во Франции, «Мир искусства» (1890) в России.

Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже. После 1910 значение модерна стало угасать.

Архитектура в стиле модерн

Основная статья: Архитектура модерна

Дом Бальо (1906, арх. Антони Гауди́)

Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых технологий (металл, стекло).

Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта (1861—1947). В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки — все тщательно проектировалось в едином стиле. Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гима́р, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.

Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл Антони Гауди́. Здания, сооружённые им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека. МОДЕ́РН, "СТИЛЬ МОДЕ́РН" (франц. moderne, от лат. modernus — "новый, современный") — период развития европейского искусства на рубеже XIX—XX вв., включающий различные художественные течения и школы, представителей которых объединяло антиэклектическое движение — стремление противопоставить свое творчество эклектизму предыдущего периода (см. Историзм; неостили; эклектика). Отсюда название. Термин "модерн" следует отличать от общего смысла слова "современный" и от понятия современное искусство, а также от модернизма. Период Модерна относительно короток, имеет достаточно четкие хронологические границы: от конца 1880-х гг. до 1914 г., начала первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы. На возникновение "нового искусства" повлиял Романтизм в формах национально-романтического движения, начавшегося в Европе после наполеоновских войн, и символизма, оформлявшегося в отдельное течение западноевропейского искусства в 1870—1880-х гг. Однако национальный романтизм ранее, в 1830—1840-х гг., способствовал формированию идеологии историзма и эклектики, а символизм присущ искусству, в особенности архитектуре, на всех этапах развития. Поэтому подлинной основой "нового стиля" следует считать не идеологию рубежа веков, а смену принципов формообразования, имеющую более глубокие внутренние причины. Рубеж XIX—XX вв. имел "значение этапа, завершающего грандиозный цикл развития европейской культуры, начинавшегося еще в пору античности. Несомненно то, что предпринятая на рубеже веков попытка обобщения эстетического опыта человечества, синтеза художественных традиций Запада и Востока, античности и средневековья, классицизма и романтизма сопровождалась и, в известной мере, была порождена явлениями упадка, кризиса сложившейся к этому времени системы научных, эстетических и этических ценностей"1. Даже если в этих словах есть преувеличение (показательно использование в заглавии книги Горюнова и Тубли термина "эпоха" вместо "период"), то в них отражен созидательный пафос того времени. Многим, вероятно, тогда казалось, что на их глазах создается совершенно новое искусство. "Мы гребень вставшей волны", — писал В. Я. Брюсов2. В период Модерна происходило стремительное переосмысление старых и открытие новых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства. Художники Модерна дерзко ломали привычные нормы и границы. Немецкое «Jahrhundertwende" — "поворот столетий", как подмечено А. А. Русаковой, лучше определяет содержание этого периода, чем традиционное французское выражение "fin de siècle" — "конец века"3. Главным содержанием периода Модерна стало стремление к синтезу различных источников, методов, стилей, форм и приемов. Поэтому Г. Ю. Стернин сделал логичное заключение, что "модерн как научный термин уместнее ставить в ряд не с чисто стилевыми категориями, а с таким историко-культурным понятием, как бидермейер... можно сказать, что бидермейер и модерн — это начало и конец целой исторической фазы романтизма"4. Действительно, так же как и в начале XIX столетия (см. Бидермайер), на рубеже веков преобладал идеализм, вера в то, что искусство может изменить жизнь. Художники Модерна использовали в своем творчестве разные формы: греческой архаики, крито-микенского искусства, античной классики, экзотического искусства Китая и Японии, Готики и Ренессанса, искусства этрусков и французского Рококо... Однако в сравнении с предыдущим периодом эклектики чаще применялся принцип формовычитания, а не формосложения, обеспечивающий пластичность и целостность внешних и внутренних, декоративных и конструктивных элементов композиции (см. т. 9, рис. 298; формообразование). Стремление к такой целостности и есть главное качество искусства Модерна. В то же самое время многообразие художественных форм и различных композиционных приемов, сложность переходной эпохи, ее кратковременность не позволили принципу целостности реализоваться достаточно полно во всех произведениях. Поэтому в период Модерна существовали разные стилистические течения. Во Франции: флореальное, или Ар Нуво ("Новое искусство"), в Австрии и Шотландии — геометрическое (см. "Венские мастерские"; венский модерн; Глазго школа), в Германии близкое французскому Ар Нуво искусство именовали югендштилем, в Италии — либерти, в Польше — "сецессией" (см. Сецессион). В России утвердился термин "Модерн" (в западноевропейском искусствознании он не используется, обычно применяют название "Ар Нуво", а слово "модерн" означает просто современный, актуальный, передовой). Тем не менее все эти термины — не синонимы, они имеют разный смысл. Картина развития искусства в это время усложняется тем, что в период Модерна существовали произведения не только в "стиле модерна". Продолжали создаваться композиции в духе Историзма и эклектики, стилизаций в русле национально-романтического движения. Так, с 1895 г. в Лондоне по проекту архитектора Джона Бентли (1839—1902) возводился грандиозный католический Вестминстерский собор. Его строили в "византийском стиле", по образцу церквей в Константинополе и Равенне, украшали цветными мраморами и мозаиками (рис. 456). Столь необычное сооружение относят к течению "византийского возрождения". Однако особенности трактовки форм, силуэта и внутренний декор демонстрируют новые — "модерные" черты, отсутствовавшие в стилизациях середины XIX в. Культ изогнутой линии, натуралистичность мозаичных изображений, стремление к синтезу разнохарактерных элементов отличают также архитектуру "романского возрождения" конца XIX в. в Западной Европе и США. Об утопичности возрождения старых форм в период Модерна напоминает незавершенность Вестминстерского собора. В интерьере мозаики покрывают только нижнюю часть стен, своды остались необлицованными (рис. 457). Постройка оказалась слишком дорогой, а создатель храма Дж. Бентли скончался от сердечного приступа, не увидев окончания работ. В начале XX в. в архитектуре возрождалось неоклассическое течение (см. Неоклассицизм; "петербургское возрождение") и зарождался конструктивизм. Эти течения взаимодействовали между собой. Поэтому, к примеру, Неорококо, Неоготика, Неоклассицизм, "мавританский стиль" периода Модерна отличны от неостилей под тождественными названиями других исторических периодов. В связи с этим возникает проблема отделения понятий периода Модерна от "стиля модерна": второе понятие у́же первого. Под "стилем модерна" обычно понимают одно из наиболее ярких художественных явлений рубежа веков — флореальное течение, зародившееся в Бельгии и Франции и потому более известное в Европе под французским названием (см. Ар Нуво). Характерный признак произведений, выполненных в этом стиле, — волнообразно изогнутая линия. Отсюда название: орнаментально-декоративное течение. Последнее, однако, менее удачно, поскольку при явной, демонстративной декоративности произведения в стиле Ар Нуво не представляют собой внешнее украшательство, что типично для произведений предыдущего периода эклектики. Эстетика изогнутой линии, родившаяся в живописи французских постимпрессионистов (см. понт-авенская группа), а затем усиленная восточными влияниями (см. шинуазри; Японии искусство), приобрела в период Модерна конструктивный характер. Истоки этой метаморфозы следует искать в английском искусстве. Развивая идеи, заложенные Дж. Раскином и У. Моррисом в движении "Искусства и ремесла", английские художники А. Макмардо, С. Имейдж, У. Крэйн, архитекторы Ф. Уэбб и Н. Шоу в 1882 г. создали студию "Гильдия века". В работах художников студии прослеживается увлеченность искусством Востока и эстетикой изогнутых линий, но также стремление к рациональности и конструктивности (рис. 458, 459; см. также т. 4, рис. 119—124). В 1892 г. бельгийский живописец Анри Ван де Велде (1863—1957), увлекавшийся живописью Ж. Сёра (см. дивизионизм), отрекся от "фигуративного искусства" и обратился сначала к абстрактному творчеству, а затем к орнаментике волнообразно изогнутых линий (рис. 460—463; также т. 1, рис. 414, 416). В 1893 г. бельгийский архитектор Виктор Орта́ (1861—1947) создал знаменитый интерьер особняка Тассель, в котором причудливо изогнутые линии декора сливаются с элементами строительной конструкции: конструкция плавно переходит в форму, а форма — в декор на плоскости или изогнутых поверхностях (рис. 464)."Новый стиль" развивался столь интенсивно, что уже в следующей постройке В. Орта — "Народном доме" в Брюсселе (1896—1898) — заметнее становятся элементы конструктивизма. Свое кредо архитектор определил следующим образом: "Я хочу уже в фасаде выразить план и конструкцию здания так, как это делалось в готике, и, подобно готике, выявить материал, а природу — отобразить в стилизованном декоре"5. Эти слова можно считать программой художественного синтеза — основной идеи искусства "стиля модерн". Эта идея пронизывала собой все виды искусства. Поэтому даже отвлеченная декоративная композиция с изображением петлеобразно изогнутого стебля цикламена на гобелене Х. Обриста (1895) — линии, названной критиками "ударом бича", — кажется полной напряжения, скрытой конструктивной основы (рис. 465). В постройках Ф. Журдэна (магазин "Самаритэн" в Париже, 1905) и особенно в произведениях Э.-Ж. Гимара (рис. 466, 467) характерно "органогенное" начало, превращающее металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов (см. "органическая архитектура"). Биоподобные, флореальные формы причудливых оград парижского метро, созданные по проекту Гимара, до такой степени отвечали вкусам нового стиля, что искусство Ар Нуво в Париже одно время называли "стилем метро", или "стилем Гимара". Вершин фантасмагории эта тенденция достигла в творчестве испанца А. Гауди́ (см. "каталонский модернизм"). Интересно также сравнить "стиль Гимара" с флореальными мотивами неорусского стиля этого периода (рис. 468). Конструктивное течение в архитектуре торговых зданий называли "стиль универмага" (нем. Warenhausstil). Иное течение формировалось в среде французских писателей и поэтов-символистов. Еще ранее, в 1856 г., Ф. Бракмон открыл парижанам красоту японских гравюр. Японским искусством увлекались французские живописцы, художники группы "Наби́" и "Эстетического движения", объединения, возглавляемого английским писателем О. Уайлдом. Произведения восточного искусства коллекционировали Э. Золя и братья Гонкур. В 1891 г. вышла в свет монография Э. Гонкура о японском художнике К. Утамаро. Спустя два-три года парижане называли "новый стиль" "гонкуровским" (в эти же годы в Англии, где сильнее ощущались рационалистические тенденции, "новый английский стиль" именовали "яхтенным" — англ. "yacht style"). Антиквар из Гамбурга Сэмюэл Бинг (1838—1919) в 1876 г. открыл в Париже магазин «La Porte Chinoise" (франц., "Ворота в Китай"), а в 1895 г. — магазин «Maison de L’Art Nouveau" (франц., "Дом Нового Искусства"), в котором рядом с товарами из Китая и Японии продавались произведения французских художников Э. Галле (см. "галле" стекло), Э. Грассе, Э. Колонны, Р. Лалика, П. Боннара, Ж.-Э. Вюйара, А. де Тулуз-Лотрека, бельгийца А. Ван де Велде, норвежца Э. Мунка, англичанина Ф. Брэнгвина, американца Л. К. Тиффани (см. также "тиффани" стекло; "Мартина"; Нанси школа). Художественный стиль Ар Нуво эволюционировал. На первой стадии развития, согласно лозунгу, выдвинутому А. Ван де Велде: "Назад к природе", художники стремились освободиться от излишеств декора, свойственных эклектизму "викторианского стиля", Второго Ампира, Необарокко и "неоренессанса" середины XIX в. На второй стадии архитекторы Модерна переходили к целостному проектированию здания "изнутри наружу" (ранее господствовал противоположный метод отдельного оформления фасада по принципу "слоеного пирога"). При этом возрождалась старая традиция, когда архитектор рисовал все "до последнего гвоздя": от общего эскиза сооружения до рисунков дверных ручек, оконных переплетов, светильников и каминов. Причем в качестве основного мотива мог быть выбран любой завиток или иной небольшой формальный элемент. Так, например, узор вентиляционной решетки мог стать доминантным мотивом, как эхо повторяющимся в других формах и в композиции целого. Это придавало некоторую мистичность, загадочность и уберегало "стиль модерн" от излишней рациональности (рис. 469). В 1890—1900-х гг. интернациональными стали мотивы морской волны, вьющихся растений, цветов ирисов, лилий, цикламенов, а также рифмующихся с растительными формами лебединых шей, томных и бледных женских лиц — дев с длинными волнистыми волосами, извивами рук и струящимися складками одежд (рис. 470—472; цв. ил. 14—17). Поэты-символисты не заставили себя ждать, воспевая "бледный идеал" и сравнивая молодое искусство с крито-микенским, этрусским, "пламенеющей готикой" Средневековья и французским Рококо. Как и в эпоху Рококо, в моду входили бледные тона: серо-голубой, оливково-зеленый, "соломенный", палевый, бледно-розовый... В 1900—1910-х гг., прежде всего в школе венского модерна — последователей архитектора О. Вагнера (рис. 473), — использовались иные формы: прямые линии и углы, мотив "шахматной сетки". За пристрастие к этим формам австрийского архитектора Й. Хоффманна (1870—1956) прозвали "дощатым", или "квадратным Хоффманном" (см. т. 2, рис. 502—507). В 1900 г. в Вене, а затем в 1902—1903 гг. в Москве с большим успехом прошла выставка шотландского художника Ч. Макинтоша (см. Глазго школа). Под воздействием прямых линий мебели Макинтоша "флоралист" В. Орта заявил: "Я отошел от цветов и листьев и занялся стеблями и палками". Выдающимся архитектором русского, московского Модерна был Федор Осипович Шехтель (1859—1926). Художник-эрудит, поэт и романтик, Шехтель использовал приемы стилизации. Его первый архитектурный шедевр — особняк З. Г. Морозовой в Москве (1893—1896). "Готический зал" и лестница особняка впечатляют ощущением подлинности Средневековья (рис. 474, 475). Другие интерьеры оформлены в стилях Ампира и "четвертого рококо". Следующее произведение Шехтеля — особняк С. П. Рябушинского в Москве (1900—1902) — демонстрирует новую пластику, подобную французскому Ар Нуво. "Застывшая волна" лестницы особняка Рябушинского напоминает скульптуру, ее форма вызывает в воображении фантастическое чудовище, она изобразительна и абстрактна в одно и то же время (рис. 476). Невозможно сказать, где кончается конструкция и начинается декор, где плоскость стены переходит в рельеф, а рельеф — в скульптуру, витраж — в оконный переплет, а светильник — в перила лестницы. Орнаментально трактованная конструкция плавно перетекает в конструктивно трактованный орнамент; плоскость — в объем, а объем — в пространство. Это классика Модерна. Последующие работы Шехтеля в Москве демонстрируют влияние венской школы О. Вагнера. Таков стиль Московского Художественного театра — разработанный Шехтелем проект здания, его интерьеров, рисунок занавеса "чеховской чайкой", светильники, геометрический орнамент, напоминающий античный меандр (рис. 477). Свой особняк Шехтель построил в неоклассическом стиле (см. т. 6, рис. 192). Стилистический диапазон искусства Модерна широк. Во многих петербургских зданиях "классического модерна" стиль не проявляется в чистом виде. Например, в здании Витебского вокзала классическая колоннада дорического ордера сочетается с растительным орнаментом в стиле Ар Нуво и открытыми железными конструкциями (см. петербургский стиль; русский модерн; т. 8, рис. 304—306). То же смешение элементов разных стилей можно видеть в зданиях Торгового дома "Братья Елисеевы" в Москве и Петербурге (см. рис. 489). Однако подобные соединения разнородных элементов не создают впечатления эклектизма. Напротив, вызывают ощущение целостности, поскольку пронизаны единым динамичным формообразующим началом. Характерна асимметрия фасадов зданий Модерна. В отличие от формальной схемы Классицизма такая асимметрия проистекает от органичного движения объемов "изнутри наружу". Архитектура периода Модерна сложна, многообразна, метафорична. В сравнении с ней станковая живопись и скульптура этого периода беднее. Произведения часто натуралистичны, скучны и отдают пошлостью салона. Это можно объяснить тем, что, в отличие от видов искусства, тесно связанных с архитектурой, салонные произведения оказались оторванными от питательной среды конструктивного формообразования. Вторая причина — поиски "большого стиля", стирающего границы между элитарным и "массовым искусством". Происходившее в период Модерна интенсивное расширение аудитории — заказчиков, потребителей искусства — привело к двояким последствиям. С одной стороны — к проникновению утонченной эстетики, идей символизма и изысканной поэзии в дотоле оторванные от высокого искусства сферы материального производства: изделия декоративного и прикладного искусства, ювелирные украшения, жилой интерьер, моделирование одежды. С другой стороны, мещанские вкусы, коммерческий интерес, пошлость обыденной жизни и проза развивавшегося капитализма стали оказывать сильное давление на художников, которые откликнулись огромным количеством произведений, сделанных в угоду примитивному вкусу. В частности, для живописи Модерна характерен эклектичный прием соединения фантастических и натуралистичных элементов (рис. 478). "Прекрасная эпоха" (франц. belle époque) оказывается при ближайшем рассмотрении не такой уж прекрасной. Боясь потонуть в банальности требований заказчиков, художники выдвинули утопическую идею панэстетизма, заключающуюся в том, что этику можно преодолеть эстетикой и с помощью высокого искусства оказаться "по ту сторону добра и зла". Мечта о тотальной эстетизации, растворении жизни в искусстве овладевала умами писателей и художников. Эти идеи, в частности, нашли отражение в статье В. В. Розанова "Эстетическое понимание истории" (1892). Исследователи искусства Модерна отмечают параллели в символистской поэзии и причудливых образах изобразительного искусства. К примеру, фантастические цветы в стекле Э. Галле и ювелирных изделиях Р. Лалика кажутся иллюстрациями к "Озарениям" («Illuminations") А. Рембо:

О, потаенные самоцветы — раскрывшиеся цветы!

...Цветы, что растут лишь в снах,

Распускаясь, звенят и сияют...

Наготу осеняют, пронзают

и скрывают радуги, травы, море.

(1872—1874)

В 1891 г. знаменитая актриса Сара Бернар заказала ювелиру Рене Лалику (1860—1945) парюру (комплект украшений). Французский мастер использовал стилизованные природные формы, сочетания золота, "оконной эмали" (см. эмаль), янтаря, слоновой кости, бриллиантов, серебра, алюминия и простого стекла. В особо торжественных случаях С. Бернар любила показываться в украшениях работы Р. Лалика: броши, кулоне "стрекоза" или "клубок змей" (рис. 479, 480; сравн. т. 1, цв. ил. 14). В 1898 г. коллекционер и меценат К. Гульбенкян познакомился с ювелиром и предложил ему собрать музей собственных произведений. Такой музей был создан в Лиссабоне, он представляет собой одну из самых фантастических коллекций в мире (см. Португалии искусство; сравн. Ар Деко). Для названий произведений искусства периода Модерна характерны экзотические определения: "павлиний глаз", "цвет красной парчи", "сине-зеленый атлас павлиньих перьев", "перламутр нежной ночи"... Возрождались классические мотивы и материалы, а также редкие техники эмалирования, иризации (рис. 481—483) и росписи стекла эмалями, краклэ́ — приемы венецианского стеклоделия эпохи Возрождения. Отсюда термин "венецианское возрождение" (англ. venetian revival). Ювелирная отделка деталей, использование необычных материалов проникают в живопись. Таково искусство Густава Климта (1862—1918) — австрийского живописца, театрального декоратора и художника-графика. Яркие синие, зеленые, красные цвета его картин, уплощенность рисунка, орнаментальность, необычная фактура из мелких квадратов и прямоугольников вызывают в памяти византийские мозаики и японскую графику. Климт соединял живопись маслом с аппликацией и инкрустацией, введением в картину смальты, майолики, меди и латуни, полудрагоценных камней и даже кораллов. Причем условность подобных приемов не лучшим образом сочеталась с натурализмом пошловатых аллегорий в духе модных венских салонов академической живописи (см. т. 2, цв. ил. 16, 17). Та же двойственность отличает искусство английского художника Обри Бёрдсли (1872—1898). Изысканный эстетизм странным образом соединяется в его произведениях с дилетантизмом и порочным вкусом на грани порнографии (рис. 484, 485; см. также т. 9, рис. 273). В русском искусстве ярким представителем романтики периода Модерна был Михаил Александрович Врубель (1856—1910), гениально одаренный художник польского происхождения (польск. wróbel — "воробей"). Как подлинный романтик, он ощущал прошлое живым настоящим. По воспоминаниям соучеников, Врубель слыл чужаком в классах петербургской Академии художеств и по-настоящему учился у любимых им мастеров Византии, иконописцев итало-критской школы и мозаичистов храма Сан Марко в Венеции. Врубель любил заходить в ломбард и любоваться игрой драгоценных камней, пересыпая их из одной ладони в другую... "Его искусство — одно из лучших выражений той влюбленности в странное, которая охватила людей в конце XIX века"6. В творчестве Врубеля соединяются экспрессия, фантастика, магия формы, эстетизм, любовь к сказочным сюжетам. Свою жену, певицу Н. И. Забелу, художник изобразил в образе царевны Волховы из оперы Н. А. Римского-Корсакова "Садко" (словен. volhva — нимфа р. Волхов) (рис. 486). Сказочная живопись жемчужных и радужных, опаловых красок, по словам художника, возникла под влиянием музыки, в которой он "слышал море" и "видел фантастические тона"7. Своеобразие врубелевской живописной манеры заключается в бесконечном дроблении формы на грани, как бы окрашенные изнутри светом и цветом, наподобие кристаллов или фантастических каменных цветов. Своего "Демона" Врубель изобразил среди таких фантастических растений-кристаллов (см. т. 2, рис. 485; т. 3, цв. ил. 7; Надгробный плач; "Царевна-Лебедь"). Закономерно обращение Врубеля, как и других мастеров Модерна, к керамике (см. Кикерино). Композицию "Принцесса Грёза" (см. грёза) художнику удалось реализовать в майоликовом панно на фасаде одного из лучших зданий московского Модерна — гостиницы "Метрополь" (проект архитектора В. Ф. Валькота; 1898—1903; рис. 487). О своей картине "Сирень" (1900) художник сказал, что не хотел бы видеть ее в музее, потому что "музей — это покойницкая", а желал бы видеть ее "вделанной в стену в жилом доме, чтобы она совершенно слилась со стеной"8 (цв. ил. 18). Схоластичны споры о том, следует ли считать Врубеля художником Модерна и символистом. Этот мастер работал в период Модерна и не мог остаться вне условий времени, но его творчество гения выходит за границы любого художественного направления, течения и стиля. Впрочем, подобные устремления были особенно актуальны для "fin de siècle" (франц., "конец века"). Ярчайшим выражением стремления к синтезу разных видов искусства и преодоления границ отдельных методов, жанров, стилей являются творчество художников объединения "Мир искусства" и знаменитые "дягилевские сезоны" в Париже (см. Русские балетные сезоны в Париже). Национально-романтическое движение вновь проявилось в России в деятельности мастеров абрамцевского кружка и усадьбы Талашкино (см. неорусский стиль; сравн. "русский стиль"). Причем в работах мастеров неорусского стиля национальные темы, сюжеты и формы соединялись с приемами стилизации, выработанными в искусстве западноевропейского Модерна. Характерно обращение художников Модерна к "египетскому стилю". Как и в искусстве французского Ампира начала XIX в. (сравн. шинуазри в искусстве Рококо), мотивы Древнего Египта просто и естественно входили в архитектуру и прикладное искусство Модерна, подвергаясь легкой стилизации во вкусе времени (рис. 488) (см. египетские мотивы; неостили). Другое течение национально-романтического направления представляет северный модерн. Рационалистические тенденции и Неоклассицизм породили оригинальную модернизированную классику. В эти же годы создавали свои лучшие творения приверженцы "чистой классики", стилизаторы И. А. Фомин, А. И. Таманян, И. В. Жолтовский, В. А. Щуко (см. Неоклассицизм). Зарождалось конструктивистское течение. Последнее, по мнению многих исследователей, свидетельствует о том, что искусство Модерна к началу XX в. завершило не только собственный цикл развития, но и вообще классическую эпоху европейского искусства. Модерн уже в то время называли "последней фазой искусства прошлого века... вздохом умирающего столетия"9. В истории искусства Модерн так и остался "переходным периодом". Последующий отказ от идей художественного преображения жизни привел к отказу от художественности вообще и появлению авангардистских течений конструктивизма, функционализма, абстрактивизма, футуризма.

Дерзновенны наши речи,

Но на смерть осуждены,

Слишком ранние предтечи

Слишком медленной весны.

Д. Мережковский. "Дети ночи" (1896)

В период Модерна не было создано единого исторического художественного стиля, обладающего необходимой целостностью формальных признаков. Поэтому под словом "модерн" следует понимать прежде всего исторический период, включающий различные течения, школы и стили, связанные общими идеологическими устремлениями. Словосочетание "стиль модерна" конкретнее и обозначает отдельное стилистическое течение, в котором наиболее полно проявились идеи синтеза.

Ар деко, арт деко

Ар деко, арт деко - (от француского art deco) стиль декоративного искусства, дизайна и архитектуры, также назваемый стилем модерн, появился в 1920-х годах и стал господствующим стилем в Западной Европе и Соединенных Штатах в 1930-х годах. Возникновение названия стиля связано с Международной выставкой декоративного искусства и художественной промышленности в Париже 1925 г. У стиля масса источников: древние искусства Египта, Востока, Африки, американских индейцев и искусство кубизма, Баухауза, автомобильного и авиационного дизайна. Нетрадиционно элегантный и изящный стиль арт деко характерен простыми чистыми струящимися, угловатыми, симметричными геометрическими формами. Монументальные утяжеленные формы сочетаются с изощренным украшательством. Типичные мотивы включали стилизованных животных, листву, обнаженные женские фигуры, и лучи солнца. Использовались дорогие естественные и новые материалы (нефрит, серебро, слоновая кость, обсидиан, хром, горный хрусталь, стекло, пластмассы, железобетон). сегодня стиль арт деко стал всемирно признанным синонимом эффектности. Во власти стиля находились индустрия развлечений и сферы искусства - его дух чувствовался в кинотеатрах, доходных домах, небоскребах, композициях интерьеров и узорах драгоценных украшений, в дизайне курительных и питейных аксессуаров, кухонной посуды и уличных фонарей, в скульптурах, плакатах, в книжных и журнальных иллюстрациях, в тканях, картинах, в общественных зданиях и сооружениях. Известные Известные архитекторы стиля Эрнест Кормье (Ernest Cormier), Раймонд Худ (Raymond Hood), Ле Корбюзье (Le Corbusier) Уильям ван Элен (William van Alen), Уирт К. Роуленд (Wirt C. Rowland), Джозеф Санлайт (Joseph Sunlight), Пабло Антонио (Pablo Antonio), Ральф Уолкер (Ralph Walker), Эли Жак Кан (Ely Jacques Kahn); художники и дизайнеры: Адольф Мурон Кассандр (Adolphe Mouron Cassandre), Жан Дюнан (Jean Dunand), Жан Дюпа (Jean Dupas), Эртэ (Erte/Romain de Tirtoff), Александра Экстер (Aleksandra Ekster), Элейн Грей (Eileen Gray), Георг Йенсен (Georg Jensen), Рене Лалик (Rene Lalique). Наиболее крупные произведения - небоскребы Крайслер-билдинг (Нью-Йорк, 1928-1930 гг., архитектор Ван Элен) и Рокфеллер-центр (Нью-Йорк, 1931-1940 гг., архитектор Б. У. Моррис).

Ар-деко́, варианты: ар деко, арт деко, арт-деко (фр. art déco букв. «декоративное искусство», из Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 г., Париж) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма. Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны. Золотой медалью был награждён художник Вадим Меллер за своё оформление спектакля в театре «Березіль».

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne — американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Айлин Грей (Eileen Gray), изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

«Морской дом» ([1]) на набережной Ванкувера

Символом Art Deco в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями Art déco в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников, например:

«Венский сецессион» раннего периода (Wiener Werkstätte); функциональный индустриальный дизайн

примитивное искусство Африки, Египта и индейцев Центральной Америки

древнегреческое искусство (период архаика) — наименее натуралистичное из всех

«Русские сезоны» Сергея Дягилева в Париже — эскизы костюмов и декораций работы Льва Бакста

граненые, кристаллические, фацеточные формы кубизма и футуризма

колористическая палитра фовизма

строгие формы неоклассицизма: Буле (Étienne-Louis Boullée) и Шинкель, Карл Фридрих

Эпоха Джаза

растительные и животные мотивы и формы; тропическая растительность; зиккураты; кристаллы; колористическая черно-белая гамма клавиш рояля (т. н."sunburst")

гибкие и атлетичные формы женщин-спортсменок, которых стало очень много; острые углы коротких стрижек у представительниц клубной жизни — флапперов («flapper»)

технологические достижения «Века машин» — такие как радио и небоскребы

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Мы видим смелое применение зигзагообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла (Radio City Music Hall) и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» (Ile de France) и «Нормандия» (Normandie). Ар-деко был стилем роскошным, и считается, что это роскошество — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, был Streamline Moderne (название от англ. «streamline» — «линия обтекания», термина из области аэродинамики, характеризующего такие внешние формы машин и механизмов, которые обеспечивают им наилучшую функциональность и скорость при движении или полете). В «Стримлайн Модерн» мы находим все большее влияние промышленных штамповочных, а также аэродинамических технологий, которые брали начало от развития науки и предметов массового производства, приводя к тому, что в произведениях этого стиля появились очертания самолетов или револьверных пуль — тех предметов, для которых так важны линии обтекания. Когда дизайн первого автомобиля фирмы Крайслер, пущенного в массовую продажу «Chrysler Airflow» в 1933 г. оказался популярным, формы, использующие «линии обтекания» стали использоваться даже для таких предметов, как точилки карандашей или холодильники. В архитектуре признаками этого стиля являются скругленные углы, применявшиеся преимущественно для зданий на автомобильных развязках.

Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.

Ар-деко незаметно исчез после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» (film noir) и очарованием 30-х гг. привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.

[править]

Ар-деко и архитектура СССР

Ар-деко оказал заметное влияние на архитектуру 30-х годов, явившись, наряду с постконструктивизмом и неоклассицизмом, одним из источником сталинской архитектуры. С сильным влиянием этого стиля были построены новое здание Всесоюзной Государственной библиотеки им. Ленина, ряд станций Московского метрополитена: первая очередь (Сокольническая линия), несколько станций второй очереди (Замоскворецкая линия, например, станция «Аэропорт»).

Арт Деко – утончённо элегантный стиль новой эпохи XX века, зародившийся во Франции в 1908-1912 годы и достигший расцвета в период между первой и второй мировыми войнами. Наименование произошло от сокращения названия международной выставки декоративных искусств Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes, прошедшей в 1925 году во Франции. Лёгкий и изящный, этот стиль получил широкое распространение во многих европейских странах и в США.

Арт Деко по праву называют «последним шикарным стилем европейских столиц». В 20-е годы XX века именно в этом стиле выполнялись роскошные интерьеры океанских лайнеров и дорогих отелей. Одновременно используя неоклассические формы, асимметричность и прямолинейность, он в то же время сочетает в себе темы модерна – грациозные и обтекаемые линии, необычные сочетания экзотических материалов, восточных и европейских мотивов, современных шедевров искусства с элементами старины.

Многие формы интерьера в стиле Арт Деко, такие, как первые обтекаемые стулья и кресла из стальных трубок, были заимствованы у силуэтов новейших автомобилей, кораблей, локомотивов. Соединяя несоединимое, этот стиль объединяет стремление к развитию новых технологий с ориентацией на прошлое. Геометрические формы и стремительные линии соседствуют с монументальностью и элегантностью. Данному стилю характерно преимущественно эксклюзивное изготовление предметов, этнические аксессуары, использование дорогих и ценных материалов – слоновая кость, бронза, кристаллы, серебро, экзотическая древесина, как, например, пальмовое дерево – проко.

Для мебели Арт Деко уместно светлое дерево, кожа (качественный кожзаменитель). Из материалов используются мрамор, стекло, керамика, ткани и ковры с необычным геометрическим рисунком, также широко применяется хромирование всех видов домашнего оборудования. Главное – это эффектность, сочетание строгих прямых линий и роскошных элементов декора, яркость необычных цветовых сочетаний.

В настоящее время Арт Деко вновь обретает популярность. В данном стиле, например, выполнены интерьеры гостиницы «Астория» в Санкт-Петербурге. Как и в прошлом веке, этот стиль могут позволить себе состоятельные люди со сложившимися жизненными предпочтениями. В общественной архитектуре в стиле Арт Деко может быть оформлен интерьер дорогого бутика, ресторана, отеля и т.п.

Арт Деко, роскошный, утонченно элегантный и элитный стиль трансатлантических лайнеров межвоенного периода двадцатого века, сегодня снова входит в моду.

Арт Деко (Ар Деко, Art Deco) появился как стиль в 1908-1912 годы, а расцвета достиг между 1925 и 1935 годами прошлого века. Наименование произошло от своеобразного сокращения названия международной выставки декоративных искусств и ремесел Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes, которая прошла в 1925 году во Франции. А вот уже термином, обозначающим художественный стиль, Арт Деко стал в 1966-м году, после возрождения этой выставки в Париже.

До этого такой стиль называли "джазовый модерн", "зигзаг модерн", "обтекаемый модерн" - последний термин относится к формам, базировавшимся на обтекаемых силуэтах автомобилей, кораблей и самолетов.

В период своего расцвета Арт Деко получил широкое распространение в США, Франции и других европейских странах. Это стиль, сочетающий в себе классичность, асимметричность и прямолинейность. В то же время он продолжает излюбленные темы и мотивы модерна - извилистые линии, необычное сочетание дорогих и экзотических материалов, изображение фантастических существ, формы волн, раковин, драконов и павлинов, лебединых шей и томных женщин. Арт Деко называют одним из художественных стилей, соединяющих несоединимое. Этот стиль отрицает аскетизм, чужд минимализму, он сознательно ориентирован в прошлое, стремится к роскоши и зачастую воплощается в сочетании экзотического и примитивного искусств.

Интерьер в стиле Арт Деко может современно и необычно сочетать восточные или индейские мотивы, элементы старины с совершенно новыми шедеврами искусства.

Используя одновременно неоклассические формы и обтекаемость, грациозность и игривость декора в стиле модерн, Арт Деко является воплощением монументальности и элегантности. Сегодня этот стиль по праву считается синонимом роскоши и эффектности.

Приверженцы этого стиля игнорируют массовое промышленное производство товаров, они выбирают эксклюзивное изготовление предметов. В фаворе изделия из ценных и дорогих материалов - змеиная кожа, слоновая кость, бронза, кристаллы, экзотическая древесина. Излюбленные аксессуары – необычные произведения египетской, африканской, китайской и других экзотических культур. Интерьер в стиле Арт Деко может быть как элегантно-классическим, так и экспрессивно-этническим. Главное – это эффектность, яркость и роскошь смелых сочетаний.

Интерьеры, оформленные в стиле Арт Деко, часто не имеют законченной композиции, а представляют сумму отдельных составляющих, причем каждая из них – эксклюзив или предмет искусства.

Для интерьеров Арт Деко характерны прямые и ломаные линии, четкость и графичность форм. Из материалов используются ткани, стекло, бронза, керамика, ковры с необычными геометрическими узорами. Кроме того, хорошо подходят веера, фонтаны, подиумы, кованые решетки. Мебель в основном из светлой древесины, отделанная кожей. Для отделки широко используется мрамор, стекло и хромирование для всех видов домашнего оборудования.

Начавшись с упоения роскошью и орнаментом, впоследствии Арт Деко прибавил к этому элементы функционального дизайна. Именно этому стилю принадлежит создание первых обтекаемых стульев и кресел из стальных трубок. Выразительные формы "технического дизайна" были заимствованы у новейших моделей автомобилей и локомотивов. Поэтому сегодня новейшие образцы аудио- и видеотехники становятся непременными атрибутами интерьеров в стиле Арт Деко. Плазменные панели, домашние кинотеатры великолепно сочетаются с мраморными столешницами и богатыми бархатными драпировками. Деревянная мебель с хромированными ручками, стеклянные поверхности и дорогая кожа, олицетворяющие современный автомобильный и авиационный дизайн, – вот источники вдохновения этого стиля. Плюс всевозможные драгоценные украшения, курительные и питейные аксессуары, хромированная кухонная посуда. Арт Деко – это полет фантазии и воплощение роскошной функциональности.

Осознание прошлого необходимо перед его возвращением. В сущности, мы снова живем в эпоху Арт Деко – период между двумя войнами. Ощущение надвигающейся третьей мировой превращает любой акт искусства в «пир накануне чумы». Стало быть, Арт Деко должен вновь победоносно вернуться в искусство, музыку, живопись и архитектуру.

Функционализм

ФУНКЦИОНАЛИ́ЗМ, ИЛИ ИНТЕРНАЦИОНА́ЛЬНЫЙ СТИЛЬ (нем. Funktionalismus от лат. Functio — "исполнение, совершение") — течение в западноевропейской, а затем и в американской архитектуре, оформлении интерьера и мебели начала XX в. Функционализм сформировался на основе движения конструктивизма и авангардного искусства 1910—1920-х гг. и оформился в качестве течения в 1930-х гг. Предпосылки складывались еще в середине XIX в. в деятельности участников движения "Искусства и ремесла" У. Морриса, в теориях Дж. Раскина (см. прерафаэлиты) и Г. Земпера (см. Виктории и Альберта музей в Лондоне; "Практическая эстетика"). После Всемирной выставки в Лондоне в 1851 г. набирало силу антиэклектическое движение (см. Историзм; эклектика), появилось слово "дизайн". В русле "рациональной архитектуры" работали английские художники-декораторы К. Дрессер (1834—1904), опубликовавший в 1871 г. статью "Принципы дизайна", и О. Джонс (1809—1874), автор книги "Грамматика орнамента" (1856; см. орнамент; рационализм). Одним из первых теоретиков функционализма был ученик О. Вагнера (см. "Венские мастерские"; венский модерн) австрийский архитектор Л. Бауэр (1872—1938). В 1898 г. он сформулировал принцип "абсолютной целесообразности", согласно которому соответствие внешней формы предмета его утилитарной функции создает "абсолютную красоту" (см. красота). По теории Бауэра, все исторические художественные стили отражают изменяющееся во времени, несовершенное (относительное) представление о прекрасном. Абсолютно целесообразным и, следовательно, абсолютно прекрасным было только античное искусство. В Германии последователем Бауэра был Херманн Мутезиус (1861—1927). В 1896—1903 гг. он работал в Англии, изучал архитектуру традиционного английского дома (см. "староанглийский стиль"), участвовал в движении "Искусства и ремесла". В 1907 г. был в числе основателей Германского Веркбунда — союза художников и промышленников. В Австрии идеи функционализма исповедовал архитектор Адольф Лоос (1870—1933), он выступал против "декоративизма", любых форм орнамента и "фасадничества" в архитектуре (см. орнамент). По признанию последователя новой концепции архитектуры Ле Корбюзье (см. пуризм), с появлением А. Лооса "кончился сентиментальный период". Форма определяется только конструкцией, которая, в свою очередь, жестко обусловлена функцией предмета (отсюда название течения). Подобная концепция предполагает, что определенной функции соответствует одна-единственная оптимальная (рациональная) форма. Традиционное искусство архитектуры, таким образом, подменяется исключительно утилитарным формообразованием, превращается в разновидность технической деятельности. Слово "искусство" окончательно исчезло из лексикона архитекторов и дизайнеров. Его заменил термин "деловая", или "предметная" деятельность (нем. Sachlichkeit). Средоточием немецкого функционализма стали берлинская мастерская Петера Беренса (1868—1940) и школа Баухауз в Ваймаре, созданная в 1919 г. учеником Беренса, архитектором, педагогом и теоретиком Вальтером Гропиусом (1883—1969). В 1924 г. Веркбунд организовал в Мюнхене выставку промышленных изделий под названием «Form ohne Ornament" ("Форма без орнамента"). В 1930 г. — такую же выставку в Париже. На примере эволюции теоретических концепций и учебных программ Баухауза можно проследить эволюцию идей функционализма. Первый этап: формальный, или романтический, заключался в поиске формальных основ "чистой" функциональной формы (см. также "Золотое сечение"). Второй этап: социальный (утопические программы Баухауза по переустройству общества на основе функциональной архитектуры; сравн. "производственное искусство"; супрематизм). Третий этап: эстетический. Иллюстрацией этого этапа может служить теория Л. Мохой-Надь (см. Баухауз), заключающаяся в том, что гармония есть не эстетическая формула абсолютной красоты, а исходное условие свободного функционирования любой вещи. Гармония (соответствие формы предмета своей функции) позволяет обрести каждой вещи свободу движения, функционирования и развития. Идеи первого этапа развития функционализма сформулировал французский архитектор Ле Корбюзье: дом должен быть ни чем иным, как "машиной для жилья", стул — "аппаратом для сидения", ваза — только емкостью. Эти принципы реализовал Л. Мис ван дер Роэ в архитектуре Нового Света (см. небоскребы). Новый "стиль" назвали вскоре интернациональным, поскольку принципы функционализма исключали из области архитектуры, дизайна и традиционного прикладного искусства любые исторические, культурные, этнические традиции. Абсолютизация функционально-конструктивной основы композиции (см. конструкция; конструктивизм) приводила к тому, что работа проектировщика оказывалась не только вне художественного творчества, но и вне универсальной духовности, которая принципиально связана с историчностью человеческого мышления. Поэтому функционализм можно считать одним из самых последовательных проявлений авангардизма. Новые города заполнили "функциональные коробки" из стекла, стали и бетона, которые не обладали даже элементарной тектоничностью: без верха и низа их можно было ставить вертикально, горизонтально, комбинировать в любых сочетаниях — ни содержание, ни форма от этого не менялись. Вместе с устаревшим декором из архитектуры был выброшен гуманистический смысл. Зимой люди мерзли в "стеклянных емкостях", а летом изнывали под лучами солнца (см. чикагская школа). Духовный вакуум попытались заменить философией "функциональной формы". Ле Корбюзье предложил обществу не только новую социальную модель ("жилая единица", или дом-коммуна в Марселе; 1947—1952), но и религию "чистой формы", обусловленной только функцией. Идеально-стандартизированная форма должна была возместить образные представления человека о мире. Однако "нигилистический идеализм" не мог существовать долго. После этапа функционального пуризма наступил период стилизаций под функциональную архитектуру — поверхностное следование стандартам, символизирующим определенный имидж (англ. image — "образ, стереотип поведения"; сравн. стайлинг). Кризис функциональной архитектуры привел ее апологетов А. Аалто, Э. Сааринена, Э. Мендельсона, Ф. Л. Райта, Ле Корбюзье к идеям нового экспрессионизма и "органической архитектуры". Весьма прозорливо приговор функционализму вынес французский критик Р. Ла Сизеран еще в 1904 г.: "Если здание — это только средство закрыть для себя небо и землю — это не архитектура, а открытые железные стойки — опора, но не поддержка... одни голые ветки..."1

Функционализм

Перевод

Функционализм

направление в зарубежном зодчестве 20 в., основанное на утверждении первичности функции (утилитарно-практические назначения) произведения архитектуры по отношению к его форме.

Во 2-й половине 19 в. принцип целесообразной формы, соединённой с этическим принципом правдивости выражения назначения и конструкции здания, был противопоставлен Эклектизму, выявившему характерное для буржуазной культуры расщепление эстетического и утилитарного начал (на что указывали, в частности, английский критик Дж. Рескин и английский писатель, теоретик и дизайнер У. Моррис). Идеи целесообразной архитектуры развивались под влиянием теорий естественных наук (прежде всего эволюционной теории Ч. Дарвина). Природа стала рассматриваться как источник образцов совершенного приспособления формы к её назначению (американский скульптор и теоретик искусства Х. Гриноу и др.).

Систему идей американского «протофункционализма» конца 19 в. завершил архитектор Л. Г. Салливен. В США эти идеи не получили непосредственные продолжения; лишь Ф. Л. Райт развивал на их основе теорию органической архитектуры (См. Органическая архитектура).

Выдвинутая Салливеном формула «форму определяет функция» в середине 1920-х гг. была подхвачена западно-европейскими архитекторами, сторонниками Рационализма, полемически упростившими её содержание, сведя его к первичности утилитарного по отношению к эстетическому. Основанные на этой формуле принципы функциональности разрабатывались и пропагандировались Ле Корбюзье во Франции, а наиболее последовательно — архитекторами, связанными с «Баухаузом» в Германии (В. Гропиус, Л. Мис ван дер Роэ, Х. Мейер и др.). Идеи целесообразного конструирования жизненной среды связывались с социальной утопией «жизнестроительства», создания материальных форм, которые могли бы способствовать «разумному преобразованию» капиталистического общества.

На структуру построек переносился принцип построения механизма; здания расчленялись в точном соответствии с последовательностью функциональных процессов, для которых они предназначались. Функции при этом анализировались на основе методов научной организации труда, в духе Тейлоризма. Принцип зонирования территории с выделением особого пространства для каждой из главных жизненных функций (их определяли так: «жить, работать, отдыхать, передвигаться») был перенесён и в область градостроительства. Рассудочные методы архитектурного творчества были доведены до крайней механистичности немецкими архитекторами, работавшими в конце 1920-х гг. в области муниципального жилищного строительства (Э. Май, Б. Таут, М. Вагнер).