Основні художні напрямки 19 ст

Міністерство освіти і науки, молоді та спорту України

Інститут мистецтв Київського університету імені Б. Д. Грінченка

Кафедра образотворчого мистецтва та дизайну

 

Реферат на тему:

«Основні художні  напрямки 19 ст.»

 

м. Київ

2013 р.

з історії мистецтв

студентки II курсу

групи Дзб-1-12-4.0д

Дуднік Лідії

Викладач: Коновалова О. В.

 

            Зміст

 

1. Ампір. Характеристика стилю
2. Романтизм. Характеристика стилю
3. Реалізм. Характеристика стилю
4. Прерафаеліти
5. Імпресіонізм. Характеристика стилю
6. Постімпресіонізм. Характеристика стилю

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1. Ампір. Характеристика стилю

 

Ампір (фр. empire — імперія) — термін, що застосовується в мистецтвознавстві до західно-європейського класицизму часів імперії Наполеона І, переважно в архітектурі, портретному живописі та декоративно-ужитковому мистецтві.

Склався у Франції, відрізнявся парадною пишністю, масивністю великих обсягів, багатством ліпного, різьбленого, литого декору, який символізує державну могутність і військову силу.

Ампір представляв собою пізній класицизм, так як зберігав загальне орієнтування на зразки і форми класичного мистецтва античності. Однак ампір докорінно відрізняється від класицизму. Якщо класицизм був орієнтований на демократичні Афіни періоду класики століття Перикла, то французькі художники повинні були брати за взірець форми мистецтва Стародавнього Риму. Цьому істотному розходженню не завжди надають належне значення, коли говорять про наступність стилів і про «ампір як про вищу стадію розвитку класицизму ».

Характерна ще одна особливість ампіру: властива йому регламентованість майже повністю виключила виникнення регіональних течій і шкіл. Саме тому ампіром правильно називати тільки мистецтво Франції початку XIX ст., але по своїй суті, ампір не національний , а космополітичний (не інтернаціональний, як, приміром, готика, а непримиренний до народних традицій). Будучи вираженням імперських домагань Наполеона Бонапарта на світове панування, цей стиль насильно насаджувався завойованим країнам . Жодна з переможених Наполеоном країн , по суті, не прийняла цього стилю. І тільки одна країна — переможниця — Росія добровільно прийняла «стиль імперії».

Для архітектури ампіру (Шарль Персьє, П'єр Фонтен, Жан Франсуа Шальгрен у Франції , Фрідріх Шинкель в Німеччині) характерні меморіальні споруди по типу античних (тріумфальні арки і колони, мавзолеї), парадні палацові інтер'єри з розписами, меблями, бронзою античного типу.

Відповідно до вимог стилю ампір переробляються інтер'єри палаців. Стіни прикрашають пілястрами і колонами, стелі — кесонами, вводять багато позолоти на темно-синьому або червоному фонах, або поєднують її з білим мармуром, зводячи в одне декоративне ціле мотиви єгипетських рельєфів, етруських ваз, помпейських розписів, римських і грецьких деталей, ренесансних фресок і орнаментів.

Примітивність змісту і жорсткість ідеологічних установлень зробили ампір не художнім стилем у повному сенсі цього слова, а стилем декорації і, навіть, поверхневого камуфляжу. Придворні декоратори Наполеона доходили іноді до абсурду. Так спальня імператриці Жозефіни в палаці Мальмезон була перетворена в якусь подобу похідного намету римського центуріона.

Воїнственний характер першої Французької імперії відображено в мотивах декору. У орнамент входять трофеї, сагайдаки, луки, стріли, лаврові вінки, леви, імператорські орли з пучками блискавок, бджоли і вензель N, який уславлює Наполеона, сфінкси і фігури єгиптянок. Мальовничі фризи складаються з римських обладунків, щитів, шоломів, мечів і т. д..

Декор стель в часи ампіру підпорядкований строгому канону: в ​​центі —  розетка з геометричного або стилізованого рослинного орнаменту з розбіжними, більш вільно розташованими мотивами; весь розпис облямовується широким бордюром. Дверні панно часто прикрашає летюча жіноча постать у дусі помпейских розписів, а лебеді або сфінкси складають бордюр, чергуючись з нескінченно повторюваними гірляндами. Малюнок декору відрізняється бездоганною правильністю та однаковістю.

Дуже багато декоративних мотивів характерні як для класицизму, так і для ампіру. Але якщо для класицизму античний світ — лише джерело наснаги у пошуках простоти і гармонії, то для ампіру мотиви і зміст емблематики Римської імперії більш органічно поєднуються з ідеалами нової епохи. Класицизм віддає перевагу ніжним тонам: світло-зеленому, світло-блакитному, світло-жовтому. Ампір вживає контрастні кольорові сполучення: червоний з чорним, червоний з зеленим, глибокий синій, яскраво-жовтий. Обидва стилі використовують поєднання білого з золотом.

В цілому стиль ампір несе в собі відомий схематизм, суворість і строгість, урочистість і помпезність. Орнамент також розуміється інакше. У ампірі присутня певна скутість руху рослинних мотивів, міфологічних тварин і людських фігур.

Провідна роль у формуванні нового стилю належала не архітекторові, як зазвичай, а живописцю Ж. Л. Давиду. Ще напередодні революції цей художник у картинах «Клятва Гораціїв», «Брут» прославляв героїчні епізоди з історії республіканського Риму, за мотивами книг Тита Лівія. Про художника говорили тоді, що у пошуках свого героя він «змінив Цезаря на Брута». Слава художника перетворила його на першого живописця імперії.

Давид розробляв ескізи меблів, оформлення інтер'єру, диктував моду в одязі. У 1800 р. він написав портрет знаменитої паризької красуні в античній манері.

 

2. Романтизм. Характеристика стилю

 

Романтизм  — художній рух у Франції та Англії, який набрав обертів у перші десятиліття 19 століття, і процвітав як сучасне мистецтво того періоду до середини століття. З акцентом на уяву та емоції, романтизм виник як реакція на розчарування в оцінці цінностей сучасного мистецтва і служив просвіті після Великої французької революції 1789 року. Романтизм був частковим повстанням проти аристократичних, соціальних і політичних норм епохи Просвітництва, як реакція на наукову раціоналізацію природи.

Романтизм підіймав індивідуалізм, суб'єктивізм, ірраціоналізм, уяву, характер з перевагою емоцій над розумом і почуттями через інтелект людини. Романтизм був у суперечності з усім, що мало наказовий, нав'язливий характер , і виступав за відродження необмеженої кількості стилів у сучасному мистецтві.

Романтики вперше відкрили надзвичайну складність, суперечливість душі людини, її невичерпність . Людина для них — малий всесвіт, мікрокосмос. Заглибленість в глибини душі, напружений інтерес до сильних і яскравих почуттів, грандіозних пристрастей, до таємних рухів душі, до «нічної» її сторони, тяга до інтуїтивного і несвідомого — головні риси романтичного мистецтва. Настільки ж характерно для романтизму підвищена увагу до одиничного, неповторного в людині, культ індивідуального, який був ніби самозахистом від наростаючого нівелювання індивідів в буржуазному суспільстві.

У своїх картинах художники  романтизму передавали чарівність природи, одержимі своєю пристрастю і внутрішньою боротьбою, промальовували настрій і психічні можливості героїв. Вони досліджували природу людини як особистості, народну культуру, національне та етнічне походження, середньовічну епоху, екзотичні, віддалені, таємничі явища, окультизм і, навіть, сатанистські прояви.

У картинах художники  —  романісти проявляють себе, виконуючи роль кінцевого егоїстичного творця, з духом вище суворих формальних правил і традиційних процедур. У нього була уява, присутність як би відкритого шлюзу для трансцендентного досвіду і духовної істини.

Романтичне мистецтво  присутнє в тій чи іншій мірі в різних країнах як сучасне мистецтво.

Художники Дж. М. У. Тернер і Джон Констебл — яскраві приклади романтизму мистецтва в Англії. Хоча Тернер і вважався суперечливою фігурою свого часу, він розглядається мистецтвознавцями в сьогоднішні дні в якості художника, який завдяки пейзажному живопису піднявся і залишив слід в історії. Інтенсивність відтінку і швидкоплинний прояв світла характерні для картин художника Тернера, як авангардиста в англійському живописі. Він вплинув на мистецтво у Франції, а також на мистецтво римсько-католицьких країн.

Романтизм в цих країнах був менш вираженим, ніж у Німеччині і Великобританії, і розвивався пізніше, після приходу Наполеона.

Франсуа-Рене де Шатобріана часто називають «батьком французького романтизму». У Франції рух пов'язано з дев'ятнадцятим століттям, зокрема відомі картини художників Теодора Жеріко та Ежена Делакруа.

Романтизм став популярним в американській політиці, філософії та мистецтві. Рух звернувся до революційно налаштованих мас в Америці, а також до тих, хто бажає вирватися з суворих релігійних традицій, поширених серед ранніх поселенців.

«Річка Гудзон»  — школа першого американського пейзажного живопису в активний період з 1835 по 1870 роки. У картинах художників основною темою була романтика річки Гудзон, а також долини річки і штату Нью -Йорк.

Художник Томас Коул є символом і першим лідером цієї групи. Картини художника Томаса Коула демонструють яскраві приклади романтизму, наповнені життєвими труднощами на початку 1840-х років. Картини художника зображують людей, що намагаються вижити серед дивно гарної природи і величезних труднощів протягом усього життя, від колиски до могили. Відомі імена інших художників-романістів із США. Це Джон Джеймс Одубон і Уінслоу Хомер.

Поряд з емоційними і поведінковими крайнощами романістів, розширився їхній репертуар. Вони відмовилися від повчальності неокласичної історичної картини на користь уявних і екзотичних предметів. У 1832 році Делакруа відправився в Марокко, і його поїздка до Північної Африки спонукала інших художників слідувати його прикладу. Документально після візиту в Алжир його акварелі та малюнки згодом послужили основою для картин художника в своїй студії в Парижі.

 

3. Реалізм. Характеристика стилю

 

Реалізм визначається точним, докладним описом природи, сюжетів сучасного життя. Рух вважає за краще натуральне зображення, а не уяву або ідеалізацію. Реалізм в образотворчому мистецтві є зображення предметів у такому вигляді, в якому вони виглядають у повсякденному житті, без прикрас або інтерпретації.

Цей термін відноситься також  до творів того сучасного мистецтва, який з метою встановлення істини, реально підкреслює, хоч які б вони не були брудні або просто потворні.

Реалізм часто посилається  на художній рух, який почався у Франції на початку 1850-х років. Популярність реалізму зросла з появою фотографії, як нового візуального джерела. Саме фотографія з'явилася тією формою, яка відображала і виглядала об'єктивно і реально.

Реалісти позиціонують себе проти романтизму, жанру, який домінував у французькій літературі та мистецтві в кінці 18 — на початку 19 століття. Реалізм вірив в ідеологію об'єктивної реальності і постав, як сучасне мистецтво, проти перебільшеної емоційності. Правда і точність стали метою в багатьох картинах художників-реалістів.

Реалісти вибирали предмети і речі з повсякденного життя, які оточували художників. У картинах художників з'являються персонажі з бідніших верств суспільства. До цього такі сюжети свідомо упускалися в картинах художників. До цих художників у першу чергу слід віднести великих американських художників-реалістів Уінслоу Хомера і Джеймса Уістлера.

Група художників з різних країн у Парижі почала розробку нових методів наочного подання. Вони спиралися на наукові концепції зору і дослідження оптичних ефектів світла.

Реалісти також намагалися висловити смак до демократії і відмовилися в той період від домінуючої старої художньої традиції. Реалісти вважали, що художники в картинах повинні використовувати з життя все, що знаходиться навколо.

Слід зазначити, реалісти порушили певні правила пристойності з присутніми в картинах художників реалістичними зображеннями сучасного життя. Відомі художники реалісти з цієї групи — Джон Сінглтон Коплі, Гюстав Курбе, Едгар Дега і Мане.

У Барбізонськой школі була утворена група французьких художників- пейзажистів, які отримали освіту поза стінами академії. Вони були названі на честь лісу Фонтебло, що недалеко від села Барбизон, де з'явилася можливість проявити індивідуальність у своєму, як вони вважали, сучасному мистецтві. Такі художники, як, наприклад, П'єр-Етьєн-Теодор Руссо малював природу безпосередньо. Констебль, наприклад , вперше в понятті і пейзажного живопису використовував зображенням природи, яке було прийнято в той час за еталон.

Натуралізм, як термін, широко використовується в дев'ятнадцятому столітті, був прийнятий письменниками, художниками і мистецтвознавцями, як синонім реалізму. Але насправді , натуралізм був набагато складніший за своїм змістом.

Натуралізм був одним  з видів того сучасного мистецтва, який звертав увагу на дуже точні деталі і зображував речі такими, які вони є насправді.

Одним із прикладів натуралізму  є картина художника з США Вільяма Бейкера «Блаженство», краєвид якої вважають одним з найкращих прикладів руху натуралістів. Прикладом є картина французького художника Альберта Шарпена, зі школи Барбізон, з його картинами овець в природних умовах.

Важливою частиною творчості  руху натуралістів є Дарвінська точку зору — теорія еволюції, яку вони висловлюють в своїх картинах. Відбивається думка, що людина не в змозі протистояти силам природи.

Деякі автори-мистецтвознавці обмежують терміни «натуралізм» і «реалізм» для використання в якості позначки періоду цього стилю в середині і наприкінці дев'ятнадцятого століття в Європі та Америці. Це робить доступними тенденції в мистецтві про представлення реального зображення у видимому нами світі.

З появою нового напрямку «натуралізму», художники сповідували віру у важливість картин, які імітують видимий світ, наскільки це можливо. Таким чином, проявилося різне ставлення до натуралізму. «Реалізм» прив'язаний до часу і місця, в той час як «натуралізм» поза часом.

 

4. Прерафаеліти

 

Прерафаеліти (1848 — 1853)  — об'єднання молодих англійських художників, засноване в 1848 році.

Невдоволені станом занепаду сучасного їм англійського живопису, пререфаеліти мали на меті відродити щирість раннього італійського мистецтва до Рафаеля і Високого Відродження.

У 1848 — 1853 роках прерафаеліти стають «порушниками спокою» в англійському живописі.

Братство прерафаелітів  виникло через абсолютне неприйняття  групою молодих митців вимог офіційного живопису епохи панування королеви Вікторії, десятиріччя правління  якої в 1848 помпезно святкувало все Об'єднане Королівство — десять років стагнації, пуританства та лицемірної політики. І це тоді, коли вся Європу охопили повстання, коли розвиваються наука і промисловість.

Вже помер Констебл; Тернеру залишилося жити менше ніж три роки. Ці два художника намагалися порушити принципи академізму, які у вікторіанські часи гальмували розвиток англійського живопису.

Але тепер місце «революціонерів  від мистецтва» було вакантним.

У цей період декілька молодих художників зважуються на бунт. Їхні прізвища: Міллес, Хант і Росетті. Майбутні прерафаеліти сходились на тому, що їхня власна внутрішня свобода, повна творчого самовираження, прямо залежить від звільнення живопису від академізму.

Роль членів таємного товариства приваблювала молодих людей дедалі більше. Але невдовзі вони розуміють, що бунтарський дух потребує опори  в істинно революційних ідеях. Й  ці ідеї знайшлися — за виразом  одного з критиків, «дякувати Рафаелеві». Назва «братства» напрошувалася  сама собою, оскільки прерафаеліти декларували наступне: мистецтво було чистим лише до Рафаеля. Рафаель був сам чистий першу половину свого творчого шляху. Згодом, отримавши свої перші ватиканські замовлення, він створив стереотип, за яким послідувала решта.

Подібна заява викликала  неабиякий резонанс, адже до появи  прерафаелітів розвиток британського мистецтва визначався головним чином  діяльністю Королівської Академії. Незважаючи на появу таких художників як Тернер і Констебл, манера, яка культивувалась академією, тяжіла до старих майстрів: домінування малюнку над кольором, рівноваги над рухом, світло майстерні над пленером і, насамкінець, великих майстрів минулого — над рештою художників.

На думку прерафаелітів, за подібних умов митець не може виразити свій талант. Спираючись на творчість  художників кватроченто і готики і, досягаючи абсолютної точності своєї техніки, вони прагнуть поєднати благородні почуття із реалістичним зображенням об'єкта.

Для того, щоб відтворити манеру великих дорафаелівських італійських художників, члени братства робили детальні етюди з натури, відображаючи колір якомога яскравіше, і писали картини на вологому білому ґрунті.

Вони збільшували розміри  полотен, щоб зображувати предмети і людські тіла в їхній натуральний розмір.

Зверталися до Біблії, бо мали бажання писати сповнені «найвищих істин» сюжети.

Їхня творчість тісно  пов'язана з літературою: зокрема, з поезією Данте, Шекспіра, давно  забутими середньовічними легендами і баладами.

У плані техніки молодих  художників цікавить, передусім, творчість їхніх сучасників — Тернера, Блейка, Жеріко, Ежена Делакруа, Енгра, а серед старих майстрів — Джорджоне і Рубенса — в основному, через незвичайний колорит їхніх робіт.

Звільнення живопису від  академізму, як вважали прерафаеліти, означає також відмову від  академічного ідеалізму. Молоді митці  наполягають на тіснішому зв'язку з природою. Кінець статичним позам  і «досконалій красі»: можна писати просто, щиро і відверто.

Прерафаеліти відкрито критикують полотно пізнього періоду творчості  Рафаеля «Преображение» за його «зневагу до краси і правди, помпезність образів апостолів і Спасителя, які не мають нічого спільного з істинною духовністю», яке академіки оголосили зразком досконалості.

 

5. Імпресіонізм. Характеристика стилю

 

Мистецтво імпресіоністів — стиль, в якому художник фіксує зображення об'єкта , в такому вигляді, ніби він побачив це вперше. Їхні картини дуже яскраві і мальовничі. Художники хотіли захопити зображення без деталей із застосуванням яскравих кольорів.

Імпресіонізм отримав  провідний розвиток у французькому живописі в кінці 19-го століття. Це була реакція проти сформованих академічних традицій і романтики того часу.

Цей новий стиль, як сучасне мистецтво того періоду, в першу чергу, відносився до картин художників таких, як Клод Моне , П'єр Огюст Ренуар, а також до інших художників, пов'язаних з ними, як, наприклад, Каміль Піссарро, Альфред Сіслей, у яких був загальний підхід до питань імпресіонізму. Клод Моне, як правило, вважається найпомітнішою фігурою серед імпресіоністів.

А.Сіслей, мабуть, найпослідовніший з імпресіоністів, ніколи не відхиляється від теми. У картинах художника або в малюнках він приходить до висновку, що рух не має своїх художніх форм.

Термін імпресіонізм бере свою назву з картини К. Моне «Враження. Схід сонця». Картину було записано в каталог на виставці картин художників у 1874 році.

Характерна риса імпресіоністів включає видимі мазки пензля. Імпресіонізм часто підкреслює ефект плину часу. Використовуючи звичайні предмети, імпресіонізм додає і включає рух, як найважливіший елемент людського сприйняття, звертаючи особливу увагу на незвичайний кут зору.

Імпресіонізм посилається  на картини художників, які взяли участь у серії групових відомих виставок у Парижі з 15 квітня по 15 травня 1874 в студії фотографа Надара .

Деякі художники, представлені на виставці, об'єдналися в групу, яка проіснувала з 1876 по 1886 роки. До неї увійшли: Поль Сезанн, Едгар Дега, Жан Батист Арман Галлармін, Берта Морізо, а після 1879 р. до групи приєднався Поль Гоген і американська художниця Мері Кассат.

Група була незалежна від офіційного щорічного Салону, на якому журі з Академії витончених мистецтв обирало картини художників і нагороджувало їх медалями. Незалежні художники, незважаючи на різні підходи до живопису, виявилися групою сучасного мистецтва. У той час як консервативні критики піддали різкій критиці картини художників, вважаючи їх незавершеними, навіть ескізними, прогресивні письменники хвалили групу за зображення сучасного життя в картинах художників.

До початку 1880 -х років  почуття згуртованості, які спочатку призвело імпресіоністів до єднання, почало розчинятися під тиском створеної фракції і суперництва, прийшов час, коли в картинах художників кожен брав власні, індивідуальні напрямки.

У той час, імпресіонізм надавав величезний вплив на французький живопис, на мистецтво живопису інших країн. Це тривало до 20-го століття. У картинах художників-імпресіоністів було скасовано, нарешті, традиційне: відмінність між готовою картиною художника і його попередніми ескізом.

 

6. Постімпресіонізм. Характеристика стилю

 

Постімпресіонізм — термін, якому набагато важче дати визначення, ніж імпресіонізму.

Початок постімпресіонізму  припадає на кризу імпресіонізму в кінці XIX століття. Тоді відбулася остання виставка імпресіоністів, і був опублікований «Маніфест символізму» (1886) французького поета Жана Мореаса.

Постімпресіоністи, багато з яких раніше примикали до імпресіонізму, почали шукати методи вираження не тільки чогось одномоментного, вони стали осмислювати тривалі стани навколишнього світу.

Для постімпресіонізму характерні різні творчі системи і різна  техніка, що вплинули на подальший розвиток образотворчого мистецтва. Роботи Ван Гога передбачили появу експресіонізму, Гоген проклав шлях до символізму і модерну.

Термін постімпресіонізм придумав в 1910 році Роджер Фрай, і фігурувало це в назві виставки сучасного мистецтва французьких художників того часу, яку Фрай організував у Лондоні. На виставці були представлені картини художників: Поля Сезанна, Жоржа Сера, Поля Гогена, Вінсента Ван Гога та інші.

Цим терміном не визначається особливий стиль або підхід, що охоплює творчість усіх художників, які вважали своєю головною метою вираження більш візуальної інтерпретації. Метою постімпресіоністів було зображення в картинах художників емоцій та інтелекту на додаток до образу.

Постімпресіоністи продовжили мистецтво імпресіонізму, відкидаючи свої обмеження. У своїх картинах художники продовжували використовувати яскраві кольори, шляхом нанесення густої фарби, характерних мазків на реальних предметах.

Постімпресіоністи були більш схильні до того, щоб підкреслити геометричні форми, і цим спотворити форму для виразності ефекту, користувалися для цієї мети неприродним або довільним кольором, після чого був етап непростих розбіжностей серед імпресіоністів.

Пов'язаний з технікою пуантилізма, рух художників Поля Сіньяка і Жоржа Сірка називався неоімпресіонізмом.

Поль Сіньяк був вражений систематичністю і методами роботи Сірка, і його теорією кольору. Він став вірним прихильником Сірка. Під його впливом він відмовився від коротких мазків імпресіоністів, щоб експериментувати з зіставленні дрібних точок чистого кольору, призначених для об'єднання і суміші не на картині художника, а в очах глядача, що було визначальною рисою пуантилізму.

Коли ми дивимося на картини художника Жоржа Сірка, стає очевидним, що він має справу з ефектами світла. Слід зазначити, що його твори, безумовно, не викликають спонтанні почуття в даний момент. Перш за все, він відомий своїм винайденим способом нанесення фарби в невеликих кількостях у вигляді кольорових крапок. Жорж Сера називає цей метод дівізіонізмом, але термін пуантилізм частіше використовується мистецтвознавцями і сьогодні.

Ж. Сірка розробив цей  метод, як поняття наукової теорії, пов'язаної із сприйняттям світла і кольору.

Нещодавно було виявлено, що світло може бути виміряно в частинках, що мають хвилі різної довжини. Далі зроблений висновок, що, коли ми бачимо різні кольори світлового спектру, наші очі сприймають різні частинки, але мозок змішує їх у зовсім різні кольори. Картини художника Ж. Сера —візуальний експеримент щодо розміщення крихітних точок різних кольорів осторонь, збоку, що дозволяє глядачеві сприймати їх у цілому.

 

 

 

 

 

 

 

Список літератури

 

1. http://crossmoda.narod.ru/CONTENT/art/XIX/empire.html
2. http://appengineguy.com/index.php/istorichsobitiya/1308-ampir
3. http://www.traktat.ru/tr/referats/id.3786.html
4. http://pidruchniki.ws/18210712/literatura/realizm
5. http://www.bibliotekar.ru/avanta/101.htm
6. http://www.arthistory.ru/impressionism.htm
7. http://www.hudojnik-impressionist.ru/
8. http://www.bibliotekar.ru/avanta/98.htm
9. http://www.vlasta-tula.ru/articles/postimpressionizm_v_jivopisi.htm