Век разума. Англия и Франция XVIII в.

Реферат на тему:

Век разума.

Англия и Франция XVIII в.

Преподаватель:

Подготовил студент:

Москва 2012

Введение

В XVIII веке положение дел в художественной жизни Европы претерпело изменения. Италия превратилась в своеобразный великий музей памятников искусства, признанных и непревзойденных. Но в XVIII равных им уже не создавалось, зато в первой половине этого века произошел расцвет барокко непосредственно в самой Италии и в странах, которые находились под ее влиянием.

Во Франции же барокко не получило достаточного распространения, но эквивалентом ему стал новый стиль, просуществовавший недолго, но оказавший последующее сильное влияние на европейскую культуру. Назывался он «рококо», что на французском означало «раковина»; и в названии этом отражены основные отличительные черты этого стиля - витиеватость, пристрастие к сложным, но изысканным формам.

Середина XVIII века ознаменовалась возвращением к античности, чему поспособствовали в значительной мере достижения археологии, но гораздо больше - распространение идей века Просвещения и поиски идеалов «властителями дум» в культурной традиции Древнего Рима и Древней Греции. Сложившийся отсюда стиль был назван неоклассицизмом.

Все европейские  стили, существовавшие в современности, в Англию «приходили с опозданием», а поэтому были неизбежно, но причудливо и замысловато смешаны между собой. Для английского искусства XVIII века характерен ярко выраженный интерес к эмоциональной жизни человека и поиск достойных средств выражения изменчивого эмоционального мира ощущений и чувств. Стоит также отметить, что английское Просвещение, пришедшееся на рубеж XVII-XVIII веков было насквозь пронизано идеей нравственного воспитания человека и свободой в строгом моральном понимании. 

Франция.

Архитектура.

Французскую архитектуру XVIII века принято делить на два больших периода, именуемых «рококо» и «неоклассицизм», переход к которому был своеобразной революцией, так как стили эти категорически разнились.

Для рококо были характерны чувственные пластичные свободные формы, которые были устремлены к еще большей, нежели существовавшей в барокко, динамике и декоративности. Однако рококо не признавал пафосной торжественности барокко. Характерными постройками рококо были богатые городские дома и загородные роскошные резиденции аристократов, походившие на дворцы. Внутреннее убранство было довольно замысловатым: комнаты были меньше, чем дворцовые залы эпохи классицизма, но зато располагались занятными композициями, в центре которых, как правило, был парадный зал; окна же были  практически от пола до потолка, что придавало помещению необычайной живости. Украшались такие интерьеры очень богато и обильно - зеркалами и произведениями живописи и скульптуры.

А вот неоклассицизм был  рожден во многом благодаря всплеску научного интереса к античности. Для архитекторов этот стиль являл собой способ переустройтва мира, благодаря чему появились смелые проекты, воплощающие в себе все идеалы века свободомыслия, позднее названные «говорящей архитектурой». Большинство же проектов «говорящей архитектуры», кстати говоря, были исключительно бумажными, ибо являли собой совершенно несбыточные и непрактичные идеи.

Париж был архитектурным  центром неоклассицизма, здесь создавались  лучшие постройки лучшими мастерами  того времени. Самые знаменитые и значительные из них: Церковь Святой Женевьевы, созданная Жаком Жермемом Суфло; Монетный двор  Жака Дени Антуана (1768-1775); рынок зерна Неколы Лекамю де Мезьера (1763-1767); Школа хирургии архитектора Жака Гондуэна(1737-1818).

Негласно выразителем французского вкуса можно назвать Жака Анжа Габриеля (1698-1782), который был придворным архитектором короля, а также президентом Академии архитектуры. Хотя стоит отметить, что его работы отнюдь не насквозь пронизаны духом неоклассицизма, но в них чувствуется наступление новой эпохи, стоит лишь вспомнить его знаменитейшие работы: здание Военной школы в Париже (1751-1775); Французский павильон (1749-1750); богато обставленное помещение Оперы (1748-1770); и венцом его творений без сомнения можно назвать площадь Людовика XV (1753-1775).

Скульптура.

С начала века скульптура в значительной мере развивалась в зависимости от принципов убранства интерьера рококо, она часто утрачивала монументальность, приобретая более камерный и декоративный характер. Так же как и в живописи, в ней изменились характер тематики и художественные приемы, совершался переход к светской непринужденности и утонченной грации, динамичности и легкости формы, к интимной трактовке образа. Пластическое начало в ней уступило место живописному. Но с середины XVIII в. появилось тяготение к простоте, строгости и лаконизму. Поворот к реализму сопровождался поисками героических образов, обращением к все той же античности; однако французские скульпторы не были склонны канонизировать ее, они стремились, по словам Фальконе, «совлечь маску, увидеть и познать природу и выразить прекрасное независимо от какой бы то ни было моды».

Отличительной чертой мастеров-скульпторов XVIII века было то, что все они работали одновременно в различных жанрах и отношение их к господствующим в это столетие стилям также было весьма свободным и неприхотливым. Своеобразным новатором, осуществившим переход к новому веку был Эдм Бушардон (1698-1762), обильно работавший в жанре женского портрета, где господствовала неуловимая утонченность и грациозность. Жан Батист Лемуан Младший (1704-1778) прославился скульптурными украшениями для интерьеров отеля Субиз, что сделала его наиболее известным мастером рококо. Стоит упомянуть имя Жана Антуана Гудона, работавшего в жанре портрета, моделями которых были известные французские общественные деятели и филососфы. («Вольтер, сидящий в кресле», 1781).

Живопись.

В том же направлении, что и архитектура, эволюционировала французская живопись: традиция парадного строго академического стиля постепенно утрачивала значение. В Академию проникали новые течения, с конца XVII в. распространялась чисто декоративная нарядная живопись, возник интерес к колориту, в нем заметно влияние венецианцев, Рубенса, а также голландских мастеров. Живопись рококо, тесно связанная с интерьером отеля, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах. В росписях плафонов, стен, наддверных панно, в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет, изображающий модель в образе мифологического героя. Образ человека утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера. Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков.

Одновременно с развитием  живописи рококо усиливалась роль реалистического направления; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж.

Антуан Ватто (1684-1721) был  непревзойденным мастером изысканных и насыщенных глубокими переживаниями  произведений. В своих полотнах он создал ускользающий мир, полный горячих и ярких, но в то же время тонких и мимолетных чувств, мир, которого раньше не знала французская живопись. Ему были не чужды воззрения и идеи такого движения, как эпикурейство, которое восходило в своих корнях в древнегреческому философу Эпикуру, считавшему, что в жизни главное - это счастье, наслаждение и увеселения. В доме одного известного банкира Пьера Кроза, который в свое время по достоинству оценил талант юного Ватто, устраивались «галантные празднества» - целые ритуальные, пропитанные атмосферой вечного карнавала жизни, спектакли, которые в дальнейшем вылились в одну из главных тем творчества Ватто. («Отплытие на остров Киферу», 1717; «Общество в парке», 1717-1718; «Затруднительное предложение», 1716). Эти произведение поражают своей необычайной легкостью, непринужденностью, тонкой передачей переживаний и момента зарождения чувств, пусть и мимолетных. Ярчайшим образом передана атмосфера флирта деликатного и утонченного. Стоит также упомянуть о таком произведении, как «Вывеска лавки Жерсена» (1720), которое было написано как рекламная вывеска, но неожиданно вобравшее в себя глубокие размышления художника о цене искусства.

Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779) был нетипичным представителем своего живописного века, он писал с натуры, творчество его было сосредоточено на бытовых сценах и натюрморте. Расцвет его творчества приходился на 30-е годы XVIII века, когда он создал основную часть своих жанровых полотен, сюжеты которых, кстати говоря, немногим отличались друг от друга. Внимание его было приковано к прислуге: горничным, гувернанткам, кухаркам. («Молитва перед обедом», 1744). Позднее, в 50-х годах он пришел в своем творчестве к натюрморту. Натюрморт Шардена - это строгая и ясная композиция, яркие и энергичные по своему колориту. («Натюрморт с атрибутами искусств», 1766). Он умел необычайно точно и незамысловато передать суть творческого процесса непрерывного исследования натуры.  

Англия.

Архитектура.

XVIII век был для Англии временем рождения самобытного архитектурного стиля, что позволило ей встать в один ряд с другими европейскими странами (в особенности Францией) в отношении архитектурной культуры. Историю английского зодчества XVII-XVIII веков невозможно разбить на периоды или как-либо классифицировать, различные течения и направления могли существовать параллельно, причудливым образом взаимодействуя друг с другом.

Кристофер Рен (1632-1723). Главным  его шедевром является заново отстроенное  здание собора Святого Павла после  сентябрьского пожара 1666 года в Лондоне. Более того, будучи назначенным королевским архитектором, в период с 1670 по 1686 гг. по его проектам было построено пятьдесят две церкви и новые дома. Красной нитью сквозь его работу над церквями проходила одна отличительная черта - колокольни, которые тянулись ввысь над городом. Рен фактически создал новый образ английских церквей, какой они должны быть., ведь те, что сгорели строились еще во времена темного Средневековья. Стоит отметить, что его интерьеры отличались сдержанностью и основательностью,  обилием прямых строгих линий, что сильно отличало их от монументов стиля барокко. Национальная самобытность и темперамент самих англичан воспротивились эмоциональности и чрезмерному пафосу барокко.

Палладианство - это стиль, который был назван в соответствии с наиболее авторитетным в Англии трактатом  «Десять книг об архитектуре», написанным Андреа Палладио. Палладианская вилла была своеобразным последним словом архитектурной моды. Постройки зданий в этом стиле отличались строгостью, прямолинейностью, они имели прямые гладкие стены, практически без каких-либо украшений. Во всем этом присутствовала некая доля чопорности и палладианство быстро завоевало позиции национального и характерного Англии архитектурного стиля.

Самым знаменитым сооружением, выполненным в этом стиле стала вилла в Чизике, пригороде Лондона, которая была выполнена Ричардом Бойлом Бёрлингтоном в 1723-1729 годах. Воистину поразительно ее сходство с итальянской виллой «Ротонда», построенной Палладио.

Переход к периоду неоклассицизма произошел в середине XVIII века, когда в Риме начались первые раскопки древнейших культурных памятников. В Риме побывали все достойные представители неоклассицизма, чтобы почувствовать на себе и увидеть воочию дыхание античности. Как ни странно, неоклассицизм Англии был воплощен в легкой и непринужденной манере, что отличало его от неоклассицизма Франции. Свой весомый вклад в процветание этого стиля вложили Уильям Чемберс (1723-1796) и Роберт Адам (1728-1792), последний же создал свой неповторимый и своеобразный, но легко узнаваемый стиль, в котором чувствовались веяния английского палладианства.

Нелишним было бы упомянуть  о там интересном веянии, как «готическое  Возрождение», которое началось в  середине XVIII векаи длилось вплоть до начала XX столетия. Стиль этот параллельно развивался с неоклассицизмом, но очевидно от него отличался. Родоначальником «готического Возрождения» был Хорас Уолпол (1717-1797), который восхищался живописным беспорядком средневековых соборов. Первым сооружением его стала его собственная переделанная вилла в усадьбе Строуберри-хилл (пригород Лондона), выполненная как копия им же выдуманного замка Отранто (роман ужасов «Замок Отранто»). В XVIII веке вновь возрожденный готический стиль воплощался по прихоти владельцев строящихся зданий.

Живопись

XVIII век живописный характеризуется господством портретного жанра, который сумел притеснить все остальные, а так же ощущение национальной самобытности, которое помогло англичанам пойти по собственному пути развития культуры.

Уильям Хогарт (1697-1764)  Его общее образование ограничивалось уроками отца и неоконченной приходской школой, поэтому Лондон с его улицами, полными людей совершенно разных стал для гнго подлинным учителем жизни. Хогарт был первым, кто вступил на тернистый путь созидателя новых жанров, а в действительности создал самобытное, чисто английское искусство. Первый живописный так называемый спектакль Хогарта - серия из шести картин «Карьера потаскушки» (1731) - наглядно и ярко демонстрирует дно английского общества. Это грязные улицы вдали от престижного центра Лондона, жалкие холодные комнаты в трущобах, становившиеся нередко притонами бродяг и воров; тюрьма. Кажется, будто все персонажи написаны с подлинных лиц, их даже сравнивали с известными современниками, к чему и стремился Хогарт: чтобы сюжет и мораль каждой картины и серии в целом были предельно понятны зрителю. Такой подход к живописи был абсолютно неизведан и ранее не использован в изобразительном искусстве, Хогарт стал художником-просветителем Англии. Он считал основной задачей «полезного искусства» - обличение пороков, суд над жизнью, вершит который сатира.

Английский художник не ограничивается описательным показом одной сцены, у него целая серия подчинена единому сюжету, с единым героем, действие развивается от картины к картине. В 1744 году под кистью Хогарта рождаются шесть картин самого знаменитого его живописного театра - «Модный брак», где художник осуждает и порицает уже не дешевых проституток, а высшие круги английского общества.

Конечно, Хогарту было нелегко жить с таким мироощущением, воплощая его в сугубо своеобразном искусстве. Он был знаменит, но далеко не многими признан и любим, а главное, у него не было учеников и близких последователей. Художники тех лет и позже, в пору расцвета национальной школы живописи, предпочитали изображать утонченный быт аристократов, занятия буржуа и фермеров. Портреты великосветских дам, кавалеров и подражавших им нуворишей оставались любимым жанром в английском обществе.

Ломавшим традиционные устои было все творчество мастера, включая его первый в Англии теоретический труд по эстетике - «Анализ красоты» (1752). В последние годы жизни Хогарт все больше чувствовал себя одиноким среди современных молодых художников, особенно ему досаждал становившийся необычайно модным Джошуа Рейнолдс, будущий президент Королевской академии художеств.

Своим творчеством он создал своего рода энциклопедию английской жизни своей эпохи, заложил особенности национального живописного языка и вошел в историю мирового искусства как «отец английской живописи», открыв путь мастерам Англии второй половины XVIII столетия.

Джошуа Рейнолдс (1723-1792). В последней трети XVIII века национальная английская школа живописи достигла подлинного расцвета, а ее признанным лидером, законодателем  высокого стиля в искусстве стал Джошуа Рейнолдс. В 1741 году 18-летний Рейнолдс поступил в мастерскую к одному модному в те времена портретисту Хадсону, где проучился всего два года. Дальнейшему своему развитию и успеху художник прежде всего был обязан покровителям - девонширским помещикам, которые благословленно принимали его. В Англии XVIII века довольно многие меценаты-аристократы увлекались «выращиванием» художественных талантов. Благодаря своей высокой технике, необычайной работоспособности и щедрому покровительству художник вскоре стал популярным. Слава Рейнолдса росла, как и цены на его портреты. Были времена, когда он писал по три-четыре портрета в неделю, но позже, став общественным деятелем, создавал не более 60-70 портретов в год, и почти каждый из них становился событием в художественной жизни Англии.

Отступая от установившихся традиций парадного портрета с его пышным декором и приторной идеализацией модели, Рейнолдс стремился к тому, чтобы подчеркнуть личные достоинства человека, при этом сохраняя взволнованно-торжественный стиль, свойственный ему. Обычно художник добавлял моделям атрибут, намекающий на их социальное положение, профессию, увлечение, заслуги. К своим моделям художник относился двояко: и холодновато сдержанно и в то же время старался выделить в каждом что-то наиболее выигрышное. Большинство изображенных аристократичны, респектабельны, но не напыщенны, даже если это представители буржуазной или артистической богемы.

Всем полотнам Рейнолдса присущи поразительная композиционная изобретательность, чувство ритма, теплый волнующий колорит, контрастные светотени, свидетельствующие об уроках у венецианцев и других мастеров прошлого. Высказывания Рейнолдса то и дело отображают мысль о том, что художник должен знать и чтить опыт великих предшественников и вправе их «цитировать». Свои мысли об искусстве Рейнолдс изложил в «Речах», которые он ежегодно произносил перед слушателями Академии художеств в Лондоне. Они стали важным вкладом в классическую эстетику эпохи Просвещения, в значительной степени повлияли на формирование художественного вкуса современного ему английского общества. В своей эстетике Рейнолдс защищает строгое академическое преподавание и настаивает не только на изучении старых мастеров, но и на постоянном обращении к натуре.

Еще при жизни старшего современника Рейнолдса - У. Хогарта в английском обществе зрело желание создать профессиональное художественное учебное заведение, с постоянным выставочным помещением и музеем. В декабре 1768 года устав Академии художеств был подписан королем, ставшим ее патроном. Ее двери распахнулись для первой выставки 130 картин известнейших английских живописцев того времени во главе с Рейнолдсом. С тех пор в стенах этого учебного заведения регулярно устраиваются выставки, а из лучших дипломных работ выпускников Академии составлена и постоянно пополняется замечательная картинная галерея.

Первым президентом Королевской академии художеств стал и почти до самой смерти оставался Джошуа Рейнолдс, возведенный в рыцарское достоинство.

Томас Гейнсборо (1727-1788). Все смешалось в художественной культуре Англии того времени - остатки принципов и традиций барокко, диктовавшего торжественный «большой стиль»; занесенное из Франции рококо, изящное, декоративное, но неглубокое; классицизм с его организованностью форм, идеализированной природой, строгой иерархией искусств, в которой излюбленные Гейнсборо пейзаж и портрет занимали низшую ступень; сентиментализм, взывавший к «естественным чувствам»; нарождавшийся острый, сатирический реализм.

Юный Томас Гейнсборо в начале пути, вынужденный зарабатывать на жизнь, выполнял декоративные работы, писал маленькие пейзажи. Одна из самых ранних подписных картин изображает бультерьера Бампера на фоне пейзажа, а на обороте рукой художника сделана уважительная надпись: «Замечательно умный пес». У зрелого Гейнсборо мы не найдем ни городских архитектурных пейзажей, ни изображения узнаваемых конкретных мест., так как несмотря на необходимость зарабатывать, он отказывался писать топографически точные виды поместий, которые жаждали иметь английские сквайры.

Заказов, которые он с удовольствием бы исполнил добиться в Лондоне не удавалось, и Гейнсборо переехал в небольшой портовый город Ипсуич, где было поменьше соперников. Первым, кто пригласил его к себе, был местный помещик, желавший покрасить окна и двери, однако дело постепенно налаживалось - в Ипсуиче художник написал около 80 портретов, продемонстрировав замечательный дар мгновенно и точно схватывать реальность.

Долгое время главным в творчестве Гейнсборо считался портрет, хотя самому художнику всегда был ближе пейзаж. Однако отвлеченных пейзажей тогда не ценили, а потому не заказывали и не покупали, мода на них пришла лишь в конце XVIII века. Может быть, необходимость писать портреты ради денег в сочетании с душевной потребностью писать пейзажи и привели Гейнсборо к одному из его главных художественных открытий - написанию пейзажного портрета, где человек и природа сливались воедино.

В 1759 году художник переехал в фешенебельный курортный городок Бат - там с октября по апрель собирались «сливки общества», к услугам которых были минеральные воды, бассейны, всевозможные развлечения. В Бате конкурентов у Гейнсборо не оказалось, и первый же написанный им большой портрет музыкантши-любительницы, мечтавшей о профессиональной карьере, привлек немалое внимание. Непередаваемая любовь художника к музыке продиктовала композицию портрета. Музыкальность его полотен помогает отойти от стандартной передачи натуры и заняться ее ритмическим моментом.

На редкость необычным был творческий метод Гейнсборо. Не делая эскизов, он начинал работать сразу на холсте, в затененной мастерской, постепенно впуская все больше света, чтобы своевременно выхватить детали, но никогда не прибегал к мелочной отделке. По словам его главного соперника, сэра Джошуа Рейнолдса, вблизи живопись Гейнсборо выглядела полной неразберихой, а на расстоянии все как по волшебству обретало форму и . Внешне незавершенные картины заставляли зрителя думать и фантазировать, участвуя в творческом процессе.

Тем временем Гейнсборо приглашают стать одним из 36 членов-основателей Королевской Академии, и в 1774 году он переезжает в Лондон, где ему поневоле приходится вступить в состязание с Рейнолдсом.

Редкостное для XVIII века проникновение в духовный мир мы видим в портрете герцогини де Бофор («Дама в голубом» — единственная картина Гейнсборо в нашей стране, в собрании Эрмитажа), словно сотканной из легких мазков, тающей и мерцающей в изысканной гармонии холодных тонов; королевы Шарлотты, некрасивой, но очаровывающей зрителя благодаря виртуозному письму об этом полотне один из современников художника сказал: «Признак таланта - создание прекрасных вещей из невозможных сюжетов»; скользящей в танце Джованны Бачелли; знаменитой актрисы Сары Сиддонс и во многих других работах Гейнсборо, оставившего нам настоящую портретную галерею английского общества.

Громкая слава пришла к Гейнсборо незадолго до смерти, и в некрологах его назвали «певцом природы», чего художник добивался всю жизнь, и в середине XVIII века Томас Гейнсборо проторил дорогу не только романтикам, но и импрессионистам, намного опередив свое время.