Западноевропейское искусство. 2

Западноевропейское искусство

Разделы: Всеобщая История  Искусств

Всемирная История

Рефераты (искусство)

Изобразительное искусство XX века. Основные направления. 

Утрату ценностных ориентиров, характерную для культуры XX столетия, легче всего проследить в изобразительных  искусствах. Искусство модернизма, порывающее с традицией и считающее  формальный эксперимент основой  своего творческого метода, каждый раз выступает с позиций открытия новых путей, и потому именуется  авангардом. Все авангардистские  течения имеют одно общее: они  отказывают искусству в прямой изобразительности, отрицают познавательные функции искусства. В этой дегуманизации искусства  — и тупик авангарда. За отрицанием изобразительных функций неизбежно  следует и отрицание самих  форм, замена картины или статуи реальным предметом. Отсюда совершенно закономерный приход, например, к искусству  поп-арта. Но ни формалистические эксперименты, ни обращение к архаическому искусству  Древнего Востока, или Азии, или Америки, к наивности детского творчества не могут заменить значение самого человека в искусстве. Вот почему часто поиски чистой формы вновь  обращают художника к человеку, к  жизни, к ее реальным, неисчерпаемо многообразным проблемам.

Было бы, однако, большой  ошибкой представлять эволюцию искусства XX столетия в виде противопоставления реализма и модернизма, ибо, как уже  отмечалось, многие художники, пройдя увлечение авангардом, пришли к поискам  реалистических форм искусства, а, бывает, и наоборот. Это особенно заметно  в творчестве тех мастеров, чей  жизненный путь совпал с великими испытаниями в мировых войнах, кто принял участие в борьбе сил  прогресса с реакцией, кто не остался в стороне от больших проблем социальной жизни своего народа и судеб всего мира.

Сложности развития художественной культуры XX в. ярко прослеживаются на искусстве  Франции. Во французской литературе XX в. для реалистического направления  характерна непрерывная линия развития при всем том, что и оно знало  и знает формалистические субъективно-эстетические течения. В изобразительном же искусстве  Франции, особенно в живописи, уже  с самого начала XX в. обозначился  отход от реализма. Французская живопись прошла почти через все этапы  и варианты формалистического искусства. Франция явилась родиной фовизма, кубизма и его разновидности  — пуризма, она дала своих дадаистов, сюрреалистов, абстракционистов. Менее  всего во Франции получили развитие футуризм и экспрессионизм.

В 1905 г. на выставке в Париже художники Анри Матисс, Андре Дерен, Морис Вламинк, Альбер Марке, Жорж Руо, Ван Донген и несколько других экспонировали свои произведения, которые  за резкое противопоставление необыкновенно  ярких цветов и нарочитую упрощенность форм критика назвала произведениями «диких» — les fauves, а все направление  получило название «фовизм». У фовистов с их пониманием соотношения пятен  чистого цвета, сведенным к контуру  лаконичным рисунком, простым, «по-детски»  линейным ритмом, оказались огромные возможности для решения декоративных задач. Самым талантливым из фовистов был несомненно Анри Матисс (1869— 1954). Матисс учился в Академии Жюльена  и в мастерской Гюстава Моро, много  копировал в Лувре старых мастеров, особенно Шардена и Пуссена, от которых  идет его крепкая пластическая форма («Фрукты и кофейник», 1897— 1898). Он прошел через увлечение импрессионистами, но в поисках повышенной интенсивности, яркости и силы цвета, чистого  и звучного, совсем не соответствующего видимому, пришел к упрощенности и  плоскостности форм. Интересуясь  чисто формальными задачами, прежде всего живописными, он отказался  от сюжетной повествовательности. Предметом  его изображений служат самые  простые и несложные мотивы: пестрые  ткани и кресла, цветы, обнаженное или полуобнаженное тело. Его не интересует передача освещения, в его  полотнах почти нет объема, пространство лишь намечено. Так, плоскость пола и стены нарочито слиты вместе в «Севильском натюрморте» и  только само расположение предметов  сохраняет намек на пространственность.

Композиция строится на контрасте  цветов. В упомянутом натюрморте это  зеленая обивка дивана, синий узор драпировки, розовый фон, дополненные  киноварью и зеленью цветка в  белом горшке. Линии рисунка у  Матисса всегда очень лаконичны, изысканно-ритмичны («Марокканец Амидо»). Упрощенность формы, однако, не исключает  передачи метко подмеченных характерных  поз, жестов, даже состояний («Семейный  портрет»). Повышенная звучность цвета, крупные красочные плоскости, не раздробленные полутонами, условность формы и пространства с их схематизированными линиями — все эти качества в полной мере проявились в декоративных работах Матисса. Панно «Танец»  и «Музыка» (1910) были написаны художником по заказу московского собирателя новой  живописи П. И. Щукина, для его особняка. Панно объединяет не только тема, но близкие выразительные средства. На сине-зеленом фоне изображены красные  фигуры: полные стремительного движения, динамики —в «Танце», где все подчинено  ритму хоровода, и статики, покоя  —в «Музыке». В обоих панно нет  никакой индивидуализации образов, исследователями остроумно замечено, что даже трудно понять пол изображенных. Но все подчинено общему плоскостному и цветовому ритму. «Матисс-декоратор» — это целая страница монументально-декоративной живописи первой половины XX в.

Вместе с тем Матисс — не символист, он не навязывает цвету  символико-аллегорический смысл. Его  картины не надо разгадывать, как  ребус. Это образы, полные спокойствия, созерцательности, ясности, утонченно-живописные или бурно оптимистические по колориту. Справедливо, однако, отмечено исследователями, что его оптимизм — результат нарочитого ухода  от трагических коллизий эпохи. И  в этом определенная ограниченность художественного мировоззрения  и искусства Матисса. Цвет — основное выразительное средство в полотнах художника. При всей лаконичности, условности и обобщенности он дается в сложных  градациях, даже тогда, когда это  как будто большие локальные  пятна, как в «Красной комнате» (1908). Позже, в 20—40-е годы, раскрытие сложных  взаимосвязей цвета усиливается. Именно утонченными цветовыми соотношениями  создается поэтический и гармоничный  образ беспредельно многообразной  природы. Но человеческая фигура в полотнах Матисса трактуется только как часть  этого изысканного узора, вплетенная в орнаментальную вязь.

Тяготение к искусству  монументальному характерно для  всей творческой жизни Матисса. Одна из последних его работ —декоративное  оформление «Капеллы четок» в Вансе (юг Франции, 1948—1951). Свет, проникающий  через синие, желтые, зеленые витражи, создает сложную, таинственную атмосферу. Изысканный темный контур витражей лишний раз напоминает о высочайшем мастерстве Матисса-графика. Лучшие традиции графического искусства, идущие от знаменитых карандашных  портретов французского Ренессанса, через Энгра и Дега, Матисс пронес в XX столетие (портрет Бодлера, офорт, 1930—1932).

Жизнерадостностью мироощущения, солнечностью палитры близок Матиссу  Рауль Дюфи с его сценами скачек, морскими пейзажами, парусными регатами, которые он создает на полотне  звучным, подвижным мелким мазком («Лодки на Сене», 1925).

Рауль Дюфи (1877—1953) приехал  в Париж из Гавра, как некогда  Моне, и испытал немалое влияние  импрессионистов и постимпрессионистов. Его нормандские и средиземноморские  пейзажи и натюрморты начала века, веселые и яркие, очень близки фовистским. Но в 20—30-е годы он обретает свое неповторимое лицо. В декоративизме  его картин нет матиссовского  монументализма, почерк Дюфи, его богатейшие переходы синего от почти черного  к акварельно-прозрачной голубизне, его почти детский рисунок  не спутаешь ни с чем. Как верно  замечено исследователем, за этой наивной  простотой и веселой непринужденностью  чувствуется высочайший артистизм, изощренное понимание формы.

Близок Матиссу и Альбер Марке (1875—1947), воспевший, как и импрессионисты, современный Париж с его Сеной, баржами, церквами, Лувром, небом, людьми. Но это уже взгляд на город не Писсарро или Моне, а человека XX столетия.

Другие художники, экспонировавшиеся  в 1905 г. вместе с Матиссом, тем не менее имели с ним мало общего. Это прежде всего Морис де Вламинк (1876—1958), для которого характерна повышенная экспрессивность в воспроизведении  мира. Напряженным цветом, резкими  цветовыми аккордами создает  он образ хмурой, мрачной природы, передает ощущение тоски и одиночества («Наводнение в Иври», 1910). Еще  более экспрессивно, нервозно искусство  Жоржа Руо, тяготеющее к гротеску (серия «Клоуны»).

Жорж Руо (1871 —1958), учившийся  некогда в мастерской Г. Моро, очень  быстро отошел от фовистов. Понимание  цвета у Руо резко отлично  от Матисса или Марке. Мерцающие  сине-фиолетовые и вишнево-красные  цвета его композиций, в которых  фигуры резко оконтурены черным, чем-то напоминают позднеготические витражи. По настроению же они ближе экспрессионистам («Мы сошли с ума»),

Как и Вламинк, большое  влияние живописи Ван Гога испытал  Андре Дерен (1880—1954), особенно в ранний период, затем последовательно влияние  Сера и Синьяка. Через Сезанна  Дерен пришел впоследствии к кубизму («Субботний день», 1911—1914).

Особое место среди  французских художников начала XX в. занимает Амедео Модильяни (1884—1920). Многое роднит его с Матиссом — лаконизм линии, четкость силуэта, обобщенность формы. Но у Модильяни нет матиссовского  монументализма, его образы много  камернее, интимнее (женские портреты, обнаженная натура). Линия Модильяни  обладает необычайной красотой. Обобщенный рисунок передает хрупкость и  изящество женского тела, гибкость длинной шеи, острую характерность  мужской позы. Модильяни узнаешь  по определенному типу лиц: близко посаженные глаза, лаконичная линия маленького рта, четкий овал, но эти повторяемые  приемы письма и рисунка ничуть не уничтожают индивидуальности каждого  образа.

Искусство XX века, особенно его  начала, вообще знает ряд художников-одиночек, которые не примыкали ни к какому направлению, как, например, Морис Утрилло (1883—1955), певец парижских улиц, вернее, улочек и площадей Монмартра, парижских  окрестностей. Еще в большей степени  таким одиночкой остался в  искусстве Анри Руссо. Анри Руссо, таможенник (таким было его прозвище, ибо  после войны он служил на таможне), пришел в живопись поздно, узнал  известность лишь незадолго до смерти и позже был объявлен главой примитивизма, нового направления, названного так  за «наивность» изображаемого на холсте. Но у Анри Руссо это не слепок с натуры, а либо мир фантастический, почти экзотичный: тропическая растительность, хищные звери, таинственная как бы замершая природа, либо быт парижской улицы  со смешными и нелепыми человечками, увиденный, однако, острым взглядом художника, так искусно подчиняющего изображенное законам декоративной плоскости, что вряд ли его можно отнести к «воскресным» самоучкам, как его пытаются иногда характеризовать («Заклинательница змей», 1907; «Двуколка месье Жюне», 1910).

Среди авангардистских направлений  начала XX столетия, возможно, одним  из самых сложных и противоречивых является экспрессионизм. Экспрессионизм сложился в Германии. Его идеолог  Кирхнер считал экспрессионизм направлением, специфически свойственным германской нации (само латинское слово expressio —  выражение —толковалось как внутреннее выражение торжества духа над  материей). Своими предшественниками  экспрессионисты считали бельгийского художника (англичанина по рождению) Джеймса Энсора с его основным мотивом творчества — масками  и скелетами, выражением ужаса перед  действительностью; норвежского художника  Эдварда Мунка, чьи картины критика  назвала «криками времени»; швейцарца  Ф. Ходлера, одного из представителей символизма; голландца Ван Гога. Начало экспрессионизму  как художественному направлению  было положено в 1905 г. организацией в  Дрездене объединения «Мост» студентами архитектурного факультета Высшего  технического училища Э. Л. Кирхнером, Э. Хеккелем и К. Шмидт-Ротлуфом. К  ним примкнули Э. Нольде, М. Пехштейн, Ван Донген и др. В своем творчестве они стремились выразить драматическую  подавленность человека в мире —  в геометрически упрощенных, грубых формах, через полный отказ от передачи пространства в живописи, оперирующей  несгармонированными тонами. Их творчество, полное ужаса перед действительностью  и будущим, ощущений собственной  неполноценности, безнадежности и  беззащитности в этом мире, построенное  на деформации, на остром рисунке, на внешней  эмоциональности, по сути своей, как  это ни неожиданно при всей экзальтированности, в итоге холодно и проникнуто рационалистическим расчетом. С 1906 по 1912 г. члены организации «Мост» периодически устраивали выставки то в Дрездене, то в Кельне.

В 1910 г. В. Кандинский и Ф. Марк создали альманах под названием  «Синий всадник», а в следующем  году организовали выставку под тем  же названием. Эта выставка положила начало второму объединению экспрессионистов «Синий всадник» (1911— 1914). Его главными фигурами были Василий Кандинский и  Франц Марк, К «Синему всаднику»  примкнули Макке, Кампендонг, Клее, Кубин, Кокошка. К началу Первой мировой  войны оба объединения распались. Как верно сказал один исследователь (В. Власов), нервно и изломанно «они искали рай на земле, а нашли Первую мировую войну». После войны экспрессионисты  резко размежевываются. Одни ушли полностью  в абстракционизм, Пехштейн и Нольде уехали на острова в Океанию, соблазнившись  Гогеном, Кирхнер увлекся африканским  скульптурным примитивом. В творчестве других отчетливо зазвучали социальные ноты, как например, у Гроса (1893—1959), не причислявшего себя, правда, к  экспрессионизму, и Дикса. Отго Дике (1891—1969) выразил весь ужас войны  в знаменитой, уничтоженной фашистами  в 1933 г. картине «Окоп» и в 50 офортах  серии «Война». Наиболее верными  позициям экспрессионизма остались австриец Альфред Кубин (1877—1955) с  произведениями, близкими к Кафке,—полными галлюцинаций, пронизанными мистицизмом, в которых призрачность, ирреальность образов уживается с натуралистическими деталями (иллюстратор Достоевского, Гофмана, Стриндберга, Эдгара По), и  Оскар Кокошка (1886—1980) с его драматическими композициями —«портретами городов», образами, навеянными философией Фрейда, в которых человек рассматривается  как нечто зыбкое, неуловимое, расплывчатое (портрет доктора-психиатра Фореля, 1908).

Полный отказ от иллюзорного  пространства, плоскостная трактовка  предметов, несгармонированные сочетания, излюбленные персонажи—проститутки, преступники, душевнобольные—такова  мрачная поэтика экспрессионистов. Для членов «Моста» характерны исступленная мистика, почти отталкивающая деформация, угнетающий пессимизм, свидетельствующий  о растерянности и душевной опустошенности. «Синий всадник» был еще более  антиреалистическим объединением, стремившимся опрокинуть еще живые традиции импрессионизма; он пошел дальше в сторону абстрактного искусства. К нему естественно потом  пришли Кампендонг, много работавший над церковными витражами в Гамбурге, Мюнхене, Амстердаме; Фейнингер, автор  архитектурных пейзажей с геометрическими  формами холодно-серых домов, умствующий рационалист в искусстве; Поль Клее, талантливый стилизатор детского рисунка. Экспрессионизм имел своих выразителей  и в скульптуре (Эрнст Бардах. «Памятник павшим», 1931, Магдебург).

Экспрессионизм оказал влияние  на многих художников, и влияние  его продолжается и в наши дни  на мастеров, которые хотят выразить свое неприятие уродливого современного мира, «пафос отрицания», вопль боли, по-своему понимая возможности искусства.

Становление другого направления  авангардизма — кубизма — связано  с творчеством французских художников Брака и Пикассо. В 1907 г. в Париже была устроена посмертная выставка Сезанна, имевшая огромный успех. Схематизация форм, которую увидели будущие  кубисты в Сезанне, и геометризация, привлекшая их внимание в только что  открытой европейцами африканской  скульптуре, были толчком для создания этого направления. Как и экспрессионисты, кубисты отказались от иллюзорного  пространства, от всякого намека на воздушную перспективу, фетишизировали конструкцию картины, поставив во главу  угла строгую построенность предмета, представленного на плоскости открытым для обзора со всех сторон. Кубисты  любили подчеркивать, что они пишут  не как видят, а как знают, причем в соответствии с современным  развитием естественных наук. Считается, что кубизм в своем развитии прошел несколько фаз: сезаннистскую (1907—1909), аналитическую (когда именно предмет  и стал представляться с разных точек  зрения, 1910—1912) и синтетическую (период, когда связь с объектом изображения  совершенно порвана, 1913—1914). На последнем  этапе из кубизма вычленился «орфизм» (термин Г. Аполлинера).

Началом кубизма можно  считать появление произведения Пикассо «Авиньонские девушки» (1907—1908), в котором еще есть определенная сюжетность, но нет воздушной перспективы  и фигуры деформированы. Форма правой части моделируется не светотенью, а направлением штриха, в то время  как левая часть картины —  с помощью теней и растушевки. Композиция строится на нарочито разной моделировке разных частей. Видимая  форма разлагается на составляющие элементы для создания новой изобразительной  формы.

В мастерскую имевшего успех  Пикассо приходят Брак, Дерен, вокруг него собираются молодые художники. Складываются основы искусства кубизма. Формы предметного мира разрушаются, человеческая фигура превращается в  сочетание вогнутых и выгнутых плоскостей. Изображение статично (Пикассо. «Женщина с веером», «Танец с покрывалами»). В картине Пикассо «Три женщины» (1908) движение передано через три  разные позы. В 1908 г. группа поэтов и  художников, куда вошли возглавлявшие  ее Пикассо и Брак, художники Лорансен и Грис, поэты Аполлинер, Жакоб, Сальмон, Гертруда и Лео Стайн и ставший  историографом кубизма Канвейлер (Даниель Анри), создала объединение  «Бато-Лавуар». В предисловии Г. Аполлинера к каталогу персональной выставки Брака, состоявшейся в 1908 г., еще не было и  намека на кубистическую программу. Критик Вексель назвал произведения Брака «bizarreries cubiques» («кубические  странности»), и термин этот был подхвачен.

В 1911г. образовалась новая  группа кубистов в мастерской Жака Вийона, к которому присоединились Дюшан, Глез, Метценже, Ле Фоконье, Леже, Пикабия, Купка. В группе, получившей название «Дю Пюто» (1911—1914), сильнее, чем в объединении «Бато-Лавуар», обозначились абстракционистские тенденции. Так, работы Леже (1881—1955) строятся прежде всего на сопоставлении цветовых плоскостей чистых тонов («Курильщики», 1911; «Дама в голубом», 1912). Впоследствии творчество Леже, целиком посвященное  воспеванию машины как единственно  достойного предмета изображения в  искусстве, совершенно расходится с  кубизмом («Город», 1919). Интерес к  человеку никогда не покидал Леже. После Второй мировой войны, возвратившись  из Америки, куда он уехал, не желая  оставаться в петэновской Франции, он выступает как художник, для  которого главным объектом внимания становится не машина, а человек, хотя мастер и остается верен конструктивизму  с его схематизмом форм («Строители», 1950). Последние годы Леже много работал  в монументальном искусстве, в основном в керамике (майоликовая мозаика  на спортивную тему на фасаде его музея  в Биоте, витражи и шпалеры  для церкви в Оденкуре).

Последнее широкое выступление  кубистов относится к 1912 г. Х осенний  Салон был вместе с тем первой их выставкой, носившей программный  характер. Проблемы их были чисто формальные. В этом же году вышла книга Глеза  и Метценже «О кубизме» — первое теоретическое обоснование кубизма. По теории кубистов, картина — это  самостоятельный организм, и она  воздействует не образом, а формальными  средствами, своим ритмом. По мысли  Аполлинера, кубистические произведения относятся к старому искусству, как музыка к литературе. «Не искусство  имитации, а искусство концепции»,—  провозглашал Аполлинер. По мнению теоретиков кубизма, красота картины не имеет  ничего общего с красотой реального  мира, она строится только на пластическом чувстве.

Наиболее последовательно  кубизм проявился в творчестве Жоржа  Брака (1882—1963). Брак в свои композиции всегда изысканной гаммы серых, желтых, зеленых, коричневых тонов вводит аппликации, подлинные куски бумаги или дерева, внося тем в абстрактную в  общем форму элемент реального  мира. В других работах, например в  его «Арии Баха» (1914), плоскостно трактованные черные и коричневые геометрические формы, лишь отдаленно напоминающие скрипку, клавиши рояля, ноты, должны передавать в зрительных образах  образы музыкальные. Предметность формы здесь еще сохранена, но вскоре она превратится в изобразительный знак-символ, уточняющий сюжет. И тогда это явится последним шагом кубизма к абстрактной живописи. Кубисты всегда подчеркивали свою аполитичность, и знаменательно, что разъединение их произошло именно к 1914 г. После Первой мировой войны многие кубисты ушли в декоративное искусство. Глез стал заниматься стенописью. Люрса и Леже — коврами и керамикой. Продолжатели кубистов — пуристы — развивали рационалистическую, рассудочную тенденцию кубизма (Озанфан). С пуризма начинал и Шарль Эдуард Жаннере —Ле Корбюзье, знаменитый архитектор XX в., создатель конструктивизма, считавший, что и любую картину можно построить так же, как машину или здание.

С кубизмом связаны первые формотворческие опыты в скульптуре. Александру Архипенко (родился в 1887 г. в Киеве, умер в 1964 г. в США) принадлежит  изобретение контрформы (замена выпуклых частей вогнутыми или пустотами), соединение разных материалов и их раскраска (скулыпуро-живопись), «лепка светом» (ажурная скульптура с подсветкой изнутри). На позициях кубизма стояли также А. Лоран (1885—1954), обратившийся позже к сюрреализму; Ж. Липшиц (1891—1975), позже пурист, конструктивист, экспрессионист и сюрреалист; О. Цадкин (1890—1967), использовавший принцип контрформы в монументе  «Памяти разрушенного Роттердама» (бронза, 1953): деформированная фигура с пустой грудью и вскинутыми руками—это вопль отчаяния, крик о помощи, предельное душевное напряжение. Не избег влияния  кубизма и позже — сюрреализма  перешедший потом к абстракционизму  А. Джакометти (1901—1966).

Исследователями совершенно справедливо замечено, что в отличие  от кубизма, сложившегося сначала как  живописное течение, а уж потом теоретически, футуризм заявил о себе прежде всего  в манифестах. Футуризм явился первым откровенно враждебным реализму направлением. В 1909 г. в парижском «Figaro» были опубликованы 11 тезисов Маринетти, в которых провозглашался апофеоз  бунта, «наступательного движения», «лихорадочной  бессонницы», «гимнастического шага», «оплеухи и удара кулака», а также  «красоты быстроты», ибо в современном  мире «автомобиль прекраснее Самофракийской Победы». Манифест этот в расширенном  виде был повторен в 1910 г. и имел очень  большой успех у молодежи. Футуристы  отрицали искусство прошлого, призывали  к разрушению музеев, библиотек, классического  наследия: «Долой археологов, академии, критиков, профессоров». Отныне страдания  человеческие должны интересовать художника  не больше, чем «скорбь электролампы». Родина футуризма — Италия, поэтому  и более всего футуристов среди  итальянских художников: У. Боччони, К. Карра, Л. Руссоло, Дж. Северини, Дж. Балла  и др. Они стремились к созданию искусства — апофеоза больших  городов и машинной индустрии. Футуризм (от латинского futurum — будущее) выступил с апологией техники, урбанизма, абсолютизацией идеи движения. Так, «Механические  элементы» Леже представляют собой  комбинацию из механических, геометрических форм (подобие труб, каких-то дисков и пр.) на красном фоне. Материальность предметных форм растворена в динамике ритмов и линий. Натуралистические  детали каким-то образом совмещаются  с отвлеченными линиями и плоскостями, воспроизведенными на холсте. Предмет  разложен на плоскости, движение расчленено на элементы. Деконструктивность, алогичность  композиции, дисгармония цвета характерны для футуристических полотен (Боччони. «Состояние души», 1911; Северини. «Норд  —зюд», 1912; Балла. «Выстрел из ружья», 1915). Появление картин футуристов сопровождалось беспрерывными скандалами. В 1910 г. они  организовали выставку в Париже. В  отличие от кубистов футуристы с их культом силы активно вмешивались в общественную жизнь, нередко исполняя крайне реакционную роль. Недаром вождь футуризма Маринетти в годы фашизма сближается с Муссолини. Но уже в 20-е годы футуризм исчерпал себя. Карра вернулся к изобразительным формам, Северини стал главой и теоретиком итальянской «неоклассики». Он пришел к ней через пуризм, выступая за чистоту форм, «построенных на эстетике циркуля и числа». В конце 20-х годов новые силы футуристов выступают с несколько видоизмененной программой.

Наиболее крайняя школа  модернизма — абстракционизм сложился как направление в 10-х годах XX столетия. Поскольку художники этого  течения отказываются от показа предметного  мира, абстракционизм называют еще  беспредметничеством. Теоретики абстракционизма  выводят его от Сезанна через  кубизм. Именно такой путь — от изобразительности  через «идеальную реальность» так  называемого синтетического кубизма  к полной неизобразительности —  прошел один из основоположников «неопластицизма» Пит (Питер Корнелис) Мондриан (1872—1944), который считал, что «чистая пластика создает чистую реальность». В 10-е  годы Мондриан был связан с кубизмом, правда, доведя его принципы до простого черчения на плоскости. На родине, в  Голландии, у Мон-дриана появляется группа последователей, объединившихся вокруг журнала «Стиль». Программа  журнала провозглашала создание универсального образа мира посредством... прямоугольников разного цвета, отделенных друг от друга жирной черной линией. Так появились бесчисленные композиции без названия, под номерами или буквами. Мондриан был буквально  одержим культом равновесия вертикалей и горизонталей и порвал с журналом «Стиль», когда тот ввел в 1924 г. как  компонент выразительного языка  угол в 45°. Программные установки  Мондриана в 40-е годы были подхвачены итальянскими «конкретистами». Опираясь на утверждение Мондриана, что «нет ничего конкретнее, чем линия, цвет, плоскость», они стали создавать  «новую действительность» из линий  и плоскостей открытого желтого, красного, синего цвета (так называемый «конструктивный геометризм» Мондриана).

Другой основоположник абстракционизма  — Василий Кандинский (1866—1944) создал свои первые «беспредметные» произведения еще раньше кубистов. Москвич родом, Кандинский сначала готовился к  юридической карьере, в 1896 г. приехал  в Мюнхен, прошел через увлечение  Гогеном и фовистами, народным лубком. Как уже говорилось, он был одним  из организаторов альманаха «Синий всадник». В своей работе «О духовном в искусстве» он провозглашает отход  от натуры, от природы к «трансцендентальным» сущностям явлений и предметов; его активно занимают проблемы сближения  цвета с музыкой. Кандинский испытал  также большое влияние символизма. Несомненно, от символизма его понимание  черного, например, как символа смерти, белого — как рождения, красного — как мужества. Горизонтальная линия воплощает пассивное начало, вертикаль — активное начало. Исследователи  справедливо считают, что Кандинский — последний представитель литературно-психологического символизма, подобно Моро во Франции  и Чюрленису в Литве, и вместе с тем первый абстрактный художник. «Предметность вредна моим картинам»,—  писал он в работе «Текст художника».

Картины Кандинского этого  периода представляют собой красочные  полотна, в которых бесформенные пятна интенсивного цвета в красивых сочетаниях пересекаются кривыми или  извилистыми линиями, иногда напоминающими иероглифы. Это само по себе было уже великим преступлением, с точки зрения Мондриана. В них нет и мрачности творений Мондриана, они скорее близки детской непосредственности полотен Клее. Картины Кандинского напоминают чем-то зафиксированные в красках фотографические эффекты света («абстрактный экспрессионизм» Кандинского).

В начале 20-х годов Кандинский увлекался так называемым геометрическим абстракционизмом (в противовес живописному  абстракционизму предыдущего периода). В 1933 г. с приходом в Германию фашизма  Кандинский эмигрировал во Францию, где жил до конца дней. Поздние  работы Кандинского как бы совмещают  принципы живописного и геометрического  абстракционизма.

Третий основоположник абстрактной  живописи — Казимир Малевич (1878—1935). Он соединил импрессионистический абстракционизм Кандинского и сезаннистский  геометрический абстракционизм Мондриана  в изобретенном им супрематизме (от французского supreme — высший). Ученик Киевской художественной школы, затем  Московского училища живописи, ваяния и зодчества, Малевич прошел через  увлечение импрессионизмом, затем  кубизмом, в 10-е годы испытал влияние  футуристов Карра и Боччони. С 1913г. он создал свою собственную систему  абстрактной живописи, выраженную им в картине «Черный квадрат», назвав эту систему «динамический супрематизм». В своих теоретических работах  он говорит о том, что в супрематизме «о живописи не может быть и речи, живопись давно изжита и сам художник — предрассудок прошлого». В 20-е  годы Малевич небезуспешно пытается в своих «планитах» и «архитектонах» применить супрематизм к архитектуре. В начале 30-х годов он возвращается к фигуративной живописи в реалистических традициях («Девушка с красным древком»). «Черный квадрат» Малевича вошел  в историю как наивысшее выражение  крайностей модернистского искусства. Последователями и учениками  Малевича в России явились Л. Попова, О. Розанова, И. Пуни, Н. Удальцова (так  называемая группа «Супремус»). По ассоциации с термином «минимализм» в авангардной  музыке XX в., «неопластицизм» Мондриана  и «супрематизм» Малевича иногда называют «минимализмом».

Особое направление в  абстракционизме —лучизм —возглавляли Михаил Ларионов и Наталия Гончарова. По Ларионову, все предметы видятся  как сумма лучей. Задача художника  —поиск и фиксация пересечения сходящихся в определенных точках лучей, т. е. красочных  линий, их в живописи представляющих.