Исторические периоды развития дизайна и их характеристики

Содержание

Введение

Теория развития дизайна. Этапы, хронология исследований

Исторические периоды развития дизайна и их характеристики

Заключение

Список литературы

Введение

Если архитектура по праву  считается каменной летописью мира, запечатленной в многочисленных творениях зодчих, то дизайн можно  считать летописью индустриального  общества, отраженной в окружающем нас мире предметов и вещей. Дизайн - один из самых молодых видов  проектно-художественной деятельности. Его история берет свое начало на рубеже XIX и XX веков, когда после триумфального шествия по многим европейским странам промышленной революции были созданы все необходимые условия для зарождения и развития новой сферы художественного формообразования массовых индустриальных изделий. Пионерами дизайна стали архитекторы и художники, пришедшие в индустриальное производство, не побоявшиеся заняться новым и незнакомым для себя делом, еще не сформировавшимся, но привлекательным своей необычностью и новизной.

Прошло чуть больше ста  лет, и дизайн превратился в самостоятельный и один из самых влиятельных видов проектного и художественного творчества. Сегодня трудно себе представить какую-либо сферу человеческой деятельности, в которой бы не трудился дизайнер. Дизайн создает привлекательную и комфортную для человека среду, облегчая человеку работу и быт, воспитывает его эстетический вкус, ориентируясь на новейшие научно-технические достижения, технологии и материалы, самые современные веяния моды, самые изысканные запросы потребителей. Современный дизайн занимает активную позицию, все больше и больше влияя на своих старших собратьев по цеху - архитектуру и монументально-декоративное искусство. Появляются неведомые раньше стили высоких технологий, ориентированные на новейшие технические достижения, авангардные течения.

Еще недавно незнакомое нам  иностранное слово "дизайн" все активнее входит в наш обиход, становясь популярной приставкой. Вместо привычных "парикмахер", "модельер" или "фотограф", мы все чаще встречаем такие названия как "дизайн прически", "дизайн одежды", "фотодизайн", "фитодизайн", "графический дизайн". Этот ряд понятий можно продолжить. Сто лет дизайна для истории - очень небольшой срок, в отличие от архитектуры и монументально-декоративного искусства, история которых насчитывает уже не одно тысячелетие. Однако, это не простые сто лет. Многие исследователи считают, что наша цивилизация за последние сто лет проделала путь, соизмеримый в своих открытиях и научно-технических достижениях со всей остальной историей человечества.

А, значит, и летопись дизайна, отражающая весь ход научно-технического прогресса, несмотря на свои скромные временные рамки становится сопоставимой с традиционными и знакомыми нам всем историями живописи, архитектуры, градостроительства, декоративного искусства и нуждается в серьезном и скрупулезном рассмотрении. И не случайно сегодня во многих странах уже появились специальные музеи современного искусства и дизайна. А в дизайне появились свои иконы, свои вехи и памятники - репликационные воспроизводства изделий мебели и быта, ставшими выдающимися произведениями.

Теория развития дизайна. Этапы, хронология исследований

Дизайн прочно вошел в  нашу жизнь, а само слово мы часто  произносим на автомате, не задумываясь. Но так как дело это молодое, то единого общепринятого представления о дизайне не существует. Заметим на полях, что и появился этот вид деятельности в столетие, когда все стало принято подвергать сомнению, а главным научным законом явилась теория относительности. Определений дизайна множество, как множество серьезных научных исследований и спекуляций на эту тему. Однако основным принято считать определение, данное дизайну в 1964 году международным семинаром по дизайнерскому образованию в Брюгге. Оно гласит: "Дизайн - это творческая деятельность, целью которой является определение формальных качеств промышленных изделий. Эти качества включают и внешние черты изделия, но главным образом те структурные и функциональные взаимосвязи, которые превращают изделие в единое целое, как с точки зрения потребителя, так и с точки зрения изготовителя"

Есть традиционно дизайн-ориентированные страны - Германия, Италия, США, Япония. Производство или торговля здесь являются постоянными заказчиками дизайна. Есть страны, в которых дизайн буквально пронизывает все виды деятельности. Среди них - страны Скандинавии, Япония, Италия. Есть страны с богатой и развитой культурой художественного, предметного, научно-технического творчества, например Великобритания, Франция, Россия.

Профессионалы спорят о началах  истории дизайна. Существует три  основные точки зрения на этот счёт. В первом случае (при расширительной трактовке дизайна) утверждается, что  дизайн - явление, имеющее длительную историю, измеряемую тысячелетиями, а "современный дизайн" - это не более чем количественный скачок. Он выражается в резком увеличении количества вещей, в создании которых  участвует художник, и соответственно в самоопределении дизайна как  самостоятельной деятельности за счёт его выделения из искусства и  инженерии. Сторонники второй точки  зрения полагают началом истории  дизайна 1907 год, когда художник, архитектор, дизайнер Пётер Беренс начал работу в компании "Allgemeine Elektrizita: t Gesellschaft". И, наконец, третья теория: началом дизайна считают годы кризиса 1929 года, когда Раймонд Лоуи, Уолтер Дорвин Тииг, Генри Дрейфус и ряд других художников начали работу в американской промышленности и на американских промышленников, испытывающих трудности со сбытом продукции.

Корни дизайна уходят к  началу XIX века, в эпоху появления массового машинного производства и разделения труда. До промышленной революции в труде ремесленника дизайн непосредственно сочетался с изготовлением изделия. Кустарное, ремесленное производство (до 18 века) - предтеча дизайна: ручной труд примитивные орудия труда, примитивная технология, мало серийное производство, учитывались все потребности человека к вещи: полезность, функциональное совершенство, удобство, красота, экономическая целесообразность. Производством бытовых вещей издавна занимались ремесленники. Понятно, что ремесленник - не дизайнер. Ремесленник делает одну и ту же вещь из одного и того же материала. Вещи получались индивидуальные, эксклюзивные, дорогие (при качестве) и производились в малом количестве (сколько сможет осилить один человек) 6 принципов работы кустаря: социологический, инженерный, эргономический, эстетический, экономический, экологический.

Индустриальное машинное производство (конец 18 века начало 20 века):

производство создало "нечеловечные, холодные предметы" С приходом века индустриализации дизайнер стал создавать  прототипы изделий, которые с  помощью машин производили другие люди. Практика раннего дизайна была весьма примитивной. Функциональностью  и экономичностью производимой продукции  занимались инженеры, а дизайнеры  отвечали лишь за ее эстетический вид. Оказалось, что дизайнеры должны создавать прототипы массового  машинного производства, предварительно изучив технологию современного производства и свойства материалов. Назначению изделий и простоте обращения  с ними придавали столь же важное значение, как и их внешнему виду. В скором времени дизайнерские фирмы стали набирать в штат чертежников, модельщиков, инженеров, архитекторов и специалистов по изучению рынка.1785г. в Англии начинает развиваться индустриальное машинное производство - специализация, узкопрофессиональный подход, разделение труда, потоковость.

Этап Дизайна (с начала XX века) соединил достоинства предыдущих двух этапов. Дизайнер работает на промышленном производстве, использует различные материалы и технологии. Дизайнер связан с массовым производством и с его уровнем и возможностями, а эти возможности, к сожалению, часто не оправдывают ожиданий. Оформители и бутафоры украшают свои вещи, но дизайнер - существо высшее, он обязан мыслить масштабно и разнопланово, он обязана представлять как поведет себя его будущее творение в своей среде обитания, как оно повлияет на среду и как среда уживется с вещью, а главное дизайнер должен придать вещи максимальную симпатию к человеку, к тому, для кого вещь будет предназначена, кому она будет служить. Дизайнер обязан сохранить чистоту идеи - функциональную обоснованность для формы, материала, супер графики т.е. всех составляющих. И, в конце концов, предугадать необходимость создаваемой им вещи. А что же должен знать дизайнер (художник - конструктор) создавая вещь. Быт, этнографию, демографическую ситуацию, социологию быта (чтобы понять кто, когда, как и до каких пор будет пользоваться вещью, рождающейся сегодня), психологию, физиологию, медицину, эргономику, технологию изготовления вещи, свойства материалов, возможные инженерные и конструкторские решения. Дизайнеры знают, что в этом мире все соотносится друг с другом и человек воспринимает это на подсознательном уровне. Проблема цвета, например, уходит в глубины психологии. Ещё в начале ХХ века великий русский художник, основоположник авангарда - Василий Кандинский исследовал влияние цвета на психофизику человека, а его французский коллега архитектор Ле Корбюзье чуть позже сформулировал основы эргономики - науке о среде обитания человека. Во многом благодаря этим двум великим художникам-новаторам стало общедоступным понимание того, что от правильности цветового и светового решения среды зависит душевное состояние человека, его работоспособность и психологический комфорт. Не случайно, именно в ХХ веке, рожденном модерном, возникает профессиональный дизайн, как искусство сотворения быта, а художник становится, чуть ли не главным человеком в социуме, ведь все, что окружает нас, сначала было нарисовано, если конечно это не создала сама природа.

Первые теории о соотнесении  красоты и пользы принадлежат  древнегреческим ученым Сократу, Аристиппу, Протагору, Платону, Аристотелю. Уже тогда философы впервые задумывались о различия между искусством и наукой по их целеполаганию. Уже тогда были и работы по комбинаторике: о соединении человека и машины "Театр автоматов" Герона Александрийского. Подобные альбомы получили большое распространение под именем "Театры машин" в эпоху Возрождения. Отдельное место в этом списке занимают трактаты Леонардо да Винчи. Далее в хронологическом порядке появляются работы Жоффруа Тори о шрифтах (1529), Готфрида Лейбница "Об искусстве комбинаторики" (1666), "Театриум Махинарум" Андрея Нартова (1720), "Трактат о природе человека" Дэвида Юма (1740), "Размышления о природе и принципах чувств" Арчибальда Алисона (1790), "О влиянии живописи на художественную промышленность" Эмиля Экмерид-Давида (1805), "Теория органопроекции" Павла Флоренского.

Возникновение промышленного  производства способствовало развитию критической мысли. Одним из первых критических трудов стала "Практическая эстетика" Готфрида Земпера, развившаяся в трудах Джона Рескина, Уильяма Морриса, Уолтера Крейна, обозначивших взаимоотношения искусства и ремесла. Эпоха американского функционализма дала миру творения теоретиков дизайна:

эстетические эссе Горацио  Грино, "Трактат по архитектуре гражданских и военных морских судов" Джона Гриффита (1856), "Листья травы" Уолта Уитмена, манифест "Высотные административные здания с художественной точки зрения" Луиса Салливена (1896), доклад "Искусство и ремесло" Фрэнка Ллойда Райта (1903), ряд книг Адольфа Лооса, "Проблема формы в изобразительном искусстве" (1912) Адольфа Гильдебранда, "Вопросы стиля" Алоиза Ригля, 30 фундаментальных исследований Германа Мутезиуса, "Торжество жизни и искусства", "Размышления о театре как высшем художественном синтезе" Петера Беренса.

Значительный вклад в  становление теоретических воззрений  истории дизайна и его популяризации  сыграли и играют периодические  издания. Первый специальный журнал Генри Кола по эстетическим проблемам  предметного мира и его проектированию "Journal of Design and Manufactures" (1849). Позднее уже появились специализированные журналы "Pan" (1895), "Decorative Kunst" (1897), "Kunst und Handwerk" (1898). Это и журнал "Югенд", от которого произошёл немецкий вариант названия стиля "модерн" - "югендстиль". Широкую известность в центральной Европе получил скандинавский журнал "Форма и функция", в СССР - "Техническая эстетика" Свое творческое кредо формулировали в манифестах, лозунгах, концептуальных статьях многие дизайнерские группы и отдельные мастера: Чарльз Ренни Макинтош и школа Глазго, Пит Мондриан и группа Де стейл, Этторе Соттсас и группа "Мемфис", Александр Мендини и группа "Алхимия".

Особое место в историко-теоретических  исследованиях дизайна занимает "государственный дизайн", давший толчок комплексному подходу в изучении индустриального дизайна. Впервые  совет по дизайну был создан в Англии в конце второй мировой войны. В 1962 году был создан Всесоюзный научно-исследовательский институт технический эстетики в СССР. Таким образом, во второй половине XX века была подготовлена материальная и теоретическая база для специальных исследований в области истории дизайна. Она не заставила себя ждать: к концу века появился целый ряд комплексных исследований по истории дизайна. Это известные работы английских теоретиков Катрин МакДермотт, Шарлоты и Петера Филл, немецких искусствоведов Томаса Хауфе, Вольфгана Шиперса и Петера Шмидта.

И так, несколько десятилетий  ведутся споры о возникновении  дизайна. Рассматриваются различные версии, а именно:

1. История дизайна как проектно-художественная деятельность берет свое начало в середине XIX века и связана с развитием индустриального производства, создавшим потребности в новой профессии.
2. Дизайн как связь искусств и ремёсел. Относится к возникновению в конце XIX века известного английского "Движения искусств и ремёсел", возглавленного Уильямом Моррисом, когда были сформированы главные положения теории и творческие принципы дизайна, повлиявшие на школы и направления более поздних лет.
3. Дизайн как художественно-промышленная деятельность: начало XX века, когда художники заняли ведущие посты в ряде отраслей современной промышленности и получили возможность формировать фирменный стиль предприятий и влиять на политику выпуска электротехнических приборов, автомобилей, радиоаппаратуры (деятельность Петера Беренса в компании AEG и американской автомобильной фирмы "Форд").
4. Дизайн как появление дипломированного специалиста относится к появлению первых школ и методик преподавания дизайна. (ВХУТЕМАС в СССР (1920), Баухауз в Германии (1919).
5. Становление дизайна как профессии, в зависимости от его реального вхождения в жизнь - непосредственно в производство, торговлю. Хронологический отсчет в этом случае начинается с ещё более позднего времени - с 1930-х годов, точнее со времени выхода США из великого экономического кризиса.
6. Дизайн как компоновочная деятельность, берет отсчет от орудий первобытного человека, впервые столкнувшегося с понятиями удобства орудий труда, вопросами повышения производительности, компоновки предметов, первых намеков на эргономику предметов.

Как бы то ни было и как  бы не спорили профессионалы о этапах развития и становления дизайна, одно несомненно - дизайн необходим в нашей будничной жизни. И особенно сегодня, когда индивидуальное взяло верх над общественным, а частная жизнь человека стала признанной ценностью. Дизайн - одно емкое понятие, а включает в себя в нашем сознании: дизайн проект интерьера, массовый и элитный дизайн, китч, стайлинг, поп-дизайн, единичный арт-дизайн, городской паблишь-арт, архитектурный дизайн, промышленный дизайн, Web-дизайн, графический дизайн, кустарный дизайн, исторический футуро-дизайн, прогностический дизайн будущего, фито-дизайн, коммерческий рекламный дизайн, информационный и программный дизайн, научный сайнс-дизайн, текстовый дизайн.

Исторические  периоды развития дизайна и их характеристики

РЕНЕССАНС 1400-1600

В декоре 15-го и 16-го веков  доминировала концепция подражания искусству древнего мира. Имитация сочеталась с техническими открытиями в производстве стекла, керамики, где  было введено глазурование глины, и  новшествами в текстильной промышленности. Гуманисты Возрождения, руководствуясь принципами, изложенными греческим  философом Аристотелем, дискутировали  о том, что умный правитель  должен отражать свое великолепие в  произведениях искусства, каковые, в свою очередь, служат для его  возвышения.

Захватывая города Италии, герцоги устанавливают переходящую  по наследству власть и начинают использовать искусство для укрепления собственного богатства, величия и положения. Правители воздвигают монументы, возводят дворцы, приглашают художников работать при дворе и строят новые мануфактуры.

В классических скульптурных мастерских в основном копируются орнаменты  с завитками из листьев, фестонами, гирляндами и мотивом канделябров.

Последние имеют форму  вертикально поднимающейся из вазы или столика листвы. Донателло (1386-1466) обыграл различные комбинации этого классического рисунка в галереи для хора Флорентийского собора (1433-39). В конце 15-го столетия в декорировании интерьера, мебели, предметов из керамики, стекла и металлов доминируют орнаментальные мотивы. В Венеции, тесно связанной с арабскими странами, господствует другая тема.

Орнаменты с геометрическим узором, плетенками, иногда со стилизованным  лиственным мотивом очень подходили  для оформления книжных переплетов, металлических изделий и росписи  тканей. В 1520-х годах в Венеции  появляются книги, украшенные мавританскими  мотивами, а в 1530 году Франческо Пеллегрино публикует очень важный труд "La Fleur de la Science de Pourtraicture".

Архитекторы на раскопках  римских зданий изучают принципы классического рисунка. Преобладают  два подхода к концепции all`antica (в духе древнего мира): Браманте (1444-1514) и Рафаэль (1483-1520) декорируют фасады и внутреннее убранство палаццо в Риме, используя детально изученный опыт римских мастеров архитектуры. Художники создают гармоничные, совершенные по соразмерности произведения искусства, такие как Палаццо Каприни (Браманте, ок.1510); убранство базируется на классических пропорциях и повторах однотипных блоков.

Витторе Карпаччо (ок.1450-1520). "Сон Святой Урсулы" (деталь), 1495; показана обстановка итальянского дома: кровать с балдахином на четырех стойках; простая, расставленная вдоль стен мебель - типичный интерьер того времени, включающий cassone (деревянный сундук) и украшения на стенах и полках.

Рафаэлевская роспись  Брамантской Лоджии в Ватикане (1516-17) напоминает роспись римских интерьеров, о которой художники Ренессанса узнали благодаря раскопкам Золотого Дома Нерона. Это вызвало появление термина "гротескная" живопись, так как найдена она в подземных гротах. Гротескный орнамент включает изображения мифологических животных, фавнов, сатиров и масок.

дизайн проектное художественное творчество

Рисунок Перино дель Вага, Рим, ок.1530; передает мотив канделябра в сочетании с фигурками путти, трофеями и прочими античными темами.

В 1519 году Рафаэль воздает  похвалу стилю; тридцать лет спустя художник, архитектор и биограф Джорджо Вазари (1411-74) в книге "Жизнеописание живописцев" (1550) подчеркивает, что стиль являлся основной составляющей искусства тех времен. Элегантность и затейливость в сочетании с виртуозностью отличает искусство 16-го века, в этом художники Ренессанса превзошли предыдущие поколения, даже римлян. В тот же самый период Микеланджело (1475-1564) повел классическую архитектуру и скульптуру по другому пути. Декор становится выразительнее и необычнее, создается более насыщенная по своей тематике роспись. Эти характеристики определяют то, что известно как Маньеризм. Посвященная публика старалась вникнуть в принципы построения произведений и восхищалась изощренностью, с которой художники выражали свои амбиции.

Признание взглядов итальянского Возрождения Европой объясняется  желанием королей и герцогов показать свою индивидуальность и значимость; классические художники, работавшие в  рамках средневековья, прославляют  исключительно величие Бога. Новые  идеи, возникшие сначала в Италии, были развиты гуманистами и писателями 15-го и 16-го веков и вскоре проникли в Европу.

Книжная графика не сразу  осваивает эту идеологию; до введения печатного пресса графика не могла  развиваться столь скоро. Стоит  сказать, что из-за политического  изменения границ, перемещения войск, заключения альянсов по религиозным  соображениям в Европе сложилась  весьма любопытные взаимосвязи. Одновременно с товарообменом происходит обмен  идеями, модой и пристрастиями. Однородность ренессансного декора стала результатом  признания классического орнаментального  словаря. Разнообразие ограничивалось слиянием ренессансных концепций с  местными традициями.

Франция среди первых восприняла итальянский Ренессанс. Франциск I приглашает Леонардо да Винчи (1452-1519), Бенвенуто Челлини (1500-71), Фран-ческо Приматиччо (1504-70) и Россо Фиорентино (1495-1540) работать во дворце Фонтенбло. Художники впервые применяют сочетание фресок и стуковых скульптурных обрамлений с ленточным плетением и завитками из материала, имитирующего металл, что получило название "переплетающийся орнамент". Новый стиль, впервые возникший из итальянских картушей, во второй половине столетия входит в практику многих провинциальных художников-прикладников. В Нидерландах такие оформители, как Корнелис Флорис (1514-75), Корнелис Бос (работал в 1540-54) и Корнелис Матсис (работал в 1531-60), развивают форму гротескных фигур и воплощают ее в металле.

Галерея Франциска I в Фонтенбло, декорированная Россо Фиорентино и Франческа Приматиччо, 1530-34.

В Северную Европу пришел новый  итальянский узор. Аллегорическая живопись взята в причудливые рамы со стуковыми скульптурами кариатид, путти и гирляндами цветов. Здесь впервые возник переплетающийся орнамент, позже, в 16-м веке, преобладающий во всей Европе.

Фламандское и французское  декоративное искусство служило  источником подражания для художников Англии, особенно к концу века. Англия становится прибежищем для многих художников, изгнанных из Нидерландов и Франции, которые владели мотивами Ренессанса и новой техникой. Иностранные  специалисты по обработке серебра, росписи тканей, краснодеревщики  полностью преобразуют эти ремесла  в Лондоне, Норидже и Кентербери.

БАРОККО 1600-1730

Барокко - стиль искусства  и архитектуры, появившийся в  Риме в конце 16-го века, однако чаще его относят к искусству 17-го века различных стран. Этот стиль был  призван, прежде всего, утверждать красоту  Римской Католической Церкви с целью  противостояния Реформации. Постепенно наиболее ярко Барокко проявляется  во Франции, которая в первой половине 17-го века начинает процветать, причем здесь этот стиль служит для прославления абсолютной монархии.

Покровительство, как религиозное, так и королевское, по-прежнему играет значительную роль в 17-м веке, но оно  не ограничивается только Церковью и  могущественными монархами. Богатые  и влиятельные коммерсанты Голландии  приобретают вкус к роскоши, поэтому  их влияние на развитие искусства  не следует игнорировать. Обычно не так просто четко определить характерные  черты того или иного стиля  и не все предметы, которые мы будем рассматривать, можно отнести  к истинно барочным произведениям, но они отражают тенденции, которые  проявлялись в то время в архитектуре, живописи и скульптуре.

В Барокко прослеживается преклонение перед античной классикой, особенно перед величием и монументальностью  римской архитектуры, что заметно  в храмах и дворцах 17-го века. Залы государственных заседаний расписаны  монументальными классическими  сценами из жизни богов, украшены античной скульптурой. В декоративном искусстве также появляются скульптурные и архитектурные детали, связанные  с античностью, размеры орнамента  увеличиваются. Преобладают четкие и массивные формы, богатые цветовые контрасты, часто используются дорогие  экзотические материалы.

Общее впечатление, создаваемое  интерьером итальянского Барокко, - мощь, роскошь и театральность, французские  же интерьеры, будучи такими же масштабными  и великолепными, склонны к большей  уравновешенности и упорядоченности.

Эффекты освещения стали  еще одной особенностью декоративного  искусства, что очень хорошо видно  в натюрмортах голландцев, а также  в использовании зеркал в сочетании  с отражающими поверхностями  в интерьере. Интерес к движению находит свое воплощение, к примеру, в подставках, имеющих форму крученых колонн. Нелинейные формы и игра света на волнообразной поверхности  также характерны для Барокко.

Деталь ковра по рисунку  Шарля Лебрена (1619-90), на котором изображена известная сцена посещения Людовиком XIV мануфактуры Гобеленов в 1667 г. На ней работали лучшие мастера (ткачи, ювелиры, столяры-краснодеревщики, скульпторы), создававшие предметы роскоши для королевских дворцов. В данной сцене королю преподносят эти великолепные предметы.

Интерес к свету и движению можно наблюдать в процессе становления  Аурикулярного стиля в начале 17-го века в изделиях голландского серебра. Аурикулярный орнамент в основном используется в голландских изделиях из серебра, хотя иногда он появляется в предметах мебели и очень редко в керамике и тканях.

Установление оживленной торговли со странами Дальнего Востока - другой ключевой момент в развитии декоративного искусства 17-го века. Многочисленные торговые фирмы стали  поставлять на европейский рынок  изделия из лака, фарфора, шелка, что  способствовало формированию вкуса  к экзотике. Товар был дорог  и доступен только богачам, но спрос  был настолько велик, что стали  производиться дешевые подделки лаковых изделий и бело-синего фарфора в европейских странах.

Натюрморт с сыром и  фруктами, 1615, голландца Флориса ван Дийка из Утрехта демонстрирует интерес художника к игре света на разных поверхностях. Обратите внимание, например, на бело-синий китайский фарфор, зеленый бокал Коетег и белизну керамического кувшина.

Поскольку европейские знания о Дальнем Востоке были весьма приблизительны, художникам-декораторам  приходилось использовать свою фантазию в тематике декорирования.

В это время широко распространенным элементом в декоративном искусстве  являются цветы. В Европу завозятся  новые виды растений, создаются ботанические сады и растет благосостояние опытных  садовников. Следствием становится не только мода на показ срезанных цветов и создание новых форм цветочных  ваз, но и стремительное обогащение художников и декораторов новыми мотивами.

Галерея Палаццо Колонна  в Риме; строился в период 1654-65 гг. Огромная роспись аллегорического  сюжета на потолке, необычное использование  зеркального стекла с резными  позолоченными боковыми столами - великолепный интерьер в стиле Барокко, изображенный в миниатюре.

В первой половине века торговля луковицами тюльпанов достигает  своего пика, тюльпаны изображаются тщательно  прописанными или стилизованными, их гравируют на серебре, они появляются на тканях и предметах мебели, украшенных маркетри, их рисуют на керамических изделиях.

В последней четверти века преобладает более строгий и  формальный стиль "Барочного классицизма", принятый французским двором и проявившийся в произведениях французских  художников-декораторов и оформителей. Работы таких декораторов широко распространены в виде отпечатков, специально выгравированных досках с орнаментами, которые легко  переводить в различные материалы. Они стали мощным источником вдохновения  в декоративном искусстве начала 18-го века. Распространению куртуазного  французского стиля способствует отмена Нантского эдикта (1685). Согласно новым  правилам французские гугеноты больше не могли занимать какую-либо правящую должность, результатом чего явилась  массовая эмиграция многих тысяч  протестантов из Франции в протестантские страны, такие как Голландия и  Англия. Среди этих изгнанников было много талантливых декораторов  и мастеров, принесших знания современного французского искусства.

Важным аспектом работы французских  декораторов конца 17-го-начала 18-го вв. было возрождение гротескного  орнамента. Он составлялся из усиков аканта, ламбрекенов, а также фантастических созданий, симметрично расположенных  внутри тонко закрученных краев. Хотя эти мотивы начали встречаться  в образцах 16 века, они становятся более утонченными и линейными, привнося новый элемент воздушной  легкости и элегантности, во многом предсказывая стиль Рококо, который  будет рассмотрен далее.

РОКОКО 1715-70

Рококо, зародившееся в первой половине 18-го века во Франции, характеризуется  органичной естественностью и изгибающимся, змеевидным движением композиции. Используемые мотивы основаны на ракушках и нагромождении  камней (Рокайль). Присутствующие мотивы волн или пламени создают ощущение мерцающего движения и асимметрии. В основном Рококо применялся в декоре интерьера, а не в архитектурных  теориях, в узорах этого стиля  чаще проявляется индивидуальная интерпретация  художников-декораторов и мастеров.

Природа, дети, нимфы и  пастушки заполняют картины Франсуа  Буше (1703-1770), многие из которых создавались  как часть интерьера Рококо.

Восточная экзотика добавляет  элементы декора, подходящие к частным  комнатам в стиле Рококо. Кристоф  Уэ (1700-1759) создает кабинеты в Шантильи, украшенные расписными панно с изображением обезьян, совершающих человеческие поступки (такой тип рисунков назывался singerie). Другая форма экзотики - китайские мотивы. Верен рисует восточные фигуры, из гравюр китайского двора, приспособленные к европейскому вкусу.