Санкт-Петербургский государственный технологический институт (Технический университет)

    Кафедра истории Отечества, науки и культуры                             Факультет 8

Курс 1   

Группа 805 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Курсовая  работа

Тема: История русской музыки XIX века 
 
 
 

Студент Новиков  Д.М 

Руководитель  Потехина И.П 

Оценка за

курсовую работу____________________(личная подпись руководителя) 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Санкт-Петербург

2011

    Оглавление

1. Введение

Множество веков музыка помогала человеку легко жить и трудиться. Моя работа посвящена этому искусству, поскольку имею прямое отношение к нему. Еще в музыкальной школе мне говорили, что «не вся музыка несет положительную атмосферу и гармонию. Нужно знать, что можно слушать, а что нет».

Тема моей работы актуальна в современном обществе, поскольку именно в XIX веке произошел рассвет русской классической музыки, которую я считаю наиболее благоприятной для человеческого общества. Именно её звучания преобразуются в новые направления в музыке.

2.История русской музыки до XIX века.

Русская музыкальная  культура развивалась несколько  отличным от зарубежной музыки путем. До своего расцвета и становления первых национальных композиторских школ в начале XIX века она прошла долгий путь развития. Началом русской музыки можно считать IX век - образование Древнерусского государства. До середины XVIII века светская музыка не была профессиональной, основные музыкальные жанры лежали в области народного фольклора и духовной музыки. 

Русская народная музыка берёт начало в фольклоре  славянских племён, живших на территории Киевской Руси. Так как этнический состав населения был очень разнородным, русская музыка включала в себя, кроме славянских, также финно-угорские, тюркские и другие прототипы. 

Среди основных жанров народной музыки можно выделить календарные обрядовые песни, свадебные, эпические, танцевальные и лирические песни. Народная музыка была больше песенной, чем инструментальной (возможно, под влиянием церковного запрета на музыкальные инструменты в храме), частушки. Народные инструменты в фольклоре используются обычно в быту пастухов или для некоторых видов танцев и песен. Наиболее распространены: струнные инструменты (гудок, гусли), духовые инструменты (дудка, жалейка/рожок, кувиклы (флейта Пана). В летописях упоминаются: военные трубы, охотничьи рога, бубны.¹ В эпоху Средневековья скоморохи — исполнители народной музыки подвергались преследованиям, а музыкальные инструменты уничтожались, поэтому оригинальные русские музыкальные инструменты до современности почти не дошли. Такие инструменты, иногда ассоциирующиеся с русской музыкой, как балалайка, мандолина, гитара, баян (гармонь), являются инструментами западноевропейского происхождения, и распространились в России сравнительно поздно (XIX—XX века)². В XIX веке музыкантом В. В. Андреевым был создан так называемый оркестр русских народных инструментов.

3.История русской музыки XIX века.

3.1 Произошедшие изменения.

     Традиции  русской музыкальной культуры сложились  к концу XVIII в. Композиторы А.А. Алябьев (1787 -1851), А.Е. Варламов (1801- 1848), А.Л. Гурилев (1803-1858), Н.А. Титов (1800-1875) в первой половине XIX в. создали замечательные произведения камерного жанра. Представитель романтического направления в музыке А-Н. Верстовский (1799-1862) создал оперу «Аскольдова могила», пользующуюся и поныне большой популярностью.³

       Музыка занимала особое место в жизни российского общества первой половины XIX в. Музыкальное образование было необходимым компонентом воспитания и просвещения молодого человека. Музыкальная жизнь России была достаточно насыщенной. В 1802 г. было основано Русское Филармоническое общество. Для широкой публики становятся доступными ноты.

     Заложены основы двух главных  направлений отечественной оперной  классики: народной музыкальной  драмы и оперы сказочно-эпического  жанра. Стиль был истинно русским  в мелодическом звучании и выражении дум, чаяний и миропонимания народа.

     Симфонические произведения Глинки («Вальс-фантазия», «Камаринская»,  «Арагонская хота», «Ночь в Мадриде и др.) демонстрируют высочайшее мастерство композитора добиваться гармонии и синтезировать народные мелодии.

     Младшим современником М.И. Глинки  был А.С. Даргомыжский (1813- 1869). В первой его опере «Эсмеральда» (по роману В. Гюго «Собор Парижской богоматери») проявились романтические черты, свойственные раннему периоду творчества. Вслед за Глинкой он укреплял реализм в русской музыке и первым создал народно-бытовую музыкальную драму - оперу «Русалка» (по одноименной поэме А.С. Пушкина), в которой в образе мельника отразил сочувствие к «маленькому» человеку.⁴

     Композитор обратился к новым  приемам в музыкальном искусстве: работая над оперой «Каменный гость», он поставил задачу использовать полный текст литературного произведения и мелодизированный речитатив'. Обращаясь к драматическим формам выражения, Даргомыжский стремился к воплощению конкретного индивидуального образа, сложных душевных противоречий, постановке социальных проблем русской жизни (романсы «Мне грустно», «Я все еще его люблю», «И скучно и грустно», песни «Старый капрал», сатирико-комические песни «Червяк», «Титулярный советник» и др.).

     Таким образом, в русском музыкальном  искусстве к середине столетия  утвердились русские, реалистические  традиции, стало все больше осознаваться  растущее значение русской культуры. Ее передовые и художественные  образы огромного звучания впитывались мировой культурой.

3.2 Жанры.

В XIX веке были распространены следующие жанры:

     Опера - синтетический жанр, объединяющий в едином театральном действии различные виды искусств: драматургию, музыку, изобразительное искусство (декорации, костюмы), хореографию (балет). Исторически сложились определённые формы оперной музыки. При наличии некоторых общих закономерностей оперной драматургии все её компоненты в зависимости от типов оперы толкуются различно. Разнообразны вокальные формы классической оперы. Характеры героев наиболее полно раскрываются в сольных номерах (ария, ариозо, ариетта, каватина, монолог, баллада,песня). Различные функции в опере имеет речитатив — музыкально-интонационное и ритмическое воспроизведение человеческой речи. Нередко он связывает (сюжетно и в музыкальном отношении) отдельные законченные номера; часто является действенным фактором музыкальной драматургии. В некоторых жанрах оперы, преимущественно комедийных, вместо речитатива используется разговорная речь, обычно — в диалогах. Сценическому диалогу, сцене драматического спектакля в опере соответствует музыкальный ансамбль (дуэт, трио, квартет, квинтет и т.д.), специфика которого даёт возможность создавать конфликтные ситуации, показывать не только развитие действия, но и столкновение характеров, идей. Поэтому ансамбли зачастую появляются в кульминационных или заключительных моментах оперного действия. По-разному в опере трактуется хор. Он может быть фоном, не связанным с основной сюжетной линией; иногда своеобразным комментатором происходящего; его художественные возможности позволяют показать монументальные картины народной жизни, выявить взаимоотношения героя и масс (например, роль хора в народных музыкальных драмах М.П. Мусоргского "Борис Годунов" и "Хованщина"). В музыкальной драматургии оперы большая роль отведена оркестру, симфонические средства выразительности служат более полному раскрытию образов. Опера включает также самостоятельные оркестровые эпизоды — увертюру, антракт (вступление к отдельным актам). Ещё один компонент оперного спектакля — балет, хореографические сцены, где пластические образы сочетаются с музыкальными⁵. 

     Оперетта - один из видов музыкального театра (разновидность оперы с разговорным диалогом), сочетающий вокальную и инструментальную музыку, танец, балет с элементами эстрадного искусства. В основе музыкальной драматургии оперетты обычно лежат куплетная песня и танец. Как правило, кульминацию каждой сцены составляет популярный в данное время и в данной стране танец (канкан и галоп у Ж. Оффенбаха, вальс, полька и мазурка у И. Штрауса-сына, чардаш у И. Кальмана и др.), нередко определяющий собой всю музыкальную атмосферу спектакля. Хотя в оперетте используются и типичные для оперы жанры и виды вокальной и инструментальной музыки — ария, дуэт, ансамбль, хор, они обычно более просты и также выдержаны в песенно-танцевальном характере. Музыкально-вокальные и хореографические номера служат в оперетте для развития действия, утверждения идеи произведения и составляют взаимосвязанное целое. Это отличает оперетту от водевиля и других разновидностей музыкальной комедии и драмы, где музыка играет вспомогательную, дивертисментно-декоративную роль. Термину "оперетта" первоначально придавалось иное значение. До середины 19 веке опереттой назывались небольшие оперы⁶. 

Оратория - (итал. oratorio, от позднелат. oratorium — молельня, лат. oro — говорю, молю), крупное, обычно многочастное музыкальное произведение для певцов-солистов, хора и оркестра, трактующее, как правило, драматический сюжет, но предназначенное не для сценического, а для концертного исполнения. Оратория близка к кантате, от которой отличается большими масштабами и наличием определённого сюжета.

1-я  русская оратория относится к  1811 ("Минин и Пожарский, или  Освобожденная Москва" Дегтярева). Большое развитие ораториальное творчество получило в советское время. Оратория стала излюбленным жанром для раскрытия в доходчивой и действенной форме значительных тем, художественного отображения больших общественно-исторических событий. В числе советских ораторий — "Емельян Пугачёв" Коваля, "Сказание о битве за русскую землю" Шапорина, "На страже мира" Прокофьева, "Патетическая оратория" Свиридова, "Девушка и смерть" Галынина⁷. 

     Романс - (исп. romance, от позднелат. romanice, буквально — по-романски, т. е. по-испански), камерное музыкально-поэтическое произведение для голоса с инструментальным сопровождением. В романсе мелодия теснее, чем в песне, связана со стихом, отражает не только общий его характер и поэтическую структуру, но и отдельные образы, ритмической и интонационной частности. Инструментальное сопровождение в романсе имеет важное значение, зачастую являясь равноправным с вокальной партией элементом единого целого. Жанровые разновидности романса — баллада, элегия, баркарола, романс в танцевальных ритмах и др. Романсное стихотворение лишено твёрдых жанровых признаков: обычно небольшое лирическое произведение, строфическое, рифмованное, со стихами средней длины, с напевным типом интонирования. Русские композиторы 19 в. уделяли особое внимание проблеме декламационности (Даргомыжский, Мусоргский). У Чайковского и Рахманинова романсы нередко приближается к арии с широким, симфонизированным развитием. Стремясь углубить выразительные возможности романса, композиторы зачастую объединяют их в вокальный цикл. Один из таких ранних циклов принадлежит Л. Бетховену ("К далёкой возлюбленной", 1816). Первые зрелые образцы вокального цикла созданы Шубертом ("Прекрасная мельничиха" и "Зимний путь"), в дальнейшем к этой форме обращались Шуман, Брамс, Г. Малер, Вольф и многие другие композиторы, в том числе русские: Глинка, Мусоргский, Римский-Корсаков.⁸

3.3 Стили в русской музыке.

В ходе исторических процессов появилось много различных  направлений, художественных стилей музыки.  

Классицизм (образцовый).  

Существует с 17-го века. Родина этого художественного стиля - Франция.

В основе классицизма  лежат античные образы, как непревзойдённое  в мире художественного воплощения. Ориентиры здесь – гармония, высокая  нравственность, разумность мироустройства. Музыкальные произведения в стиле  классицизма строятся по чёткой схеме, правилам гармонии. Сущность его — в особом качестве развития музыкальных мыслей, когда новая идея, новый звукообраз рождаются постепенно, в преобразовании исходной музыкальной мысли. Главная тема порождает тему побочную, противостоящую, контрастирующую с главной. Такой метод развития музыкальной мысли. Все части произведения находятся в строгом равновесии: отчетливо различимы начало, исходный рубеж, средний этап, где доминирует развитие, и, наконец, закономерное, логичное завершение всей композиции. 

Неоклассицизм.  

Возник во 2-ой половине 18-го века. В неоклассической  музыке наряду с организованность, логикой и модернизацией музыкального языка присутствует подражание старым приёмам. Произведения неоклассического характера очень близки к стилизации; в то же время  подражание старинной музыке сочетается в них с модернизацией музыкального  языка, применением, наряду с архаическими, современных средств музыкальной  выразительности. В целом неоклассические тенденции противоречивы в своей  сущности. С одной стороны, в неоклассических произведениях возрождаются  ясность, организованность, логика старых музыкальных стилей; с другой - Неоклассицизм зачастую ведёт к холодному, формальному подражательству, к искусственному возрождению устаревших приёмов. 
 

Романтизм- 

(странное, фантастическое, живописное) - идейное и художественное  направление. Конец 18-го века. Этому направлению характерно  обязательный союз музыкального  образа и смысловых ассоциаций, слов, театральных действий. Основа  – быт, природа, человеческие характеры.  
 
 
 

Музыкальный Импрессионизм  – наследник романтизма. В этом направление была развита сфера  гармонии отличавшаяся утончённостью, стали использоваться более сложные  последовательности, неуловимые ритмы. Главное в музыкальном импрессионизме — передача настроений, приобретающих значение символов, тонких психологических нюансов, тяготение к поэтической пейзажной программности. Ему свойственны также рафинированная фантастика, поэтизация старины, экзотика, интерес к тембровой и гармонической красочности. С основной линией импрессионизма в живописи его роднит восторженное отношение к жизни; моменты острых конфликтов, социальных противоречий в нём обходятся. Интересно, что на этом этапе развития музыки впервые были применены ранние формы джаза. 
 

Инструментальная  музыка. Истоки инструментальной музыки – создание в 17-ом веке первых ансамблей с солирующей скрипкой. Инструментальная музыка - основной стиль XIX века. На его развитие повлияло множество композиторов того времени, такие как: Чайковский, Глинка, Даргомыжский.  

При них я  и хочу рассказать в следующем  параграфе.

3.4 Деятели.

Выдающиеся  личности вносили вклад в отечественную музыку того времени. 

Петр  Чайковский. 

Петр  Ильич Чайковский родился в 1840 году в Воткинске, маленьком городе-заводе на Урале. (Ныне этот городок расположен в Удмуртии). Там отец композитора служил директором Горного завода. Родители будущего композитора были музыкальны, и в доме нередко проходили любительские концерты. Вокруг звучали крестьянские песни. Как писал позднее сам Чайковский, он "вырос в глуши, с детства самого раннего проникся неизъяснимой красотой характеристических черт русской народной музыки", что позднее нашло отражение в его творчестве. 

В 1866 году Чайковский переехал в Москву. Его пригласил преподавать в только что открывшуюся Московскую консерваторию Николай Григорьевич Рубинштейн, брат его учителя А.Г.Рубинштейна, известный пианист, дирижер, основатель консерватории в Москве. Чайковский появился в Москве, будучи автором лишь многочисленных ученических работ, которые он сочинял во время учебы в консерватории. В течение очень короткого времени он стал одним из самых значительных современных музыкантов России, его известность становилась все более широкой. Постепенно его музыку узнали и в Европе. Именно в это время появилась и Первая симфония Чайковского, названная им "Зимние грёзы", в которой запечатлены не только бескрайние заснеженные просторы России, знакомые композитору с детства, когда вместе с родителями он пересекал в экипажах и санях полстраны, но и душевные переживания человека, настроения путника, погружённого в себя во время бесконечно долгой дороги. 

В Москве Чайковский вошел в круг московской интеллигенции. Он тесно общался  с актерами знаменитого Малого театра, познакомился с Л.Н.Толстым, что оставило след в его душе на всю жизнь. Толстой был потрясен музыкой 2 части Первого квартета Чайковского на вечере, устроенном в его честь в Московской консерватории. С драматургом А.Н.Островским у Чайковского установились не только дружеские, но и творческие отношения. Знаменитый драматург стал либреттистом первой оперы молодого Чайковского "Воевода". 

Чайковский  как композитор начал сочинять практически  во всех жанрах. Он писал оперы, симфонии, сочинял квартеты, концертные пьесы для различных инструментов, музыку для фортепиано, романсы и многое другое. Он нередко писал по заказу для различных мероприятий, проходивших в Москве. Традиция заказов московских устроителей различных торжеств продолжалась и в последующие годы, когда Чайковским была сочинена кантата, даже получившая в название имя первой русской столицы - "Москва". 

Одной из отличительных черт творчества Чайковского  этого периода было обращение  к музыкальному фольклору разных народов. Так, он использует сербские напевы в сочинениях, посвященных событиям войны на Балканах (Славянский марш). Украинские напевы использованы в знаменитом Первом концерте для фортепиано с оркестром. В балет "Лебединое озеро" композитор ввел целую сюиту из танцев разных народов.

Последние полтора десятилетия жизни Чайковского  отмечены огромным расцветом его  творчества и всемирным признанием его. Чайковский стал первым из русских  композиторов, который еще при  жизни добился всеобщего признания  и мировой славы. "Я артист, который может и должен принести честь своей Родине. Я чувствую в себе большую художественную силу, я еще не сделал и десятой доли того, что могу сделать. И я хочу всеми силами души это сделать".   
 

Чайковский  пробует свои силы в области дирижирования и постепенно начинает заниматься этим регулярно. В конце 1887 - начале 1888 года он совершает первое европейское турне как дирижер. "Сколько было восторгу, и все это не мне, а голубушке России", - записал он в своем дневнике после одного из концертов в Праге. В Про Петра Ильича Чайковского можно многое рассказать, поэтому я завершу рассказ о нем записью в его дневнике: "...ЕСЛИ МНЕ СТОИЛИ ГРОМАДНОЙ, ТЯЖЕЛОЙ БОРЬБЫ С САМИМ СОБОЙ МОИ ПОПЫТКИ ДИРИЖИРОВАНИЯ, ЕСЛИ ОНИ ОТНЯЛИ ОТ МЕНЯ НЕСКОЛЬКО ЛЕТ ЖИЗНИ, - ТО Я О ТОМ НЕ СОЖАЛЕЮ. Я ИСПЫТАЛ МИНУТЫ БЕЗУСЛОВНОГО СЧАСТИЯ И БЛАЖЕНСТВА "⁹¹⁰. 
 

Михаил  Глинка. 

  Михаил  Иванович Глинка родился 1 июня 1804 года в селе Новоспасском, имении  своих родителей, расположенном  в ста верстах от Смоленска  и в двадцати верстах от небольшого города - Ельни. Систематическое обучение музыке началось довольно поздно и примерно в том же духе, что и обучение общим дисциплинам. Первой учительницей Глинки была приглашенная из Петербурга гувернантка Варвара Федоровна Кламер.

     Первый опыт Глинки в сочинении музыки относится к 1822 году - времени окончания пансиона. Это были вариации для арфы или фортепиано на тему из модной в то время оперы австрийского композитора Вейгля "Швейцарское семейство". С этого момента, продолжая совершенствоваться в игре на фортепиано, Глинка всё больше внимания уделяет композиции и вскоре уже сочиняет чрезвычайно много, пробуя свои силы в самых разных жанрах. Долгое время он остается неудовлетворенным своей работой. А ведь именно в этот период были написаны хорошо известные сегодня романсы и песни: "Не искушай меня без нужды" на слова Е.А. Баратынского, "Не пой, красавица, при мне" на слова А.С. Пушкина, "Ночь осенняя, ночь любезная" на слова А.Я. Римского-Корсакова и другие.

     Однако главное - не творческие победы молодого композитора, как бы высоко они ни ценились. Глинка "с постоянным и глубоким напряжением" ищет себя в музыке и одновременно на практике постигает тайны композиторского мастерства. Он пишет ряд романсов и песен, оттачивая вокальность мелодики, но одновременно настойчиво ищет пути выхода за рамки форм и жанров бытовой музыки. Уже в 1823 году он работает над струнным септетом, адажио и рондо для оркестра и над двумя оркестровыми увертюрами.

     Постепенно круг знакомств Глинки выходит за рамки светских отношений. Он знакомится с Жуковским, Грибоедовым, Мицкевичем, Дельвигом. В эти же годы он познакомился с Одоевским, ставшим впоследствии его другом. Всевозможные светские развлечения, многочисленные художественные впечатления разного рода и даже состояние здоровья, все более ухудшавшееся к концу 1820-х годов (результат крайне неудачного лечения), - всё это не могло помешать композиторской работе, которой Глинка отдавался с прежним "постоянным и глубоким напряжением". Сочинение музыки становилось для него внутренней потребностью. 

"Когда  я изъявил свое желание приняться  за русскую оперу, - пишет Глинка, - Жуковский искренно одобрил  моё намерение и предложил  мне сюжет Ивана Сусанина. Сцена  в лесу глубоко врезалась в  моем воображении; я находил в ней много оригинального, характерного для русских".

     Увлеченность Глинки была настолько  велика, что "как бы по волшебному  действию вдруг создался... план  целой оперы...". Глинка пишет,  что его воображение "предупредило" либреттиста; "...многие темы и даже подробности разработки - всё это разом вспыхнуло в голове моей". 

Опера быстро продвигалась, но добиться постановки её на сцене Петербургского Большого театра оказалось делом нелегким. Директор императорских театров  А.М. Гедеонов с большим упорством препятствовал принятию новой оперы к постановке. По-видимому, стремясь оградить себя от любых неожиданностей, он отдал её на суд капельмейстеру Кавосу, который, как уже было сказано, являлся автором оперы на тот же сюжет. Однако Кавос дал произведению Глинки самый лестный отзыв и снял с репертуара свою собственную оперу. Таким образом, "Иван Сусанин" был принят к постановке, но Глинку при этом обязали не требовать за оперу вознаграждения.

     Премьера "Ивана Сусанина" состоялась 27 ноября 1836 года. Успех был огромным. Глинка писал своей матери на следующий день: "Вчерашний вечер совершились наконец желания мои, и долгий труд мой был увенчан самым блистательнейшим успехом. Публика приняла мою оперу с необыкновенным энтузиазмом, актеры выходили из себя от рвения... государь-император... благодарил меня и долго беседовал со мною..."

     Острота восприятия новизны музыки  Глинки примечательно выражена  в "Письмах о России" Анри  Мериме: "Жизнь за царя" г.  Глинки отличается чрезвычайной оригинальностью... Это такой правдивый итог всего, что Россия выстрадала и излила в песне; в этой музыке слышится такое полное выражение русской ненависти и любви, горя и радости, полного мрака и сияющей зари... Это более чем опера, это национальная эпопея, это лирическая драма, возведенная на благородную высоту своего первоначального назначения, когда она была ещё не легкомысленной забавой, а обрядом патриотическим и религиозным". 
 

     Последние годы Глинка жил  то в Петербурге, то в Варшаве, Париже и Берлине. Композитор был полон творческих планов, но обстановка вражды и преследования, которым он подвергался, мешала творчеству. Несколько начатых партитур он сжег.

     Близким, преданным другом последних  лет жизни композитора была  его любимая младшая сестра Людмила Ивановна Шестакова. Для её маленькой дочки Оли Глинка сочинил некоторые свои фортепианные пьески. Глинка умер 15 февраля 1857 года в Берлине. Его прах перевезли в Петербург и похоронили на кладбище Александро-Невской лавры¹¹.

Александр Даргомыжский

     А.С. Даргомыжский родился в семье  мелкопоместного дворянина. Отец, Сергей Николаевич Даргомыжский, получил образование  в Университетском Благородном  пансионе в Москве. В конце 1817 года получил приглашение на службу в  Петербург - в Государственный коммерческий банк. И вместе со своей семьей приезжает в Петербург из Смоленской области.

     В 1829 году С.Н. Даргомыжский получает потомственное  дворянство, а в 1840 году выходит в  отставку.

     Мать, урожденная княгиня Козловская, принесла в семью характерные черты барско- патриархального быта: дети получали домашнее воспитание, проникнутое нравоучительством, где преобладающим элементом была французская речь и культура. Помимо Александра, в семье было еще несколько детей: Эраст (1811), Людмила (1827), Софья (1815), Виктор (1816), и Эрминия (1827).

     В Петербурге у Александра Сергеевича начались систематические занятия  по гуманитарным наукам.. Музыке в семье  Даргомыжских уделяли большое внимание: Эраст играл на скрипке, Людмила - на арфе. Отец будущего композитора мечтал о домашнем ансамбле. В 1819 году с Сашей начала заниматься по фортепиано Луиза Вольгенборн, которая практически ничему его не научила. В 1821 году - новый педагог по ф-но: Адриан Трофимович Данилевский. Он был известным музыкантом и педагогом. После нескольких занятий он уже поставил Саше руки. Александр Сергеевич делал большие успехи в занятиях. Одновременно он сочинял различные произведения. Но его новый учитель преследовал и даже уничтожал его сочинения. По воспоминаниям Даргомыжского, Данилевский считал неприличным для русского дворянина заниматься сочинительством и полагал, что ученик мог бы лучше употребить свое время на заучивание данного фортепианного урока.

     В скором времени появляется еще один педагог-скрипач, крепостной П.Г. Воронцов. Он наоборот поощряет его сочинительские опыты. В доме Даргомыжских атмосфера всегда была насыщена творческим духом. Дети знакомились с литературой, историей, поэзией, учили иностранные языки, сочиняли и переводили стихи. Постоянно ставились домашние спектакли. Мать Даргомыжского писала пьесы, одна из них - "Трубочист, или доброе дело не останется без награды" была опубликована в журнале "Благонамеренный". В их доме часто бывали петербургские литераторы, представители "Вольного общества любителей словесности, науки и художества". Постепенно родители Александра убеждались, что сыну нужен учитель с более широким кругозором и концертной практикой. Выбор остановили на приезжем музыканте Вены Франце Шоберлехнере. Концертирующий пианист, к тому же недурно играющий на скрипке, сочиняющий музыку, с 1824 года неоднократно выступавший в Петербурге и оцененный русскими музыкальными критиками. C 1828 по 1831 г.г. Шоберлехнер занимался с Сашей, оттачивая его пианистическое мастерство, передал ему свою любовь к музыке Бетховена. Нередко они вместе участвовали в домашних концертах: Шоберлехнер - альт, Даргомыжский - 2-я скрипка.