Античная музыкальная культура

Античная музыкальная  культура

Музыка Древней Греции

Музыка Древнего Рима

Музыка Византии

Музыка Древней Греции сохранилась в немногочисленных фрагментах, которые представляют собой  надписи, высеченные на каменных колоннах и гробницах. Для музыкального письма использовали буквы греческого и  финикийского алфавита. Однако судить о древнегреческой музыкальной  культуре можно не только по этим фрагментам, но и по произведениям изобразительного искусства (например, на античных вазах  встречаются изображения музыкальных  инструментов) и литературы (в частности, трудам Аристотеля, Платона и других философов). Сохранились трактаты, посвящённые  музыке.

Немало интересных сведений можно почерпнуть и из мифологии. Так, сказания о певце и музыканте  Орфее повествуют о волшебной  силе музыки: Орфей своим искусством покорял не только людей, но и богов, и даже природу. Мифы объясняют происхождение  некоторых музыкальных инструментов. Музыка играла важную роль в жизни  древних греков. Она звучала во время бракосочетаний, застолий, войн, похорон, была неотъемлемой частью религиозных  праздников и театральных представлений. В древнейшие времена певцы и  музыканты не имели профессионального  образования; их искусство основывалось на импровизации. Создание первой музыкальной  школы, основателем которой стал поэт Архилох, относится примерно к 650 г. до н. э. В основе музыкальной  системы греков лежит тетрахорд (от греч. "тетра..." - часть слова, означающая "четыре", и "хорде" - "струна") - четыре последовательных звука, нисходящие от первого к последнему. При соединении двух тетрахордов образуется звукоряд в пределах октавы, который, в зависимости от повышения или понижения одного из звуков, приобретает различную эмоциональную окраску. На такой основе возникли лады: дорийский, фригийский, лидийский и др. Лады у греков, вместе с мелодией и ритмом, считались носителями определённого характера, настроения. Поэтому, чтобы вызвать у слушателя нужный отклик, использовали тот или иной лад, мелодический рисунок и ритм.

Сохранилась легенда о  философе, математике и музыканте  Пифагоре (VI в. до н. э.), который песней усмирил юношу, собравшегося поджечь  дом, где была заперта его возлюбленная. Пифагор и его последователи  создали даже особое учение, согласно которому музыка может управлять  душой человека, пробуждая в ней  добро или зло. Музыке приписывали  и целебные свойства. По преданию, поэты  и музыканты Арион с острова  Лесбос (VII-VI вв. до н. э.) и Терпандр из Спарты (VII в. до н. э.) с помощью музыки спасали людей от тяжёлых болезней.

По мере развития музыки стали  появляться теоретические труды. Были созданы трактаты "Элементы гармоники" Аристоксена и "Гармоника" Птолемея (оба II в. до н. э.), "О мусическом искусстве" Аристида Квинтилиана (II или III в. н. э.) и др.

АНТИЧНЫЕ МУЗЫКАЛЬНЫЕ  ИНСТРУМЕНТЫ. Ведущими музыкальными инструментами  Древней Греции были струнные - лира и кифара. Греческая лира устроена предельно просто: это деревянная фигурная рама, на которой вертикально  натянуты струны (как правило, не больше четырёх; воспроизводят тетрахорд). Кифара во многом схожа с лирой, но у неё есть плоский резонатор, а число струн может доходить до восемнадцати. Звучание кифары, по мнению греков, пробуждало в слушателях возвышенные  чувства - не случайно самым искусным исполнителем на ней считался бог  Аполлон. Широко распространены были и  духовые инструменты. О происхождении  флейты рассказывает древнегреческий  миф. Изобрела этот инструмент богиня Афина. Однако, увидев, как безобразно раздуваются шёки при игре, Афина  бросила флейту и наложила проклятие  на каждого, кто прикоснётся к  ней. Флейту подобрал сатир Марсий и  выучился играть. Для истории музыки особенно интересен финал сказания. Марсий достиг необычайного мастерства и вызвал на состязание самого Аполлона. Бог, игравший на кифаре, победил и  в наказание за дерзость подверг  Марсия мучительной казни. Так кифара и флейта - струнный инструмент и  духовой - оказались противопоставлены  друг другу. Причём кифара олицетворяла божественное вдохновение, а флейта - земное начало, в котором сочетаются и мастерство, вызывающее восхищение, и страсть, инстинкт, таяшие в себе неведомые опасности. Помимо обычной  флейты у греков пользовалась популярностью  многоствольная, т. е. состоящая из нескольких трубок разной длины. Этот инструмент известен многим народам, в частности с древнейших времён китайцам. В Греции такую флейту называли "флейта Пана", или "сиринга". Согласно мифу, создал её Пан - божество стад, лесов и полей. Он влюбился в лесную нимфу Сирингу, но внушил красавице только ужас. Чтобы спастись, она бросилась к реке, и речные нимфы превратили её в тростник. В тоске по Сиринге Пан срезал тростник и сделал из него флейту. Новый инструмент он назвал именем своей возлюбленной - сиринга. Для современного человека звуки флейты Пана просты и незатейливы, но древние греки чувствовали в них глубоко скрытую страсть, внутреннюю драму, которую и передали в сказании. Звучал в Древней Греции и авлос - духовой инструмент, звук из которого извлекался через специальную пластинку-язычок, вставленную в отверстие. Исполнитель, надавливая на язычок губами, регулировал громкость и даже менял тембр звука. Греческий авлос можно считать прототипом европейских язычковых духовых - гобоя, кларнета и др. Как правило, музыкант играл сразу на двух авлосах и получал тем самым возможность исполнять двухголосную музыку. В росписях на древнегреческих сосудах музыканты с авлосами обычно изображались в сценах пиров и различных увеселений: вероятно, считалось, что яркое, даже резковатое звучание инструмента разжигает темперамент и чувственность. Этим же целям служили и ударные - бубен, кимвалы (металлические тарелки), систр и специальный инструмент для танцев, похожий на испанские кастаньеты. В изображениях ритуальных действ в честь бога виноградарства и виноделия Диониса ударные инструменты часто держали нимфы - спутницы Диониса.

Римляне использовали все  древнегреческие инструменты, однако изобрели и собственные - металлические  духовые, придававшие особую торжественность  триумфальным шествиям и парадным церемониям. Это туба (прямая труба), букцина (инструмент в форме рога) и литуус (труба  с цилиндрическим стволом и изогнутым  раструбом).

В Древнегреческой музыке действовали ритмические формулы, позаимствованные из поэзии, - стопы  – чередование кратких («хронос  протос») и долгих долей (в 2,3,4,5 раз  длинней коротких). Стопный ритм обеспечивает ощущение времени. Такую ритмики называют квантитативной (счётной, количественной).

Под воздействием древнегреческой  культуры развивалась музыка Древнего Рима. Поэтические произведения исполняли  под аккомпанемент струнных инструментов; не случайно древнеримский поэт Гораций  называл свои оды "словами, которые  должны звучать со струнами". В  театре же самым распространённым жанром была пантомима, исполнявшаяся танцором-солистом под звуки оркестра и пение  хора. Римляне устраивали и музыкальные  соревнования - так называемые капитолийские  состязания.

В Римской империи увлечение  музыкой было всеобщим. Например, император  Нерон, стремившийся прослыть великим  певцом и актёром, участвовал в музыкальных  состязаниях и требовал, чтобы  ему присуждали главные призы. Профессия  учителя музыки пользовалась уважением  и почётом.

Древний Рим (VIII в. до Р.Х.) Как  и все искусство Древнеримского государства, музыкальная культура развивалась под влиянием эллинистической. Но раннеримская музыка отличалась самобытностью. Издавна в Риме сложились музыкально-поэтические жанры, связанные с бытом: песни триумфальные (победные), свадебные, застольные, поминальные, сопровождавшиеся игрой на тибии (латинское название авлоса — духового инструмента типа флейты).

Большое место в древней  музыкальной культуре Рима занимали напевы салиев (прыгунов, плясунов). На празднестве салиев исполнялся своеобразный танец игра: надев легкий панцирь  и шлем, с мечом и копьем в  руках, 12 человек под звуки труб танцевали в такт древней песне, обращенной к богам Марсу, Юпитеру, Янусу, Минерве и т. п.

Кроме салиев, большой популярностью  пользовались напевы «арвальских братьев» (так назывались римские коллегии жрецов). Праздники «арвальских братьев» происходили в окрестностях Рима и посвящались сбору урожая. Они  выражали благодарность богам за собранный урожай, на них звучали  молитвы о будущем. Тексты некоторых  молитв и гимнов сохранились.

В классический период музыкальная  жизнь Рима отличалась пестротой  и разнообразием. В столицу империи  стекались музыканты из Греции, Сирии, Египта и других стран. Как и в  Греции, поэзия и музыка в Риме тесно  связаны. Оды Горация, эклоги Вергилия, поэмы Овидия пелись в сопровождении  струнных щипковых инструментов —  кифар, лир, тригонов (треугольная арфа). Широко использовалась музыка и в  драме: певцы исполняли кантики (от «кано»— пою) — музыкальные номера речитативного характера.

Для Римской империи периода  классицизма было характерным всеобщее увлечение музыкой (вплоть до консулов и императоров). В знатных семьях пению и игре на кифаре обучали  детей. Профессия учителя музыки и танца была почетна и популярна. Большим успехом пользовались публичные  концерты греческой классической музыки и выступления виртуозов, многие из которых были любимцами императоров, например певец Тигеллий при дворе  Августа, актер-певец Апеллес —  любимец Калигулы, кифареды Менкрат  — при Нероне и Месомед Критский при Адриане. Некоторым музыкантам даже ставили памятники, как кифареду Анаксенору, служившему при дворе Цезаря. Кстати, император Нерон ввел так называемое греческое состязание, где сам выступал как поэт, певец и кифаред. Другой император — Домициан — основал Капитолийские состязания, в которых музыканты соревновались в пении, игре на кифаре и авлосе, победителей увенчивали лавровыми венками.

Музыкой, пением и танцами  сопровождались и любимые римлянами  праздники Вакха — знаменитые вакханалии. И даже в военных легионах существовали большие духовые оркестры.

После завоевания Египта у  римской аристократии вошли в  моду водяные органы — гидравлосы, которыми украшались роскошные виллы  и дворцы. Но чем воинственнее становилось  государство, тем низменнее делались вкусы его граждан, и для позднего Рима периода упадка характерна совсем иная музыкальная культура. Уходит в небытие преклонение перед  классическим искусством. На первое место  выходят эффектные, часто грубые зрелища, вплоть до кровавых игр гладиаторов. Начинается увлечение громкозвучными ансамблями, состоящими по преимуществу из духовых и шумовых инструментов.

Музыки было много, слишком  много, и в то же время ее не было. Не было в том возвышенном смысле, который придавала ей античная классика. Римская культура периода упадка знала, говоря современным языком, только легкую музыку.

Старая картина мира, построенная  на глубоком единстве природно-космических  сил, гражданской общности и личной жизни каждого, на которой держалась  греческая музыка, рушилась на глазах и уступала место совершенно другой. Развлечение стало единственным богом огромного большинства  коренного населения Рима. Этому  богу должна была поклоняться и музыка, если не хотела умереть с голоду. Исполнение песен, танцы или игра на флейте оплачивались невысоко и  стояли для римлянина в одном  ряду с фокусами и дурачеством. Положение прихлебателя и льстеца было пределом карьеры для музыканта. Угождение капризам знати и толпы невозможно совместить со старым поклонением природе. Именно в готовности идти на любые нарушения законов природы и проявлялась мера услужливости музыканта. Так, в музыке утверждается стремление к неестественному, а вместе с ним растет равнодушие и даже высокомерие к музыке природы. Мужчины, готовые петь не только женскими, но и детскими голосами, флейтисты и кифаристы, удивляющие виртуозностью игры, гигантские хоры и грандиозные оркестры, звучащие в унисон, бесчисленные танцевальные группы подхлестывали разгул толпы, рвущейся к развлечениям. В такую эпоху нетрудно было утратить веру не только в духовно-нравственную силу музыки, но и во всякое ее содержательное значение.

Упадок римской культуры длился несколько столетий, так что  тяжелая болезнь музыкальной  культуры начинала казаться вечным свойством  самой музыки. Удивительно ли, что  многие мыслители той эпохи стали  свысока смотреть на музыкальные  убеждения греческих классиков? Они утверждали, что музыка если и возбуждает чувства, то не больше, чем поварское искусство. По мнению писателя-скептика II в. до н. э. Секста Эмпирика, музыка не способна выражать ни мысли, ни настроения. Поэтому она не может  не только воспитать человека, но и  чему-либо его научить. Она способна отвлечь на время от скорби и забот, но и в этом отношении не более  эффективна, чем вино и сон. «Немногочисленность  струн, простота и возвышенность  музыки оказались совершенно устаревшими»,—  с горечью писал великий историк  и поклонник классики Плутарх.

Для этой эпохи характерен такой эпизод. На празднике в Риме перед огромной толпой народа выступали  два лучших флейтиста, прибывшие  «из самой Греции». Публике очень  скоро надоела их музыка, и тогда  она стала требовать, чтобы музыканты... подрались друг с другом. Жители Рима были уверены, что для того и  существуют артисты, чтобы доставлять удовольствие. Музыка стала просто забавным ремеслом, не успев развиться  до уровня серьезного искусства. Поэтому  и рассматривалась как ремесло  презренное и недостойное свободного человека.

МУЗЫКА ВИЗАНТИИ. В 395 г. Римская  империя была разделена на две  части - Западную (с центром в Риме) и Восточную - Византию (столица - Константинополь). Византия занимала часть территории Балканского полуострова, Малую  Азию и юговосточное Средиземноморье. За время своего существования (IV-XV вв.) Византийская империя создала  самобытную музыкальную культуру, неразрывно связанную с христианством. Ежедневные церковные богослужения были обязательны  в жизни каждого византийца, и  музыке отводилась в них важная роль.

По библейскому преданию, древнееврейский царь Давид "расслышал  пение небес" и передал небесные славословия людям. Псалмы царя Давида, удивительные по форме обращения  к Богу, вошли в христианскую церковную  службу. Тексты византийских песнопений включали не только эти древние образцы  поэзии, но и новые, созданные христианскими  поэтами-гимнографами (от греч. "хиймнос" - "торжественная песнь" и "графе" - "пишу"). Ранние произведения гимнографии представлены в творчестве Романа Сладкопевца (VI в.). Основные же тексты сложились в VII-IX вв. при крупных монастырях в главных городах восточной ветви христианской культуры. До возникновения в Византии нотного письма (в конце IX в.) песнопения передавались в устной традиции, затем стали записываться в певческих богослужебных книгах особыми знаками - невмами. В византийской музыке существовала система из восьми ладов (гласов), каждый из которых имел характерные опорные звуки (устои) и звуковой объём (диапазон). Все вместе они образовали музыкальную систему, которая получила название осмогласие.

Среди жанров церковной музыки предпочтение отдавалось канону и тропарю. Канон (от греч. "канон" - "образец", "правило") – музыкально-поэтическая композиция из девяти разделов, включавшая в себя темы покаяния и прославления. Тропарь - хвалебное песнопение, которое сочинялось к празднику или торжественному событию, но не было самостоятельным произведением, а входило в более крупное. Каждому музыкальному жанру отводилось определённое место в богослужении. Церковное пение подчинялось строгим законам - церковнопевческому канону. Правила были изложены в одной из важнейших богослужебных книг - Уставе. В нём содержались подробные указания, в какие дни и часы, при каких церковных службах и в каком порядке нужно читать или петь те или иные молитвословия.

Исполнение песнопений требовало  длительной подготовки, поэтому певчие воспитывались с раннего детства  в монастырях и храмах, где их обучали доместики (руководители хоров).

Помимо церковной в Византии существовала и народная музыка. Эта музыка (сохранившая формы древнегреческого искусства) была частью традиционных обрядов и праздников.

Историческую эпоху, пришедшую  на смену Древнему миру, называют Средними веками. Началась она с падения  Рима (476 г.) и продолжалась более  тысячи лет. За это время сложилась  значительная часть европейских  народов и государств, сформировались важнейшие черты европейской  культуры. Основой духовной жизни  европейцев стало христианство.

Музыкальная культура Средневековья

Традиции западноевропейской церковной музыки восходят к IV-V вв. Ранний этап их формирования связан с  деятельностью богослова и проповедника святого Амвросия Медиоланского (около 340-397) - он одним из первых стал сочинять гимны для богослужений. Амвросию принадлежит важное нововведение в  практику церковной музыки - разделение хора на два состава, находящиеся  по разные стороны алтаря. Составы  поочерёдно пели между молитвенными текстами музыкальные фрагменты. Такие  фрагменты назывались антифонами (от греч. "антифонос" - "звучащий в ответ"), а принцип их исполнения, основанный на чередовании двух хоров, - антифонным пением. Постепенно за важнейшими текстами закреплялись строго определённые антифоны, музыка для которых создавалась на основе уже существовавших и хорошо известных коротких мелодий - распевов. Число антифонов, так же как и число распевов, со временем росло, и певчим всё труднее становилось удерживать их в памяти. Именно поэтому в самом начале VII в. весь накопившийся материал был приведён в систему и собран в обширном сборнике под названием "Григорианский антифонарий". Название связано с именем Папы Римского Григория I (около 540- 604). Сборник Папы Григория стал основой для развития одного из стилей европейской церковной музыки - григорианского хорального пения.

Все григорианские песнопения строго одноголосны. Голоса певчих должны сливаться в единое целое до такой  степени, чтобы звучание хора максимально  приближалось к звучанию голоса одного человека. Музыкальные средства направлены на решение главной задачи - передать особое состояние, когда мысли молящегося сосредоточены на Христе, а чувства приведены в идеальное равновесие, приносящее душе просветление и внутренний покой. Музыкальные фразы песнопений - протяжённые, лишённые резких скачков в мелодии, покоряющие ровностью ритма - несут в себе глубокую умиротворённость и в то же время мерное, сосредоточенное движение. Они передают внутреннюю, молитвенную работу души в общении с Богом и прекрасно согласуются с архитектурой католического храма, все детали которой подчёркивают такое же неуклонное движение - по прямой от входа к алтарю. Григорианская музыка основана на принципе диатоники (от греч. "диатоникос" - "растянутый") - звукоряда, построенного на звуках гаммы без повышений и понижений. Существовала специальная система церковных диатонических ладов, пришедших в Европу из Византии и имевших античное происхождение.

Общее число ладов - восемь - имело глубокий духовный смысл. Оно  рассматривалось как произведение 2x4, где первая цифра означала двуединую, богочеловеческую сущность Иисуса Христа, а вторая - четыре конца креста. Таким  образом григорианская ладовая система символизировала распятого Христа.

Особым образом построено  и соединение музыки с текстом. Оно  основано на двух приёмах, пришедших  в пение из древней традиции чтения молитв нараспев. Один из них называется псалмодирование (использовалось при  чтении псалмов): на один музыкальный  звук приходился один слог текста. Другой приём - юбиляция (от лат, jubilatio - "ликование") - заключался в том, что один слог распевался на несколько звуков. Григорианский  хорал гибко сочетал оба приёма.

Первые попытки создания многоголосных произведений относятся  ещё к VII-IX вв., но-понастоящему многоголосие стало развиваться начиная с XII столетия. Многоголосие вызвало к жизни такие музыкальные жанры, как кондукт и мотет. В жанре кондукта (от лат. conductus - "ведущий") создавали духовные и светские произведения для сопровождения торжественных шествий и процессий; тексты для кондуктов писали по-латыни. В мотете (фр. motet, от mot - "слово") каждому голосу соответствовал свой текст, причём порой тексты для голосов писались на разных языках. Мотеты, как и кондукты, использовали и в духовной, и в светской музыке. С течением времени мастера стали активно применять музыкальные инструменты для сопровождения многоголосного пения. В творчестве французского композитора Гильома де Машо (около 1300-1377) вокалу иногда отводился только главный голос, а все остальные голоса были инструментальными. Особенно часто этот мастер пользовался подобным приёмом в светских сочинениях.

Формирование жанров и  форм светской музыки происходило на основе народной традиции. Изучать  её очень сложно, так как песни  и танцы записывались редко. Но некоторое  представление о них всё же можно составить, прежде всего по городскому фольклору. Главными исполнителями народной музыки в городах были странствующие актёры.

Они выступали в нескольких ролях сразу: и как музыканты, и как танцоры, и как мастера  пантомимы, и как акробаты; разыгрывали  короткие сценки. Такие актёры участвовали  в театрализованных действах, которые  разворачивались на улицах и площадях, - в мистериях, карнавальных и шутовских  представлениях и др. Отношение Церкви к ним было довольно настороженным. "Человек, впускающий в свой дом... мимов и плясунов, не знает, какая  большая толпа нечистых духов  входит за ними следом", - писал в  конце VIII в. духовный наставник императора Карла Великого аббат Алкуин. Опасения деятелей Церкви не были столь уж беспочвенны, как это порой кажется. Дошедшие до нас образцы песен и танцев шпильманов (странствующих немецких актёров и музыкантов), простые по форме, наполненные яркими, праздничными интонациями, несут в себе огромный заряд бурной, чувственной энергии, которая легко могла пробудить в людях не только радость, но и грубый инстинкт разрушения. Народное творчество воплощало как светлые, так и тёмные стороны души средневекового человека - необузданность, резкость, способность легко забывать о высоких духовных идеалах христианства.

Расцвет профессиональной светской музыки XII-XIII вв. связан прежде всего с культурой рыцарства - военной аристократии европейского Средневековья. К середине XII столетия в Провансе, одной из самых богатых и интересных в культурном отношении провинций Франции, сформировалось творчество поэтов и певцов - трубадуров. Слово "трубадур" происходит от провансальского выражения art de trobas - "искусство сочинять", и его можно приблизительно перевести как "изобретатель", "сочинитель". В музыкальном отношении творчество трубадуров испытало, вероятно, серьёзное влияние народных традиций. Однако открытым, часто дерзким фольклорным интонациям они придали большую мягкость, утончённость. Ритмика композиций даже в быстром темпе сохраняет размеренность и изящество, а форма отличается глубокой продуманностью и пропорциональностью.

Музыка трубадуров разнообразна по жанрам. Значительное место занимали эпические произведения под названием  песни о деяниях (фр. chansons de geste). Обычно их писали на тексты из "Песни о  Роланде" - эпической поэмы (XII в.), рассказывающей о походах Карла  Великого и трагической судьбе его  верного рыцаря Роланда. Об идиллических картинах сельской жизни повествовали нежные и мягкие по характеру пастурели (от фр. pas-tourelle - "пастушка"). (Позже  на их основе возникнет пастораль - произведение искусства, показывающее единение человека с природой.) Существовали также песни нравоучительного содержания – тенсоны (от фр. tension - "напряжение", "давление").

Однако главной в музыке и поэзии трубадуров оставалась любовная тематика, а основным жанром были песни  утренней зари (фр. chansons l'aube). Как правило, в них поётся о сладостной минуте ночного свидания рыцаря со своей  Прекрасной Дамой, которое прерывается  криком стражи - знаком наступления  утра, несущего влюблённым разлуку. Мелодии  песен покоряют гибкостью и изысканно  чёткой композицией. Обычно они строятся на коротких, часто повторяющихся  мотивах, но заметить эти повторы  не всегда удаётся: они столь мастерски  связаны друг с другом, что производят впечатление длинной, постоянно  меняющейся мелодии. Такому ощущению немало способствует звучание старофранцузского  языка с его длинными гласными и мягкими в пении согласными.

Трубадуры были людьми разного  происхождения - как простолюдинами, так и аристократами (например, герцог Аквитанский Гильом IX, барон Бертран  де Борн). Однако независимо от социальной принадлежности все они показывали идеальную любовь мужчины и женщины, гармонию между чувственным и духовным в их отношениях. Идеал возлюбленной рыцаря-трубадура - земная женщина, но чистотой, благородством и одухотворённостью она должна напоминать Деву Марию (нередко в описании Прекрасной Дамы чувствуется подтекст - скрытый образ Богоматери). В отношении рыцаря к Даме нет и тени чувственной необузданности (очень свойственной нравам эпохи), это скорее трепетное восхищение, почти поклонение. В описании таких отношений поэзия трубадуров находила поразительно тонкие нюансы, а музыка стремилась точно передать их.

Ещё одно интересное явление  профессиональной светской культуры Западной Европы - творчество труверов, певцов и  поэтов из Шампани, Фландрии, Брабанта (часть территории современных Франции  и Бельгии). Слово "трувер" близко по значению к названию "трубадур", только произошло оно от старофранцузского  глагола trouver - "находить", "придумывать", "сочинять". В отличие от трубадуров труверы были ближе к городской  жизни, более демократичной по своим  формам, и расцвет их творчества приходится на вторую половину XIII в., когда  рыцарство стало постепенно уходить  в социальной жизни на второй план. Особенной популярностью пользовался  мастер из города Аррас Адам де ла Аль (известен под именем Адам ле Боссю, около 1240 - между 1285 и 1288). Он сочинял песни о любви, драматизированные сценки, которые обычно сопровождались музыкой. Близко к искусству французских трубадуров творчество немецких рыцарских поэтов и музыкантов - миннезингеров (нем. Minnesinger - "певец любви"). Наиболее выдающимися считаются Вольфрам фон Эшенбах (около 1170 - около 1220) и Вальтер фон дер Фогельвейде (около 1170-1230). Искусство миннезингеров вызывало столь большой интерес, что в 1207 г. в городе Вартбург было даже устроено состязание между ними. Позднее событие легло в основу популярного сюжета романтической литературы и музыки; в частности, об этом состязании рассказывается в опере немецкого композитора Рихарда Вагнера "Тангейзер". Главная тема творчества миннезингеров, как и трубадуров, - любовь, но музыка их песен более строга, подчас даже сурова, сосредоточенна и наполнена скорее размышлениями, нежели пылкими чувствами. Мелодии миннезингеров покоряют простотой и лаконичностью, за которыми скрывается духовная глубина, позволяющая сопоставлять их с лучшими образцами церковной музыки.

СРЕДНЕВЕКОВОЕ НОТНОЕ ПИСЬМО.

В григорианской музыке была разработана специальная система  записи песнопений. Первоначально они  обозначались невмами (от греч. "пнёума" - "дыхание") - условными знаками, передававшими обшее направление развития мелодии. Невменная запись напоминала конспект, в котором указано лишь главное, а детали исполнитель должен знать сам. Одна над другой проводились две черты (обычно разного цвета), обозначавшие высоту основных звуков, а невмы записывались вокруг или прямо на этих линейках.

В начале XI в. музыкант и теоретик Гвидо из города Apeццuo (около 992 - около 1050) произвёл переворот в системе записи, введя ешё две линии. Невмы стали располагать на четырёх линиях и между ними, что гораздо точнее и подробнее обозначало высоту звуков. Четырёхлинейная система стала прообразом современной нотной записи, основанной на пяти линиях. Примерно в то же время появились и названия для основных звуков - Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La. Это были начальные слоги первых шести слов латинского гимна, написанного монахом Павлом Диаконом в честь апостола Иоанна (он считался покровителем церковного пения). Позднее слог Ut заменили на слог Do. Появилось название ешё для одного звука - Si (образовано из первых букв словосочетания Sancte Iohanne - "Святой Иоанн").

Месса. Главное богослужение католической церкви называется мессой. В православной традиции ей соответствует  литургия. Во время мессы совершается  одно из христианских таинств - евхаристия (греч. "благодарение"): хлеб и вино превращаются в Тело и Кровь Христа. Таинство евхаристии установил. Сам Иисус Христос на Тайной вечере (трапеза Христа и двенадцати апостолов в ночь накануне иудейского праздника Пасхи) и заповедал его Церкви. Месса - это воспоминание о страданиях, крестной смерти и воскресении Сына Божьего.

Традиции музыкального сопровождения  мессы начали формироваться одновременно с обрядами католической церкви - в  середине XI столетия. К XIII-XIV вв. сложились  главные песнопения. Они исполняются  как церковным хором, так и  прихожанами; каждое звучит в строго определённом месте службы.

Месса начинается с литургии слова - духовной подготовки к таинству евхаристии. Прихожане раскаиваются в грехах, слушают чтение отрывков из Библии и поют псалмы. Цикл обязательных песнопений открывает молитва "Господи, помилуй!" ("Kyrie eleison"). Достаточно древняя по происхождению, она поётся не на латинском, а на греческом языке. "Господи, помилуй!" завершает  покаяние. Затем звучит гимн, прославляющий  Святую Троицу, - "Слава в вышних Богу" ("Gloria in excelsis Deo"), больше известный  по сокращённому названию "Слава" ("Gloria"). Латинский текст гимна  складывался очень долго - начиная  с VI в., а первые его строки взяты  из Евангелия от Луки (хор ангелов, возвещающих рождение Христа).