Ирина Эланс

Автор который поможет с любыми образовательными и учебными заданиями

Гжельская керамика

Гжель - это название живописного подмосковного региона, что в 60-и километрах от Москвы. Слово "гжель" сегодня невероятно популярно. С ним ассоциируется красотой гармония, сказка и быль. Фарфор с нарядной синей росписью и многоцветная майолика известны теперь не только в России, но и за ее пределами. Гжельские изделия привлекают к себе всех, кто любит прекрасное, богатой фантазией и гармоничностью, высоким профессионализмом их создателей. Гжель - это колыбель и основной центр русской керамики. Здесь сформировались ее лучшие черты и проявились высшие достижения народного искусства.

Гжель - это композиция народного искусства и художества. В производстве фарфора Гжель следует за старыми Российскими традициями в искусстве народа. Мастера Гжели расписывают каждое изделие только вручную. У Гжели собственный стиль - синие и голубые узоры и цветы, украшения на белом фоне. Роспись производится кобальтом, который в ходе технологического процесса приобретает характерный для Гжели синий цвет.

История промысла.

     Начиналось всё с глины. Сама природа одарила эту местность. Здесь находится Гжельско-Кудиновское месторождение жирных огнеупорных глин. Это под землей, а на его поверхности раскинулись маленькие деревушки и сёла. А много ли нашему рукастому народу надо – глина есть, руки есть – вот и славно! Издревле жили на этой глиняной земле гончары, гончарихи и гончарята, то есть все от мала до велика в этой местности занимались гончарством. Глину копали сами. Тяжёлое это дело и грязное. Копали ямами или "дудками". Копкой занимались крестьянские мужики с сыновьями, либо позднее артели. Всем хотелось напасть на «жилу». Глина залегает прослойками, между глиняными пластами находятся слои песка, которые достигают «несколько сажен толщины». Различают несколько сортов глины. Первый слой это глина простая красная - «ширёвка»; далее «пушнина» - жёлтая, средняя по качеству; а в самом низу лучшая тонкая белая глина – «мыловка», которая используется для изготовления фарфора и фаянса.
     Да поди ж ты докопайся лопатой до хорошей глины. «Пушнины» накопали и то дело. Домой приташшыли, в сарай положили. Там же, стоя на коленях, разувлажнили водичкой, тщательно перемяли, перебили ручками. А потом завертел мастер гончарный круг, положил шматочек глины и чего-только из-под умелых рук не выходит: молочные крынки, тарелки, миски, медовницы, квасники и кумганы - кувшины похожие на птицу, с выгнутым носиком, ручкой-хвостом.
     Когда мастер свою работу заканчивал, звал сыновей-подмастерьев и дочек-писарих. Мальчишки помогали облить лепнину блестучей глазурью. Девочки раскрашивали. Потом всю посуду несли на обжиг или «жгель» в большой горн-печку – технология! - а раньше ведь деды горшок в жирных щах вываривали для глянцу. Понятное дело, что окромя хозяйственной утвари лепил папанька-гончар детишкам на забаву ещё и глиняные свиристели и фигурки. Секреты ремесла и росписи крестьяне свято оберегали от своих деревенских соседей и передавали по наследству. Так создавались семейные династии «точильщиков», «писарих», а самые деловые мечту осуществляли заветную крестьянскую - «Ф-А-АбРИКУ» открывали.

            Промысел очень древний. Археологи накопали в этой местности черепков и удивились – мало того, что краски не поблёкли, так мастерицы наизображали ещё не просто условную травку, а луговую овсяницу или полевицу, не просто листики, а листья папоротника, не просто завитки-усики с ягодками. А вот и самое «поразительное» открытие, сделанное археологами - «данное изображение имеет сходство с земляникой». Ну, надо же, а мы думали, что древние русичи лаптем щи хлебали :)
     В 17 веке. вышел Аптекарский указ царя Алексея Михайловича Тишайшего, чтобы «тае глины дела никуда не давать, а держать тае глину на аптекарские дела и впредь тае глину изо Гжельской волости имать и возить тое же в волости крестьянами кака та глина в аптекарский приказ надобна будет». Гжельские крестьяне по этой причине никогда не были крепостными – ведь вся Гжель вместе с крестьянами была закреплена за Аптекарским приказом специально в целях изготовления посуды. Царская грамотка!
     В 18 веке Михайло Ломоносов, который искал секрет фарфора и изучал гжельские глины, писал: «Едва ли есть самая чистая и без примешения где на свете, кою химики девственницей называют. Какова у нас гжельская, которой нигде не видел я белизною превосходнее». Так и повелось: при Петре тут «приискивали» глину для кирпича, а при его дочери императрице Елизавете – для первого в России фарфорового завода. Однокашник великого Михайлы, учёный-химик Дмитрий Виноградов «умыл» немцев с их мейсеновским фарфором - разгадал таки «китайский» секрет фарфора и привёз из Гжели глину, из которой были впервые изготовлены русские фарфоровые изделия.
     Ну а что крестьяне? В 19 веке одиночек становится всё меньше и меньше, всё больше артелями работают или поднакопили на свои собственные крошечные фабрики. Гжель цвела и пахла! По переписи 1871 года в 16 деревнях Гжели было: 11 лавок, 15 питейных домов, 11 харчевен, 5 постоялых дворов и 88 производственных заведений. Гжельские крестьянские семейства выходили «в люди»! Жизнь кипела!

     Но вообще, фарфоровый заводик, хоть и кустарный, оно еть требует какого труда! Простую банку аптекарскую сделать или тарелку какую, делов-то сколько - невпроворот. Твёрдых материалов для фарфору попробуй размоли – тут конный привод нужон. Дров разных сжигают 800 сажен; свечей сальных расходуют 13 пудов; на жалование рабочим идёт до 10 тысяч рублёв, а посуды выпускается на 32 тысячи рублёв. Етыть твою в дышло!
      Но Императорский двор крестьянский фарфор жаловал, заказы солидные размещал на посуду «фасона заморского самоилутшей доброты». За работу местных заводчиков награждали серебряными медалями «за полезное» и «нарядными кафтанами».
     К слову сказать, сервизы гжельские выпускались разные по количеству предметов: знаменитый «Гурьевский» на 150 персон, «Тет-а-тет» на двоих, «Эгоист» - для одного себя любимого. Гжельские заводчики с крестьянской закваской марку держали, иностранцам нос утирали - Гжель стала «русским Стаффордширом».
     А дальше пришло красное время и понеслось - «раскулачивание кулачества как класса», национализация. Представьте себе, сколько эмоций находится в сухой энциклопедической информации: «После Октябрьской революции, в 1918-1919 гг., в Гжельском керамическом районе были национализированы все фабрики и мануфактуры. Из них 7 наиболее крупных и хорошо оснащенных - стали государственными заводами». Поясняю – отобраны фаянсовые заводики, заработанные потом и кровью прадедов, у братьев Барминых, братьев Храпуновых-Новых, братьев Акулиных, братьев Дунашовых, братьев Тереховых и Киселёвых, у гжельцев Куринова, Качинкина, Фартального, Фомина, Самсонова и многих-многих других.
     Вот и ещё ответ на вопрос «Что такое Гжель?». Гжель – это трудовые крестьянские династии. Гончарство – тяжелый труд. Согласитесь, что в белых перчатках посуду не полепишь.
     Донационализировались до того, что гжельские мастера открыто говорили: «Если в скором времени никто Гжелю не окажет помощи, то помяните наше слово, и горшки-то у нас точать разучатся и их будут привозить из других мест». Спасли ситуацию уникальные люди, пришедшие на производство. В 1933г. основали Гжельский керамический завод в д. Турыгино (помните Дунашовых, это их детище). Сюда пришёл работать учёный-искусствовед Александр Салтыков и художница Наталья Бессарабова. Эти люди буквально возродили гжельского Феникса из пепла, они придумали и разработали новый стиль – те самые известные нам синие узоры на белом фоне. Раньше то Гжель была разноцветной..

Перечень изделий

Посуда: чашки, тарелки, чайники сахарницы, бокалы, маслёнки, супницы, сахарницы, вазы, пепельницы и др.

Игрушки, статуэтки

Предметы интерьера: камины, люстры, подсвечники, часы и др.

Технология изготовления

Технология изготовления керамических художественных изделий своеобразна и включает в себя формовку, живопись и глазурование.

Изделия вырабатываются из мергелевых гжельских глин с добавлением кварца, известняка и углекислой извести. В сыром виде масса имеет темный цвет, а после обжига готовая продукция приобретает желтоватый, золотистый или почти белый цвет.

Посуду формуют в гипсовых формах или на гончарном круге при помощи нужных шаблонов. Сформованное изделие сушится на воздухе, затем обжигается в горнах при температуре от 900 до 1500°.

Обожженное изделие покрывается глазурью и снова обжигается. Некоторые изделия выпускаются с подглазурной росписью кобальтом. В этих случаях до второго обжига по бисквиту (неглазурованному фарфору) наносится рисунок. Часто после глазурования производится надглазурная роспись золотом (дорисовка). В последнее время применяется надглазурная роспись статуэток коричневым, зеленым и синим цветом (растворами азотнокислого кобальта). Роспись этими красками отличается мягкими тонами, краски как бы растекаются к краям, дают нечетко очерченный контур рисунка.

Роспись выполняется вручную, беличьими кистями, что обеспечивает более высокое декоративное качество изделий по сравнению с механическими способами нанесения рисунка (деколькоманией, печатью, трафаретом и т. д.), применяемыми при массовом производстве.

Гжельские изделия, как правило, насыщены богатством и сочностью красок. Живописцы часто расписывают всю поверхность изделия, так называемое крытье; в других случаях по белому фону расписывается только центральная часть изделия.

Гжельские мастера выпускают чайные сервизы, отдельно чашки, чайники, сахарницы, бокалы, пепельницы, большое количество фарфоровых ваз для цветов. Основным видом отделки остается подглазурная роспись кобальтом с легкой разделкой по белому фону. Реже применяется роспись золотом по темно-синему кобальтовому фону.

Характерные элементы

Характерные черты сине-белой росписи - округлые мазки, плавные цветовые переходы, сгущение синего цвета в крупных бутонах цветов и центральных фигурах, изящные мелкие детали в периферии. Все линии декора перекликаются друг с другом и являются единым орнаментальным целым. При этом– никакой пестроты.

Элементы Гжельской росписи: цветы - розы, тюльпаны, астры, гвоздики, листья, штриховка –сеточка, жилка, завитки.

Гжельская роспись делится на три вида .

Орнаментальная: самые именитые это шашечки, «усики», «жемчужинки», «капельки». Ими и заполняют свободное место внутри изделия.

Сюжетная роспись: сценки из повседневной городской и деревенской жизни, герои российских легенд и сказок (Кот Баюн, птица Сирин и голубая птица, русалки), природа ивремена года.

Растительная роспись: травы, ягодки, злаки, букеты, листья, цветочки, не считая главенствующего узора - гжельской розы, изделия расписывают георгинами, лилиями, маками, астрами.

Цветовые сочетания

Художник для росписи гжели имеет лишь одну краску – кобальт, которая затем приобретает характерный для гжели сини цвет. Её, подобно акварельной, разводят водой. Пишут узоры по поверхности изделия, а затем его покрывают глазурью. Пишут по фарфору мазками, линиями, а в орнамент входят листья и цветы. Рисуют быстро. Мазки ложатся ровно. Кажется, на первый взгляд, что все они одного цвета. Но после печи узор приобретает множество оттенков и тонов, придавая своеобразие изделиям.

Хотя гжельскими мастерами изготавливалась и цветная майолика, наиболее известна роспись кобальтовой краской по белому фону. Это цветовой сочетание – синий кобальтовый и белый –и является главным отличительным знаком того, что можно назвать «стилем гжель».

Дымковская игрушка

Дымковская игрушка — рукодельное изделие. Каждая — создание одного мастера. От лепки и до росписи процесс творческий, никогда не повторяющийся. Нет и не может быть двух одинаковых изделий. Каждая игрушка уникальна и единственна.

История промысла

Дымковская игрушка является оригинальным глиняным промыслом, который появился и сохраняется в наши дни исключительно на землях Вятского края (Кировская область), а именно в слободе Дымково, которую издавна населяли печники и мастера гончарного дела. Этот регион как никакой другой в России обладает таким ярким и самобытным символом, как дымковская игрушка.

Производство дымковской игрушки продолжается уже более 400 лет. Первые дымковские игрушки – всевозможные свистульки в виде животных – выпускали для ежегодного праздника «Свистуньи» («Свистопляски»), который проводили в честь павших в битве между вятчанами и устюжанами возле стен Хлыновского (Кировского) кремля.

Как гласит предание, два дружественных отряда под покровом ночи не признали друг друга, поэтому произошел кровопролитный бой. По погибшим каждый год справляли тризну, которая позже переросла в народные гуляния. Праздник длился в течение нескольких дней и был наполнен свистом жителей из свистулек разнообразных форм и цветов.

Раньше промысел дымковской игрушки являлся семейным промыслом. В летнее время мастера добывали глину, а также толкли или растирали в специальных краскотерках мел. В остальное же время занимались лепкой, сушкой и обжигом изделий. Ближе к праздничным дням игрушки белили мелом, предварительно разведенным в молоке, а затем раскрашивали яичными красками и украшали поталью. По весне дымковскую игрушку на лодках доставляли в город на праздник, чтобы дети и взрослые могли порадоваться искусству.

В конце девятнадцатого века ремесло пришло в упадок. В 30-х года двадцатого столетия ремесленной традиции была оказана поддержка для восстановления и развития промысла. Несколькими потомственными мастерицами была открыта артель с названием «Вятская игрушка», поддерживаемая первым исследователем этого промысла - художником А.И. Деныпиным.

За 400 лет, в течение которых развивался промысел, в процессе изготовления дымковских игрушек к ним применялось множество композиционных решений. Устоялись часто используемые сюжеты изделий, а также некоторые приемы оформления и строго определенная цветовая гамма.

В наши дни мастера чтят традиции промысла дымковской игрушки, но каждая мастерица (а промыслом занимаются исключительно женщины) старается создать свой неповторимый авторский стиль.

Добавлено: 20 сентября 2011

Перечень изделий

Свистульки и игрушки. Исторически сложилось так, что основной тематикой игрушки были именно животные и фигурки женщин. Но с развитием промысла появились и городские мотивы. Дымковская игрушка до сих пор несколько иронична: бараны и козлы изображаются в ярких шароварах, а медведи - играющими на музыкальных инструментах.

Как и раньше, основными мотивами для игрушки служат различные животные, такие как кони, петухи, индюки, бараны, а также их совместные композиции. Современный каталог дымки очень разнообразен.

Технология изготовления

Дымковская игрушка - глиняная скульптура, отдельный вид искусства. Для нее характерно определенное обеливание и яркая роспись.

Глина для изготовления традиционно добывалась в слободе Дымково, что на низменном берегу реки Вятки у города Кирова. Собранную красную глину в слободе раньше рубили лопатой, смешивали с мелким речным песком - рядом есть огромный речной пляж. Так вот, глину, после смешивания, много раз переворачивали, смачивали водой. В старину так вообще ногами месили.

Сейчас мастерица не копает глину и не месит ее. Подготовка материала происходит машинным способом, на одном из керамических производств. Глина приходит в мастерские в готовом виде - полиэтиленовые упаковки-брикеты по 10 килограмм.

Лепка игрушки.

Каждая игрушка от куска глины до готовой скульптуры выполняется одним мастером. Если раньше много времени тратилось мастерицей на подготовку глины и побелки, то сейчас уделяется больше внимания именно процессу лепки и росписи игрушки.

Куски глины разделяют и раскатывают в шарики. Из шариков делают отдельные детали игрушки. Дымковская игрушка тем и отличается, что она делается не из одного куска глины, а из нескольких. Шарик глины раскатывают в блин, из блина делают конус - готова юбка барыни. Она полая внутри со стенками толщиной 4-6 мм. Стенки конуса выравнивают - вертя заготовку в руках. Затем, смачивая водой, прикрепляют ручки-колбаски, шарик головы. Все из небольших кусков глины.

Все основные элементы игрушки делают в первую очередь. Все стыки разглаживают влажной тряпочкой. Получается словно единое целое. Затем украшают игрушку деталями - кокошник, муфта, сумочка, собачка, косички, шляпка и т.д.

Сушка и обжиг.

Сушат слепленную заготовку в течение 3-5 дней, иногда дольше, на воздухе.

В старые времена игрушку обжигали в русских печах. Ставили прямо на дрова, либо на железный противень.

Глина начинает разогреваться и скоро становится как бы прозрачной - светится ровным красным цветом в огне. На этом процесс обжига заканчивался, и игрушки медленно остывали в потухшей печи.

Сейчас игрушки обжигают в муфельных печах при температуре более 1000 градусов. Такая высокая температура придает глине еще большую прочность. Печи довольно большие, в них игрушки загружают партиями. Опять же у мастериц не отнимается драгоценное время на нетворческие процессы.

Обеливание и роспись игрушки.

После печи заготовка получается коричнево-красной. Для побелки в старину использовали раствор мела на молоке - окунали игрушку целиком. Молоко на поверхности скисает и образует прочную яркую пленку козеинового клея. Обеливание - это характерная черта Дымковской игрушки.

Сейчас обеливание производят с помощью темперных белил, которые наносят кистью.

Финальная часть процесса - роспись.

Сначала расскажем о старинном традиционном способе росписи:
Сухие краски растирались с яйцом, добавлялся перекисший квас или уксус. Цветовая гамма была небогатая, только основные тона. Использовались составы от сажи до фуксина и хрома. Эти краски как будто отдавали заготовке часть своего цвета и звучали приглушено. В XX веке использовали гуашь, также разведенную на яйце. Сейчас используют яркие акриловые краски - очень стойкие.

Кисти используют пре имущественно мягкие, разного размера. Тонкие кисти позволяют мастерице привносить в сюжет мелкие детали - это не всегда хорошо, так как приводит к перенасыщению сюжета.

Поверх краски наклеивают кусочки сусального золота или потали - смеси цинка и меди. Они блестят и придают вместе с яркими краскамиослепительное очарование Дымковской игрушке.

Характерные элементы и цветовые сочетания

В основе росписи дымковской игрушки — геометрический орнамент и яркая, контрастная цветовая гамма, дополняемая наклеенными кусочками золотистой фольги. Традиционно используются яркие цвета: синяя, красная, оранжевая, желтая, малиновая, синяя, голубая, изумрудная, зеленая и в очень небольшом количестве коричневый и черный.

В настоящее время используют гуашевые краски, разведенные на яйце, темперные или специальные краски для керамики. Для росписи использовали самодельные кисти из тряпок (продернутого холщового лоскута, намотанного на палочку) и лучинки-палочки для наведения глаз и бровей. Пятна наносили торцом ровно срезанного прутика. Теперь употребляют колонковые или хорьковые кисти.

При росписи важно знать значение цвета. Зеленый цвет в народном представлении связан с понятием жизни. Он символизирует природу, землю, пашню. Белый всегда был связан с понятием нравственной чистоты, правды и добра. Черный говорит о горе, неправде, зле. Красный цвет не только символ огня, но и красоты, силы, славы, здоровья. Голубой — цвет неба.

В дымковской игрушке характерно использование символики, стремящейся к красоте, правде и здоровой жизни. Все узоры в традиционной дымковской игрушке знаковые, связанные с природой и оберегами.

Есть солярные солнечные знаки, например, круг с пересекаемыми полосками. Лунные — пересечение перпендикулярной и горизонтальной линии с точками внутри четырех образованных от пресечения треугольниках. точки в круге или чередующиеся точки с кругом — знаки семян и зародышей.

Знак плодородия — ромб. Небо с облаками — прямая линия и сверху волнообразная, если небо дождевое, с каплями, тогда между двумя прямыми линиями чередование точек с равным интервалом. Мать земля сыра и зерна в ней — две линии параллельные, а внутри волнообразная с точками по обе стороны в углублениях. Используются всевозможные растительные знаки — ростки, зерна, листики, ягодки, цветочки и знаки с пожеланием блага.

Дымковская игрушка лишена полутонов и незаметных переходов. Насыщенные яркие краски создают жизнерадостную атмосферу. Узоры обладают простыми геометрическими формами: кругами, клетками, волнами. В оформлении каждой игрушки может использоваться до 10 цветов. Каждое изделие является неповторимой авторской работой, ведь и сегодня дымковскую игрушку изготавливают только вручную. Что бы не изображала дымковская игрушка, её всегда можно отличить своей неповторимой нарядной раскраской

Хохломская роспись

Хохломская роспись — традиционный русский промысел, искусство изготовления деревянных расписных изделий. Промысел зародился на рубеже XVII—XVIII вв. в Заволжье, на территории современного Ковернинского р-на Горьковской обл., в среде местных ремесленников, изготовлявших деревянную посуду. Участие в промысле иконописцев-старообрядцев, знавших приемы дешевого «золочения» дерева, способствовало возникновению здесь оригинальной техники окраски предметов в золотой цвет без применения золота. Выточенные из дерева предметы подвергались грунтовке раствором глины, сырым льняным маслом и порошком олова, по слою которого производилась роспись. Причем часть его поверхности обязательно оставляли незакрашенной. После выполнения росписи предмет покрывали лаком, приготовленным из того же льняного масла, и подвергали «закалке» — прогреванию в печи, где под влиянием высокой температуры пленка лака желтела, а просвечивающий сквозь нее слой порошка олова становился похожим на золото. Эта техника сохранилась в своей основе до наших дней, однако порошок олова заменен алюминием, льняное масло — синтетическим лаком, а для «закалки» изделий оборудованы современные электропечи.
Для Хохломы характерны две разновидности орнамента: роспись «верховая» и «под фон». Рисунки «верховой» росписи наносятся мазками кисти на поверхность фона, образуя легкий ажурный узор. К их числу принадлежит «травная» роспись с красными и черными травками, веточками и кустами, сквозь которые мерцает золотистый фон, а также орнамент «под листок», отличаюшийся от нее более крупными овальными листочками и мелкими ягодками, расположенными симметрично вокруг стебля. Роспись «под фон» имеет золотистый силуэтный рисунок, окруженный черным или цветным фоном. Его выполнение начинают с нанесения контурных очертаний мотивов, а потом закрашивают окружающий фон. Детали крупных мотивов прорисовываются штрихом. Поверх черного или цветного фона иногда исполняется мелкий узор — «приписка». Своеобразной разновидностью росписи «под фон» являются рисунки «кудрина», в которых причудливые фантастические формы цветов, листьев и плодов создаются из круглых завитков, наносимых быстрыми плавными движениями кисти. В рисунках хохломского орнамента есть мотивы, восходящие к орнаменту древней Руси. Сохранены и характерные для древнерусского орнамента приемы исполнения росписи свободно от руки кистью, позволяющие создавать разнообразные варианты композиции.
Первоначально ассортимент хохломских изделий составляла токарная посуда; столярные изделия стали изготовляться на продажу лишь во второй половине Х1Хв. Свое название промысел получил по имени торгового села Хохлома, откуда изделия отправляли на базары и ярмарки. В XVIII — начале XIX в. он приобрел характер крупного мануфактурного производства. К концу XIX — началу XX в. начинается угасание промысла в связи с.удорожанием древесины и снижением спроса на деревянную посуду на сельском рынке. Земские деятели пытаются научить мастеров изготовлять изделия для городских магазинов, заставляя их копировать рисунки, специально создававшиеся для них городскими художниками. Это наносило немалый ущерб художественным достоинствам хохломских изделий.
В первые же годы Советской власти началось возрождение ценных традиций промысла. Объединение мастеров в артели, их переход к работе в общественных мастерских, участие в выставках декоративного искусства, помощь опытных художников и искусствоведов— все это способствовало воспитанию на промысле творческих коллективов. Начиная с 1918 г. в г. Семенове развивается новый центр хохломского искусства, возникновение которого связано с организацией в городе школы художественной обработки дерева.
В 1923 г. хохломские изделия экспонировались на Всероссийской сельскохозяйственной выставке в Москве. В 1925 г. успех изделий промысла на Международной выставке в Париже дает возможность мастерам работать на экспорт. Выставки «Искусство Хохломы» в 1936 г. и «Народное творчество» в 1937 г. в Москве свидетельствуют об изменениях, происшедших в хохломском орнаменте. Расширяется круг мотивов, обогащается цветовая гамма. Мастера ищут новые возможности отражения действительности, вводя в орнамент элементы советской эмблематики, создавая своеобразные тематические орнаментальные росписи — панно «Весна», «Осень», «Урожай» и т. д. Наряду с изготовлением товарной продукции уделяется внимание экспериментальной работе, создаются уникальные выставочные произведения.
После победы над фашистской Германией мастера много работают <над новыми рисунками хохломского орнамента с цветами, плодами и колосьями, которые символизируют величие и красоту освобожденной советской земли. Желание сделать произведения особенно праздничными, торжественными приводит художников к увлечению орнаментом «под фон» с золотыми силуэтами на красном фоне; виртуозной тонкостью отличается графический рисунок. 50—60-е годы ознаменованы в хохломском промысле достижениями в области расширения ассортимента изделий и создания новых форм бытовых вещей — комплектов посудных изделий для салата, компота, ягод, орехов, блинов, а также декоративных изделий для убранства интерьера, разнообразных сувениров. Хохломский промысел имеел два крупных центра — Семинскую фабрику художественных изделий «Хохломский художник» и производственное художественное объединение «Хохломская роспись».
Коллектив Семинской фабрики —это в основном потомки старейших хохломских мастеров, поэтому здесь особенно прочно удерживаются традиции промысла. Семинским орнаменталистам свойственна способность тонко чувствовать красоту полевых трав и цветов, лесных ягод. В орнаменте они ценят простоту и лаконичность форм, четкость ритма, яркие радостные сочетания красок.
К ассортименте изделий фабрики сохраняются формы старинной посуды, под влиянием которых и новые виды изделий приобретают строгость и простоту. Композиция их росписи основана на живописном сочетании красочных пятен.
Искусство мастеров Семенова развивалось на основе тех же традиций, но в условиях города. Его формированию способствовало обучение мастеров в художественной школе, учившей приемам орнаментальной графики. Орнамент здесь более графичен. Отличается изяществом контурного рисунка и тонкой штриховой разживкой. Для него характерны сложные формы садовых и комнатных цветов, выполненные в технике росписи «под фон».

Хохломские узоры - техника выполнения, образцы и идеи применения

Хохломская роспись представляет собой растительный орнамент, составленный из небольшого числа мотивов, называемых «травкой», «ягодкой», «листком», «кудриной».

Все элементы травного орнамента рисуются сразу кистью, без предварительного рисунка карандашом, при этом кисточку надо держать тремя пальцами перпендикулярно поверхности листа. Хохломская роспись состоит из нескольких элементов:

«осочки» - выполняется легким движением кончика кисти сверху вниз;

«травинки» - это мазки с небольшим плавным утолщением;

«капельки» - рисуются прикладыванием кисти к бумаге;

«усики» - рисуются в виде непрерывной линии одинаковой толщины, закрученной в спираль;

«завитки» - выполняются с легким нажимом в середине элемента;

«кустик» - наиболее сложный элемент, он состоит из более простых симметрично расположенных элементов - «осочек», «травинок», «капелек», «усиков» и «завитков»;

«ягодки» - ягоды бруснички, смородинки, рябинки рисуются печаткой-тычком (полоска бумаги, свернутая в тугую трубочку); ягоды крыжовника, клубнички рисуются кистью. По высохшей краске ягоды «разживляются» желтым цветом.

Городецкая роспись

Городецкая роспись - один из русских народных промыслов, берет свое начало в середине 19 века. Родиной этого искусства стал город Городец (Нижегородская область), история которого, надо заметить, намного дольше, нежели история росписи, так как поселение там было еще в 12 столетии. Развитию городецкой росписи поспособствовало географическое положение города: волжские берега, как нельзя лучше подходящие для разнообразных промыслов.

Сегодня традиционный народный художественный промысел "Городецкая роспись" развивается в исторически сложившемся центре ее возникновения и бытования, как искусство оформления плоских поверхностей. Не нуждающаяся в термообработке роспись позволяет мастерам использовать самые разнообразные формы, цвета, оттенки.

До сих пор живут в городецких росписях композиции с конями, всадниками, древом и собачками. Разнообразны фантазии на тему прогулок кавалеров и дам, но из традиционных мотивов прочно сохраняются кони. Образ коня олицетворяет представление о красоте и силе.

Период 1870-1900 гг., связанный с общим бурным развитием промысловой деятельности жителей лесного Заволжья знаменуется окончательным сложением стиля городецкой росписи.

Один из традиционных декоративных промыслов - городецкая роспись - сложился с середины 19 века в окрестностях Городца, основанного еще в 12 веке, что находится на левом берегу Волги в Нижегородской области. Вообще, места вдоль волжских берегов были очень выгодны для различных промыслов, так как недалеко находилась известная Макарьевская ярмарка, крупнейшая в России.

Среди заволжских жителей было много кузнецов, ткачей (так как в окрестных местах всегда был хороший урожай льна), но, конечно же, больше всего было умельцев, работавших с деревом. Лес предоставлял дешевый материал, он был всегда под рукой. В народе даже ходила поговорка - "заволжанина лес кормит".

Среди обилия деревянной продукции, выпускаемой заволжскими мастерами, более всего были известны городецкие прялки, продававшиеся на ярмарках и расходившиеся затем по всей России. Именно с них и получила распространение знаменитая городецкая роспись. Обычно прялки вытесывались из целикового деревянного массиса, городецкие же состояли из двух частей: гребня и донца.

Донце представляло из себя широкую доску, которая суживалась с одного конца и имела отверстие, в которое вставлялась ножка гребня. Донце было расписным, и в то время, когда с прялкой не работали, оно вешалось на стену, как картина. До этого донце украшали инкрустацией, но живопись благодаря своей простоте и меньшей трудоемкости, ее вытеснила.

Позже стали расписывать не только прялки, но и всевозможные предметы из крестьянского быта - лукошки, солонки, деревянные игрушки, короба для хранения пряжи и многие другие изделия. Цвета городецкой росписи всегда были яркими, сочными, все изделия обязательно украшались пышными букетами цветов, напоминавших розы, ромашки.

Сложился и свой прием росписи - сначала на изделие наносился фон, одновременно служивший и грунтовкой, затем по нему наносятся толстой кистью крупные цветовые пятна, так называемый "подмалевок". После этого более тонкой кисточкой наносятся необходимые штрихи, затем роспись заканчивает "разживка" - когда рисунок объединяется в цельную композицию с помощью черной краски и белил. Законченную композицию обычно ограничивают рамкой.

В процессе того, как промысел набирал обороты (а к концу девятнадцатого века в нем были задействованы жители из почти десятка деревень), рисунок росписи также дополнялся новыми сюжетами: появились персонажи из народных сказок, сцены из городской жизни, всевозможные "чаепития" за самоваром и "гуляния".