Искусство ренессанса

1. ВВЕДЕНИЕ. 

             "Возрождение" (Ренессанс) – термин, введенный архитектором, живописцем и историком Джорджо Вазари для определения эпохи, в которую культурное движение было призвано возрождать античность и открывать перспективы развития западной культуры. Эпоха Средневековья рассматривалась как перерыв в развитии культур, представляла собой период варварства и невежества. Возрождение зародилось в Италии, и было связано, прежде всего, с появлением в феодальном обществе буржуазных отношений, и как следствие – возникновение нового мировоззрения. Началось возвращение к забытым достижениям античной культуры. Все перемены в наибольшей степени проявилось в творчестве людей искусства.

      Рост  городов и развитие ремесел, подъем мировой торговли, великие географические открытия  конца  XV  и  начала XVI века,  изменили жизнь средневековой Европы. Городская культура создавала новых людей и формировала новое отношение к жизни. Появилось книгопечатание, которое открыло возможности для  распространения  литературных и научных произведений.

     В это время итальянское общество начинает активно интересоваться культурой  Древней Греции и Рима, разыскиваются  рукописи античных писателей. Все более самостоятельными и независимыми от церкви становятся различные сферы жизни общества - искусство, философия, литература, образование, наука. В центре внимания в эпоху Ренессанса был человек, поэтому мировоззрение носителей этой культуры обозначают термином “гуманистическое” (от лат. humanitas - человечность). Для итальянских гуманистов главным было – направленность человека на самого себя. Его судьба в большой степени находится в его собственных руках, он наделен Богом свободой воли.

     Гуманисты Возрождения полагали, что в человеке важно не его происхождение или социальное положение, а личностные качества. В качестве “идеального человека” признавалась сильная, талантливая и всесторонне развитая личность. Главным достоинством личности стали считаться гражданские добродетели. «Надо судить о человеке по качествам его, а не по нарядам», как остроумно говорит один древний автор, «знаете ли, почему он вам кажется таким высоким? Вас обманывает высота его каблуков: цоколь – ещё не статуя. Измеряйте человека без ходулей. Пусть он отложит в сторону свои богатства и звание и предстанет перед вами в одной рубашке».^¹

       Гуманистов вдохновляла античность, служившая для них источником знаний и образцом художественного творчества. Искусство Возрождения заложило основы европейской культуры Нового времени. Все основные виды искусства — живопись, графика, скульптура, архитектура - очень изменились.

           В эпохе итальянского Возрождения  принято выделять несколько периодов: Проторенессанс (вторая половина XIII—XIV в.), раннее Возрождение (XV в.), Высокое Возрождение (конец XV — первые десятилетия XVI в.), позднее Возрождение (последние две трети XVI в.).  

2. ЦЕННОСТНЫЕ ОСНОВЫ  ИСКУССТВА ЭПОХИ  ВОЗРОЖДЕНИЯ. 

         Для эпохи Возрождения характерен  культ красоты, прежде всего  красоты человека. Итальянская живопись изображает прекрасных, совершенных людей.

         Художники и скульпторы стремились  в своем творчестве к естественности, к реалистичному воссозданию мира и человека. Перестало использоваться плоскостное изображение, живопись обогатилась линейной и воздушной перспективой, знанием анатомии и пропорций человеческого тела, решались проблемы точного рисунка, естественного движения.

        Объектами искусства стали человеческое  тело, современные и религиозные сюжеты. Внимание, интерес художников все больше сосредотачивались на человеке и на всем том, что его окружает. Однако искусство Раннего Возрождения было сложным, противоречивым и эта противоречивость вела его вперед. В искусстве Раннего Возрождения, наряду с мелочной детализацией, намечается сознание обобщенного, монументального и героического образа совершенного человека.

       Человек в эпоху Ренессанса  снова становится главной темой  искусства, а человеческое тело  считается самой совершенной  формой в природе. Гуманистическая культура Возрождения пронизана мечтой о новом человеке и его новом духовном развитии. Главным достоинством личности стали считаться гражданские добродетели. Теоцентрическое сознание  стало вытесняться антропоцентрическим. Идеи гуманизма наиболее ярко и полно воплотились в искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями. Искусство Возрождения  пронизано гуманизмом, верой в творческие силы человека, в неограниченность его возможностей, в торжество прогресса. Фигуры  в живописи обретают объем и заметно стремление верно передать анатомию человеческого тела.

      Признаки буржуазной культуры  и зарождение нового мировоззрения  особенно ярко проявились в XV веке. Но, именно потому, что формирование новой культуры, и нового мировоззрения не был завершен, XV век полон творческой свободы, смелых дерзаний, преклонения перед человеческой индивидуальностью. Это век гуманизма, веры в безграничную силу разума, эпоха интеллектуализма. Восприятие реальности проверяется опытом, контролируется разумом. Поэтому дух порядка столь характерен для искусства Ренессанса. Анатомия, учение о пропорциях человеческого тела имеют для художников огромное значение.

       Античность приобретает значение  самостоятельной ценности и играет  большую роль в формировании  светской  культуры. Для искусства становятся характерными в архитектуре черты античной простоты, гармонии. В библиотеках содержится богатое собрание античных рукописей. Появляются музеи, наполненные статуями, обломками античной архитектуры. Восстанавливается античный Рим. Но влияние античности наслаивается на традиции средневековья и христианское искусство, что придает сложный характер культуре возрождения. 

       В искусстве на первый план  выдвинулись проблемы гражданского  долга, высоких моральных качеств, подвига, образ гармонично развитого, сильного духом и телом человека-героя, сумевшего подняться над уровнем повседневности. Искусство Высокого Ренессанса отрешается от незначительных подробностей во имя общего образа, стремления к гармонии прекрасных сторон жизни. Развивается портретная живопись и становится одним из важных достижений Возрождения. Самым престижным видом искусства была скульптура, расцвет её произошел с утверждением барокко. В позднем ренессансе было меньше иллюзий и больше реализма в понимании действительности. Идеалы красоты и гармонии всесторонне осмыслялись и даже становились нормой, которая воздействовала на разные виды творческой деятельности. 

3. ИТАЛЬЯНСКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ. 

       По обилию талантливых мастеров, размаху художественного творчества Италия опередила в XV веке все другие страны Европы. Изменения в искусстве, прежде всего, сказались в скульптуре. В работах мастера Никколо Пизано прослеживается явное влияние античности. Но начало новой эпохи связано с именем живописца Джотто ди Бондоне (1266?-1337). Из его работ лучше всего сохранились фрески Капеллы дель Арена в Падуе на евангельские сюжеты, где уже прослеживается желание верно передать анатомию человеческого тела. «Человек у Джотто противостоит ударам судьбы. Он готов сносить невзгоды, не падая духом, не ожесточаясь против людей. Такое понимание не противоречило средневековой церковной морали, но оно поднимало человека, самоутверждало, придавало ему бодрость».^¹

       В изобразительном искусстве  сформировались несколько школ  со своими неповторимыми стилистическими особенностями. 

3.1. ФЛОРЕНТИЙСКАЯ  ШКОЛА  XV век.

        В архитектуре Италии только  в XV веке начинают проявляться черты нового стиля. Филиппо Брунеллески (1377-1446) завершил в 1434 году Флорентийский собор гигантским куполом, готическое здание, заложенное в 1295 году. В светской архитектуре палаццо характерно соединение внешней крепостной неприступности с внутренней атмосферой уюта.

        В церковном зодчестве появляется  облицовка фасадов церквей разноцветным мрамором, отчего фасад становится «полосатым» - характерная черта итальянского Возрождения.

        Новая скульптура родилась в  1401 году, когда был организован  конкурс на оформление дверей  крещальни Флорентийского собора. Скульптором, которому выпало решить проблемы европейской пластики – круглой скульптуры, монумента, - был Донато ди Никколо ди Бетто Барди (1386?-1466). В его искусстве наблюдаются и готические реминисценции. Донателло решает проблему постановки человеческой фигуры в рост по законам пластики, разработанным ещё в античные времена, но забытые в средневековье. Статуя святого Георгия, исполненная Донателло воплощает идеал раннего Возрождения: чувство самосознания и уверенности в этом образе подчеркнуто свободной, спокойной позой фигуры, напоминающей колонну. Это «не очеловеченный бог античности, а обожествленный человек новой эпохи» (Н.Пунин).

       Донателло принадлежит и честь  создания первого конного монумента  в эпоху Возрождения. Это конная  статуя кондотьера Эразмо ди  Нарни в Падуе.

       Использовав лучшие традиции искусства средневековья, изучив античную пластику, Донателло пришел к своим собственным решениям, к образам глубокой человечности и подлинного реализма, что объясняет его огромное влияние на всю последующую европейскую скульптуру.

      Ведущая роль в живописи Флорентийского раннего Возрождения выпала Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассан Гвиди, известного под именем Мазаччо (1401-1428). Он решил те проблемы живописного искусства, которые поставил до этого Джотто. Мазаччо  показал себя художником, для которого было ясно, как помещать фигуры в пространстве, как связывать их между собой и с пейзажем, каковы законы анатомии человеческого тела. Он решил главные проблемы Возрождения -  линейной и воздушной перспективы.

       Целый ряд художников вслед за Мазаччо разрабатывали проблемы перспективы, движения и анатомии человеческого тела, поэтому они получили в науке название перспективистов и аналитиков. Такие как Паоло Учелло, Андреа Кастаньо, Доменико Венециано.

       Во второй половине XV века в искусстве ещё более приобретают значение изящество и роскошь. Евангельские сюжеты на стенах церкви Санта Мария Новелла, по сути, представляют собой трактовку сцен быта высших слоев флорентийского общества.

       Особой изысканности флорентийское  искусство достигает в конце века, в правление Лоренцо Медичи (1449-1492). Жестокий политик, тиран, Лоренцо был вместе с тем одним из образованнейших людей своего времени. Поэт, философ, гуманист, язычник по мироощущению, он превратил свой двор в центр художественной культуры того времени. Но в культуре двора Лоренцо много противоречивого, она слишком изнежена, замкнута узкой социальной средой.

        Типичным художником конца флорентийского  раннего Возрождения, выразителем  эстетических идеалов двора Лоренцо  Медичи был Сандро Боттичелли (1445-1510). Две его знаменитые картины: «Рождение Венеры» (ок. 1483-1484) и «Весна» (ок. 1477-1478). Для Боттичелли характерно изображать лица с трагичным выражением, он создает определенный тип лиц, особенно женских: пухлые губы, кажущиеся заплаканными глаза.

       К концу XV века Флоренция вступила в полосу экономического и социально-политического кризиса и перестает быть центром художественной жизни. Но флорентийская школа раннего Возрождения оставила след во всем искусстве эпохи Возрождения. Она была первой, где решались проблемы линейной и воздушной перспективы, анатомии человеческого тела, но цвет, всё же не был сильной стороной творчества флорентийских мастеров. 

3.2. УМБРИЙСКАЯ  ШКОЛА XV век.

       В Умбрии в XV веке не было крупных городов, много пространства занимали помещичьи угодья, поэтому и в искусстве дольше жили и были ярче феодальные, средневековые традиции.

       Искусство Умбрии декоративно,  лирично, мечтательно и религиозно. Главную роль в нем играет колорит.

       Самым крупным мастером здесь  в XV был Пьеро делла Франческа (1420?-1492). Он интересовался проблемами перспективы. Был одним из самых великих колористов, умел передавать разную светосилу цвета и объединять цвета световоздушной средой. Франческа был мастером преимущественно монументально-декоративной живописи. Он как истинный художник раннего Возрождения верил в высокую миссию человека, в его способность к совершенствованию.  

3.3. ПАДУАНСКАЯ  ШКОЛА  XV век.

        Падуанские мастера преклонялись  перед античным искусством. Падуя расположена на севере Италии, её связи с Германией и Францией были тесными в XV веке, поэтому готические черты в искусстве раннего Возрождения вполне естественны. Крупнейший художник падуанской школы Андреа Мантенья (1431-1506). Он вводил в свои композиции изображение античных памятников, был, преимущественно монументалистом.

       Фигуры у Мантеньи кажутся  как будто выступающими из  стены и всегда представлены  в сложных ракурсах.

       По заказу покровителя художеств  Людовико Гонзага, Мантенья расписал «брачную комнату», изобразив семейный портрет Гонзага и сцены из придворной жизни Мантуи.

       Фреска плафона, изображающая  в самом центре свода круглую  галерею с людьми, является первой  иллюзионистской декорацией в  западноевропейском искусстве.

       У Мантеньи четкий рисунок,  анатомически выверенные пропорции,  смелая перспектива, холодный колорит, сдержанное страдание образов. 
 

3.4. ВЕНЕЦИАНСКАЯ  ШКОЛА XV век.

        В эпоху Возрождения Венеция  развивалась немного иначе, чем другие города Италии. Её выгодное географическое положение, флот и пути торговли с Востоком сделали её богатой. С конца XIII века началась аристократизация её политического строя. Патрицианство задерживало развитие новой культуры, поэтому Ренессанс в Венеции запоздал почти на 50 лет.

        Наиболее ярко пути развития  раннего возрождения видны в  творчестве семейства Беллини:  Якопо Беллини и его сыновей  – Джентиле и Джованни. Наиболее  знаменит Джованни, именуемый чаще  Джанбеллино (1430-1516). Он начал с сурового стиля в духе падуанцев, позднее перешел к мягкой живописности, богатому золотистому колориту. Его аллегорические картины полны философско-созерцательного настроения. Братья Беллини известны в истории искусства ещё и тем, что усовершенствовали масляную технику.

        Венецианское искусство завершает  развитие искусства раннего Возрождения. XV век принес в Италию истинное возрождение античных традиций, но понятных человеку новой эпохи.

        Скульптура приобрела образ человека, а не божества как в античности, живопись разработала религиозную картину христианского или античного сюжета, но придала ей светские черты. Всё это большой вклад в искусство Возрождения.

4. ТИТАНЫ ВЫСОКОГО  РЕНЕССАНСА. 

4.1. ЛЕОНАРДО  ДА ВИНЧИ.

         В конце XV века северные города Европы организуют ряд военных походов на Италию. Высокий Ренессанс совпал с периодом борьбы итальянских городов за независимость. Это наивысшая точка расцвета искусства Италии. Оно пронизано гуманизмом, стремлением к гармонии прекрасных сторон жизни. Искусство Высокого Ренессанса во имя общего образа отрешается от мелких деталей.

         Леонардо да Винчи (1452-1519) первый  художник, воплотивший эту особенность.  Работа Леонардо «Благовещение»  ещё обнаруживает связи с ранним  Возрождением, но совершенная красота фигур Марии и архангела, цветовой строй картины говорят о мировоззрении художника Высокого Ренессанса.

         Леонардо обладал как логическим, так и художественным мышлением,  связывал научное и художественное  познание мира. Он всю жизнь  занимался учеными изысканиями наравне с изобразительным искусством: отвлекаясь, он казался медлительным и оставил немного произведений искусства.

         Украшение миланской крепости, оформление  празднеств и свадеб, научные занятия отрывали Леонардо от искусства. Но он становится ведущим художником Италии. Каждое из его творений было открытием в искусстве.

          Первым большим произведением  в Милане была «Мадонна в  скалах». Это первая монументальная  алтарная композиция Высокого Ренессанса.

          Самой большой его работой была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие на сюжет «Тайной вечери» (1495-1498). Леонардо изобразил момент реакции всех двенадцати учеников на слова учителя. В основу композиции положен точный математический расчет.

          Для Леонардо искусство и наука  существовали нераздельно. Занимаясь  искусством, он делал научные  изыскания, опыты, наблюдения, он  выходил через перспективу в  область оптики и физики, через  проблемы пропорций – в анатомию  и математику и т.д.

          В росписи Леонардо нет иллюзионистических приемов, позволяющих реальному пространству переходить в изображаемое. Но расположенная вдоль стены трапезной роспись подчинила себе весь интерьер. И это его умение подчинить себе пространство положило путь Рафаэлю и Микеланджело.

         Судьба стенописи Леонардо трагична: он сам способствовал её быстрому осыпанию, делая опыты смешения темперы и масла, экспериментируя над красками и грунтом.

          Во Флоренции, родном городе  художника, была начата ещё  одна работа: портрет жены купца дель Джокондо Моны Лизы, ставший одной из самых знаменитых картин в мире. Это был решающий шаг на пути развития ренессансного искусства. Особое внимание Леонардо уделял светотени, добиваясь неповторимой мягкости лиц и фигур, словно окутанных едва уловимой дымкой («сфумато»). В портрете Моны Лизы достигнута та степень обобщения, которая, сохраняя неповторимость изображенной индивидуальности, позволяет рассматривать образ как типичный для эпохи Высокого Ренессанса. 

4.2. РАФАЭЛЬ САНТИ.

         Идеи монументального искусства  Возрождения, в которых слились  традиции античности и дух христианства, нашли наиболее яркое выражение в творчестве Рафаэля (1483-1520). В его искусстве обрели решение две основные задачи: пластическое совершенство человеческого тела, выражающее внутреннюю гармонию всесторонне развитой личности, в чем Рафаэль следовал античности, и сложная композиция, передающая многообразие мира.

          Никто из мастеров Возрождения  не воспринял так глубоко и  естественно языческую сущность античности, как Рафаэль. Его считают художником, наиболее полно связавшим античные традиции с западноевропейским искусством новой поры. Он искал совершенный гармоничный образ. На протяжении всей жизни он ищет этот образ в мадонне. Вершина его мастерства «Сикстинская мадонна». Тип лица мадонны соединяет античный идеал красоты с духовностью христианского идеала, что характерно для мировоззрения Высокого Возрождения.

         Искусство достигает наивысшего  расцвета в Риме, где работают  одновременно такие художники как Браманте, Микеланджело и Рафаэль и развивается под знаком национального единства, питается античными традициями, выражает идеологию гуманизма.

         Идейная программа росписи папских  комнат – служить прославлению  авторитета католической церкви и её главы- папы. В комнате печатей Рафаэль написал четыре фрески-аллегории духовной деятельности человека: философии, поэзии, богословия, юриспруденции в виде многофигурных композиций и групповых портретов. В них Рафаэль воплотил гуманистический идеал совершенного интеллектуального человека. Во второй комнате он написал фрески на исторические и легендарные сюжеты, прославляющие Римских пап: «Изгнание Элиодора». Рафаэль, работающий по заказу Юлия II, не случайно берет эту тему: французы готовятся к походу в Италию и папа напоминает о Божьем наказании всех, кто посягнет на Рим.

          Рафаэль был величайшим портретистом  своей эпохи. В его портретах  помимо определенных конкретных  черт выступает образ человека  эпохи, что позволяет видеть  в  портретах Рафаэля исторические портреты-типы («Папа Юлий II», «Лев X» и др.) 

4.3. МИКЕЛАНДЖЕЛО  БУОНАРОТТИ.

         Третий величайший мастер –  Микеланджело (1475-1564). Он превзошел всех насыщенностью образов гражданственным пафосом, чуткостью к смене общественного настроения. Отсюда и творческое воплощение крушения ренессансных идей. Обнаженное прекрасное тело для Микеланджело главный предмет искусства. Скульптура «Пьета» изображающая Христа, распростертого на коленях Марии, выдвигает его в число первых скульпторов Италии.

          Во Флоренции по поручению  Синьории Микеланджело взялся  изваять фигуру Давида из испорченной  до него незадачливым скульптором  мраморной глыбы. «Наилучший из художников не может создать такого образа, которого единый кусок мрамора не заключал бы уже в себе под своей оболочкой. И лишь в этом, то есть в освобождении образа из-под скрывающей его оболочки, - достижение руки художника, послушной его творческому гению»^¹. Через три года он закончил статую, которую поставили перед городской ратушей. Микеланджело изображает Давида не мальчиком, а юношей в расцвете сил, перед битвой, в момент наивысшего напряжения сил. В прекрасном образе Давида, в его лице скульптор передал титаническую силу страсти, непреклонную волю, гражданское мужество, мощь свободного человека. Флорентийцы видели в Давиде близкого им героя, гражданина республики и её защитника.

          В Риме Микеланджело занялся  грандиозной работой – росписью  потолка Сикстинской капеллы при Ватиканском дворце. В центральной части  потолка он изобразил события первых дней сотворения мира, историю Адама и Евы, всемирный потоп, и эти сцены, по сути, являются гимном человеку, его силе и красоте. Бог – это творец, не знающий преград на пути к созиданию, образ, близкий представлению гуманистической эпохи о творце.

         Вскоре после окончания работ  в Сикстине умер Юлий II. Микеланджело занимается созданием памятника-мавзолея для его гробницы. Микеланджело исполняет фигуру Моисея для надгробия. Образ Моисея- один из самых сильных в творчестве мастера. Он вложил в него мечту о вожде мудром, смелом, полном сил, воли – качеств так необходимых тогда для объединения его родины.

         С 1520 по 1534 годы Микеланджело работает  над одним из самых значительных и трагичных скульптурных произведений – над гробницей Медичи - выражающей переживания, выпавшие на долю мастера и его родного города и всей страны. Италия тогда раздиралась внешними и внутренними врагами, протестанты разграбили католические святыни Рима. Флорентийская буржуазия свергает Медичи. Папа идет на Флоренцию походом. Она разгромлена, многие друзья Микеланджело погибают.

         В настроении тяжелого пессимизма  работает Микеланджело над гробницей Медичи. Одну стену он украшает фигурой Лоренцо, а другую Джулиано. Но оба изображения не имеют портретного сходства, что не соответствует традициям XV века. Он считает не обязательным точную передачу черт в лицах моделей. Для него важнее философская идея противопоставления жизни и смерти. Чувство беспокойства и тревоги исходит от образов Лоренцо и Джулиано. Это беспокойство усиливается позами фигур времени суток, расположенных у их ног: изогнутые тела как бы скатываются с крышек саркофагов, не находя опоры, их головы пересекают карнизы. Этот диссонанс нарушает архитектоническую гармонию Ренессанса и является предвестием новой эпохи в искусстве.

            1535-1541 г.г. Микеланджело работает  над росписью «Страшный суд»  в Сикстинской капелле по требованию  Папы Павла III. Сложные ракурсы  переплетенных тел, повышенная экспрессия, создающие выражение беспокойства и тревоги – это черты чуждые Высокому Возрождению, как и сама трактовка темы «Страшного суда». Вместо торжества и справедливости над злом – крушение мира.

             20 последних лет жизни Микеланджело  приходятся на период, когда в  Италии искореняются черты свободомыслия великой гуманистической эпохи Ренессанса. По настоянию инквизиции, посчитавшей непристойным такое количество обнаженных тел во фреске «Страшный суд», ученик Микеланджело Даниеле де Вольтерра записывает некоторые фигуры. Последние годы жизни Микеланджело- время создания  самых сильных по трагичности мироощущения и по лаконизму выражения произведений. Значение искусства Микеланджело огромно. Некоторые исследователи называют его первым архитектором барокко.

5. ВЫСОКИЙ РЕНЕССАНС В ВЕНЕЦИИ. 

            Венеция, сумевшая сохранить свою  независимость, дольше хранит  верность традициям Ренессанса.

          Джорджио Барбарелли да Кастельфранко,  по прозванию Джорджоне (1477-1510), первый в Венеции обратился  к литературным и мифологическим темам. Объектом поклонения для него были пейзаж, природа и прекрасное нагое человеческое тело. Его лучшие произведения были исполнены в масляной технике. В картине «Гроза» Джорджоне изображает человека как часть природы. Он владеет тонкой и богатой палитрой. Изображение «Спящей Венеры» изящно,  свободно и не лишено чувственной прелести. Но лицо целомудренно строго, в сравнение с ним Тициановские Венеры кажутся языческими богинями.

           Тициан Вечеллио (1477?-1576) создал произведения  и на мифологические и на христианские сюжеты, работал с портретом. Около 1520 года герцог Феррарский заказывает ему цикл картин, в которых Тициан воспевает античность, воплощает дух язычества: «Вакханалия», «Праздник Венеры».

           Тициан много пишет на мифологические сюжеты. В 1545 году появляется его первый  вариант «Данаи». Даная соответствует античным идеалам красоты. Толкование образа несет в себе плотское, земное начало, выражение простой радости бытия.

            К концу жизни Тициана его  творчество претерпевает изменения. Он ещё много пишет на античные сюжеты, но всё чаще обращается к христианским темам мучинечств,   в которых языческая жизнерадостность сменяется трагическим мироощущением («Бичевание Христа», «Оплакивание»).