Коллаж как художественный прием

Коллаж

Коллаж (collage) – дословный перевод с французского – наклеивание, аппликация, с английского - комбинация разнородных элементов. Коллажи делятся на две большие группы: - "объемные" и "плоские". Объемные коллажи создают используя самые разные предметы и материалы (проволока, дерево, веревки, металл), комбинируя их друг с другом. Плоские - составляют из изображений, фотографий, рисунков и их частей, сухого флористического материала располагая элементы на одной поверхности.

Коллаж - художественный прием создания образов, основанный на совмещении разнородных по цвету, размеру, материалу, фактуре элементов на какой-либо основе. Особенностью коллажа является способность или выделить основную мысль изображения, или наоборот – закамуфлировать ее, средствами цвета, фактуры используемых материалов.

Галерея Тейт в глоссарии по истории искусства утверждает, что коллаж "был впервые использован в качестве художественной техники в ХХ в.По глоссарию Музея Гуггенхайма (Solomon R. Guggenheim Museum), художественные концепции коллажа, связанные с начала модернизма и включают в себя гораздо больше, чем идея композиции разнородных элементов.

В искусстве начала ХХ века начинает складываться новое видение мира, назначение предмета. Этот процесс характеризуется бурным поиском изобразительных приемов, экспериментом, попыткой создания оригинального художественного стиля, который мог бы соответствовать новому мировоззрению.

Особое внимание художников привлекала проблема конструирования пространства в изобразительном искусстве. Одним из важнейших решений этой проблемы, одним из способов организации пространства стал коллаж. Он являлся совершенно новым приемом как в техническом плане, так и в содержательном, стал открытием, сочетающем в себе поиски многих течений в искусстве и одновременно предлагающим новое для нашего восприятия.

Коллаж, по мнению Гастона Диля, биографа П. Пикассо и искусствоведа, был создан Пикассо в 1912 году, в картине "Натюрморт с плетеным стулом",он соединил кусок промасленной ткани и сиденье стула в картину овальной формы. Произошло это, по всей вероятности под влиянием Джоржа Брака, который в этом же году разрабатывал технику  papier collé (бумажный коллаж). Дж. Брак используя обрезки газет и журналов, он располагал их на холсте, затем покрывал сверху краской, добиваясь эффекта живописи. Тогда это было совершенно новое веяние в изобразительном искусстве, оно было столь необычным, что коллажом впоследствии увлеклось целое поколение итальянских футуристов, а также дадаисты, сюрреалисты и многие другие художники.

Коллаж перерастает рамки технического приема в живописи и становиться тем случаем "игры, когда предмет берется живьем, без изменений" - так считает Дмитриева Н.А. Предмет, будь то любой вид подручного материала, вырывается из привычного мира, окружения и переноситься в картину, где он употребляется в совершенно ином контексте, в зависимости от исходной цели автора. Изначально же коллаж использовался в живописи для оживления ее поверхности.

Пикассо обнаружил, что некоторые предметы: элементы типографического набора или материалы, имитирующие структуру дерева - обладают "незаурядно выразительными свойствами". Влюбившись в свою находку, Пикассо -импровизатор не останавливается и использует в своих работах и песок, и кусочки газетной бумаги, обоев, плакатов или материи, визитные карточки, ленты, а позже (к 1924 году) и проволоку. Таким образом, для коллажа годились почти все суррогатные продукты. Эта техника "родилась из стремления примирить реальность, к которой принадлежат настоящие вещи, и реальность картины".

Истоки коллажа лежат в недрах такого течения в живописи как кубизм (к 1911 - 1912 г.г. Пикассо и Брак были его представителями).

Кубизм - это течение в изобразительном искусстве I четверти XX века, где ведущим становиться прием конструирования картин с помощью простых геометрических форм, которые имеют значение и самостоятельных фигур, и символов. Кубизм обращал особое внимание на преодоление привычных форм, на изменение сложившейся в предшествующем искусстве структуры объема. Именно с этого начался "аналитический кубизм, составляющей вкупе с синтетическим" два основных его этапа.

С точки зрения исследователей, художники изначально применяли коллаж в своих работах в "синтетический" период, где главным качеством было чередование и наслоение объектов на плоскость, а следовательно, коллаж стал своеобразным выражением подобных задач данного течения, впитавших в себя тему урбанизма, повсеместной технологизации, тему перестройки человеческого сознания. Поэтому, например, в картине Брака "Натюрморт на столе" появляются обрывки газет, буквы вывесок, табличные обертки, меню, этикетки и др.

Коллаж на начальных этапах развития был лишь "подручным средством" в арсенале представителей мастеров различных направлений, а поэтому цели и задачи коллажа будут соответствовать целям и задачам кубизма, во всяком дополнять их.

Целью кубизма, по мнению Пикассо, было "раз и навсегда покончить с позорной зависимостью живописи от зрения". Задача, как видно, глобальная и невыполнимая. Более мягкую позицию по этому вопросу выразил Ж. Брак: "Не нужно даже подражать вещам, которые переходящи и постоянно меняются и которые мы принимаем за нечто неизменное. Вещи в себе не существуют. Они существуют лишь через нас". Коллаж стал полным тому подтверждением. Хотя живопись в кубизме и пытается освободиться от традиционного зрительного восприятия, она всегда будет зависеть от нашего разума, живопись, как бы там ни было, всегда будет проходить через чувственное созерцание человека, лишь она и направлена только на человека. К примеру, в картине - коллаже" Голова" Пикассо, автор ясно дает знать, что голова - это отнюдь не то, что мы видим в зеркале, - это светлый треугольник с непонятным нагромождением внутри, сделанным из темной материи, с окружающими его полосками из некоего суррогатного продукта. Автор испытывает нас, автор "пробует на вкус" обыденное представление о предмете, иронизирует над человеческой сущностью, разрушает шаблонные восприятия действительности.

Конечно, все это можно назвать "бунтом против вещей", но коллаж у кубистов позволяет испытать цвет и отдельные структурные элементы композиции вне связи с формой объекта. Он направлен на разрушение привычных форм, на создание новой формулы мышления, новой реальности, что было, по большому счету, задачей философского, мировоззренческого характера. Хотя бы тот факт, что излюбленным жанром коллажистов был натюрморт, сделанный из "помоечных" продуктов, говорит о том, что художник доказывает всему миру свою способность изменять реальность: в период технического переустройства из отходов автор создает то, чему вредит техногенность. Художник подобным "взрывным" методом контраста пытается перестроить мышление человека, предотвратить его нравственную гибель. Он доказывает сказанное Браком: "Они (вещи - авт.) существуют лишь через нас".

Кубистический коллаж оказывает влияние на личностное восприятие предмета, подтверждает текучесть мира, изменчивость, казалось бы, неизменных вещей, создавая новые образы. К примеру, в произведении П.Пикассо "Гитара" поражает то, что гитара сделана из мешковины с дыркой, прибитой гвоздями к листу картона (причем острия торчат наружу) и граница между живописным пространством и пространством восприятия глаза четко не обозначается.

Взаимосвязь пространства картины и того, что вне ее, была, пожалуй, одной из основных проблем, которую пытались решить кубисты. В одном из интервью П.Пикассо сказал фразу, ставшую своего рода эпиграфом ко всему его творчеству: "Моя картина - итог ряда разрушений".

В коллаже в этот "ряд разрушений" входит и попытка стереть, пространственную границу. Дроблением плоскости картины на несколько меньших плоскостей, свидетельствует о стремлении художника в "аналитическом" кубизме выйти за рамки картины, увеличить зону ее воздействия. В произведении Х.Гриса "Ваза для фруктов и бокал" предмет картинного пространства, в частности сама ваза (сделанная из обрывков газет и материала, напоминающего металлическую стружку) и бокал (выполненный при помощи оберточной бумаги и материи) плавно переходят из пространства картины в "наш мир" и наоборот, причем фон, составленный при помощи темных тонов, как бы сам заставляет глаз выделить то, что отлично по цвету и фактуре. Здесь связь с перспективой полностью разрушается. Художник игнорирует ее законы, тем самым создается поражающей своим совершенством объем. Этому так же способствует сама техника исполнения: инородные предметы врезаются, разрушают сложившееся пространственное восприятие. Но коллаж отнюдь не отрицает пространства картины, происходит своеобразный синтез, который дает потрясающий художественный эффект: увеличивает ареал картины.

Коллаж как попытка конструирования мира

Автор выступает и как мыслитель, и как философ, и как конструктор своего мира в картине. Вообще, коллаж - это уникальная возможность почувствовать себя властителем над вещью, возможность манипулировать вещью, проводить эксперименты. Коллажист пытается искусственно создать другую, оторванную от обыденности и реальности систему. Включая в свое произведение различные по цвету и фактуре материалы, художнику важен лишь конечный итог, смысл создающегося, независимого от сорта, рода и предназначения используемых предметов в нашей жизни. Пикассо обосновал это так: "Я беру для моих картин те вещи, какие мне нравятся. Нравится ли это вещам, мне безразлично - им приходится с этим примириться". Это правило от применил и в коллаже "Натюрморт с красной бумагой", где на мой взгляд наиболее ярко отразился дух конструктивизма. Взглянув на эту картину, убеждаешься, что коллаж - это именно попытка сконструировать мир, независимо от природы существующих вещей, предметов. Автор собирает продукты цивилизации и творит свой мир в картине подобно богу. В данном случае "натюрморт" представляет собой окно, на фоне которого собрано множество предметов: часть изображения лимона, орнамента, игральная карта, фанера с изображением Апполоновых венков, усыпанных какой-то мелкой цветной крошкой, по всей видимости представляющие поток света, который автор видит разложенным на фотоны.

Для Пикассо весь мир состоит из предметов, его глаз видит их повсюду. На первый взгляд, картина являет собой хаотичное нагромождение вещей, но, разобравшись, мы видим, что детали "натюрморта" - это проект мира, окружающего нас. Коллажист пытается своим творчеством разрушить привычный мир, его привлекает изменчивость и неоднородность всего окружающего, он хочет нового и непохожего на все остальное.

Таким образом, коллаж в кубизме есть и новый технический прием, и способ конструирования мира, и выражение авторского взгляда на существующую реальность.  Коллаж является одним из способов разрушения сложившегося пространства и это становится одной из основных его функций.

Новый взгляд на коллаж предлагают последователи течения «дадаизм», промежуточного, как считают современные исследователи между кубизмом и сюрреализмом и вошедшим в историю как "бунтарское", что, впрочем, отражает всю суть направления. Дадаистов интересовало только то, что за пределами разума — бессознательное, иррациональное, и, конечно же, эпатажное. Предметы обихода, массового производства дадаисты объявляли объектами искусства. Это был своего рода нигилистический бунт против устоявшейся действительности, привычных представлений о мире, расхожей морали. Дадаисты считали, что в коллаже "кубисты стремились усилить выразительность и чувство реальности форм, и в чем проявился их "эстетизм" и "формализм".

В дадаистическом же коллаже главным было ощущение абсурдности, хаоса, деструктивности мира, недоступного логическому осмыслению, царила пугающая непонятность, как, например, в коллаже крупнейшего представителя течения Макса Эрнста "Человека делает шляпа", где автор просто издевается над зрителем, именуя подобным образом свою работу. Ведь если взглянуть на нее, то ни о каком "человеке", в нашем понимании, речи не идет. "Люди" в картине - множество прозрачных цилиндров с голубым, желтым, зеленым оттенком, напоминающие своим расположением систему коленвалов. Оказывается, главное в коллаже отнюдь не шляпы и цилиндры, а неопределенная пустота, контрастирующая с радужным сочетанием красок. Будь мы посетителями выставки с подобными картинами где-то в 20-е годы, нас не покидало бы состояние эмоционального аффекта - главного назначения этих произведений. Макс Эрнст использовал в коллажах гравюры из научных изданий, каталогов, рекламные проспекты и т.д. Он переносил их в неожиданный контекст, превращая, но его собственным словам, в «элементы реального мира, соединенные в причудливой, абсурдной последовательности, приводящей в смущение глаз и разум, способной вызывать галлюцинации, при которых привычные предметы утрачивают или изменяют свое значение». Эрнст создал техники граттажа, фроттажа и декалькомании, которые получили распространение в коллажной практике в последующие десятилетия.

В критической литературе разных изданий, посвященных творчеству дадаистов, можно встретить неоднозначные, разносторонние, во многом эмоционально-полярные точки зрения на творчество этих художников. Во многом подобная ситуация обусловлена содержанием и назначением произведений дадаизма. По словам Т. Каптеевой, дадаисты породили вещи "конкретной иррациональности". Коллажи представляют собой полное разрушение обыденного восприятия, направленное на взрыв в человеческом мировоззрении, на "разрушение образности ради великого "ничто", на отвержение всякой возможности логического мышления. Все коллажи представителей "dada" пронизаны глубочайшим нигилизмом. По сравнению с кубистами, дадаисты совершили огромный скачок в неизведанное: они решили испытать душу человека. "Ранний" дадаизм подобным языком живописи мог вызвали и гнев, и улыбку, и равнодушие.

Вторичная цель дадаистического коллажа - достижение двойственного видения, своего рода "умственно-оптического обмана", это вероятно, стало истоком поп-арта, что характерно для "позднего" дадаизма. Так, в коллаже "Китайский соловей" Эрнста образ "соловья" плавно переходит в сочетание фотографий рук, вырезок из открыток, скрепок, ткани. Уже нет того хаоса и нигилизма, скорее появляется жалость к человеку в картине Ханса Белламера "Девушка и ее тень", где человек представляется одиноким существом во всей вселенной, у которого один единственный спутник - его тень.

Для поп-арта принципиально не существовало никаких эстетических запретов. Основатель движения Л. Раушенберг писал «Для меня речь идет просто о том, чтобы принимать все элементы внешнего мира и работать с ними в своего рода сотрудничестве». Мир в композициях Раушенберга предстает беспорядочным нагромождением предметов и образов. Многие детали его произведений откровенно неэстетичны, а иногда и антиэстетичны. Вдело идут и консервные банки, и пучки грязной травы, и чучела животных, и обшарпанные этажерки, и грязные кисти. Работа, которой художник дал наименование «Монограмма», представляет собой чучело козы, торчащее из автомобильной шины. Реальность индустриального и постиндустриального общества, в котором пропаганда, глянцевые журналы, реклама и кинематограф прикрывают ужас лишенного ценностей бытия, обнажается в коллажах поп-арта.

В основу коллажа легло совмещение несовместимого для создания единой композиционной структуры, отражающей быт и настроение человека. Здесь речь можно вести не только об эпатаже, но и массовом психозе. Удивляет глубокая психологичность и самокритичность коллажа, казалось, люди забыли об искусстве: ведь в ход шло все, что можно найти на помойке. В своей работе Р. Гамильтон"Так что же делает современные дома такими особенными, такими привлекательными", 1956 г., ставшей своеобразным манифестом данного течения, наиболее ясно отразился тип мышления послевоенного человека, где опять же проявились такие уникальные свойства коллажа как универсальность, вседоступность, техническая простота, полная самореализация и прочая. Как видно, коллаж в поп-арте далеко не однозначен в своей оценке предметного мира. Многочисленность трактовок, двусмысленность, скандальность и еще многие качества можно приписать этому коллажу, который затрагивал и вопросы переосмысления ценностей человека, и изменчивость мировоззрения, и отражение невидимой хаотичности и беспорядка.

Хотя в XX веке, по общему мнению, преобладает массовая культура, коллаж не утратил своего самостоятельного значения, так как он направлен на индивидуальность и порожден индивидуальностью. Коллаж вбирает в себя огромный художественный и энергетический потенциал, посредством которого мастер воздействует на зрителя.

Если в кубизме коллаж выступает как способ организации пространства, как формирование нового зрительного восприятия (по словам Брака "Ощущение деформирует, разум формирует"), стирание пространственных границ и выражение субъективной точки зрения художника, то в дадаизме и поп-арте коллаж становиться средством разрушения материального мира, отрицания логического мышления, является выражением хаотичности как внешнего мира, так и внутреннего мира личности.

За последние годы  техника коллажа принципиально не изменилась, она актуальна и развивается, выражаясь в различных формах компьютерного коллажа.

В русском искусстве первым кто стал применять технику коллажа, был Аристарх Лентулов. Неуемный экспериментатор сочетал в своих полотнах живописные фрагменты с наклеенными кусочками фольги и цветной бумаги. Наиболее яркими работами, созданными в подобной технике в 1914-1915 годы, являются панно «Москва», «Василий Блаженный», «Корабль».

В 60-х годах к технике коллаж обратился известный художник Илья  Глазунов. Так им была создана картина «Старик», многие произведения исторической тематики. Особую выразительность произведениям художника придают такие материалы как меха и камни.

Коллаж обладает сильным эмоциональным воздействием поэтому к нему нереко прибегали советские карикатуристы. Например, художники М. В. Куприянов, П. Н. Крылов, Н.А. Соколов, вошедшие в историю под псевдонимом Кукрыниксы(История русского советского искусства.- Изд. 2-е.- М., 1989 г.Брюсова В.Г. Русская живопись 17-го века.- М., 1984 г.)НАПИСАТЬ ИЗ ЗНЦИКЛОПЕДИЙ ПРО КУКРЫНИКСОВ.

Коллаж был  любимым увлечением замечательного кинорежиссера Сергея Параджанова. О называл коллаж «прессованным фильмом», используя то что оказывалось под рукой,- куски стекла, бусины, перья, обрывки ткани, кружево, журнальные вырезки, листья, цветы,- Параджанов создавал своеобразные драматические произведения. Каждый его коллаж –это целая история. Его творчество подтверждает что практически любой предмет и даже его части  могут послужить красками для картины.

Современные художники продолжают поиски открывая все новые и новые возможности создания коллажей. Сегодня популярно не столько склеивание различных деталей, сколько их наложение, наслоение.  Причем материалы могут быть подобраны совершенно различные по цвету, форме, фактуре. Совмещают казалось бы совершенно не совместимое.

Разновидности коллажа: ассамбляж, текстильный коллаж флористический коллаж, бумажный коллаж, фото коллаж, фотомонтаж.

Ассамбляж (assemblage - соединение, объединение, скрепление) техника создания композиций из элементов составляющих ассоциативный ряд, по одному или нескольким признакам. Ассамбляж — вид произведения современного искусства — включение в произведение искусства трехмерных нехудожественных материалов и найденных объектов, берущее свое начало в технике коллажа. Ассамбляж  есть свободная композиция из различных элементов или накопление материала в свободных комбинациях. Противоположность ансамблю подразумевает понимание пространства как средовой целостности фрагментов.

Допускает живописные дополнения красками, а также металлом, деревом, тканью и другими структурами. Иногда применяется и к другим произведениям, от фотомонтажей до пространственных композиций, поскольку терминология новейшего визуального искусства не вполне устоялась.

Ассамбляж – разновидность «искусства объекта» и как другие формы, он, по существу, представляет собой «разросшуюся» коллаж-комбинацию предметов на плоскости или в пространстве.

Термин «ассамбляж» является собирательным понятием, охватывающим различные варианты вещественных комбинаций: иногда художники вводят реальные объекты в живописные произведения (Роберт Раушенберг), в других случаях — создают композицию исключительно из готовых форм («ready made») (например, промышленных изделий). Сюда же относится и так называемые «падающие картины» (монтаж предметов на вертикальной плоскости).

Объединяя на плоскости различные предметы, художники как бы стирают границы между произведением и реальным пространством, представляя зрителю игру-размышление на тему взаимоотношений искусства и реальности.

Разновидности ассамбляжа:

1)комбинированные картины – произведения Роберта Раушенберга ярко рпедставляют это направление, сочетая вещественные вставки с живописью в манере абстрактного экспрессионизма.

2)аккумуляция (фр. accumulation — накопление, аккумуляция; нагромождение) - разновидность ассамбляжа, при котором композиции, исполненные из бытовых вещей (часто бывших в употреблении), или их деталей, выставляются в стеклянной коробке либо укрепленными на вертикальном щите. Наибольшую известность получили аккумуляции Армана, создававшего абстрактные композиции из частей целлулоидных кукол, крышек от бутылок, деталей часовых механизмов. Например, «Аккумуляция чайников» Армана (1961) состоит из нескольких десятков чайников, помещенных в ящик из плексиглаза. Этот тип создания артефактов использовали представители Нового реализма, художники Арман, Тен-гели, Цезар, Чемберлен и др.

«Аккумуляция чайников» Армана (1961)

Ассамбляж уходит корнями в искусство начала XX века. Он ведёт начало от коллажей в кубистических картинах П. Пикассо и Ж. Брака.

Одним из наиболее ранних и известных примеров ассамбляжа было велосипедное колесо на табуретке Марселя Дюшана, которое он назвал термином «реди-мейд» (англ. ready-made — готовый). Позднее дадаисты и сюрреалисты строили свое искусство на удивительных сопоставлениях не связанных между собой предметов и образов.

Роберт Раушенберг вводил реальные объекты в живописное пространство, большинство же художников создавали композиции исключительно из готовых материалов,чаще всего промышленных изделий.

Роберт Раушенберг»Монограмма»(1959)

В области ассамбляжа работали художники группы Новый реализм, американцы Джим Дайн, Аллен Кэпроу, поляк Владислав Хасиор.

Ассамбляж так же был блестяще использован русскими художниками в начале XX века – В. Е. Татлиным, И. А. Пуни, А. Родченко.

В. Татлин «Трамвай». 1915 г.

Однако термин первым использовал Жан Дюбюффе в 1953 году для обозначения своей серии литографий, созданных на основе коллажей из бумаги. В 1954 году он перенес его на трехмерные камерные объекты, создаваемые из папье-маше, кусочков дерева и других материалов и обломков от каких-то предметов. Жан Дюбюффе полагал, что термин коллаж следует сохранить за работами Брака и Пикассо, созданными в период синтетического кубизма.

Техника ассамбляжа стала особенно популярна в конце пятидесятых годов, когда художники широко включали в живопись и скульптуру посторонние материалы, в том числе еду и разнообразные отходы.

В 1961 году в нью-йоркском Музее современного искусства состоялась выставка «Искусство ассамбляжа», включавшая в свой состав коллажи и ассамбляж поздних кубистов, дадаистов, футуристов, сюрреалистов, реди-мейд Дюшана, произведения де Кунинга, Раушенберга, Тенгели, Станкевича, Кинхольца, спрессованные автомобили Цезаря Бальдаччини, сюрреалистские ассамбляжи Джозефа Корнелла.

Одним из основателей техники считается французский художник Сезар (настояшее имя и фамилия Сезар Бальдаччини) (1921–1998), французский художник, один из лидеров постмодернизма во французском изобразительном искусстве. Первоначально использовал в качестве материала для скульптур куски металлолома, соединенные сварочным аппаратом; в этих вещах сказалось заметное влияние П.Пикассо и Ж.Ришье. Создавал также ассамбляжи-картины из бытового мусора, компактно собранного под плексиглас (Мусорная корзина золотого голубя , 1969). С 1958 разрабатывал технику «компрессии», помещая под гидравлический пресс материал для своих произведений.

Характерными примерами ассамбляжей являются работы скульпторов Тони Крэгга и Билла Вудроу, многие из которых, особенно ранние, сделаны из найденных предметов и обломков.

В 1981 году состоялась новаторская выставка «Предметы и скульптура», проведенная одновременно в Институте современного искусства в Лондоне и галерее Арнольфини в Бристоле, на которой использование «урбанистических материалов» было возведено в норму. Ее участниками, помимо Крэгга и Вудроу, стали Эдвард Аллингтон, Ричард Дикон, Энтони Гормли, Аниш Капур, Брайан Орган, Питер Рэнделл-Пейдж и Жан-Люк Вильмут.

Текстильный коллаж (фр. со11аgе — наклеивание) — работы в этой технике выполняют наклеиванием лоскутков на основу, отличную по цвету, создавая определенный рисунок, в котором основа играет роль фона. Иногда коллажи создаются целиком из лоскутков. В этой технике могут быть выполнены панно, портреты, натюрморты и другие произведения декоративного искусства. Материалами для коллажа служат натуральные и синтетические ткани разной фактуры – гладкой, ворсистой, блестящей, матовой, а также кожа, мех, войлок, фетр. Фоном для могут быть шёлк, бархат, полотно, сукно, кожа, парусина, мешковина (предпочтительны пастельные тона). Фон должен быть более плотным, чем сама аппликация. Если нет подходящих по цвету кусочков ткани, их можно окрасить.

Флористичекий коллаж- создается с помощью природных материалов — сухих растений, плодов, гравия, ракушек, перьев, коры и т. д. Засушенные плоские цветы встречаются уже в культурах древней Иудеи и Египта, в V–III веках до нашей эры. Прессованные растения в виде гербария известны в Европе со времен средневековья. Хорошо сохранившиеся образцы гербария XVI века можно и сегодня увидеть например, в парижском Ботаническом музее. 

Создание композиций из засушенных цветов как вид традиционного искусства существует многие сотни лет в Японии. Оно получило там название «осибана» (ошибана), что в переводе и означает «прессованные цветы». 

В Китае и сопредельных ему странах, Тайланде, Корее и других, занятие прессованными цветами издревле было отдельным, очень почитаемым ремеслом.

В 19 веке в викторианской Англии засушенные цветы (прессованные) вошли в моду. В гостиных висели художественные гербарии в овальных рамках.

Из Англии мода пришла в Европу. Салоны Германии, Франции наполнились декоративными картинками из засушенных цветов. 

Из Европы эта мода пришла и в Россию. Интересным примером художественного оформления гербария служат цветы, собранные и засушенные С.А. Толстой летом 1892 года, фотографии, которых опубликованы недавно издательством «Ясная Поляна». Интерес к флористике, как назывались тогда работы из прессованных цветов, вновь пришел в Европу в послевоенные годы. В 20-е годы ХХ века техника коллажа стала очень популярной и достигла своего расцвета. В СССР работы из прессованных цветов стали появляться на выставках в Москве и Ленинграде. В 60-х годах появились московская, ленинградская, минская и харьковская школы. Традиции тех лет до сих пор живы в Московском городском обществе охраны природы, в секции « Природа и творчество». В последние годы коллажи из прессованных цветов становятся все более популярными.

Цветы всегда являлись мощным аккумулятором природной энергии и потому они особенно притягательны. Художественное использование природных материалов с их натуральными красками и фактурами предполагает новые эстетические формы восприятия произведений искусства, такие как любование, созерцание. Для человека важно научиться видеть высший эстетический смысл в природе, и тогда его жизнь станет более одухотворенной и гармоничной.