Поп-арт в теории и художественной критике

Введение

Если меня спросить, какое  направление в искусстве самое  противоречивое, эпатирующее, умеющее  ставить наравне повседневное и  возвышенное, массовое и индивидуальное, уникальное и избитое, я без раздумий отвечу поп-арт.

«Восторг, вызванный поп-артом  с момента появления первых его  произведений на широкой публике, больше уже не утихал - сегодня же он велик, как никогда ранее. » ( Хоннеф Клаус)[1]

Средства массовой информации и реклама это основные темы поп-арта, он доступен для широкой общественности. Телевидение, комиксы, плакаты –  все это понятно и знакомо  достаточно широкой целевой аудитории. Человек, принадлежащий к массовому  обществу второй половины ХХ в. становился приобретателем, стремящимся к обладанию  как необходимых, так и бесполезных  вещей. Он постоянно пополнял, накапливал свой материальный мир. Социологи характеризуют  такое индустриальное общество как  общество массового потребления.

Можно с уверенностью говорить о том, что многие способы выразительности  поп-арта встречаются и в настоящее  время в различных графических  проектах, рекламных плакатах, афишах и даже в дизайне интерьеров. Сейчас мы часто можем встретить людей  на улице в одежде с использованием принтов поп-арта. Вот уж чего у  поп-арта не отнимешь, так это стильности. Также работы смело используются для украшения квартир, теми кто, понимает и уважает современное  искусство.

Как производителям и продавцам  необходимо постоянно привлекать внимание потенциальных покупателей к  своим новым товарам, так и  художникам приходиться гнаться  за новыми формами, материалами, приемами, любыми средствами привлечь внимание публики.

На примере творчества самых ярких представителей поп-искусства, таких как: Роберт Раушенберг, Рой  Лихтенштейн, Ричард Гамильтон, Энди Уорхол, Джаспер Джонс, Роберт Индиана, Джеймс Розенквист, Алекс Кац, Том Вессельман, Клас Олденбург, Девид Хокни - можно  проследить за основными тенденциями  и особенностями проявления выразительности  данного направления. Несмотря на то, что объединял их источник вдохновения (глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография), каждый художник вкладывал что-то свое, что-то неповторимое и характерное только ему.

В своей курсовой работе я бы хотела раскрыть, какими именно способами и методами выразительности  направления поп-арт пользовались художники на примере их творчества.

Глава 1: Поп-арт

1.1 Общие сведения

Период 50-х – 60-х годов  ознаменовался повышенным интересом  к вопросам так называемой массовой культуры, в это же время возникает  течение поп-арт.

ПОП-АРТ (англ. Pop-art, от popular art - общедоступное искусство) — направление, сложившееся сначала в модернистском  изобразительном искусстве, а затем  в различных сферах массовой культуры XX в. Поп-арт возник в США и Великобритании и окончательно отвоевал себе «место под солнцем» на международной выставке в Венеции (1964 г.), одержав победу над абстракционизмом.

Второе значение связано  с англоязычным звукоподражательным  рядом слова в значении отрывистый удар, хлопок, шлепок или производящее шокирующий эффект — представители  направления используют образы продуктов  потребления в качестве элемента художественного произведения.

Ричард Гамильтон —  определил поп-арт следующими словами: "популярный, недолговечный, преходящий, дешевый, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, шуточный, шикарный и Большой  Бизнес".

Обратившись к миру вещей, созданных массовым промышленным производством, поп-арт быстро вошел в сферу  современной массовой культуры и  соединился с рекламой, дизайном, оформительским искусством. Отличительная особенность  любой картины, скульптуры или в  стиле поп-арт это бренды или  образы массовой культуры.

Поп-арт вернул предмет  в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный  с современной индустриальной культурой  и, в особенности, с современными формами информации: печать, телевидение, кинематограф. Новые технические  приемы, позаимствованные из промышленного  дизайна и рекламы: фотопечать, использование  диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию»  индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности»  образцов массовой продукции. Одно из наиболее распространенных направлений  в англо-американском искусстве  середины XX века, оказавшее влияние  и на искусство других стран. Одно из первых широкомасштабных проявлений пост-культуры, на основе которого, так  или иначе, модифицируя его основные элементы и приемы, формировались многие художественные практики второй половины XX века. Один из наиболее ярких феноменов модернизма.

Выставочные залы Европы и  США стали похожи на выставки поделок  самодеятельных кружков народных умельцев и изобретателей, ведь техника поп-арта была исключительно разнообразна: живопись и коллаж, проецирование на полотно  фотографий и слайдов, опрыскивание с пульверизатора, комбинирование рисунка  с кусками предметов, и т.д.

Понятно, что критика относилась к такому искусству по разному, одни говорили о вырождении искусства  или, на худой конец, обновленной  форме натурализма, другие говорили о новом этапе в развитии искусства, называя поп-арт «новым реализмом» или «сверхреализмом». Многие отмечали на Международных эстетических конгрессах депрофессионализацию многих современных  художников. Демократизм поп-арта критики  отмечали в том , что зритель может  стать героем произведения , если он входит внутрь него, присаживается  на нем отдохнуть или видит  свое отражение в зеркале, то есть принимает участие в той игре, которую ему предлагают.

Поп-арт нужно принимать  как реальность и отдать должное  изобретательности создателям произведений этого направления современного искусства, ведь для создания конструкций  использовались новые достижения науки  и техники.

После второй мировой войны  в Америке сформировался большой  социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi's джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек  используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному  социальному слою. Так формировалась  массовая культура. Поп-искусство обязательно  использует стереотипы и символы.

1.2 Основные черты

Искусство поп-арта тесно  переплеталось с искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама  броско и навязчиво пропагандирует товарный стандарт. Как и в рекламе, главными сюжетами поп-арта стали автомашины, холодильники пылесосы, фены, сосиски, мороженое, торты, манекены и.д.

Создатели рекламных передач  и шоу способны искромсать на кусочки  и соединить в нужной им комбинации стиральный порошок и известный  шедевр искусства, зубную пасту и классическую музыку. Точно также поступает и поп-арт. Отличительная черта - сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или одинаково бесценно, одинаково красиво или одинаково безобразно, одинаково достойно или не достойно.

Основные черты поп-арта: яркие радужные цвета, броские формы, использование пластика, повторяющиеся  элементы. Поп-арт открыто оспаривал  принципы "хорошего дизайна", отрицая  модерн и его ценности. Основной упор делался на изменения, разнообразие, веселье, бунтарство и недолговечные, одноразовые вещи, дешевизну и  ставку на массовое потребление.

Дизайнеры занялись производством  вещей, которые потребитель желал, а не тех, в которых он нуждался. На первый план вышел стиль, впервые  недолговечные, одноразовые вещи стали  приниматься за норму.

Это искусство непрестанно  заимствует предметы и образы из повседневного  быта и делает особый упор на массовые развлечения и товары широкого потребления, претворяя их в художественную форму. Оно содержит в себе множество  ссылок, часто очень специфических  и эмоциональных, на будничную жизнь  обыкновенных людей. «Поп»- художник, отражая  окружающую жизнь, претворяет ее и таким  образом выражает свое отношение  к ней. При этом его реакция  на окружение необязательно должна быть ясной и непосредственной. Использование  стольких широко известных образов  ведет к сложной серии взаимодействий и отзвуков, которые улавливаются и осмысляются глазом и разумом  зрителя.

Такая образность находилась вне пределов того, что мы раньше называли «изящными» искусствами, то есть пейзажа, портрета, религиозной или  исторической живописи. «Поп» - художники  интересуются людьми как предметами (отсюда упор на изображение кинозвезд), а также машинами — автомобилями и электроприборами. Они многим обязаны  стилизованному изображению людей  и предметов в современных  журналах, на телевидении, в фотографиях, комиксах, кино, рекламе.

Существует версия, что  поп-арт родился случайно. К Рою  Лихтенштейну пришел маленький сын  с книжкой комиксов и попросил сделать из них что-нибудь смешное. Рой поглядел на незамысловатые картинки и придумал увеличить их до громадных  размеров. Так он начал создавать  свои картины, которые потом пользовались бешеной популярностью. Комиксы  или отдельные их части увеличивались  порой настолько, что нельзя было понять, что там. Абстракция, да и  только. «Я за искусство, которое не сидит на своей заднице в музее. Я за искусство, которое вырастает  и не подозревает о том, что  оно искусство… Я за искусство, которое  смешано с повседневной чепухой  и все же поднимается наверх», — рассуждал Лихтенштейн.

По другой версии начало поп-арту положила картина-коллаж Ричарда  Гамильтона «так что же делает современные  дома столь необычными и столь  привлекательными?». Выглядит это, как «набор» вырезок из цветных журналов. Обычный дом среднестатистического американца, «подсевшего» на рекламу. С рекламных страниц в интерьер сошли и магнитофон, и телевизор, и, безусловно, газета, а на стенах вместо картин — увеличенный фрагмент комикса — ширпотреб. За окном виднеется кинотеатр. Центральная мужская фигура вырезана из рекламы культуризма, женская — тоже в духе «хочешь похудеть? Спроси меня как». Образ реального мира вытеснен скоплением фиктивных имиджей масс-культуры. Жизнь, превращенная в сказку с помощью рекламы.

1.3 Теория и  разработки

Начальные теоретические  разработки поп-арта появились в  Англии в период в 1952 по 1955 годы, когда  в Институте современного искусства  в Лондоне образовалась «Независимая группа» архитекторов, художников, критиков среди них были Ричард Гамильтон, Эдуард Паолоцци, Рой Лихтенштейн. Позже  к ним присоединились и другие. Слово «поп» было добавочно введено  критиком Эллуэем для обозначения  фактически нового эстетического сознания, новой эстетической позиции, которая  утверждала художественную значимость предметов, событий, фрагментов повседневности массового человека индустриального  общества, до этого считавшихся в  художественно-эстетической элите  нехудожественными, антихудожественными, кичем, дурным вкусом. В 1966 году Эллоуэй  открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот  смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне  с термином «поп-культура», чтобы  охарактеризовать продукты средств  массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой «народной культуры». В любом случае понятие вошло  в употребление где-то между зимой 1954-1955 годов и 1957 годом».

Поп-арт предпринял масштабную и результативную попытку уравнять их в правах с феноменами «высокой культуры», слить элитарную культуру с потребительской «популярной» субкультурой в массовой культуре. Своими предтечами поп-артисты справедливо  считали Марселя Дюшана и его  «реди-мейд», дадаиста Курта Швиттерса, отчасти Фернана Леже с его  романтизацией машинного, миро-человека. Художники поп-арта открыли своеобразную поэтику массовой продукции городской  культуры, находя ее в банальных  и тривиальных вещах, событиях, жестах, в окружающей их потребительской  среде и коммерциализованной  реальности: в голливудских боевиках и популярных «звездах», в газетных и журнальных фото, в американском жизненном стандарте, основанном на техническом прогрессе, в рекламе, афишах, плакатах, газетах, в предметах  домашнего обихода, комиксах, научной фантастике, бульварной литературе. Во всем, что составляло повседневную среду обитания и псевдодуховную пищу евро-американского обывателя середины XX века. Изымая элементы и имиджи массовой культуры из повседневной среды и помещая их в контекст из них же создаваемого художественного пространства, поп-артисты строили свои произведения на основе игры смыслами массовых стреотипов, таких как новые контекстуальные связи, иной масштаб, цвет, иногда деформации в новой семиотической среде. Ранние произведения поп-арта выполнялись в техниках коллажа или традиционной живописи с элементами коллажа.

В дальнейшем используемые материалы и техника создания поп-произведений существенно расширяются  и усложняются. В традиционную живопись активно внедряются инородные элементы, такие как обломки гипсовых изображений, предметы повседневной действительности, фотографии, детали машин. Появляются поп-скульптуры, объекты, ассамбляжи, инсталляции, в которых используются самые  различные материалы, в том числе  и в большом количестве вещи, бывшие в употреблении, то есть содержимое мусорных ящиков, помоек и свалок. Часто  создаются композиции из упаковочного картона, тары потребительских товаров  и тому подобных материалов. Художники  поп-арта не ограничиваются только статическими произведениями, они создают поп-артистские действа, такие как хэппенинги.

1.4 Вывод

В целом поп-арт фактически подвел черту под традиционными  видами изобразительного искусства, доведя их до логического завершения, и  открыл путь принципиально новым  типам художественных практик, осваивающих  самые различные пространства с  помощью всего множества визуально  воспринимаемых форм, предметов и  способов неутилитарной деятельности современного художника. В частности, поп-арт подготовил почву для  концептуализма и постмодернизма. В 1980-е годы ХХ столетия как реакция  на концептуализм и минимализм возникло направление нео-поп-арт. Он не является принципиально новым художественным движением, а скорее представляет собой  эволюцию поп-арта с его интересом  к предметам массового потребления  и знаменитостям мира популярной культуры, только уже с иконами  и символами нового времени.

Одним из самых ярких явлений в искусстве XX в. был поп-арт. Он возник в середине 1950-х гг. в США, а расцвет его  наступил на десять лет позднее. Считается, что поп-арт возник в противовес абстрактному  экспрессионизму, который порвал последние связи с видимой реальностью. Молодые художники стали обвинять его в том, что он сделал искусство утонченным развлечением высших классов, лишенным связи с действительностью. В 1951 г. была издана антология дадаизма, одного из авангардных направлений живописи начала XX в. Методы Дада - коллаж, комбинирование реальных объектов на холсте - вдохновили молодых художников на новое «опредмечивание» живописи и уничтожение границ между искусством и реальностью.

Основоположниками нового течения стали Джаспер  Джонс и Роберт Раушенберг, хотя предпосылки для его возникновения  заложил еще до Первой мировой  войны известный провокатор от искусства  Марсель Дюшан. Современник Пикассо и Малевича, он в свое время продемонстрировал на выставке обычный белый унитаз, который был объявлен «готовым объектом». Именно он может по праву считаться первым объектом поп-арта.

Классики  поп-арта выражали типичные постмодернистские  идеи: отсутствие личностного начала в творчестве, сведение произведения к простой комбинации готовых элементов. Роберт Раушенберг сочетал покрытые масляной краской плоскости и куски фотографий, вырезки из газет и реклам и самые неожиданные предметы. Рой Лихтенштейн делал в огромном увеличении серии картинок наподобие комиксов. Иногда такая картинка была настолько огромна, что воспринималась как абстракция.

Не менее  знаменитым представителем поп-арта стал Клас Ольденбург, прославившийся созданием  предметов, существующих в реальности, но переиначенных им с большой  долей юмора. Еще когда он работал  ночным мойщиком посуды, ему пришла мысль сделать еду произведением  искусства. В 1961 г. он выставил целый ряд гипсовых пирожных, раскрашенных в яркие, сочные краски. В дальнейшем он стал делать огромные, размером с автомобиль, гамбургеры и куски торта, сшитые из плюша и парусины.

Из гипса  сделаны также произведения Джорджа  Сигела - это помещенные среди настоящей мебели белые человеческие фигуры в натуральную  величину - все без исключения дряблые, неуклюжие и некрасивые. Справедливости ради стоит отметить, что подобные произведения отпугивали публику и критиков своей неординарностью и безысходностью.

Творчество  всех этих художников критики единодушно отнесли к поп-арту, хотя сами художники, работавшие в стиле поп-арт, никогда  не объединялись в группу, не сочиняли творческих манифестов. Критики же заговорили о поп-арте благодаря Энди Уорхолу (1928-1987). Признанный король поп-арта, он сделал из себя не просто известного художника, но одну из икон западной массовой культуры XX в.

Энди  Уорхол (настоящее имя - Андрей Вархола) родился и вырос в Питтсбурге в семье бедных эмигрантов из Словакии. Мать Энди, Юлия Вархола, была художницей примитивистского толка. Энди учился в  Технологическом институте Карнеги в Питтсбурге, а в 1949 г. после окончания института переехал с матерью в Нью-Йорк. Здесь он пишет акварели и ищет заказы, создавая торговую рекламу и выполняя коммерческие заказы. Он сотрудничал со многими модными журналами, в том числе «Вог» и «Харпер'с Базар».

В начале 1960-х гг. Уорхол начинает использовать главный прием поп-арта: умножение  образа одного персонажа или предмета, причем заимствованного. В 1963 г. он создает программную черно-белую шелкографию «Тридцать лучше, чем одна» - 30 репродукций Джоконды на одном холсте. Из этого же приема мультипликации вырастает нескончаемая серия шелкографий 1962 г. с изображением долларов. Эти работы имели большой успех у публики, коллекционеры стали жадно раскупать их.

Уорхол  делает серию «портретов замечательных  людей», среди которых наиболее знаменито изображение Мэрилин Монро. Первый ее портрет работы Уорхола был основан на кадре из фильма «Ниагара» 1953 г. Отдельная работа 1962 г. называлась «Губы Мэрилин Монро».

Героями других работ были Элвис Пресли, актер Уоррен Битти, Жаклин Кеннеди (четыре изображения, сделанные из фотографий Жаклин на похоронах мужа, назывались «Джеки»). В 1980-е гг. создается серия «Америка Первая», в которую входят портреты Джона Кеннеди, Ричарда Никсона, Джимми Картера, Мухаммеда Али, опять Жаклин Кеннеди, Элизабет Тэйлор и Элвиса Пресли. Все работы, едва они выходят из студии Уорхола, мгновенно получают статус классических и великих.

Еще большую  известность Уорхолу обеспечила серия «замечательных американских предметов». Среди них - «Три бутылки  кока-колы», своеобразная антиреклама «Тунец - ядовитые рыбные консервы» и другие изображения «символов» Америки. Самый же знаменитый предмет, который Уорхол нашел в море товаров и обессмертил, - банка супа «Кэмибелл». Она изображалась им и отдельно, и группами. Самое раннее концептуальное и крупное из всех изображений - полотно под названием «Campbell's Soup Сап», созданное в 1961-1962 гг. и составленное из 32 рисунков, каждый размером 50,8 х 40,7 см. На каждом рисунке изображена жестяная банка, однако названия не повторялись, а слегка варьировались, демонстрируя весь торговый ассортимент.

Именно  после «суповой» серии модный, но до тех пор еще не знаменитый Уорхол произвел в Нью-Йорке художественный фурор. И именно с этого момента он навсегда стал королем поп-арта - с 1961 г., когда он впервые догадался сделать из банок супа, которыми завалены универсамы, объект искусства.

К 1968 г. Уорхол был уже признанным мастером поп-арта. Его выставки с успехом проходили по всему миру, в Америке не было художника популярнее - за одну из его картин на аукционе заплатили $ 60 тысяч.

Искусство поп-арта тесно переплеталось с  искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Громкие имена художников помогали продавать товар. Энди Уорхол стал кумиром промышленников, ведь именно он в своем творчестве поднял изображение товаров до уровня икон. Подписанные им банки консервов раскупались моментально. Таким образом, поп-арт в Америке органично слился с рекламным бизнесом, который в Соединенных Штатах развился до высот настоящего коммерческого искусства.

В Европе поп-арт еще какое-то время пытался  существовать как чистое искусство. Француз Ив Клайн, совсем не умеющий  рисовать, обливал женщин синей краской и валял их по холсту, выставляя получившиеся картины на выставках. Христо прославился грандиозными проектами упаковки зданий в мешковину. Жан Тэнгли создавал механизмы, которые сами себя разрушали. Но все это тяготело к постмодернизму и концептуализму. Америка же благополучно переварила поп-арт, сделав его одной из составляющих массовой культуры.

Основные  идеи поп-арта сразу были взяты на вооружение разного рода дизайнерами  и изготовителями. Появилась мебель в виде женских тел, обои, состоящие  из долларовых купюр, и прочее. Идея лепить кадры комиксов на майки и  футболки посетила дизайнеров одежды почти сразу же после изобретения  Лихтенштайна. Майки с кадрами  из комиксов можно купить и по сей  день. Они по-прежнему остаются модной вещью.

Промышленные  дизайнеры и художники действовали  здесь в теснейшей взаимосвязи: первые создавали проекты товаров для промышленного производства, вторые делали из них фетиши, ставшие символами общества потребления.

Таким образом, идеи художников поп-арта получили свое воплощение в жизни, ведь все  они пытались работать в «прорыве»  между жизнью и искусством. Они предложили изображать окружающие человека повседневные предметы и технические изделия, примитивные образы национальных фетишей, объекты телевизионной рекламы, современную городскую среду - в надежде сделать искусство понятным широкому зрителю, сделать его популярным. Отсюда и сокращение «поп» в названии направления.

Ковешникова Н.А. Дизайн: история  и теория

Глава 2:Представители  поп-арта

2.1 Роберт Раушенберг

Американской художник, создавший  в 50-х отмеченные влиянием дадаизма коллажи и произведения так называемой «комбинированной живописи», в которых  абстракция объединена с изображением предметов повседневного быта. Благодаря  своему стремлению увязать жизнь  с искусством Раушенберг стал одним  из провозвестников американского  поп-арта.

В первой половине 50-х Раушенберг разработал стиль, типичный для направления  «поп-арт», используя в качестве художественного материала предметы повседневного быта. В рамках своих  произведений «комбинированной живописи»  он объединял предметы, хорошо известные  американскому обществу из рекламы  и средств массовой информации. Это  техника коллажа, объединяющая реалистичные объекты и газетные фотографии в  абстрактные живописные панно. Одной  из наиболее известных картин такого рода (отмеченная влиянием дадаистов  Марселя Дюшампа и Курта Швиттерса) была написанная в 1956 «Кровать»: на полотне  большого формата Раушенберг представил свою кровать вместе с постельными  принадлежностями, забрызганную краской  и поставленную вертикально, как  картина.

В течение 1950-х годов в  работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов  – газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел  животных – до тех пор, пока не достигалось  ощущение, что холст или вся  композиция вот-вот прорвется в  какой-то другой мир, странно искаженную реальность. 

В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные  печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования  современного индустриального общества. В 1980-е были опубликованы несколько  альбомов фотографий Раушенберга, которые  явились логическим завершением  частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением  представления автора о мире как  о нелепом нагромождении образов.

Впервые Раушенберг заставил заговорить о себе после выставки в нью-йоркской галерее Лео Кастелли (1958). В дальнейшем его творчество оказывало большое влияние на развитие поп-арта. В конце 50-х появились  первые так называемые «переводные рисунки»: коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении.

В замысел Раушенберга  входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными  элементами картин. Первый большой  трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (например, парашютист, орел, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х. Одновременно Раушенберг (считавший себя художником-универсалом) экспериментировал с электроникой («Черный рынок», 1961) и занимался  оформлением представлений совместно  с коллегами-художниками. Прорыв на международный уровень произошел  в 1964: Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Правда, такое решение жюри вызвало бурную реакцию — Ватикан высказался об «упадке культуры»; и все же присуждение первого места представителю  поп-арта окончательно утвердило официальное  признание этого направления. Это  признание выгодно сказалось  и на доходах Раушенберга —  цены на его работы подскочили в  несколько раз.

Раушенберг был очень  увлечен иконографией американской массовой культуры. Он отказался от эмоционального стиля абстрактных  экспрессионистов, но не потерял при  этом их экспрессивности, выработав  метод, который использовал -приемы коллажа в сочетании с нетрадиционными  материалами (малярная краска) и необычными техниками, например, рисование автомобильной  шиной после окунания ее в чернила. Раушенберг раздвинул пространство своих коллажей с помощью включения  трехмерных объектов и стал называть их «комбинированными произведениями». Эта революционная техника способствовала развитию современного искусства и  способов творческого выражения. Увлеченность Раушенберга образами массовой культуры и реализованная им эстетика по принципу «все сойдет» оказали огромное влияние  на идеологию поп-арта, состоящую  в имитации массовой культуры в противоположность  более субъективному творчеству Раушенберга.

Для коллажа 1964 г. «Ретроактивность 1» Раушенберг использовал фотографии современных событий, опубликованные в многочисленных газетах и журналах. Большая газетная фотография Джона  Ф. Кеннеди, выступающего на телевизионной  пресс-конференции, была положена в  основу трафаретного оттиска на холсте. Он наложил образ Кеннеди на шелкографическое изображение астронавта, спускающегося  на парашюте. Перекрывающиеся и в  то же время внешне несопоставимые портреты создают цветной визуальный комментарий к пропитанной массовой информацией культуре, пытающейся совладать  с эрой телевидения.

«Раушенберг - это настоящее, это чемпион соревнования сегодняшнего дня. Создатели поп-арта играют роль скорее в социальном плане, чем в  эстетическом. Они не чураются давать публичные выступления на людях. Так, один из них в день вернисажа прогуливался с разрисованным зонтиком, другие одеваются кричаще. Решительно, Дали явился крестным отцом всего этого поколения»[2].

В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением  частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением  представления автора о мире как  о нелепом нагромождении образов. Начиная с 80-х его работы уже  не таят в себе никаких стилистических неожиданностей. Сегодня 10 картин этого  общепризнанного мэтра современного искусства экспонируются в Эрмитаже, будучи подаренными музею самим  художником

1. Введение

2. История зарождения

3. Признаки стиля

4. Творчество Р. Раушенберга

Введение.

ПОП-АРТ (англ pop art, от popular art общедоступное искусство) — направление, сложившееся сначала в модернистском  изобразительном искусстве, а затем  в различных сферах массовой культуры XX в. Поп-арт возник в 50-х годах XX в  в США и Великобритании и окончательно отвоевал себе «место под солнцем» на международной выставке в Венеции (1964 г.), одержав победу над абстракционизмом. Главную премию получил тогда  американский художник Р Раушенберг за «предметную компиляцию» составленную из сочетаний пестрых открыток и  обрывка плаката, вырезок из иллюстрированных журналов и фотографии убитого президента Дж Кеннеди. Представители поп-арта в лице Р. Раушенберга предложили зрителю искусство, оперирующее  привычными предметами, которые, будучи вырваны из обычных связей с окружающими  объектами, предстали в случайных, парадоксальных сочетаниях. «Новая предметность», которую в начале XX в. утверждал  кубизм, возвратилась в предметных компиляциях поп-арта. Обратившись  к миру вещей, созданных массовым промышленным производством, поп-арт  быстро вошел в сферу современной  массовой культуры и соединился с  рекламой, дизайном, оформительским искусством. Англ. pop art, сокращение от popular art - популярное, общедоступное искусство, термин объясняется  также значением звукоподражательного английского "pop" - отрывистый удар, хлопок, шлепок, то есть как искусство, производящее шокирующий эффект).