Русская живопись XIX века

Русская живопись XIX века

Реферат по отечественной  истории выполнил стужент ЭФМ 101 Дорофеев Н.В.

Министерство образования  РФ

Владимирский Государственный  университет

Муромский институт

Факультет радиотехнический

ВВЕДЕНИЕ 

В одном из своих произведений А. И. Герцен писал о русском народе, "мощном и неразгаданном", который "сохранил величавые черты, живой  ум и широкий разгул богатой натуры под гнетом крепостного состояния  и на петровский приказ образовываться ответил через сто лет огромным явлением Пушкина". Конечно, не только А. С. Пушкина имел в виду Герцен. Пушкин стал символом своей эпохи, когда  произошел стремительный взлет  в культурном развитии России. Время  пушкина, первую треть XIX века, не зря  называют "золотым веком" русской  культуры.

Начало XIX века - время культурного  и духовного подъема в России. Если в экономическом и социально-политическом развитии Россия отставала от передовых  европейских государств, то в культурных достижениях она не только шла  вровень с ними, но и часто опережала. Развитие русской культуры в первой половине XIX века опиралось на преобразования предшествующего времени. Проникновение  элементов капиталистических отношений  в экономику усилило потребность  в грамотных и образованных людях. Города стали основными культурными  центрами. Новые социальные слои втягивались  в общественные процессы. Культура развивалась на фоне все возрастающего  национального самосознания русского народа и в связи с этим имела  ярко выраженный национальный характер. Существенное влияние на литературу, театр, музыку, изобразительное искусство  оказала Отечественная война 1812 года, которая в небывалой степени  ускорила рост национального самосознания русского народа, его консолидацию. Произошло сближение с русским  народом других народов России. Однако консервативные тенденции в политике императоров Александра I и Николая I сдерживали развитие культуры. Правительство  активно боролось с проявлениями передовой общественной мысли. Крепостничество не давало возможности пользоваться высокими культурными достижениями всему населению.

Эпоха Освобождения дала сильный  толчок культурному развитию России. Изменения в экономической и  политической жизни после падения  крепостного права создавали  новые условия для развития культуры. Втягивание в рыночные отношения  все более широких слоев крестьянства со всей остротой поставило вопрос о начальном народном образовании. Это вызвало невиданный прежде рост числа сельских и городских школ. Промышленность, транспорт и торговля проявляли все более широкий  спрос на специалистов со средним  и высшим образованием. Значительно  выросли ряды интеллигенции. Ее духовные запросы вызывали рост книгоиздательского дела, подымали тиражи газет и журналов. На этой же волне шло развитие театра, живописи, других искусств. Культура России второй половины XIX - начала XX века впитала  художественные традиции, эстетические и моральные идеалы "золотого века" предшествующего времени. На рубеже веков XIX - XX веков в духовной жизни Европы и России появились  тенденции, связанные с мироощещениями человека XX столетия. Они требовали  нового осмысления социальных и нравственных проблем. Все это приводило к  поиску новых изобразительных методов  и средств. В России сложился своеобразный историко-художественный период, который  его современника назвали "серебреным веком" русской культуры.

Прославление подвига  народа, идея его духовного пробуждения, обличение язв крепостнической  России — таковы главные темы изобразительного искусства 19 века.

О СНОВНАЯ ЧАСТЬ

1 Русская живопись первой  половины XIX века.

Для русского изобразительного искусства были характерны романтизм  и реализм. Однако официально признанным методом был классицизм. Академия художеств стала консервативным и косным учреждением, препятствовавшим любым попыткам свободы творчества. Она требовала строго следовать  канонам классицизма, поощряла написание  картин на библейские и мифологические сюжеты. Молодых талантливых русских  художников не удовлетворяли рамки  академизма. Поэтому они чаще обращались к портретному жанру.

Кипренский Орест Адамович [13 (24) марта 1782, Мыза Нежинская, около  Копорья, ныне в Ленинградской области  — 17 октября 1836, Рим], русский художник. Выдающийся мастер русского изобразительного искусства романтизма, известен как  замечательный портретист. В картине  «Дмитрий Донской на Куликовом поле» (1805, Русский музей) продемонстрировал  уверенное знание канонов академической  исторической картины. Но рано областью, где его талант раскрывается наиболее естественно и непринужденно, становится портрет. Первый его живописный портрет («А. К. Швальбе», 1804, там же), написанный в «рембрандтовской» манере, выделяется своим выразительным и драматичным светотеневым строем. С годами его мастерство, — проявившееся в умении создавать в первую очередь неповторимые индивидуально-характерные образы, подбирая особые пластические средства, чтобы эту характерность оттенить, — крепнет. Впечатляющей жизненности полны: портрет мальчика А. А. Челищева (около 1810-11), парные изображения супругов Ф. В. и Е. П. Ростопчиных (1809) и В. С. и Д. Н. Хвостовых (1814, все — Третьяковская галерея). Художник все чаще обыгрывает возможности цветовых и светотеневых контрастов, пейзажного фона, символических деталей («Е. С. Авдулина», около 1822, там же). Даже большие парадные портреты художник умеет сделать лирически, почти интимно непринужденными («Портрет лейб-гусарского полковника Евграфа Давыдова», 1809, Русский музей). Его портрет молодого, овеянного поэтической славой А.С. Пушкина является одним из лучших в создании романтического образа. У Кипренского Пушкин выглядит торжественно и романтично, в ореоле поэтической славы. «Ты мне льстишь, Орест»,— вздохнул Пушкин, взглянув на готовое полотно. Кипренский был также виртуозным рисовальщиком, создавшим (преимущественно в технике итальянского карандаша и пастели) образцы графического мастерства, зачастую превосходящие открытой, волнующе легкой своей эмоциональностью его живописные портреты. Это и бытовые типажи («Слепой музыкант», 1809, Русский музей; «Калмычка Баяуста», 1813, Третьяковская галерея), и знаменитая серия карандашных портретов участников Отечественной войны 1812 года (рисунки с изображением Е. И. Чаплица, А. Р. Томилова, П. А. Оленина, тот же рисунок с поэтом Батюшковым и др.; 1813-15, Третьяковская галерея и др. собрания); героическое начало здесь приобретает задушевный оттенок. Большое число набросков и текстовые свидетельства показывают, что художник весь свой зрелый период тяготел к созданию большой (по его собственным словам из письма А. Н. Оленину 1834 года), «эффектной, или, по-русски сказать, ударистой и волшебной картины», где в аллегорической форме были бы изображены итоги европейской истории, равно как и предназначение России. «Читатели газет в Неаполе» (1831, Третьяковская галерея) — по виду просто групповой портрет — на деле есть скрытно-символический отклик на революционные события в Европе. Однако наиболее честолюбивые из живописных аллегорий Кипренского остались неосуществленными, либо пропали (подобно «Анакреоновой гробнице», завершенной в 1821). Эти романтические поиски, однако, получили масштабное продолжение в творчестве К. П. Брюллова и А. А. Иванова.

Реалистическую манеру отражали произведения В.А. Тропинина. Ранние портреты Тропинина, написанные в сдержанной красочной гамме (семейные портреты графов Морковых 1813-го и 1815-го годов, оба  — в Третьяковской галерее), еще  всецело принадлежат к традиции века Просвещения: модель является в  них безусловным и стабильным центром образа. Позднее колорит  живописи Тропинина становится интенсивней, объемы обычно лепятся более четко  и скульптурно, но самое главное  — вкрадчиво нарастает чисто  романтическое ощущение подвижной  стихии жизни, лишь частью, фрагментом которой кажется герой портрета («Булахов», 1823; «К. Г. Равич», 1823; автопортрет, около 1824; все три — там же). Таков и А. С. Пушкин на знаменитом портрете 1827 года (Всероссийский музей  А. С. Пушкина, г. Пушкин): поэт, положив  руку на стопку бумаги, как бы «внимает музе», вслушивается в творческую мечту, окружающую образ незримым ореолом. Он тоже написал портрет А.С. Пушкина. Перед зрителем предстает умудренный жизненным опытом, не очень счастливый человек. На портрете Тропинина поэт по-домашнему обаятелен. Каким-то особенным  старомосковским теплом и уютом  веет от работ Тропинина. До 47-летнего  возраста находился он в крепостной неволе. Поэтому, наверное, так свежи, так одухотворены на его полотнах лица простых людей. И бесконечны молодость и очарование его «Кружевницы». Чаще всего В.А. Тропинин обращался к изображению людей из народа ("Кружевница", "Портрет сына" и др.).

Художественные и идейные  искания русской общественной мысли, ожидание перемен отразились в картинах К.П. Брюллова "Последний день Помпеи" и А.А. Иванова "Явление Христа народу".

Великим творением искусства  является картина «Последний день Помпеи»  Карла Павловича Брюллова (1799—1852). В 1830 г. на раскопках античного города Помпеи побывал русский художник Карл Павлович Брюллов. Он гулял по древним мостовым, любовался фресками, и в его воображении вставала та трагическая ночь августа 79 г. н. э., когда город был засыпан  раскаленным пеплом и пемзой проснувшегося  Везувия. Через три года картина  «Последний день Помпеи» совершила  триумфальное путешествие из Италии в Россию. Художник нашел изумительные краски для изображения трагедии древнего города, погибающего под  лавой и пеплом извергающегося Везувия. Картина проникнута высокими гуманистическими идеалами. Она показывает мужество людей, их самоотверженность, проявленные  во время страшной катастрофы. Брюллов  был в Италии по командировке Академии художеств. В этом учебном заведении  было хорошо поставлено обучение технике  живописи и рисунка. Однако Академия однозначно ориентировалась на античное наследие и героическую тематику. Для академической живописи были характерны декоративный пейзаж, театральность  общей композиции. Сцены из современной  жизни, обычный русский пейзаж считались  недостойными кисти художника. Классицизм в живописи получил название академизма. Брюллов был связан с Академией  всем своим творчеством.

Он обладал могучим  воображением, зорким глазом и верной рукой — и у него рождались  живые творения, согласованные с  канонами академизма. Поистине с пушкинским изяществом он умел запечатлеть на холсте и красоту обнаженного  человеческого тела, и дрожание солнечного луча на зеленом листе. Немеркнущими шедеврами русской живописи навсегда останутся его полотна «Всадница», «Вирсавия», «Итальянское утро», «Итальянский полдень», многочисленные парадные и  интимные портреты. Однако художник всегда тяготел к большим историческим темам, к изображению значительных событий человеческой истории. Многие его замыслы в этом плане не были осуществлены. Никогда не покидала Брюллова мысль создать эпическое  полотно на сюжет из русской истории. Он начинает картину «Осада Пскова войсками короля Стефана Батория». На ней изображен кульминационный  момент осады 1581 г., когда псковские  ратники и. горожане кидаются в атаку  на прорвавшихся в город поляков  и отбрасывают их за стены. Но картина  осталась неоконченной, и задача создания подлинно национальных исторических картин была осуществлена не Брюлловым, а следующим  поколением русских художников. Одногодок  Пушкина, Брюллов пережил его  на 15 лет. Последние годы он болел. С  автопортрета, написанного в ту пору, на нас смотрит рыжеватый человек  с тонкими чертами лица и спокойным, задумчивым взором.

В первой половине XIX в. жил  и творил художник Александр Андреевич  Иванов (1806—1858). Всю свою творческую жизнь он посвятил идее духовного  пробуждения народа, воплотив ее в  картине «Явление Христа народу». Более 20 лет работал он над картиной «Явление Христа народу», в которую  вложил всю мощь и яркость своего таланта. На переднем плане его грандиозного полотна в глаза бросается  мужественная фигура Иоанна Крестителя, указывающего народу на приближающегося  Христа. Его фигура дана в отдалении. Он еще не пришел, он идет, он обязательно  придет, говорит художник. И светлеют, очищаются лица и души тех, кто  ожидает Спасителя. В этой картине  он  показал,  как  говорил  позднее  И.  Е.  Репин,  «угнетенный народ, жаждующий слова свободы».

В первой половине XIX в. в русскую  живопись входит бытовой сюжет. Одним  из первых к нему обратился Алексей  Гаврилович Венецианов (1780—1847). Он посвятил свое творчество изображению жизни  крестьян. Эту жизнь он показывает в идеализированном, приукрашенном  виде, отдавая дань модному тогда  сентиментализму. Однако картины Венецианова  «Гумно», «На жатве. Лето», «На пашне. Весна», «Крестьянка с васильками», "Захарка", "Утро помещицы" отображая  красоту и благородство простых  русских людей, служили утверждению  достоинства человека вне зависимости  от его социального положения.

Его традиции продолжил Павла  Андреевича Федотов (1815—1852). Его полотна  реалистичны, наполнены сатирическим содержанием, разоблачающим торгашескую  мораль, быт и нравы верхушки общества ("Сватовство майора", "Свежий кавалер" и др.). Свой путь художника-сатирика он начинал будучи офицером-гвардейцем. Тогда он делал веселые, озорные  зарисовки армейского быта. В 1848 г. на академической выставке была представлена его картина «Свежий кавалер». Это была дерзкая насмешка не только над тупым, самодовольным чиновничеством, но и над академическими традициями. Грязный халат, в который облачился  главный герой картины, очень  уж напоминал античную тогу. Брюллов  долго стоял перед полотном, а  потом сказал автору полушутя полусерьезно: «Поздравляю вас, вы победили меня». Комедийно-сатирический характер носят  и другие картины Федотова («Завтрак аристократа», «Сватовство майора»). Последние его картины очень  печальны («Анкор, еще анкор!», «Вдовушка»). Современники справедливо сравнивали П.А. Федотова в живописи с Н.В. Гоголем  в литературе. Обличение язв крепостнической  России — основная тема творчества Павла Андреевича Федотова.

2 Русская живопись второй  половины XIX века.

Вторая половина XIX в. ознаменовалась расцветом русского изобразительного искусства. Оно стало подлинно великим  искусством, было проникнуто пафосом  освободительной борьбы народа, откликалось  на запросы жизни и активно  вторгалось в жизнь. В изобразительном  искусстве окончательно утвердился реализм — правдивое и всестороннее отражение жизни народа, стремление перестроить эту жизнь на началах  равенства и справедливости.

Центральной темой искусства  стал народ, не только угнетенный и  страдающий, но и народ — творец истории, народ-борец, созидатель всего  лучшего, что есть в жизни.

Утверждение реализма в искусстве  проходило в упорной борьбе с  официальным направлением, представителем которого было руководство Академии художеств. Деятели академии внушали  своим ученикам идеи о том, что  искусство выше жизни, выдвигали  лишь библейскую и мифологическую тематику для творчества художников.

9 ноября 1863 г. большая группа  выпускников Академии художеств  отказалась писать конкурсные  работы на предложенную тему  из скандинавской мифологии и  покинула Академию. Во главе бунтарей  стоял Иван Николаевич Крамской (1837—1887). Они объединились в артель  и стали жить коммуной. Через  семь лет она распалась, но  к этому времени зародилось  «Товарищество передвижных художественных  выставок», профессионально-коммерческое  объединение художников, стоявших  на близких идейных позициях.

«Передвижники» были едины  в своем неприятии «академизма» с его мифологией, декоративными  пейзажами и напыщенной театральностью. Они хотели изображать живую жизнь. Ведущее место в их творчестве заняли жанровые (бытовые) сцены. Особой симпатией «передвижников» пользовалось крестьянство. Они показывали его  нужду, страдания, угнетенное положение. В ту пору — в 60—70-е гг. XIX в.—  идейная сторона искусства ценилась выше, чем эстетическая. Лишь со временем художники вспомнили о самоценности живописи.

Пожалуй, самую большую  дань идейности отдал Василий  Григорьевич Перов (1834—1882). В своих  произведениях Перов страстно обличает существующий строй, с большим мастерством  и убедительностью показывает тяжелую  долю народа. В картине «Сельский  крестный ход на пасху» художник показал  русскую деревню в праздничный  день, нищету, беспробудное пьянство, сатирически  изобразил сельское духовенство. Поражает своим драматизмом, безысходной  скорбью одна из лучших картин Перова — «Проводы покойника», которая  рассказывает о трагической судьбе семьи, оставшейся без кормильца. Большой  известностью пользуются его картины  «Последний кабак у заставы», «Старики-родители на могиле сына». Тонким юмором и лиризмом, любовью к природе проникнуты картины «Охотники на привале», «Рыболов». Его творчество пронизано любовью  к народу, стремлением осмыслить  явления жизни и языком искусства  правдиво рассказать о них. Картины  Перова принадлежат к лучшим образцам русского искусства. Его творчество как бы перекликается с поэзией  Некрасова, с произведениями Островского, Тургенева. Достаточно вспомнить такие  его картины, как «Приезд станового  на следствие», «Чаепитие в Мытищах». Некоторые работы Перова проникнуты подлинным трагизмом («Тройка», «Старики-родители на могиле сына»). Кисти Перова принадлежит  ряд портретов его знаменитых современников (Островского, Тургенева, Достоевского).

Некоторые полотна «передвижников», писанные с натуры или под впечатлением от реальных сцен, обогатили наши представления  о крестьянской жизни. В картине  С. А. Коровина «На миру» показана стычка на сельском сходе между богачом  и бедняком. В. М. Максимов запечатлел ярость, слезы и горе семейного  раздела. Торжественная праздничность  крестьянского труда отражена в  картине Г. Г. Мясоедова «Косцы».

Идейным вождем Товарищества передвижных выставок был Иван Николаевич Крамской (1837—1887)—замечательный художник и теоретик искусства. Крамской боролся  против так называемого «чистого искусства». Он призывал художника  быть человеком и гражданином, своим  творчеством бороться за высокие  общественные идеалы. В творчестве Крамского главное место занимала портретная живопись. Крамской создал целую галерею замечательных  портретов русских писателей, художников, общественных деятелей: Толстого, Салтыкова-Щедрина, Некрасова, Шишкина и других. Ему  принадлежит один из лучших портретов  Льва Толстого. Пристальный взгляд писателя не оставляет зрителя, с  какой бы точки он ни смотрел на полотно. Одно из наиболее сильных произведений Крамского — картина «Христос в пустыне».

 «Передвижники» совершили  подлинные открытия в пейзажной  живописи. Алексей Кондратьевич  Саврасов (1830—1897) сумел показать  красоту и тонкий лиризм простого  русского пейзажа. В 1871 мастер  создает ряд лучших своих работ  («Печерский монастырь под Нижним  Новгородом», Нижегородский художественный  музей; «Разлив Волги под Ярославлем»,  Русский музей), в т. ч. знаменитую  картину «Грачи прилетели» (Третьяковская  галерея), ставшую самым популярным  русским пейзажем, своего рода  живописным символом России. Этюдная  работа над «Грачами» шла в  марте, в с. Молвитино (ныне  Сусанино) Буйского уезда Костромской  губернии. Талый снег, весенние грачи  на березках, серо-голубое, блеклое  небо, темные избы и древняя  церквушка на фоне стылых дальних  лугов, — все сплавилось в  образ удивительного поэтического  обаяния. Картине свойственен  поистине волшебный эффект узнаваемости, «уже виденного» (deja-vue, говоря языком  психологии) — причем не только  где-то близ Волги, где писались  «Грачи», а чуть ли не в  любом уголке страны. Здесь «настроение»  —как особое созерцательное пространство, объединяющее картину со зрителем  — окончательно превращается  в совершенно особый компонент  образа; это метко фиксирует И.  Н. Крамской, когда пишет (в  письме к Ф. А. Васильеву, 1871), касаясь других пейзажей на  выставке: «все это деревья, вода  и даже воздух, а душа есть  только в «Грачах». Незримо зримая  «душа», настроение животворит и  последующие вещи Саврасова: замечательные  московские пейзажи, органично  сочетающие бытовую простоту  переднего плана с величавыми  далями («Сухарева башня», 1872, Исторический  музей, Москва; «Вид на Московский  Кремль, Весна», 1873, Русский музей), виртуозный  по передаче влаги и светотени  «Проселок» (1873, Третьяковская галерея), сентиментальную «Могилу над  Волгой» (1874, Алтайский краевой  музей изобразительных искусств, Барнаул), светозарную «Радугу» (1875, Русский музей), меланхолическую  картину «Зимний пейзаж. Иней»  (1876-77, Воронежский музей изобразительных  искусств). В поздний период мастерство  Саврасова резко слабеет. Житейски  опустившись, страдая алкоголизмом, он живет за счет копий со  своих лучших работ, прежде  всего с «Грачей».

Федор Александрович Васильев (1850—1873) прожил короткую жизнь. Его  творчество, оборвавшееся в самом  начале, обогатило отечественную  живопись рядом динамичных, волнующих  пейзажей. Художнику особенно удавались  переходные состояния в природе: от солнца к дождю, от затишья к  буре. Выходец из семьи почтового  служащего, учился в Рисовальной  школе Общества поощрения художеств, а также в 1871 в Академии художеств; в 1866-67 работал под руководством И. И. Шишкина. Выдающийся талант Васильева  сложился рано и мощно в картинах, впечатляющих зрителя своим психологическим  драматизмом. Замечательной «поэзией при натуральности впечатления» (по словам И. Н. Крамского, близкого друга  Васильева, о коренном свойстве его  творчества в целом) проникнута уже  картина «Перед дождем» (1869, Третьяковская  галерея). В 1870 путешествовал по Волге  вместе с И. Е. Репиным, в результате появилась картина «Вид на Волге. Баржи» (1870, Русский музей) и другие работы, отмеченные тонкостью световоздушных эффектов, мастерством передачи речной и воздушной влаги. Но не во внешних  эффектах здесь суть. В произведениях  Васильева природа, словно откликаясь на движения человеческой души, в полном смысле психологизируется, выражая  сложную гамму чувств между отчаянием, надеждой и тихой грустью. Наиболее известны картины «Оттепель» (1871) и  «Мокрый луг» (1872; обе в Третьяковской  галерее), где постоянный интерес  художника к переходным, неопределенно-зыбким состояниям натуры претворяется в образы озарения сквозь меланхолическую мглу. Это — своего рода натурные сны  о России, выдерживающие сопоставление  с пейзажными мотивами И. С. Тургенева  или А. А. Фета. Художник (судя по его  переписке с Крамским) мечтает  о создании каких-то невиданных произведений, о символических пейзажах-откровениях, которые могли бы исцелить человечество, отягощенное «преступными замыслами». Но дни его уже сочтены. Заболев  туберкулезом, он переселяется в 1871 в  Ялту. Роковая болезнь, сливаясь с  впечатлениями от южной природы, которая предстает у него не праздничной, но отчужденно-тревожной, придает его  живописи еще большую драматическую  напряженность. Тревожно и сумрачно самое значительное его полотно  этого периода — «В Крымских горах» (1873, Третьяковская галерея). Тонущая  в дымке, написанная в мрачных  коричневато-серых тонах горная дорога обретает тут потусторонний  оттенок, подобие безысходной дороги в никуда. Влияние искусства Васильева, усиленное трагизмом его ранней кончины, было весьма значительным. Романтическая  традиция, окончательно отрешаясь от представлений о пейзаже как  декоративном зрелище, достигла в его  работах особой духовной содержательности, предвещающей искусство символизма и модерна, пейзаж чеховско-левитановской  поры.

Творчество Виктора Михайловича  Васнецова (1848—1926) тесно связано  с русскими народными сказками, былинами, сюжеты которых он брал за основу своих  картин. Его лучшее произведение —  «Три богатыря». Перед зрителем любимые  герои русского былинного эпоса  — богатыри, защитники русской  земли и родного народа от многочисленных врагов.

Певцом русского леса, эпической  широты русской природы стал Иван Иванович Шишкин (1832—1898). Архипа Ивановича  Куинджи (1841 —1910) привлекала живописная игра света и воздуха. Таинственный свет луны в редких облаках, красные  отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые утренние лучи, пробившиеся  сквозь туман и играющие в лужицах  на раскисшей дороге,— эти и  многие другие живописные открытия запечатлены  на его полотнах. Для ранних работ  Шишкина («Вид на острове Валааме», 1858, Киевский музей русского искусства; «Рубка леса», 1867, Третьяковская галерея) характерна некоторая дробность форм; придерживаясь традиционного для романтизма «кулисного» построения картины, четко размечая планы, он не достигает еще убедительного единства образа. В таких картинах, как «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869, там же), это единство предстает уже очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и свето-воздушно-колористической координации зон неба и земли, почвы (последнюю Шишкин чувствовал особенно проникновенно, в этом отношении не имея себе равных в русском пейзажном искусстве).

В 1870-е гг. мастер входит в  пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины  «Сосновый бор. Мачтовый лес в  Вятской губернии» (1872) и «Рожь» (1878; обе — Третьяковская галерея). Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует  ее высший летний расцвет, достигая впечатляющего  тонального единства именно за счет яркого, полуденного, летнего света, определяющего  всю колористическую шкалу. Монументально-романтический  образ Природы с большой буквы  неизменно присутствует в картинах. Новые же, реалистические веяния, проступают в том проникновенном внимании, с  которым выписываются приметы конкретного  куска земли, уголка леса или поля, конкретного дерева. Шишкин — замечательный  поэт не только почвы, но и дерева, тонко  чувствующий характер каждой породы [в наиболее типических своих записях  он обычно поминает не просто «лес», но лес из «осокорея, вязов и частью дубов» (дневник 1861 года) или «лес еловый, сосновый, осина, береза, липа» (из письма И. В. Волковскому, 1888)]. С особой охотой художник пишет породы самые мощные и крепкие типа дубов и сосен  — в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в буреломе. Классические произведения Шишкина — такие, как  «Рожь» или «Среди долины ровныя...» (картина названа по песне А. Ф. Мерзлякова; 1883, Киевский музей русского искусства), «Лесные дали» (1884, Третьяковская  галерея) — воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Художнику  одинаково удаются и далевые  виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещенные солнцем», 1886; «Утро в  сосновом лесу» где медведи написаны К. А. Савицким, 1889; обе — там же). Самостоятельную ценность имеют  его рисунки и этюды, представляющие собой детализованный дневник природной  жизни. Плодотворно работал также  в области офорта. Печатая свои тонко нюансированные пейзажные  офорты в разных состояниях, издавая  их в виде альбомов, Шишкин мощно  активизировал интерес к этому  виду искусства. Педагогической деятельностью  занимался мало (в частности, руководил  пейзажной мастерской Академии художеств  в 1894-95), но имел в числе своих учеников таких художников, как Ф. А. Васильев и Г. И. Чорос-Гуркин. Его образы, несмотря на свою «объективность» и принципиальное отсутствие психологизма, свойственного  «пейзажу настроения» саврасовско-левитановского типа, всегда имели большой поэтический  резонанс (недаром Шишкин принадлежал  к числу любимейших художников А. А. Блока). В Елабуге открыт дом-музей  художника.

К концу XIX в. влияние передвижников  упало. В изобразительном искусстве  появились новые направления. Портреты кисти В.А. Серова и пейзажи И.И. Левитана были созвучны с французской  школой импрессионизма. Часть художников сочетала русские художественные традиции с новыми изобразительными формами (М.А. Врубель, Б.М. Кустодиев, ИЛ. Билибин  и др.).

Своей вершины русская  пейзажная живопись XIX в. достигла в  творчестве ученика Саврасова Исаака Ильича Левитана (1860—1900). Левитан —  мастер спокойных, тихих пейзажей. Человек  очень робкий, стеснительный и  ранимый, он умел отдыхать только наедине  с природой, проникаясь настроением  полюбившегося пейзажа.

Однажды приехал он на Волгу  писать солнце, воздух и речные просторы. Но солнца не было, по небу ползли бесконечные  тучи, не прекращались унылые дожди. Художник нервничал, пока не втянулся в эту  погоду и не обнаружил особую прелесть сизо-сиреневых красок русского ненастья. С той поры Верхняя Волга, заштатный  городок Плес прочно вошли в его  творчество. В тех краях он создал свои «дождливые» работы: «После дождя», «Хмурый день», «Над вечным покоем». Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: «Вечер на Волге», «Вечер. Золотой плес», «Вечерний звон», «Тихая обитель».

В последние годы жизни  Левитан обратил внимание на творчество французских художников-импрессионистов (Э. Мане, К. Моне, К. Писарро). Он понял, что  у него с ними много общего, что  их творческие поиски шли в том  же направлении. Как и они, он предпочитал  работать не в мастерской, а на воздухе (на пленэре, как говорят художники). Как и они, он высветлил палитру, изгнав темные, землистые краски. Как  и они, он стремился запечатлеть  мимолетность бытия, передать движения света и воздуха. В этом они  пошли дальше его, но почти растворили в световоздушных потоках объемные формы (дома, деревья). Он избежал этого.

«Картины Левитана требуют  медленного рассматривания,— писал  большой знаток его творчества К. Г. Паустовский.— Они не ошеломляют глаз. Они скромны и точны, подобно  чеховским рассказам, но чем дольше вглядываешься в них, тем все  милее становится тишина провинциальных посадов, знакомых рек и проселков».

На вторую половину XIX в. приходится творческий расцвет И. Е. Репина, В. И. Сурикова и В. А. Серова.

Илья Ефимович Репин (1844—1930) родился в г. Чугуеве, в семье  военного поселенца. Ему удалось  поступить в Академию художеств, где его учителем стал П. П. Чистяков, воспитавший целую плеяду знаменитых художников (В. И. Сурикова, В. М. Васнецова, М.А.Врубеля, В.А.Серова). Многому научился Репин также у Крамского. В 1870 г. молодой художник совершил путешествие  по Волге. Многочисленные этюды, привезенные  из путешествия, он использовал для  картины «Бурлаки на Волге» (1872). Она  произвела сильное впечатление  на общественность. Автор сразу выдвинулся в ряды самых известных мастеров. Критикуя сторонников «чистого искусства», он писал: «Окружающая жизнь меня слишком волнует, не дает покоя, сама просится на холст; действительность слишком  возмутительна, чтобы со спокойной  совестью вышивать узоры,— предоставим  это благовоспитанным барышням». Репин  стал знаменем передвижников, их гордостью  и славой.

Репин был очень разносторонним художником. И. Е. Репин был замечательным  мастером во всех жанрах живописи и  в каждом сказал свое новое слово. Центральная тема его творчества — жизнь народа во всех ее проявлениях. Он показал народ в труде, в  борьбе, прославил борцов за свободу  народа. Его кисти принадлежит  ряд монументальных жанровых полотен. Лучшим произведением Репина в 70-е  годы была картина «Бурлаки на Волге». Картина была воспринята как событие  художественной жизни России, она  стала символом нового направления  в изобразительном искусстве. Репин  писал, что «судья теперь мужик, а  потому надо воспроизводить его интересы». Пожалуй, не меньшее впечатление, чем  «Бурлаки», производит «Крестный ход  в Курской губернии». Яркое голубое  небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов  и облачений, полиция, простой народ  и калеки — все уместилось на этом полотне: величие, сила, немощь и  боль России.

Во многих картинах Репина затрагивалась революционная тематика («Отказ от исповеди», «Не ждали», «Арест пропагандиста»). Революционеры на его картинах держатся просто и естественно, чуждаясь театральных поз и жестов. На картине «Отказ от исповеди» приговоренный  к смерти словно бы нарочно спрятал  руки в рукава. Художник явно сочувствовал героям своих картин.

Ряд репинских полотен  написан на исторические темы («Иван  Грозный и его сын Иван», «Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану» и др.). Репин создал целую галерею  портретов ученых (Пирогова, Сеченова), писателей (Толстого, Тургенева, Гаршина), композиторов (Глинки, Мусоргского), художников (Крамского, Сурикова). В начале XX в. он получил заказ на картину «Торжественное заседание Государственного совета». Художнику удалось не только композиционно  разместить на полотне такое большое  число присутствующих, но и дать психологическую характеристику многим их них. Среди них были такие известные  деятели, как С. Ю. Витте, К. П. Победоносцев, П. П. Семенов-Тян-Шанский. Малозаметен  на картине, но очень тонко выписан  Николай II.

Василий Иванович Суриков (1848—1916) родился в Красноярске, в казачьей семье. Расцвет его творчества приходится на 80-е гг., когда он создал три  самые знаменитые свои исторические картины: «Утро стрелецкой казни», «Меншиков  в Березове» и «Боярыня Морозова». Его произведения «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Березове», «Боярыня Морозова», «Покорение Сибири Ермаком  Тимофеевичем», «Степан Разин», «Переход Суворова через Альпы» — вершина  русской и мировой исторической живописи. Величие русского народа, его красота, несгибаемая воля, его  трудная и сложная судьба —  вот то, что вдохновляло художника.