Живопись. 2

Содержание:

1.      Введение                                                                           стр. 2

2.      Живопись «Эпохи Возрождения» в Италии             стр. 3

3.      «Возрождение» в Нидерландах                                   стр. 13

4.      Сравнительная характеристика искусства Возрождения в Италии и Нидерландах                                                               стр. 17

     5.  Заключение                                                                     стр. 18

     6. Фотогалерея                                                                    стр. 19

7. Список использованной литературы                        стр. 26

1.      Введение

  То, что принято называть Возрождением, было утверждением преемственности великой античной культуры, утверждением новых идеалов. В эпоху Возрождения возникло экспериментальное естествознание, произошло открытие и изучение памятников античной культуры, развивались искусства и светское мировоззрение, ослабившие духовный диктат церкви, возникли литературы на новых современных языках и появился профессиональный театр.

  Изменения коснулись всех сторон духовной жизни. Эти явления казались возрождением науки, философии, литературы и искусства, существовавших в античном мире, особенно у греков. Сам термин «Возрождение» возник как следствие убеждения, что только через возрождение античной культуры после тяжкого средневековья можно прийти к истинному познанию и изображению самой природы.

  Искусство становится неотъемлемой частью общественной жизни. В эпоху Средневековья художник считался ремесленником, его место было на низших ступенях социальной иерархии, а личность стушевывалась перед заказчиком. Во времена Возрождения, когда человеческая личность была высоко вознесена во всеобщем сознании, творческая индивидуальность художника стала привлекать внимание всех, кто интересовался его творчеством.

  Культура Возрождения нашла свое выражение, прежде всего в произведениях итальянских живописцев, скульпторов, поэтов. Но в отличие от идеалов античного мира, где человек представляется игрушкой рока, они возвеличивают человека, считают его властелином своей судьбы, отдают должное его личным качествам  и воле. В этом заключается основное величие эпохи Возрождения, совершившей переворот в сознании людей.

  Почему же данная эпоха даже в нашем веке, веке новых технологий, компьютерного безумия, пользуется уважением, почтением и имеет почитателей даже среди молодежи? В чем значимость Возрождения как такового?  Дело в том, что после длительной и в чем-то достаточно унылой эпохи Средневековья, искусству нужен был глоток свежего воздуха. Нельзя сказать, что в Средневековье произошел упадок культуры. Все шло должным образом, именно поэтому своевременно Возрождение хлынуло ярым потоком и общество полностью окунулось в данную культуру.

  Сила воли, духа, свобода личности – все это заворожило Европу. Ведь эта эпоха была открытием такого термина как «чувство воли в человеке», борьба за идею стать «высшим человеком» (в духовном плане). Позднее данную точку зрения стали рассматривать многие философы в своих работах. Особенно четко можно наблюдать этот термин у таких немецких мыслителей как Шопенгауэр и Ницше. Таким образом, можно сделать вывод, что Возрождение повлияло на дальнейшее развитие искусства во всех направлениях.

  Особое явление составила эпоха Ренессанса в Италии, по той причине, что эта страна всегда отличалась силой духа и эмоциональностью своих жителей. Живопись вышла на новый уровень, настолько высокий и почетный, что до сих пор творения эти ничем нельзя затмить, и они занимают почетное место в сердце у каждого любителя искусства.   

1.        Живопись «Эпохи Возрождения» в Италии

  С классической полнотой Возрождение реализовалось в Италии. Итальянское Средневековье, готика знала и историю, и поэзию, и философию. Однако Возрождение внесло новые эстетические идеалы, новые сюжеты. Эпоха пронизана гуманизмом, ею правит мечта о новом, о более развитом обществе. 

  Внутри этого периода Возрождение подразделяется на несколько этапов:

1.       Проторенессанс, частично совпадающий с периодом Дученто (13 век) и Треченто (вторая половина 13 – начало 14 века).

2.       Раннее Возрождение (Кватроченто -15 век).

3.       Высокий Ренессанс (Чинквеченто – конец 15 – первая треть 16 века).

Картина развития итальянской ренессансной культуры очень пестра, вследствие разного уровня экономического и политического развития городов Италии. Хотя, на мой взгляд, пестрота здесь сыграла только положительную роль.

  Первые предвестники искусства Возрождения появились в Италии в XIV веке.

Художники этого времени, Пьетро Каваллини (1259—1344), Джотто (1267—1337), Симоне Мартини (1284—1344), рисуя картины традиционной религиозной тематики, и отталкиваясь от традиции интернациональной готики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными.

Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

  Среди живописцев Возрождения нельзя не выделить таких гениев, как Мазаччо, Джованни Беллини, Боттичелли, Доменико Гирландайо, Антонелло де Мессина. Они создали пластически цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира, распространившуюся постепенно по всей Италии.

  Сандро Боттичелли (1445 - 1510) — прозвание флорентийского художника Алессандро ди Мариано Ванни Филипепи, который привёл искусство кватроченто на порог Высокого Возрождения.

Глубоко религиозный человек, Боттичелли работал во всех крупных храмах Флоренции и в Сикстинской капелле Ватикана, однако в истории искусства остался в первую очередь как автор крупноформатных поэтичных полотен на сюжеты, вдохновлённые классической античностью, — «Весна» и «Рождение Венеры».

Долгое время Боттичелли находился в тени работавших после него гигантов Возрождения, пока не был в середине XIX века переоткрыт британскими прерафаэлитами, которые почитали хрупкую линеарность и весеннюю свежесть его зрелых полотен за высшую точку в развитии мирового искусства.

Родился в семье зажиточного горожанина Мариано ди Ванни Филипепи. Получил хорошее образование. Прозвище Botticelli («бочонок») перешло к Сандро от его брата-маклера, который был толстяком. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую.

Тонкость и точность линий он перенял у второго своего брата, который был ювелиром. Некоторое время учился вместе с Леонардо да Винчи в мастерской Вероккио. Оригинальная же черта собственного таланта Боттичелли состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами. Особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают её дождем из роз, и гонят раковину к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают начатые им в 1474 году фрески в Сикстинской капелле Ватикана. Предположительно Боттичелли был приверженцем Савонаролы. Согласно преданию, уже в старческом возрасте он сжёг свою юношескую картину на костре тщеславия. «Рождение Венеры» стало последней такой картиной. Усердно изучал Данте; плодом этого изучения явились гравюры на меди, приложенные к вышедшему в свет во Флоренции в 1481 году изданию дантова «Ада» (издание Магны).

Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности, расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. В 1470-1480-х гг. портрет становится самостоятельным жанром в творчестве Боттичелли («Человек с медалью», около 1474; «Юноша», 1480-е гг.). Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489—1490), «Покинутая» (1495—1500) и т. д. В последние годы своей жизни Боттичелли, по всей видимости, оставил живопись.

В 1504 году художник участвовал в комиссии, определявшей место для установки статуи Давида работы Микеланджело, однако его предложение не было принято. Известно, что у семьи художника был дом в квартале Санта Мария Новелла и доход от виллы в Бельсгуардо. Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти. Согласно завещанию, его похоронили вблизи могилы Симонетты Веспуччи, вдохновившей самые прекрасные образы мастера.

Мазаччо знаменитый итальянский живописец. Стоит выделить тот факт, что он один из немногих представителей 14-15 века (Кватроченто), кого до сих пор ценители живописи почитают и любят.

В своих картинах Мазаччо старался изображать фигуры с возможно большей живостью и реалистичностью. По тем временам это считалось совершенно новым подходом. Он был очень усерден в своей работе и не выбирал простых перспектив, напротив, стараясь показать изображение во всем объеме, в необычном ракурсе. Так, на одной из картин изображены прекрасные здания с такой перспективы, что виден не только их экстерьер, но интерьер, т.к. они изображены не спереди, а с угла. Так же, он в большей степени, чем другие мастера, старался изображать обнаженные тела, и мало применявшееся до него сокращение фигур, визуально компенсирующееся с точки зрения наблюдателя.

  Мазаччо приписываются композиции «Изгнание из рая», «Крещение Пером неофитов», «Апостол Петр, исцеляющий больных своей тенью», « Апостол Петр, распределяющий имущество общины между бедными», и др., а также фрагменты фресок «Исцеление калеки» и «Воскрешение Теофила».

  Мазаччо скончался, перед тем как преступить к работе над фреской «Голгофа» во второй половине 1428 года. Предполагают, что он был отравлен.

  Несмотря на небольшую продолжительность своей жизни, он показал себя первостепенным мастером, значительно продвинул итальянскую живопись и  оставил в своих произведениях образцы, по которым учились позднее Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело.

    Так как Мазаччо был приверженцем венецианской школы, нельзя не упомянуть обо всех ведущих итальянских школах.

Ведущие художественные школы Италии:

- в 14 веке сиенская и флорентийская

- в 15 веке флорентийская, умбрийская, венецианская и падуанская

- в 16 веке римская и венецианская

Однако выделить из них особенно стоит две основополагающие школы – Венецианскую и Флорентийскую.

Венецианская школа.

Венецианская школа, одна из основных школ живописи в Италии с центром в городе Венеция (отчасти также в небольших городах Террафермы – областей материка, прилегающих к Венеции). Для данной школы характерны преобладание живописного начала, особое внимание к проблемам колорита, стремление к воплощению чувственной полноты и красочности бытия. Тесно связанная со странами Западной Европы и Востока, Венеция черпала в иноземной культуре все то, что могло служить ее украшению: нарядность и золотой блеск византийских мозаик, каменную антуражность мавританских сооружений, фантастичность храмов готики. При этом здесь был выработан свой оригинальный стиль в искусстве, тяготеющий к парадной красочности. Венецианскую школу характеризует светское, жизнеутверждающее начало, поэтическое восприятие мира, человека и природы, тонкий колоризм. Наибольшего расцвета школа достигла в эпоху Раннего и Высокого Возрождения: в творчестве Антонелло да Мессина, открывшего для современников выразительные возможности масляной живописи, создателей идеально  гармонических образов – Джованни Беллини и Джорджоне, величайшего колориста Тициана, воплотившего в своих полотнах присущие венецианской живописи жизнерадостность и красочное полнокровие.

  Нельзя не рассказать более подробно о некоторых  ярчайших представителях Венецианской школы. Конечно, всех кто этого заслужил перечислять достаточно долго, поэтому я не буду сильно углубляться, а приступлю ближе к краткой биографии живописцев:

  Антонелло де Мессина (1429 – 1479) – итальянский художник, представитель южной школы живописи эпохи раннего Возрождения. Родился в городе Мессина в Сицилии в 1429 году (некоторые полагают, что возможно дата рождения состоялась на год или два позднее).  Около1450 года переехал в Неаполь. В начале пребывания в городе стал учиться у Колантонио – живописца, связанного с нидерландской традицией. В 1475-1476 гг. Мессина посетил Венецию, где получал и выполнял заказы, подружился с другими художниками, особенно с Джованни Беллини, перенявшими у него в известной мере живописную технику.

  Зрелое творчество Антонелло де Мессина представляет собой сплав итальянских и нидерландских элементов. Он одним из первых в Италии стал работать в технике чистой масляной живописи, во многом заимствуя ее у Ван Эйка.

  Стиль художника характеризуется высоким уровнем технической виртуозности, тщательной проработкой деталей и интересом к монументализму форм и глубине фона, свойственным итальянской школе.

  На картине «Мертвый Христос, поддерживаемый ангелами» фигуры отчетливо вырисовываются на озаренном светлом фоне, где смутно различается Мессина, родной город художника. Иконография и эмоциональная трактовка темы связаны с творчеством Беллини.

  Написанные им в Венеции картины принадлежат к числу лучших. «Распятия» (1475г) говорит о нидерландской выучке художника.

  Его портретное искусство оставило глубокий след в венецианской живописи конца 15 века – начала 16 века. Умер, в родной Мессине, в 1479 году.

В работах мастеров Венецианской школы 2-ой половины 16 столетия виртуозность в передаче многоцветия мира, любовь к праздничным зрелищам и многоликой толпе соседствует с явным и скрытым драматизмом, тревожным ощущением динамики и беспредельности мироздания (живопись Тициана, Пауло Веронезе и Якопо Тинторетто). Но эти живописцы относятся к периоду Высокого Ренессанса, и о них стоит упомянуть несколько подробнее в дальнейшем. Сейчас же, думаю, стоит сказать пару слов о Флорентийской школе.

  Флорентийская школа.

  Флорентийская школа, одна из ведущих итальянских художественных школ эпохи Возрождения с центром в городе Флоренция. Формированию Флорентийской школы, окончательно сложившейся в 15 веке, способствовал расцвет гуманистической мысли (Франческо Петрарка, Джованни Боккаччо и др.), обратившейся к наследию античности. Родоначальником школы в эпоху Проторенессанса стал Джотто, придававший своим композициям пластическую убедительность и жизненную достоверность. В 15 веке основоположником искусства Ренессанса во Флоренции выступили архитектор Филиппо Брунеллески, скульптор Донателло, живописец Мазаччо.

  Для изобразительного искусства Флорентийской школы 15 века характерны увлечение проблемами перспективы, стремление к пластически ясному построению человеческой фигуры (произведения Андреа дель Верроккьо, Паоло Уччелло, Андреа дель Кастаньо), а для многих ее мастеров – особая одухотворенность и интимно-лирическая созерцательность (живопись Беноццо Гоццоли, Сандро Боттичелли, Филиппо Липпи, Пьеро ди Козимо). Искания мастеров 15 столетия завершили великие художники Возрождения Леонардо да Винчи и Микеланджело, поднявшие искания Флорентийской школы на новый качественный уровень. С 1530 года Флорентийская школа становится одним из главных центров искусства маньеризма (Джорджо Вазари, Анджело Бронзино, Якопо Понтормо). В 17 веке сия школа приходит в упадок.

  Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть 16 века, которая получила название «Высокое возрождение». Работы Леонардо да Винчи (1452—1519), Рафаэля Санти (1483—1520), Микеланджело Буонаротти (1475—1564), Джорджоне (1476—1510), Тициана (1477—1576), Антонио Корреджо (1489—1534) составляют золотой фонд европейского искусства.

  Подходя к живописи с точки зрения естествоиспытателя, Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам. В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти.

  Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.

  Творчество Джорджоне отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Художник достиг большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавал характер и богатый внутренний мир своих персонажей.

  Тициан Вечеллио (1477—1576) — итальянский живописец эпохи Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэлем. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и Папы Римские, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.

  По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный. Тициан родился в семье Грегорио Вечелли, государственного и военного деятеля. В десятилетнем возрасте был направлен вместе с братом в Венецию для обучения у известного мозаичиста Себастьяна Дзуккато. Через несколько лет поступил учеником в мастерскую Джованни Беллини. Учился вместе с Лоренцо Лотто, Джорджо да Кастельфранко (Джорджоне) и рядом других художников, ставших впоследствии знаменитыми.

  В 1518 Тициан пишет картину «Вознесение Богоматери»,  в 1515 — Саломею с головой Иоанна Крестителя. С 1519 по 1526 расписывает ряд алтарей, в том числе алтарь семейства Пезаро.

  Тициан прожил долгую жизнь. До последних дней он не прекращал работать. Свою последнюю картину, «Оплакивание Христа», Тициан написал для собственного надгробия. Художник скончался от чумы в Венеции 27 августа 1576, заразившись от своего сына, ухаживая за ним.

  Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 года в селении Анкиано близ Винчи: недалеко от Флоренции в «Три часа ночи» т.е. в 22:30 (по современному отсчёту времени). Его родителями были 25-летний нотариус Пьеро и его возлюбленная, крестьянка Катерина. Первые годы жизни Леонардо провёл вместе с матерью. Его отец вскоре женился на богатой и знатной девушке, но этот брак оказался бездетным, и Пьеро забрал своего трёхлетнего сына на воспитание. Разлученный с матерью Леонардо всю жизнь пытался воссоздать её образ в своих шедеврах. Жил он в это время у деда. В Италии того времени к незаконнорожденным детям относились почти как к законным наследникам. Многие влиятельные люди города Винчи приняли участие в дальнейшей судьбе Леонардо. Когда Леонардо было 13 лет, его мачеха умерла при родах. Отец женился повторно и снова вскоре остался вдовцом. Он прожил 67 лет, был четырежды женат и имел 12 детей. Отец пытался приобщить Леонардо к семейной профессии, но безуспешно: сын не интересовался законами общества. Леонардо не имел фамилии в современном смысле; «да Винчи» означает просто "(родом) из городка Винчи». Полное его имя переводится с итальянского как «Леонардо, сын господина Пьеро из Винчи».

  Леонардо обучался гуманитарным наукам и техническим навыкам в мастерской Верроккьо. Мастерская находилась в интеллектуальном центре тогдашней Италии, городе Флоренции. Он изучил черчение, химию, металлургию, работу с металлом, гипсом и кожей. Помимо этого юный подмастерье занимался рисованием, скульптурой и моделированием. В мастерской часто бывали такие известные мастера, как Гирландайо, Перуджино, Боттичелли и Лоренцо ди Креди. Впоследствии, даже когда отец Леонардо принимает его на работу в свою мастерскую, он продолжает сотрудничать с Верроккьо.

  В 1473 году, в возрасте 20 лет, Леонардо Да Винчи получает квалификацию мастера в Гильдии Святого Луки.

  В 15 веке в воздухе носились идеи о возрождении античных идеалов. Во Флорентийской Академии лучшие умы Италии создавали теорию нового искусства. Творческая молодёжь проводила время в оживленных дискуссиях. Леонардо оставался в стороне от бурной общественной жизни и редко покидал мастерскую. Ему было не до теоретических споров: он совершенствовал свое мастерство. Однажды Верроккьо получил заказ на картину «Крещение Христа» и поручил Леонардо написать одного из двух ангелов. Это была обычная практика художественных мастерских того времени: учитель создавал картину вместе с помощниками-учениками. Самым талантливым и старательным, поручалось исполнение целого фрагмента. Два ангела, написанные Леонардо и Верроккьо, недвусмысленно продемонстрировали превосходство ученика над учителем. Как пишет Вазари, пораженный Верроккьо забросил кисть и никогда больше не возвращался к живописи.

  В возрасте 24 лет Леонардо и ещё трое молодых людей были привлечены к судебному разбирательству по ложному анонимному обвинению в содомии. Их оправдали. О его жизни после этого события известно очень мало, но, вероятно, у него была собственная мастерская во Флоренции в 1476—1481 годах.

  В 1482 Леонардо, будучи, по словам Вазари, очень талантливым музыкантом, создал серебряную лиру в форме конской головы. Лоренцо Медичи послал его в качестве миротворца к Лодовико Моро, а лиру отправил с ним как подарок.

  Леонардо присутствовал на свидании короля Франциска I с папой Львом X в Болоньи 19 декабря 1515 года. Франциск поручил мастеру сконструировать механического льва, способного ходить, из груди которого появлялся бы букет лилий. Возможно, этот лев приветствовал короля в Лионе или использовался во время переговоров с папой. В 1516 году Леонардо принял приглашение короля и поселился в замке Кло-Люсе, неподалёку от королевского замка Амбуаз. Здесь он провёл последние три года жизни со своим другом и учеником Франческо Мельци, получая пенсию порядка 10000 скудо.

  Во Франции Леонардо почти не рисовал. У мастера онемела правая рука, и он с трудом передвигался без посторонней помощи. Третий год жизни в Амбуазе 67-летний Леонардо провел в постели. 23 апреля 1519 года он оставил завещание, а 2 мая скончался в окружении учеников и своих шедевров в Кло-Люсе. По словам Вазари, да Винчи умер на руках короля Франциска I, своего близкого друга. Эта малодостоверная, но распространённая во Франции легенда нашла отражение в полотнах Энгра, Ангелики Кауфман и многих других живописцев. Леонардо да Винчи был похоронен в замке Амбуаз. На могильной плите была выбита надпись: «В стенах этого монастыря покоится прах Леонардо да Винчи, величайшего художника, инженера и зодчего Французского королевства».

  Его основным наследником был Франческо Мельци: кроме денег, он получил картины, инструменты, библиотеку и др. Салаи и его слуге досталось по половине виноградников Леонардо.

   Итак, эпоху Ренессанса закрывал период Чинквеченто в 16 веке. Историками искусства и культуры этот термин используется для обозначения определённого периода в развитии итальянского искусства Возрождения — периода конца Высокого Возрождения и Позднего Возрождения. В это время работали величайшие мастера Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль и Тициан, при жизни прозванные современниками «божественными»; а также Веронезе и Тинторетто, чьё творчество относится к Позднему Возрождению, заключительному периоду в истории итальянского Ренессанса.

  В заключении, нельзя не упомянуть такое явление в эпохе Возрождения, как  «Портрет итальянского ренессанса».

  Портрет итальянского Ренессанса, Портрет эпохи Возрождения — один из самых плодотворных периодов в истории развития портретного жанра, время, когда в западноевропейском искусстве возник реалистический портрет. Этот новый реализм был тесно связан с новым пониманием личности и её места в действительности, с открытием мира и человека, произошедшим в этот период

В эпоху Ренессанса родился европейский реалистический портрет. Это произошло с признанием ценности внутреннего мира отдельного человека. По мере все возрастающего индивидуализма в портретном искусстве возможность выражения субъективного мира выражается все ярче, отчетливо появляясь в живописи 16 столетия.

  Характерной чертой ренессансного итальянского портрета является почти полное отсутствие внутренних противоречий. В портрете кватроченто человек обычно изображен спокойным, мужественным и мудрым, способным преодолеть все превратности фортуны, к концу века образ приобретает черты духовной исключительности и созерцательности.

   Идейные и эстетические принципы ренессансного портрета тесно связано с зарождением и развитием гуманистической философии и неоплатонизма: «Трактовка индивидуальности в портрете 15 века тесно связана с нормами гуманистической этики и её понятием uomo virtuoso. Отсюда же происходит и тот „благородный аристократизм“ образа, его независимый и светский характер, которыми отмечено портретное искусство эпохи. Сближение художественной жизни с идеологией гуманизма и её различными течениями обогащало реалистический язык портрета при сохранении в нем сильного типизирующего начала, порождённого возвышенным представлением о личном достоинстве человека и его исключительном положении в окружающем мире». В изображениях конкретных выдающихся людей Ренессанса их конкретные черты будут преломляться через призму типизирующих и индивидуальных представлений о человеке.

  Прежде чем портрет приобрел характер автономного светского жанра в форме станковой картины, он долгое время оставался составной частью многофигурной религиозной композиции — стенной росписи или алтарного образа. Эта зависимость портрета от монументальной живописи — определяющая черта станкового портрета 15 века. Другие важные черты — сплав средневековой культуры с гуманистическим обращением к античному искусству, а также взаимодействие с портретом в медальерном искусстве и в пластике, где этот жанр сложился раньше. Медаль и бюст позволяют увидеть родовые связи ренессансного портрета с античной традицией. Другой существенный фактор развития итальянской портретной живописи — использование достижений нидерландских портретистов, в частности, с его воздействием связывают появление в Италии трёхчетвертного портрета.

  Портрет возникает в эпоху Проторенессанса в результате роста самосознания личности и реалистических тенденций в искусстве. Он развивается разными путями в республиканских (бюргерских) и феодальных регионах Италии. В придворной среде он принимает форму самостоятельной станковой картины достаточно быстро, служа средством прославления государя и близких к нему. В рамках жизни городской коммуны индивидуальный портрет долго не может отделиться от вспомогательных жанров, так как граждане питали неприязнь к попыткам кого-либо выделиться. В такой среде портрет допускался как завуалированное изображение «великих людей города» или как дополнение к религиозным композициям; тенденция была преодолена во Флоренции в сер. 15 века с приходом к власти династии Медичи. В последней трети 15 века в ведущих школах Италии вырабатывается единая типология портрета.

3.«Возрождение» в Нидерландах

Нидерландская живопись эпохи Возрождения это коренное единство двух великих художественных традиций – голландской и фламандской, однако если смотреть объективно, то нидерландская школа живописи сложилась как самостоятельное целое задолго до того, как история развела пути двух народов.

  В живописи этого государства не столь четко заметны границы между Средневековьем и Возрождением. Кажется, будто живопись Средневековья срастается в единое целое с новой культурной эпохой.

  Нидерландское Возрождение в живописи начинается с «Гентского алтаря» братьев Губерта и Яна Ван Эйков, законченного Яном Ван Эйком в 1432 году. Гентский алтарь (Гент, церковь св. Бавона) представляет собой двухъярусный складень, на 12 досках которого (в раскрытом виде) представлено 12 сцен. Вверху изображен Христос на троне с предстоящими Марией и Иоанном, поющими и музицирующими ангелами и Адамом и Евой; внизу на пяти досках — сцена «Поклонения агнцу». В передаче перспективы, в рисунке, в знании анатомии ван-эйковская живопись, конечно, не идет в сравнение с тем, что почти в это же время делал Мазаччо. Но в ней есть другие, не менее важные для искусства черты: нидерландские мастера как бы впервые глядят на мир, который они передают с необычайной тщательностью и подробностью; каждая травинка, каждый кусок ткани представляет для них высокий предмет искусства. В этом сказались принципы нидерландской миниатюры. В настроении поющих ангелов много истинного религиозного чувства, одухотворенности, душевного напряжения. Ван Эйки усовершенствовали масляную технику: масло давало возможность более разносторонне передать блеск, глубину, богатство предметного мира, привлекающего внимание нидерландских художников, его красочную звучность.

  Из многочисленных мадонн Яна Ван Эйка наиболее известна «Мадонна канцлера Роллена» (около 1435), названная так потому, что перед мадонной изображен поклоняющийся ей донатор — канцлер Роллен. За большим трехарочным проемом окна на заднем фоне Ван Эйк написал тонкий городской пейзаж с рекой, мостом, уходящими вдаль холмами. С необычайной тщательностью и любовью передан узор одежд, сложный рисунок пола и витражей. На этом фоне отчетливо читаются спокойные фигуры мадонны с младенцем и коленопреклоненного канцлера. В «Мадонне каноника Ван дер Пале» (1436) всё приобретает большую массивность. Формы укрупняются, утяжеляются, усиливается статичность. Взор каноника, которого представляет Марии св. Георгий, суров, даже угрюм. Знаменательно, что нидерландский художник вводит такую бытовую деталь, как снятые очки в руке донатора, заложенный пальцем молитвенник. Но эти земные черты еще более подчерки­вают его состояние самоуглубленности, внутренней непоколебимости, душевной твердости. Звучные пятна красного, синего, белого в облачениях также не столько выражают реальные цветовые соотношения, сколько передают духовную атмосферу сцены.