Ирина Эланс

Автор который поможет с любыми образовательными и учебными заданиями

История искусства

Федеральное агентство по образованию.

ГОУ ВПО «российский государственный профессионально –

педагогический университет.

Художественно – педагогический институт.

Кафедра дизайн одежды.

Контрольная работа

по дисциплине: «История искусства».

Вариант 7.

Исполнитель:

Студентка гр. 112-ЗШК. А.П.Омелькова

Руководитель: О.А.Цесевичене

Екатеринбург 2008

Содержание:

Введение 3

1. Искусство этрусков. Влияние искусства этрусков на культуру и искусства Древнего Рима. 5

2. Искусство поп-арта. 11

Заключение 20

Список используемой литературы 21

Введение

Искусство возникает из мифологии; более тысячелетия оно живет в теснейшей связи с христианской религией, против которой в Новое время нередко оборачивается бунтом. Уже одно это определяет решительную границу между периодом средневековья и Нового времени. Однако даже эта грань не лишает различные этапы, искусства их взаимосвязи и взаимозависимости. Каждый из них рожден на почве прошедшего и оставляет часть себя будущему.

История искусства – это постоянное взаимодействие, столкновение, иногда острая борьба различных школ, стилей и направлений. Творящий эту сложную ткань искусства художник исходит не только из своих собственных наблюдений, он опирается на богатые национальные традиции, на многовековый опыт культуры всего человечества – даже тогда, когда как будто противопоставляет ему свое миропонимание. Но на всех этапах развития подлинное искусство отражает время, выражает идеалы эпохи, являя – в лучших своих произведениях – красоту и истину. Формы изображения могут быть разными. От иносказательных до жизнеподобных, но в своих высоких художественных достижениях искусство, так или иначе, выражает проблемы и идеи своего времени, помогает познать человеку самого себя и свое место в системе мироздания.

Искусство раскрывает внутренний и внешний мир человека, заманивает в глубь интересных событий, открывает глаза всем на самое прекрасное, что окружает нас вокруг.

В каждом человеке есть своя частичка стремления познать мир, пронести через себя приятные моменты, познакомится с внешним и внутренним миром, и открыть для себя самое сокровенное и интересное.

Любая область познания открывает много полезной информации, которая актуальна и в наше время.

Цель работы: Изучить и познать выбранный материал, и пронести его через себя.

Объект: Искусство этрусков и поп-арта.

Предмет: Быт, достижения, нравы этрусков и направление поп-арта.

Задачи:

- подобрать литературу по теме;

- проанализировать;

- заложить перспективы;

- донести интерес до читателя.

Искусство этрусков. Влияние искусства этрусков на культуру и искусство Древнего Рима.

В первые века I тыс. до н.э. территорию Апеннинского полуострова населяли италийские индоевропейские племена, переселившиеся туда, начиная со II тыс. до н.э., и разделявшиеся в этническом и языковом отношении на несколько групп. На формирование раннеримской культуры наибольшее влияние оказали племена латинов, обитавшие в области Лаций (там и возник город Рим).

Кроме италиков, на Апеннинском полуострове жили племена этрусков (в области Этрурия, современная Тоскана) и греки (в южной Италии и Сицилии). Последние передали латинам (римлянам) более совершенные методы земледелия, полисную систему государственного устройства и свой алфавит, на основе которого была создана латинская письменность.

Важная роль в становлении римской государственности и культуры принадлежала также этрускам.

Из племен, населявших Италию в I тыс. до н.э. высококультурным народом были этруски. Их цивилизация красочно описана античными историками и представлена в многочисленных памятниках. Но в науке до сих пор существует «этрусская проблема», суть которой – в загадке происхождения этрусков и интерпретация их языка. Все этрусские надписи сравнительно легко читаются, т.к. составлены на близком к греческому алфавите, но перевод их представляет значительные трудности: пока установлено точное значение лишь около 100 слов. Все попытки современных ученых сопоставить этрусский язык с какой – либо языковой семьей пока не дали результата: удалось только выделить наличие в составе этрусского языка многочисленных компонентов, например, индоевропейский, кавказско-малоазийских и др. Остается неизвестной и родина этрусков, хотя предпочтение отдается теориям их восточного происхождения.

Уже в VIII в до н.э. этруски заявили о себе как отважные мореходы и торговцы. Они установили свою власть на море, названном в их честь Тирренским (тирренами, или тирсенами, называли этрусков греки).

Расцвет этрусской культуры в Италии приходится на VII – VI вв. до н.э. Уровень развития производительных сил у этрусков для того времени был очень высок. Их города имели регулярную планировку, мощеные улицы, хорошую систему канализации, множество храмов на каменных фундаментах. Почти все достижения этрусков в строительном деле впоследствии заимствовали римляне. Последние скопировали и символы власти этрусских царей и высших должностных лиц – курульное кресло (инкрустированное слоновой костью), на котором восседали римские магистраты: фасции – пучки розог с воткнутой в них секирой, которые несли ликторы, сопровождавшие высшее должностное лицо; тогу (верхняя мужская накидка из белой шерсти) с пурпурной каймой – так наз. Toga praetexta.

Как и греки, этруски были язычниками, многобожниками, но их религия была мрачнее, в ней большую роль играли божества смерти, загробного мира, а главными богами были Юпитер, Юнона и Минерва (что соответствовало греческим Зевсу, Гере и Афине), и потому многие храмы имеют интерьер, разделенный на три целы.

Архитектура этрусков близка греческой, но этруски использовали камень только в фундаментах, каркас делали из дерева, а стены – из сырцового кирпича. Этрусский храм стоит на высоком постаменте – подиуме, к колоннаде портика ведет лестница. Как и греки, этруски украшали храм расцвеченными рельефами и статуями, но из терракоты. Эти скульптуры VII – VI вв. до н.э., периода расцвета этрусков, по стилю соответствуют греческой пластике времени архаики, но много условнее, орнаментальнее и динамичнее. Жилища этрусков имели строгую осевую композицию, но были самой разнообразной планировки, от прямоугольных

до круглых. Представление о них дают сохранившиеся до нашего времени

гробницы.

О жизни этрусков можно многое почерпнуть из росписей гробниц, высеченных в скале или возведенных из камня наподобие кургана. Стены гробниц расписаны сценами заупокойного культа, изображениями охот, пиров, состязаний, битв, сюжетами из мифологии. Из них мы узнаем и многие детали быта: костюм, утварь, мебель, даже типы музыкальных инструментов (роспись гробницы «Пирующих»; начало V в. До н.э., Тарквинии).

У этрусков рано развилась скульптура. Еще терракотные погребальные урны VII – VI вв. до н.э., в которых хранился пепел умерших, имеют крышки с изображением фигуры или бюста усопшего, всего портретного характера, лаконичного и выразительного. Такого же типа полуфигуры украшают крышки саркофагов. Изображение условно, в чем – то схематично, но одной – двумя деталями мастер умеет создать вполне реальный образ.

Этрусская керамика близка греческой по форме, но отличается техникой исполнения. Этруски обжигали сосуды до черноты, почему они и получили название «буккеронеро» - «черная земля», полировали так, что они походили скорее на изделия из бронзы или золота, и украшали либо процарапанным рисунком, либо рельефным изображением животных или птиц (собрание этрусских ваз в Эрмитаже). Этруски – искусники в ювелирном деле, знали зернь и филигрань, но особенно сливались в бронзовом литье. Именно этрускам принадлежит знаменитая Капитолийская волчица (начала V в. до н.э.), сохраняемая и по сей день в Риме как величайшая реликвия, ибо напоминает знаменитую легенду о создании Рима.

Важное место в этрусской культуре занимала практика гаданий. Особые жрецы – гаруспики гадали по внутренностям жертвенных животных, чаще всего по печени: по этрусским представлениям, каждой из

40 частей, на которые делится небо, соответствует определенная часть печени, поэтому для гаданий изготавливали модели печени с делением на 40 частей. Сохранились также описания правил гадания по молниям, по полету птиц и т.п. все они впоследствии были усвоены в Риме и получили название этрусской науки.

С V в. до н.э. начинается упадок этрусских городов, их главным соперником на море становится Сиракузы. В IV в. до н.э. Этрурия попадает под власть Рима, и с этих пор римское искусство уже играет главную роль. Но традиции этрусского искусства, несомненно, сказались на формировании искусства Древнего Рима.

Особенно сильным было культурное влияние этрусков на Рим в VI в. до н.э. – в период правления трех последних римских царей. Но в целом, несмотря на многочисленные влияния и заимствования, ранняя римская культура выросла на местной, италийской почве и была в достаточной степени самобытной.

Культура Рима в первые века республики развивалась медленно, формируясь под влиянием художественной культуры этрусков.

От этрусков к римлян перешли бои гладиаторов, начавшиеся с варварского обычая умерщвлять на могиле тиранов рабов. Этруски создали популярный у римлян тускский ордер, в основе которого лежат пропорции дорического. Этруски владели техникой фрески, и в их многочисленных гробницах, названия которых определялись тем или иным персонажем либо сюжетом (гробница быков, львиц, леопардов, щитов, охоты и рыбной ловли), ничто не напоминало о смерти. Сюжеты были самыми разными – от эпизодов Троянской войны до жанровых сцен, и очень динамичными, а краски использовались не темные и мрачные, а яркие и светлые.

Этрурия дала римлянам арку, Греция – ордер. Римляне, соединив арку и колонну, создали так называемую римскую ячейку и ввели в строительный обиход аркаду. Аркада стала излюбленным архитектурным

мотивом и памятника, и моста, и театра, и акведука. Опираясь на строительный опыт завоеванных стран, римляне смогли создать вполне самобытную и величественную архитектуру, особенно во времена республики. К традиционным греческим орденам римляне добавили позаимствованный у этрусков тускский и вычурный капитель, соединившую ионические волюты с коринфским аканфом.

Римляне, как греки и этруски, были язычниками. Но их религия, а отсюда и художественная фантазия была прозаичнее греческой, их мировосприятие – более практичным и трезвым. От этрусков они заимствовали многие религиозные представления и обычаи, более суровые, чем греческие, а также некоторые основы строительной техники.

Утилитарность мышления римлян сказалась и в архитектуре. Вслед за этрусками римляне построили прежде всего прекрасные дороги. По древнейшей из них, Аппиевой (ее строительство в IV в. до н.э. начал Аппий Клавдий), римские легионеры шли на завоевание государств Средиземноморья.

Римский скульптурный портрет – одно из самых величайших достижений римского искусства. В отличие от греческой скульптуры, ставившей своей задачей создание идеального прекрасного образа гражданина греческого полиса, римский портрет передает неповторимую индивидуальность модели. Истоки римского портрета и в древних обычаях самих римлян ставить в домах портретные изображения предков хозяина дома.

Особое значение в истории раннего Рима и его культуре имеет время правления трех последних римских царей, которые как полагают ученые, происходили из этрусков, но в отличие от остальных царей, были реальными историческими лицами. При этрусской династии Рим стал преображаться. Были произведены работы по осушению некогда болотистого Форума, там были построены торговые ряды и портики. На Капиталийском холме был воздвигнут мастерами из Этрурии храм

Юпитера с фронтоном, украшенным квадригой. Рим превратился в большой многолюдный город с мощными крепостными стенами, красивыми храмами и домами на каменном фундаменте. При последнем царе – Тарквинии Гордом – в Риме была сооружена главная подземная канализационная труба – Великая клоака (cloaca maxima), которая служит «вечному городу» и поныне.

Согласно античной традиции, в 510 г. До н.э. произошло изгнание из Рима Тарквиния Гордого. Управление было объявлено «общенародным делом» (по латыни – res publica).

Искусство поп-арта.

К числу наиболее заметных и скандально известных течений, являющихся ярким примером псевдоноваторства в искусстве, относится поп-арт.

Термин «поп-арт» появился в 1956 году и был придуман критиком Лоуренсом Элоуэем, хранителем музея Гуггенхейма. Возглавили многочисленных приверженцев нового течения деятели США. Само название «поп-арт» («популярное искусство») как бы подчеркивает его характер и назначение. Но, разумеется, к подлинно популярному, народному искусству поп-арт не имеет никакого отношения.

В действительности поп-арт – это суррогат, который под видом искусства, доступного понимания массового зрителя, преподносится «открывателями новых форм».

С момента своего возникновения поп-арт явился своеобразной реакцией на абстракционизм, и прежде всего на американский абстрактный экспрессионизм с его культом «освобождения индивидуальности от восприятия и изображения окружающего мира» и «создания особого сложного мира чувств, предназначенного только для избранных». Поп-арт противопоставил этому грубый мир вполне реальных вещей, выдаваемых за произведение искусства. По мнению сторонников поп-арта, каждая вещь, каждый предмет может стать произведением искусства. Соединенные в особые «комбинации», вещи якобы теряют свое назначение и приобретают новые качества. Странным образом выбранные предметы быта, комбинации различной ветоши или грубо раскрашенные коллажи начали фигурировать вместо произведений искусства. Убогий суррогат был обращен якобы к самому широкому зрителю, отвечая в то же время «тоске по предметности» многих художников и критиков, мучительно ищущих путей возврата к фигуративному искусству.

В более широком плане возникновение поп-арта можно объяснить

общим кризисом станкового искусства в большинстве капиталистических стран. В поисках выхода из этого кризиса были выдвинуты некоторые новые направления, в том числе и поп-арта, который по существу, явился одним из сенсационных развлечений, демонстрирующих упадок современной буржуазной цивилизации. Так оценили его многочисленные критики различных направлений, назвавшие поп-арт «антиискусством» (Герберт Рид), «извращение от искусства» (Платнер), «смесью паноптикума и свалки» (Карл Бореев). Но, может быть, еще точнее высказался о поп-арте Вили Бонда, определив его как «зеркало американской действительности». И, конечно, как это было и раньше с утверждением абстракционизма, своим успехом поп-арт оказался всецело обязанным реальным силам – коммерции и политике. Решающую роль в распространении течения сыграла вся та рекламная и экономическая компания, о которой весьма убедительно писал французский критик Робель Лебель в памфлете «Изнанка живописи».

Экспонаты поп-арта начали фигурировать на нью-йоркских, лондонских, парижских и миланских выставках с середины 50-х годов, однако они не были восприняты как качественно новые явления и многим казались повторением пройденного.

Настоящее наступление «новой волны», то есть массовых выступлений деятелей поп-арта, началось с выставки под названием «Новый реализм» в частной галерее Сиднея Джениса, за которой последовали и другие выставки в нью-йоркских галереях, в музее Гуггенхайма, Музее современного искусства (1962). Своего апогея течение достигло к 1964 году в связи с новым нажимом, предпринятым США, добивающимися приоритета в соперничестве со старой культурной столицей буржуазного мира – Парижем. Кстати сказать, этой конкуренции была подчинена и выставочная деятельность ряда стран, в частности ФРГ, открывшей в Касселе Биеннале «Документа» сразу же вслед за венецианской Биеннале 1964 года.

На венецианской Биеннале 1964 года экспонаты поп-арта были представлены во многих залах павильонов различных стран, но подавляющее большинство их разместилось в залах специального павильона США, открытого за пределами территории Биеннале, в здании бывшего американского консульства. Сам факт распространения искусства одной страны за пределы Биеннале, беспрецедентный за все время существования венецианских выставок, также свидетельствовал об активности развернувшийся американской пропаганды.

Расположенное в центре Венеции, по соседству с прославленными шедеврами итальянского зодчества и живописи: с Венецианской Академией, церковью Санта Мария Деи Фрари и Скуоле ди Сан Рокко, этот павильон не привлекал большого числа ценителей искусства. По сравнению с плотно заполненными залами Академии в светлых, чистеньких комнатах американского павильона было почти пусто. Обзор размещенной там необычной выставки сразу же объяснял этого явления: искусство здесь отсутствовало, а то, что представлялось на суд публики, вызывало лишь недоумение и скуку.

В качестве произведений искусства здесь экспонировали части разноцветных легковых автомашин, искромсанные и смятые в случайные формы, старый хлам, вроде выцветших фотографий, обрывков газет и афиш, беспорядочно наклеенных на какие-то ящики, чучело курицы под стеклянным колпаком, рваный ботинок, покрашенный белой масляной краской. Много было просто грубых, безвкусных моделей различных предметов обихода, разложенных на кухонных столах, экспонировалось оборудование ванной комнаты, ведро и лопата, подвешенная на цепочке.

Авторами этих «экспонатов» были молодые художники, начавшие свою «творческую» деятельность в конце 50-х годов, впервые выставившиеся в 1959 году в Нью-Йорке. Каждый из них имел свое «творческое лицо» - Джон Чемберлен (р. 1927) специализировался по смятым автомобилям, Класс Ольденбург (р. 1929) – по коллажам, Джим

Дайн (р. 1935) – по оформлению уголков интерьеров, вроде «Зеленого душа», «Лопаты» или «Кухни». В Нью-Йорке же развернулась деятельность «отцов» поп-искусства – Роберта Раушенберга и Джасперта Джонса.

Их «творения» были выставлены в залах Национальной выставки США на территории Биеннале и отличались от работ их единомышленников, по сравнению с которыми они имели более основательную профессиональную подготовку. Джасперт Джонс (р.1930, родом из Южной Каролины) получил образование в Штатах, техасец Раушенберг (р. 1925) совершенствовался как художник в Париже в Академии Жульена (1947), некоторое время работал театральным художником. «Творение» Джасперта Джонса – «Серые числа», «Банки из под кофе», «Три флага» - представляют собой либо сами название предмета, либо сочетания предметов с замазанными красками холстами: Комбинации» Раушенберга (так их назвал сам автор) отличаются большой сложностью. Причем усложненность, если этом можно говорить, нарастала в них со временем. 1959 годом датируется «Подарок Аппалону» - перепачканный красками кухонный шкафчик на колесиках и привязанное к нему на цепочке грязное ведро – поистине своеобразный дар современного американского художника античному богу – покровителю искусств.

В 1961 году была исполнена «Картина времени» - замазанный красками холст, к которому прикреплены боком стенные часы. С 1963 года Раушенберг освоил и начал применять метод шелкографии как способ перевода на холст различных фотографий, афиш, репродукций, которые он комбинирует с кусками масляной живописи и реальными предметами. На огромные холсты были переведены и размещены в случайных сочетаниях фотографии вертолетов, сцена похорон Кеннеди, фрагмент репродукции с картины Рубенса, какие-то чертежи, изображения птиц и

рядом подвешенный на блоке вполне реальный грязный мешок («Остановка», 1963; «Исследователь», 1964). Именно за работы такого рода Раушенберг и был удостоен золотой медали.

Острой критике подвергли это решение французские и немецкие искусствоведы, не принимавшие участия в работе жюри Биеннале, присудившего «Гран-при» Раушенбергу, агитация в пользу которого началась более чем за полгода до открытия выставки.

В самых резких выражениях обрушились на поп-арт апологеты абстракционизма. Пожалуй, наибольшую активность проявила при этом французская газета «Combat», поместившая на своих станицах ряд материалов. Так, в статье «Предательство в Венеции» А.Боксе писал: «Освещение, если так выразиться, работ американского художника Раушенберга на Биеннале в Венеции, даже при настоящей неразберихе в искусстве, выглядит как позорный акт. Возникает вопрос, сможет ли западное искусство оправиться после такого потрясения. Ибо мы не можем недооценить размеров оскорбления, нанесенного этим всему тому, что в наши дни еще является синонимом гармонии, серьезного творческого поиска, подлинной непреходящей ценности. Естественно, что для Боксе «синонимом гармонии, серьезного творческого поиска» представляются творения абстракционистов.

Вслед за этой статьей появились и другие, в которых не только звучали явные нападки на американскую культуру в целом, подчеркивались беспомощность, дилетантизм папистов, но и указывались их скандально известные предшественники – дадаисты.

И все же, сравнивая поп-арт и дадаизм, французская критика отдает решительное предпочтение последнему. «Конечно, Раушенберг и его соперники имеют полное право действовать по своему усмотрению. Правда то, что они делают сейчас, еще сорок лет назад уже делали дадаисты, и, кстати, более успешно. Делала для профилактики и с

некоторой иронией, продемонстрировав сильно развитое чувство смешного…»

Но, конечно, основной пафос большинства критических выступлений направлен на защиту абстрактного искусства, которое утверждается «революционным», «эстетически ценным». Апологеты абстракционизма возмущены тем, что взамен долгое время господствовавших абстракций паписты предлагают какую-то ветошь и по баснословным ценам. «Отрицать значение холста и цвета, формы и композиции, хорошего вкуса и стройной системы, все это бы еще куда ни шло со стороны художников, которые стремятся потеснить некоторые общепризнанные ценности, чтобы взамен их принести другие… приверженцы поп-арта не преследуют этих прекрасных устремлений. Это не революционеры, не теоретики! Они имеют лишь самые элементарные представления о законах искусства. Никто не мешает им фабриковать наобум свои взаимозаменяемые предметы. Никто не волен запретить им продавать эти жалкие отбросы по баснословной цене… Это лжеавангард, это одновременно и кампания массового околпачивания и финансовый крестовый поход».

Коммерческий характер деятельности папистов отмечали многие критики: француз Ж.-А. Картье метко сравнил создателей поп-арта и им подобных с «нахальными, вызывающими, безжалостными садистами, которым уже сейчас нужны деньги и которые хотят хорошенько поразвлечься в жизни». И в этом отношении они резко отличаются от новаторов начала XX века.

Совершенно иной характер носит «новаторство» и деятельность папистов, любой ценой утверждающих себя. По справедливому определению того же Картье, «Раушенберг – это настоящее, это чемпион соревнования сегодняшнего дня. Создатели поп-арта играют роль скорее в социальном плане, чем в эстетическом. Они не чураются давать публичные выступления на людях. Так, один из них в день вернисажа

прогуливался с разрисованным зонтиком, другие одеваются кричаще.

Решительно, Дали, явился крестным отцом всего этого поколения».

Вызывая бурную полемику, ожесточенные споры, поп-арт тем не менее нашел своих защитников и последователей. Получив официальное признание на венецианской Биеннале 1964 года, поп-искусство начало свое триумфальное шествие по буржуазным странам Европы. Оно проникло в официальные выставочные залы Италии, Франции, ФРГ, Австралии, Швейцарии, экспонаты папистов открыла двери Королевская Академия в Лондоне. Поп-искусству начали посвящать свои «исследования» не только американские, но и европейские теоретики – Орген Беккер и Вельф Фостель, Рольд Гюнтер и другие.

История искусства 📙 Контрольная → 🆔 40136