Искусство поп-арт в системе массовой культуры

ВВЕДЕНИЕ

Актуальность поп дизайна  обусловлена и тем, что массовая культура занимает огромное и, пожалуй, все более и более значительное культурное пространство в мире. А одним из проявлений массовой культуры является искусство «поп-арта», возникшее в середине 50-х годов прошлого века. Он создает своеобразный художественный мир – реальный, абстрактный и сюрреалистический одновременно, что находит применение в рекламе, монументальных и станковых произведениях.

Проблемы развития  Поп-арт остается сравнительно мало изученным феноменом с точки зрения общей теории культуры. Это обусловлено тем, что и общественное сознание, и научный дискурс, связанные с данной проблемой, сегодня колеблются между крайностями. Известные культурные явления, которые следует отнести к жанру поп-арта, требуют просмотра на новом уровне, отвечающем современной социокультурной реальности. Интерес к данной проблеме обусловлен и новой социокультурной ситуацией, связанной с постмодернистской установкой, которая характеризуется релятивизмом относительно любых культурных проявлений и оказывает содействие легализации феномена массовой культуры.

Цель  состоит в рассмотрении искусства поп-арт в системе массовой культуры. Для ее достижения мне необходимо решить следующие задачи:

- дать определение и объяснить  сущность явления массовой культуры;

- охарактеризовать искусство поп-арт  и его особенности;

- раскрыть основные принципы  работы наиболее известных деятелей  поп-арта;

- рассказать о творчестве представителя  данного направления - Роя Лихтенштейна

Объект исследования  Поп-дизайн и деятельность Роя Линхтенштейна

Предмет    Согласно  оценке западных критиков и эстетиков, поп-арт — «антиискусство» (Г. Рид), «извращение от искусства» (Плантер), «смесь паноптикума и свалки» (Карл Борев), «зеркало американской действительности» (Вилли Бонд), «отражение мечты потребителя» (Ричард Гамильтон), «оскорбление всему, что является синонимом гармонии» (А. Боске), «способ привлечения внимания к абстрактным свойствам банальных вещей» (Рой Лихтенштейн).

     Главной отличительной особенностью поп-арта, является то, что художник создает некое послание с помощью обычных предметов, фотографий, страниц популярных комиксов. Эти предметы вырываются из своего привычного контекста и помещаются в искусственную реальность, тем самым утрачивают привычные качества и приобретают новые.

Гипотеза  Возможно поп-арт не столь практичен, сколько необычен и стилен и оригинален. Люди используют данный стиль, чтобы подтвердить свой социальный статус. Можно рассмотреть данное  на примере творчества Линхтенштейна.

Основные задачи  изучить направление поп дизайна и его развитие в США, ознакомиться с творчеством одного из самых ярких представителей поп-арта - Роем Лихтенштейном.

Методологическая основа  Л.М. Михайлов,  А.Толстой,  А.В. Иконников, П.Гарнер.

Методы исследования  изучение специализированного материала. Визуальный анализ работ

Элементы новизны и теоретической значимости  Произведениям поп-арта не присуща уникальность, индивидуальность творца. Важен лишь эффект неожиданности, новизна решения. В данном стиле очень удачно сочетаются несколько стилей, которые характерны нашему времени. Но так же в этом стиле используются новые тренды, которые сочетаются с полюбившимися старыми. Эта новизна переплетается с разнообразным очертанием, приобретая новые формы и образы.

Практическая значимость  Поп-арт широко используется в качестве выразительных средств для создания произвольных композиций реальных случайных предметов быта, афиш, газет, рекламы. Для создания работ поп-артисты используют способы массового распространения культуры - тиражирование, репродуцирование, клиширование, шелкографию, фотографивание и т.д. Также поп-арт называют дизайном будущего века, так как он очень современен и непрерывно развивается.

Структура курсовой работы Работа состоит из введения и двух глав.

 В введении рассматривается актуальность темы, проблемы развития, цель и объект исследования, основные задачи и методы исследования.

Глава 1. Поп-дизайн в США в 60-х гг. В данной главе рассматриваются основные черты направления "поп-дизайн", а также рассказываются о представителях данного художественного стиля и их работах.

Глава 2. Деятельность Роя Лихтентейна. В этой главе рассказывается про жизнь и творчество одного из самых знаменитых представителей поп-арта

ГЛАВА 1. ПОП-ДИЗАЙН В США В 60-Х ГГ. В США

1.1 Общие сведения

Период 50-х – 60-х годов ознаменовался повышенным интересом к вопросам так называемой массовой культуры, в это же время возникает течение поп-арт.

Поп-арт (от английского popular art, сокращенно pop art - популярное, общедоступное искусство, второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop - отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. производящее шокирующий эффект) - направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления.

    Считается что первое произведение в стиле поп-арт принадлежит кисти художника Ричарда Гамельтона «Что же делает наш дом таким привлекательным?» Оно было показано на выставке «This is tomorrow» в небольшой лондонской галерее «Уаэтчепл» в 1965 году. В нем мелькнуло слово «поп»(англ.- сухо звук хлопка, удару, вылетевшей из бутылки пробки), давшее имя будущему художественному течению. Хотя большинство критиков считают, что идет речь о словосочетании «популярное искусство». Гамельтон считал, что поп-арт обращен к массовой культуре, преимущественно к молодежной публике и что ему присущи эфемерность и быстротечность, виртуозное мастерство превращения. В 1966 году он открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином «поп-культура» , чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом» [14, с. 27]

Сторонники поп-арта стремились создать антиискусство, выведя на сцену цивилизацию потребления, ординарные предметы, которые фабрикуются миллионы. Они черпали вдохновения из так называемого «низменного искусства». Тщательно изучая рекламу, средства массовой информации, они вдохновлялись комиксами, представляли в своих работах машины, электронику, консервные банки, страницы журналов, фотографии, банковские билеты. Взятые отдельно или вмонтированные в коллажи и в ассабляжи, эти предметы словно насмехались над зрителем, сбивали его с толку порой своими чудовищными размерами, производя впечатление отстраненности, анонимности, свойственной новой городской культуре.

После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi's джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Так формировалась массовая культура. Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы.

1.2 Основные черты

Стиль поп-арт открыто оспаривал принципы "хорошего дизайна", отрицал модерн и его ценности. Поп-арт возвел в ранг произведения искусства обычные бытовые предметы из окружающего нас повседневного мира и изображения людей. После чего смешал все это ярким колоритом или причудливой формой и использовал в качестве произведения искусства. Поп-арт показывает себя как эмоциональный и энергичный стиль, как взрыв эмоций. 

Искусство поп-арта тесно переплеталось с искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама броско и навязчиво пропагандирует товарный стандарт. Как и в рекламе, главными сюжетами поп-арта стали автомашины, холодильники пылесосы, фены, сосиски, мороженое, торты, манекены и.д.

Создатели рекламных передач и шоу способны искромсать на кусочки и соединить в нужной им комбинации стиральный порошок и известный шедевр искусства, зубную пасту и классическую музыку. Точно также поступает и поп-арт. Отличительная черта - сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или одинаково бесценно, одинаково красиво или одинаково безобразно, одинаково достойно или не достойно.

Основные черты поп-арта: яркие радужные цвета, броские формы, использование пластика, повторяющиеся элементы. Поп-арт открыто оспаривал принципы "хорошего дизайна", отрицая модерн и его ценности. Основной упор делался на изменения, разнообразие, веселье, бунтарство и недолговечные, одноразовые вещи, дешевизну и ставку на массовое потребление.

Дизайнеры занялись производством вещей, которые потребитель желал, а не тех, в которых он нуждался. На первый план вышел стиль, впервые недолговечные, одноразовые вещи стали приниматься за норму.

Это искусство непрестанно заимствует предметы и образы из повседневного быта и делает особый упор на массовые развлечения и товары широкого потребления, претворяя их в художественную форму. Оно содержит в себе множество ссылок, часто очень специфических и эмоциональных, на будничную жизнь обыкновенных людей. «Поп»- художник, отражая окружающую жизнь, претворяет ее и таким образом выражает свое отношение к ней. При этом его реакция на окружение необязательно должна быть ясной и непосредственной. Использование стольких широко известных образов ведет к сложной серии взаимодействий и отзвуков, которые улавливаются и осмысляются глазом и разумом зрителя.

Такая образность находилась вне пределов того, что мы раньше называли «изящными» искусствами, то есть пейзажа, портрета, религиозной или исторической живописи. «Поп» - художники интересуются людьми как предметами (отсюда упор на изображение кинозвезд), а также машинами — автомобилями и электроприборами. Они многим обязаны стилизованному изображению людей и предметов в современных журналах, на телевидении, в фотографиях, комиксах, кино, рекламе.

Существует версия, что поп-арт родился случайно. К Рою Лихтенштейну пришел маленький сын с книжкой комиксов и попросил сделать из них что-нибудь смешное. Рой поглядел на незамысловатые картинки и придумал увеличить их до громадных размеров. Так он начал создавать свои картины, которые потом пользовались бешеной популярностью. Комиксы или отдельные их части увеличивались порой настолько, что нельзя было понять, что там. Абстракция, да и только.

По другой версии начало поп-арту положила картина-коллаж Ричарда Гамильтона «так что же делает современные дома столь необычными и столь привлекательными?». Выглядит это, как «набор» вырезок из цветных журналов. Обычный дом среднестатистического американца, «подсевшего» на рекламу. С рекламных страниц в интерьер сошли и магнитофон, и телевизор, и, безусловно, газета, а на стенах вместо картин — увеличенный фрагмент комикса — ширпотреб. За окном виднеется кинотеатр. Центральная мужская фигура вырезана из рекламы культуризма, женская — тоже в духе «хочешь похудеть? Спроси меня как». Образ реального мира вытеснен скоплением фиктивных имиджей масс-культуры. Жизнь, превращенная в сказку с помощью рекламы.

1.3 Разработки и представители

Поп-дизайн был неотделимо связан с американской мечтой абсолютно потребительского мировоззрения, которая в начале 60-х овладела всем западным миром. Идея производства долговечных, добротных товаров сменилась лозунгом "сегодня использовал - завтра выбросил". Это был прорыв в философии промышленного производства и дизайна.

Например, пятнистый детский стул из гофрокартона Петера Мурдока, который он придумал его еще тогда когда учился в Королевском колледже искусств. Низкая стоимость и сравнительная не долговечность определило объект, как идеально изделие массового производства 60-х гг. В 1967 году Мурдок спроектировал аналогичную группу Thoese Things состоящию из стола, стула и табуретки. За этот комплект он был отмечен Британским консульством промышленного дизайна.

Де Пас, Д Урбино и П. Ломази создали свою собственную студию в 1966 году в Милане, где они работали над архитектурными проектами и промышленным дизайном. Тогда же они начали работать над дизайном надувной мебели из поливинилхлорида, первом их объектом было цветное пневматическое кресло (1967)- мебель массового производства, икона поп-дизайна, или кресло Джо (1970), в виде огромной бейсбольной перчатки в честь легендарного бейсболиста Джо Ди Маджио. "Мы были молоды, полны жизни, и мы хотели порвать с традицией буржуазии", сказал П.Ломази, когда шла речь об их началах. В 70-х гг студия выставляла свои дизайн-проэкты, в итальянском павильоне на Всемирной выставке в Осаке, и на выставке "Италия: Новый внутренний пейзаж" , а так же в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1972 году. Сегодня они по-прежнему продолжают свою работу, но, к сожалению без де Пасса (умер в 1991), их деятельность распространяется в области архитектуры, промышленного дизайна, выставок, дизайна интерьеров и городского пейзажа.

Энзо Мари – один из мастеров итальянского мебельного и промышленного дизайна, художник, теоретик, один из самых мыслящих и интеллектуальных дизайнеров 20 века – мог бы предъявить права более, чем на 1700 проектов, созданных им совместно с итальянскими и иностранными производителями на протяжении своей плодотворной творческой жизни.

Родившись в Новара (Novara) в Италии, Энзо Мари с 1952 по 1956 год изучал классическое искусство и литературу в Академии Изящных искусств (Academia di Brera) в Милане. Во время учебы заинтересовался дизайном. Однако интерес Мари к дизайну был прежде всего теоретическим. Его больше интересовали проблемы роли дизайна в современном искусстве или взаимоотношения дизайнера и покупателя, чем практика. Большую часть 50-х годов Мари посвятил изучению социологии видения и методологии дизайна. И лишь к концу 50-х он сосредоточился на дизайне как таковом. Одним из первых его проектов была образовательная игрушка – детские пазлы, состоявшие из группы деревянных зверюшек (1957, компания Danese). Эта игрушка ознаменовала начало плодотворного сотрудничества Энзо Мари и компании Данезе. В 1959 году Мари начал экспериментировать с пластмассами. Эти эксперименты привели к многочисленным высококачественным изделиям, которые также были выполнены для компании Данезе. Среди них: цилиндрическая подставка для зонтов (1962) из ПВХ, и пластиковая ваза Паго-Паго, модульная система доля выставочного оборудования (1965) и вазы Tortiglione (1969). Мари стремился создавать продукты для массового производства, при этом, не идя на компромисс со своим убеждением в том, что продукт должен быть привлекательным на вид не в ущерб возлагаемых на него функций. К концу 60-х дизайнер достиг такого мастерства в работе с пластмассой, что в его руках она получала почти скульптурную плавность. В1963 году вступил в радикально общество Nouve Tendenze . Как ведущий дизайнер- теоретик , был председателем ассоциации дизайнеров промышленности в период с 1976-1979 гг. Также преподавал в Риме, Милане, Парме. Девизом Энзо Мари был: «хороший, доступный дизайн для всех». Обладатель более сорока наград за архитектуру и дизайн (также трех «Золотых цыркулей»). Энзо говорил: «Я работаю для фабрик, а не для бутиков.» И по сей день он остается востребованным дизайнером.

Джордж Нельсон (George Nelson) – великий американский дизайнер XX века. Джордж Гарольд Нельсон родился в 1908 году в Хартфорде, штат Коннектикут, и в 1928 году окончил Йельский университет, где он изучал архитектуру, с дипломом бакалавра искусств. В 1931 году он получил диплом бакалавра изящных искусств в Йельской школе изящных искусств. Его работы известны всему миру. Мебель, осветительные приборы, выставочный дизайн, часы – в каждой категории он был одним из лучших. Наибольшее внимание привлекли часы выполненные в стиле поп- дизайн. Поистине оригинальные, они украшают самые лучшие дома по всему миру. Часы Джорджа Нельсона представлены в великом множестве вариаций. Впервые они были изобретены абсолютно случайно. Так, Джордж Нельсон с друзьями дурачились и рисовали каракули, подшучивая над тем, что таким образом можно придумать часы. А наутро среди множества зарисовок был замечен один эскиз, который лег в основу часов Ball, пожалуй самых популярных из всей серии дизайнерских творений Джорджа Нельсона.

Радикальная дизайнерская группа “Strum” (бренчание) основана в 1963 году в Турине Жоржио Жиретти (Giorgio Geretti), Петро Деросси (Pietro Derossi), Карла Жиамарко (Carla Giammarco), Риккардо Росси (Riccardo Rosso), Маурицио Воглиацо (Maurizio Vogliazzo). которые использовали свои произведения для высказывания политических и социальных протестов начала 1970-х.

Одна из самых известных работ группы – экзотическая “мебель” для сидения и лежания из полиуретана “ объект Pratone сиденье ("Газон")в 1968 г., Pratone был их эмблемой движения хиппи против " общества потребления". «Штрум» сочетали в своем дизайне оригинальную форму, свойственную поп-арту, и комфорт.

Инго Маурера, вдохновленный течениями поп-арт культуры, эмигрировал в США и в 1966 г. и создал легендарный светильник «Bulb». За ним последовали многочисленные инновационные световые дизайнерские решения, которые принесли Инго Мауреру всемирную популярность. Инго испытывал невероятное чувство восторга от «магических и мистических» свойств света, как он их называет сам. Он создает световые атмосферы, которые играют с привычными представлениями о цвете, яркости и тени. Начиная с 1966 г. на счету Инго Маурера более чем 150 разнообразных осветительных приборов и световых систем и множество международных проектов по световому оформлению общественных мест, показов модных коллекций, фасадов общественных зданий и памятников, не говоря уже о частных заказах.

Роберт Индиана родился в Нью Касле, Индиана, позднее переехал в Индианаполис, где закончил Arsenal Technical High School. В 1954 он переехал в Нью-Йорк, где присоединился к поп-арт движению. Роберт Индиана обратился к образам коммерческой графики, смешивая их с экзистенциализмом, что привело к тому, что сам художник назвал «скульптурные стихи».В 1958 он изменил свою фамилию (Кларк) на Индиана. В 1961 начал серию картин, изобразительный ряд которых близок к графическому дизайну и американской рекламе. Порой затрагивая потребительские тенденции или политические эксцессы в американской культуре, образы Индианы сочетают текст, числа и цветовые поля с четкими контурами. Первая персональная выставка Роберта Индианы в Нью-Йорке прошла в 1962 в галерее Stable Gallery. Его популярный знак «Love» был впервые реализован как живопись в 1966, а позднее повторен в различных медиа, включая скульптуру и почтовые марки, став настоящей поп-иконой 1960-х. С 1978 Индиана живет и работает в Vinalhaven.

Ээро Аарнио (родился 21 июля 1932 г.) знаменитый финский дизайнер интерьера, известный своими инновационными проектами мебели, в частности, его пластиковые и из стекловолокна стулья в стиле поп- дизайна.

Аарнио учился в институте промышленного искусства в Хельсинки, затем основал свое собственное бюро в 1962 году. В следующем году он представил свой «Bubble Chair», большой шар из прозрачного оргстекла на подставке, с отверстием с одной стороны, которое позволяло человеку сидеть внутри. Позднее появился аналогичный «Bubble Chair​​» с приспособлением, для того чтобы было можно повесить его за цепь, создавалось впечатление будто этот шар парит в воздухе. Другие его инновационные проекты включали в себя ,не менее известный, плавающий«Pastil Chair» и «Tomato Chair» (более устойчивый с сиденьем из трех сфер). «Screw Table», его форма вполне соответствует названию, а со стороны создавалось впечатление, как будто огромный пластиковый винт вкрутили в землю. Он был удостоен награды «American Industrial Design» в 1968 году.

Конструкции Аарнио были очень популярны, и так же являлись яркими представителями стиля поп-дизайн 1960-х гг. Так же его мебель часто использовали для съемок фантастических фильмов о будущем. Действительно, это простая , но в тоже время интересная, форма давала ощущение инопланетного происхождение мебели. И поэтому его конструкции были идеальны для декораций съемок таких фильмов.

Аарнио, в более поздней работе, решил заменить опасное в использовании стекловолокно (особенно для тех, кто непосредственно участвует в его производстве). И стал работать с более безопасными видами пластика. И по сей день он продолжает создавать новые проекты, в том числе игрушек и мебели для детей.

Вернер Пантон родился 13 февраля 1926 года в городе Гамтофт, Дания. После окончания Королевской датской академии изящных искусств работал в архитектурном бюро Арне Якобсона. Там он начал заниматься дизайном мебели, а после открыл собственную студию в 1955 году.

Вернер Пантон считается революционером в области дизайна мебели. Он экспериментировал с такими материалами, как стекло, пластик, сталь и полипропилен и одним из первых стал рассматривать отдельные элементы интерьера как связанные общим пространством.

Пантон много экспериментировал и утверждал, что мебель не обязательно должна иметь традиционную форму. Его знаменитые проекты стульев — Tivoli, Bachelor и Cone — считались в своё время самыми необычными стульями в мире. Вернер считал, что стулья должны быть не только удобны, но и интересны. Самый знаменитый стул дизайнера — Panton Chair был сделан из единого куска формованного пластика[1]. Дизайн стула был настолько необычен, что производство началось только в 1967 году немецкой фирмой «Herman Miller&Fehibaum» и до сих пор производится фирмой «Vitra». Кроме стульев, дизайнер придумал более 25 различных форм для ламп.

Также Пантон занимался дизайном текстиля и интерьеров, создав интерьеры для издательских домов «Spiegel» и «Gruner & Jahr» в Гамбурге, а также для отеля «Astoria» в Тронхейме.

Стиль Пантона стал прототипом психоделического дизайна 1970-х годов и производили впечатление скульптур, а не мебели. В своих работал Пантон использовал яркие, ясные цвета. В 1980-х он начал экспериментировать с геометрическими формами, черпая вдохновение в возможностях новых материалов. Не имея чёткой структуры, пластик мог принимать любые формы и цвета, что было невозможно при использовании классических материалов как стекло, дерево и металл. Знакомство с Паулем Хеннингсеном, художником по свету, известным за свои смелые, чёткие эстетические принципы, позволило Пантону начать эксперименты с проектированием мебели. (В 1950 году Пантон женился на дочери Хеннингсена – Туве Кемп, но вскоре развёлся). Также он дружит с дизайнером-ремесленником Хансом Вегнером, известным из-за модернизации классических датских стульев из тика. Благодаря ему Пантон проявил страсть к экспериментам с пластиком и антропогенными материалами для создания динамичного цветового решения в геометрических формах поп-арта. дизайнером ламп, Shell Lamp, была создана в 1964 году и состояла из огромного количества кружков, вырезанных из ракушек. Это редкий пример использования Пантоном натуральных материалов. В большинстве же его светильников главная роль отводилась металлу, пластику, цвету и округлым формам.

Не менее важным было обучение и сотрудничество Вернера Пантона с Арне Якобсеном с 1950 по 1952 годы. В студии Пантон был не на самом лучшем счету, так как большую часть времени уделял собственным проектам.

Мечтой Пантона было полное слияние функций различной мебели. Мысль о том, что глядя на вещь можно с первого раза определить её функцию, лишала его воображения и желания творить. Кроме того, он мечтал нарушить традиционное деление на пол, стены и потолок, сместив их функции. Его легендарные наброски можно расценивать как зенит его карьеры.

В отличии от других датских дизайнеров у него был революционный, а не эволюционный взгляд на вещи и за свою жизнь он создал множество инновативных, рискованных и игривых вещей. Для их создания потребовались самые современные технологии, что отображало его жизненный оптимизм.

Аллен Джонс родился в Саутгемптоне в 1937 году. Учился в Лондоне (1955-59) и Королевский колледж искусств (1959-60) и затем вернулся в hornsey, чтобы пройти курс подготовки на преподавателя(1960-61).

В начале 1960-х в Королевский колледж искусств стал свидетелями зарождения британского поп-арта (поп-арт появился в америке в 1960). Аллен Джонс был одним из группы студентов, которых исключели (дэвид хокни и питер филлипс ), Они коренным образом изменили лицо британского искусства, с их преждевременными, нетрадиционными и непочтительными работами, которые были основаны на популярных вещах, их творения из новых форм и из новых материалов производили неоднозначное впечатление у публики. Свое предпочтение Джонс отдал гламуру и его стилю. Он сосредоточелся на красивых женщин и воплощении эротических и стереотипных образов в жизнь. Свое вдохновения он брал в глянцевых журналах, рекламе и в комиксах. Он сочетал с большим мастерством цвета и эффектную технику живописи, работы Джонса колеблется между живописью и скульптурой. Самые известные его работы, это мебель, за основную форму которой, была взята женская фигура. Он использует цвет для описания формы, иногда с графической точностью, или, наоборот, с энергией и свободой жест, который находится недалеко от прямого выражения. аналогичные изменения очевидны в его печатной графики.

Пройдя долгую и успешную карьеру в качестве художника, , Джонс остался ярким представителе британского поп-искусства. Его работы можно увидеть во многих общественных местах, включая самые модные рестораны. Он выполнял заказы для лондонского сити (1987), британский органом аэропортов ,аэропорт хитроу (1991), челси и вестминстер больницы (1992-93) taikoo место , гонконге (1997), chatsworth, дербишир (2000), glaxosmithkline международная штаб-квартира в лондоне (2001) и taikoo место , гонконг (2002 - 3).

Клас Олденбург (швед. Claes Oldenburg; 28 января 1929, Стокгольм) — американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта.

Сын шведского дипломата, Олденбург с 1936 г. жил в США (а в 1953 г. получил американское гражданство). Он жил, главным образом, в Нью-Йорке и Чикаго, в 1946—1950 гг. учился в Йельском университете, а затем, до 1954 г., в Институте искусств в Чикаго.

В 1960-е гг. Олденбург много выступал с разного рода хэппенингами. Позднее он стал более привержен объектному искусству. Наиболее характерный приём Олденбурга — скульптурное изображение достаточно небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигантском масштабе, а зачастую также причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве. Изначально носившие провокативный характер, произведения Олденбурга сегодня прочитываются как изящная игра, легко вписывающаяся в урбанистический пейзаж, — поэтому со временем работы Олденбурга активнее задействуются в качестве визуального решения городской среды. Так, вход в рекламное агентство «Chiat\Day» в Лос-Анджелесе выполнен Олденбургом в виде гигантского чёрного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из неё яркой красно-жёлто-зелёной ниткой (на противоположной стороне площади имеется другой конец нитки, с узелком).

В 1989 г. Олденбургу была присуждена Премия Вольфа в области искусства, в 1995 г. — Премия Рольфа Шока.

В сверкающих глянцем обложек журналах рекламировались оригинальные одноразовые платья из бумаги. Принтом для таких платьев служили комиксы, картины Энди Уорхола, упаковки, комиксы, реклама и портреты поп-героев и героинь. В 1966 году Компания "сСкот Пипол Компани" изобрела бумажное платье, предназначенное как маркетинговый инструмент в рекламе. За один доллар женщины могли купить платье и также получить купоны со скидками на продукты компании.

Основные черты стиля поп-дизайн:

· Использование различных видов пластика, оргстекла, ПВХ

· Недолгосрочная эксплуатация предметов

· Низкая цена

· Посредственное качество

· Использование ярких радужных цветов

· Оригинальная, забавная форма

Неспроста среди дизайнеров «поп» особой популярностью пользовался материал пластик. В 60-х годах было создано много видов пластика и освоены процессы их производства. При этом самым большим преимуществом была низкая стоимость. Яркие радужные цвета и необычные смелые формы стиля «поп» вытеснили последние остатки послевоенного аскетизма и дали новый стимул шагающему по миру оптимизму, который поддерживался беспрециндентным экономическим благосостоянием населения.

В связи с тем, что поп-дизайн в основном ориентировался на молодежный рынок, товары были дешевыми, и как следствие, часто посредственного качества. Этика недолговечности товаров была частью их стоимости, поскольку являлась противоположностью вневременной классики современности.

Поп-дизайн развивал свои собственные принципы и закономерности формообразования, противоположные идеологии «современного движения», но при этом не находился с ним в противоречии. «Поп» означало быть современным, быть молодым и в высшей степени соответствовать времени.

Поп-дизайн был неотъемлемо связан с американской мечтой абсолютно потребительского мировоззрения неприкрытого материализма, который в начале 60-х овладел всем западным миром. Аппетит к «попу» был ненасытным и всеобъемлющим. Даже объекты «современного мышления» становились воплощением «поп-мечты». Ричард Хамильтон включал электроприборы Браун в свои произведения, повышая их до поп-символов.

Поп-культура не только творилась из бесчисленных источников, но и создавала собственные галереи из моментально возникших героев и героинь. Оформленная Петером Белеком в 1967 году обложка Битлз «Клуб одиноких сердец сержанта Пеперсона» похожа на своеобразный иконостас поп-героев и героинь.

Художники 60-х видели свою главную задачу своей работы в том, чтобы публика принимала участие в их искусстве. Они стремились сократить дистанцию между своим произведением и зрителем, втянув последнего, как активного участника, в своё произведение.

Поп-дизайн вместе с другими течениями анти-дизайнерской направленности противостоял "современному движению" (функцианализму, модернизму), заявлявшему "меньше - значит лучше" и привел к радикальному дизайну 70-х. Средства массовой информации способствовали популяризации поп-дизайна. Многие считают, что до сих пор трудно дать точное определение сущности поп-арта и очертить его границы, но никто не сомневается, что поп-арт стал символом признания и одобрения новой "популярной культуры".Черпая вдохновение в самых разных течениях, от ар-нуво и ар-деко до футуризма, сюрреализма, китча, психоделического и космического стилей, сторонники поп-арта оказали огромное влияние на мир искусства и дизайна. Однако сам поп-ар просуществовал не долго: в связи с нефтяным кризисом начала 1970-х гг. возникла необходимость в более рациональном подходе к дизайну, и поп-арт уступил место возрождению ремесел.