История рождения театра

Шадринский  финансово-экономический колледж-

филиал  федерального государственного образовательного учреждения высшего профессионального  образования

 „Академия  бюджета и казначейства Министерства  финансов Российской Федерации”. 
 
 
 
 
 

Реферат

„Основы философии”

Тема: История рождения театра. 
 
 
 
 

                                           Выполнила: Черепанова К. В.

                                                                Студентка 203 гр.

                                           Специализация: Налоги и 

                                                                налогообложение

                                           Преподаватель: Разбойкина З.А.

                                           Оценка: 
 
 
 
 

Шадринск 2011г.

Введение.

     В наиболее общем смысле искусством называют мастерство, продукт которого доставляет эстетическое удовольствие. Энциклопедия Британника дает следующее определение: «Использование мастерства или воображения для создания эстетических объектов, обстановки или действия, которые могут быть разделены с окружающими». Таким образом, критерием искусства является способность вызывать отклик у других людей. Произведения искусства начали создавать еще в доисторические времена, однако некоторые авторы склонны считать искусством только профессиональную деятельность людей искусства в современных странах Запада. Литература о собственно концепции искусства чрезвычайно обширна. Как говорил Теодор Адорно: «В наше время считается общепризнанным, что из всего, так или иначе касающегося искусства, ничто более не может считаться общепризнаным».

    По  трудовой теории, в первобытном обществе искусство зарождается с видом Homo sapiens как способ человеческой деятельности для решения практических задач. Возникнув в эпоху среднего палеолита, первобытное искусство достигло расцвета в верхнем палеолите, около 40 тыс. лет назад, и могло быть социальным продуктом общества, воплощавшем новую ступень освоения действительности.

    Поздний период древнего каменного века был  временем зарождения простых форм искусства: танец, пение, музыка. Они были известны и питекантропам, и неандертальцам.

    Основы  искусства в современном понимании  этого слова были заложены древними цивилизациями: египетской, вавилонской, персидской, индийской, китайской, греческой, римской, а также аравийской (древнего Йемена и Омана) и другими. Каждый из упомянутых центров ранних цивилизаций создал собственный уникальный стиль в искусстве, который пережил века и оказывал свое влияние на позднейшие культуры. Также искусство различалось по различным видам деятельности: живопись, гончарное ремесло, театр и др. 
 

Театр –  это мысли свободный полет, 
Театр - здесь фантазия щедро цветет. 
В театре сердец расплавляется лед. 
И чудо рождается здесь 
с третьим звонком.

 
 
Театр - здесь искусства в едино сплелись. 
Театр - здесь мечта и реальность слились. 
Театр - здесь все помыслы тянутся ввысь. 
И чудо рождается здесь  
с третьим звонком.

 
 
Театр - и работа, и дом, где живем, 
Театр - здесь себя до конца отдаем. 
В театре родимся, в театре умрем.  
Ведь чудо рождается здесь  
с третьим звонком. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Высказывание  о театре.

    В театре на постоянную должность может  рассчитывать только один человек - ночной сторож. (Таллула Банкхед)/

    Главные роли играл легко. А вот "Кушать подано!" - не получалось. Трагик смеялся над комиком, когда тот плакал. Страстно желал получить роль Отелло. Дездемону играла его жена. В Академии наук давали "Горе от ума".

    Если  бы смысл театра был только в развлекательном  зрелище, быть может, и не стоило бы класть в него столько труда. Но театр есть искусство отражать жизнь. (Константин Станиславский)/

    Есть  два способа живо заинтересовать публику в театре: при помощи великого или правдивого. Великое захватывает  массы, правдивое подкупает отдельных  лиц. (Виктор Мари Гюго).

    Настоящие зрители должны приносить в театр не "свечи", а "дрова". А настоящие актеры должны на сцене не "тлеть", а "гореть". (Владимир Борисов (r1221)).

    Не  пропустите открытие театрального сезона! В анатомическом театре появились  новые труппы! (Владимир Плетинский)

    Никогда не забывайте, что театр живет  не блеском огней, роскошью декораций  и костюмов, эффектными мизансценами, а идеями драматурга. (Константин Станиславский)

    Спектакль будил воображение, но не зрителей. (Владимир Мееров)

    Театр - не отображающее зеркало, а увеличивающее стекло. (Владимир Маяковский)

    Театр - фрагмент жизни в рамке рампы. (Илья Шевелев)

    Театр начинается не с вешалки, а с кассы: вот где нас уже начинают раздевать. (Валентина Беднова)

    Театр начинается с вешалки, а кончается  буфетом. (Александр Красный)

    Истинный  артист создает, даже копируя. (Г. Лебон)

В театр  приходят не смотреть слезы, а слушать  речи, которые их исторгают. (Дени Дидро)

В театрах  проливается больше слез, чем в  церквях.  
 
 
 
 

    Значение  слова.

    Театр (греч. θέατρον — основное значение — место для зрелищ, затем — зрелище, от θεάομαι — смотрю, вижу) — форма исполнительского искусства. Театр — это синтез всех искусств, он включает в себя музыку, архитектуру, живопись, кинематограф, фотографию и т. д. Основным средством выразительности является актёр, который через действие, используя разные театральные приёмы и формы существования, доносит до зрителя суть происходящего на сцене. При этом актёром не обязательно может быть живой человек. Это может быть кукла управляемая человеком, или же предмет, которым управляет человек. Театр считается самым сильным средством влияния на человека, поскольку, видя происходящее на сцене, зритель ассоциирует себя с тем или иным персонажем, и через катарсис (очищение через страдание) внутри него происходят изменения. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Театр Древней Греции.

     Театр в Греции был государственным  учреждением, и организацию театральных  представлений брало на себя само государство, назначая для этих целей  специальных людей.

    Драматические представления проходили как состязания драматургов. В них участвовали три трагических и три комических поэта. Каждый из трагиков должен представить по четыре пьесы: три трагедии и одну сатирическую драму (это веселая пьеса на мифологический сюжет с хором, состоящим из сатиров).

    Три трагедии, связанные единством сюжета, составляли трилогию, после нее и  ставили сатирическую драму. Трилогия и сатирическая драма составляли тетралогию. Состязания продолжались три дня. Под вечер исполняли  комедию одного из комических поэтов.

    Благодаря тесной связи греческого театра с  культом Диониса актеры пользовались в Греции большим почетом и  занимали высокое общественное положение. Актером мог быть только свободнорожденный.

    Победителями  на драматических состязаниях вначале  признавались только хорег и драматург. Но начиная со второй половины V в. до н.э. в театральных состязаниях принимали участие и протагонисты.

    В греческой драме число актеров  не превышало трех человек, но одному и тому же актеру в течение пьесы  приходилось играть несколько ролей. Если в пьесах присутствовали немые роли, их играли статисты.

    Женские роли всегда исполнялись мужчинами. Трагические и комедийные актеры должны были не только хорошо декламировать  стихи, но и владеть вокальным  мастерством, так как в наиболее патетических местах драмы актеры исполняли арии. Путем постоянных упражнений греческие актеры вырабатывали у себя силу, звучность и выразительность голоса, безукоризненность дикции и доводили до совершенства искусства пения. Но кроме этого, греческий актер должен был владеть искусством танца и вообще искусством движения в самом широком смысле этого слова.

    Актеры  носили маски, так что мимика из игры была исключена. Тем больше должны были греческие актеры работать над искусством движения и жеста.

    Маски проникли в греческий театр из-за связи его с культом Диониса. Жрец, изображавший божество, всегда выступал в маске. Она отвечала задаче греческого театра создавать крупные обобщенные образы.

    Так, например, характер действующего лица определялось маской, которую надевал  на лицо актер: хохочущую, скорбную, умиротворенную. Кроме того, определенное значение

имела окраска маски: например, по багровому  ее цвету зрители узнавали раздражительного человека, по рыжему - хитрого и коварного.

    Исполнение  женских ролей мужчинами также  вызывало необходимость использование  маски. Маски делались из дерева или  полотна.

    Костюм  трагических актеров был некоторым  видоизменением пышной одежды, которую носили жрецы Диониса во время исполнения религиозных церемоний. Театральный хитон (одежда из льняной ткани) имел длинные рукава и спускался до пят. Плащи употреблялись в основном двух видов: гиматий (широкий плащ, располагавшийся складками вокруг тела) и хламида (короткий плащ с застежкой на плече). Цвет на одежде имел тоже определенное значение: роли счастливцев исполнялись в одеяниях с желтой или красной полосой, а синие или зеленые полосы отмечали неудачников.

    Обувь трагического актера называлась котурнами (башмаки с высокими голенищами). Сценические котурны имели толстые, состоящие из нескольких слоев подошвы, благодаря чему увеличивался рос актера.

    Чтобы придать своей фигуре еще большую  величественность, трагические актеры укрепляли под одеждой специальные  подкладки или небольшие подушки, сохраняя при этом естественные пропорции  тела.

    В комедии употребление подушек и  подкладок, наоборот, вызывалось стремлением нарушить нормальные пропорции человеческого тела и тем вызвать смех.

    Зрители ели и пили в самом театре. Все  были одеты в праздничные одежды, головы украшали венками. На Великих  Дионисиях происходило громадное  стечение горожан, к которым присоединялись еще и жители других городов-государств, приезжавшие со всей Греции.

    Жребий  определял порядок представления  пьес соревнующихся драматургов. Звук трубы возвещал о начале каждой пьесы. Афинская публика была очень восприимчивой и непосредственной. Если пьеса нравилась, зрители выражали одобрение аплодисментами и криками. Если пьеса не нравилась, зрители свистели, щелкали языком, стучали ногами. Бывали и такие случаи, когда актера прогоняли со сцены камнями и требовали прекратить пьесу и начинать новую. Таким образом, суждение народа имело существенное значение для успеха представления.  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

История театра в России.

До XVII века

    Но  постепенно «эстафета» лицедейства  была перенята мирянами. Русские средневековые актёры скоморохи известны с XI столетия. Среди них были музыканты, певцы, танцоры, шутники, дрессировщики диких животных (в первую очередь медведей, Медвежья потеха). Это были нищие люди, не имеющие ни угла, ни пропитания, ни одежды, и заняться таким промыслом их заставляла нужда. Часто они объединялись и вместе ходили по Руси, прося подаяния, за которое и показывали свои таланты. Они стали строить на городских площадях легкие постройки для своего жилья и приема посетителей-зрителей — балаганы.

    Под балаганные представления выделялись точно установленные сроки — как правило, масленичные и пасхальные гуляния, торговые ярмарки и т. п.

    И хотя официально: «В России первый балаган  был связан с именем Петра I», народные представления на Руси известны издавна.

     Из театральных  атрибутов скоморохи использовали кукол, маски, райки, первые музыкальные  инструменты — гусли, дудки, жалейки и т. д. Однако балаганы ещё долгое время продолжали существовать как места для ярмарочных представлений, да и сами эти шутейные представления на ярмарках, городских и рыночных площадях получили название балаганов. Сюжеты и шутки балаганных выступлений были грубыми, в основном с «физиологическим уклоном» — это были представления для народа, и темы выбирались понятные для самых низких слоёв общества. Поэтому само слово «балаган» со временем приобрело презрительный оттенок и стало значить шумное сборище многих людей с дурным вкусом. Однако не учитывать значение балаганных выступлений в развитии театрального искусства на Руси невозможно.

XVII век

Впервые царский  театр в России принадлежал царю Алексею Михайловичу и просуществовал с 1672 года до 1676 года. Начало его связано  с именем боярина Артамона Матвеева, человека весьма образованного и  принимавшего западную культуру, который  первым и подал идею создания театра по образцу европейского русскому царю, искавшему различные увеселительные мероприятия. Артамон Сергеевич сам взялся за осуществление собственного предложения, повелев проживавшему в Москве пастору Немецкой слободы Иоганну Готфриду Грегори заняться набором актёрской труппы, что тот и исполнил с прилежным старанием. Пастор не только взялся за обучение новоявленных артистов — 64 отобранных молодых мужиков и мальчиков-подростков, которых собирал и уговаривал пойти в артисты по различных московским заведениям, но и сочинил пьесу на библейский сюжет об Эсфири, спасшей еврейский народ от бесчинств Амана. Пьеса получила название «Артаксерксово действо», но была написана на родном языке автора — немецком, однако решено было дать спектакль на русском языке.

    Для этого собрали всех «толмачей» из Посольского приказа, а текст  пьесы разделили на несколько  неравнозначных частей и отдали разным переводчикам. Когда всё произведение было переведено, оказалось, что целостности  в тексте нет. Начало «Эсфири» было выписано очень тщательно, причём, силлабическим размером стиха, а в середине текста пьеса вдруг сваливалась на прозу.

    Возможно, далеко не все переводчики в совершенстве владели немецким языком, а потому текст передавали слишком приблизительно. Но не исключено, что отдельные переводчики перекладывали пьесу так, чтобы максимально приблизить немецкий текст к российским реалиям. Как бы там ни было, сам автор не очень-то настаивал на том, чтобы всё было переведено досконально. В конце концов, какая разница, если пьесу «заказал» сам царь. У него был свой прицел: царю очень хотелось улучшить отношения с Персией, а именно об этой стране шла речь в пьесе.

    Сначала представление предполагалось в  личном доме одного из царских вельмож, однако дело потребовало серьезного подхода, и вскоре в подмосковной резиденции царя, в селе Преображенском было построено настоящее театральное помещение.

    17 октября 1672 года прошло открытие  долгожданного театра и первое  представление. На этом важном  событии присутствовали сам царь и все его ближние бояре. В специальной ложе находились царица и её придворные дамы. Представление длилось десять часов, но царь досмотрел всё до конца и остался очень доволен. Когда спектакль был окончен, зрители тут же отправились в баню, так как считали, что после такого «действа» необходимо смыть с себя все грехи. Театр называли в то время «позорищем» (дословно — зрелищем). В 1673 году произошли некоторые изменения. Театр был перенесён в другое помещение, которое находилось над Аптекарской палатой Кремля. Труппа актеров тоже пополнилась".

    Как рассказывает дальше в своей статье Юрий Москаленко, «до нас дошли  сведения даже о гонораре Иоганна  Грегори. За первый спектакль, так потешивший царя-батюшку, немецкий пастор получил  „40 соболей во 100 рублев, да пару в восемь рублев“. А кроме того, царь пожелал посмотреть в глаза актерам, и все они предстали перед очи государя…», а сам «драматург» взялся за написание нового драматургического произведения:

    Уже в следующем, 1673 году, окрыленный Грегори  поставил второй спектакль. Он назывался «Комедия из книги Иудифь» или «Олоферново действо», где был уже другой, но все еще библейский сюжет о еврейской женщине Юдифи, которая пробралась во вражеский стан и отрубила голову ассирийскому военачальнику Олоферну. Справедливости ради следует сказать, что он ее потерял еще до того, как холодное лезвие коснулось кожи. Вот какими словами пытается соблазнить красавицу суровый полководец: «Не зрише ли, прекрасная богиня, яко сила красоты твоея мя уже отчасти преодолевает? Смотрю на тя, но уже и видети не могу. Хощу же говорити, но языком больши прорещи не могу. Хощу, хощу, но не могу же, не тако от вина, яко от силы красоты твоея низпадаю!».

    Однако  со смертью царя Алексея Михайловича, случившейся 29 января 1676 года, умер и  первый русский царский театр.

XIX век и начало XX века

    В начале XIX века, в 1803 году при Александре I в императорских театрах впервые  произошло разделение на драматическую  и музыкальную труппы, музыкальная  в свою очередь разделилась на оперную и балетную. Идея такого разделения принадлежала Катерино Кавосу, который сам же возглавил оперу в Санкт-Петербурге. В Москве, хотя такое разделение официально произошло, музыкальная и драматическая части еще долго были объединены единой сценой — до самого открытия в 1824 году новой драматической сцены, со временем получившей название Малого театра. Малый и Большой московские театры получили свои названия не сразу, поначалу их так называли исключительно по сравнительным характеристикам, лишь со временем они обрели официальный статус. Однако, несмотря на разделение трупп, обе сцены еще долго были фактически неразрывны из-за общего руководства, администрации, общей костюмерной и иных необходимых театральных атрибутов.

    Постепенно  количество театров, входящих в управление императорской театральной конторой, увеличивалось. Это были петербургские и московские государственные театры, труппы которых размещались в Большом и Малом театре (Москва), в Мариинском, Александринском, Эмитажном театре, Большом Каменном в (Петербург). Актеры и все остальные работники императорских театров принадлежали не к одной труппе, а ко всем театрам и распоряжались ими чиновники конторы по своему усмотрению, потому легко назначались и переназначались на разные сцены. Нередко бывало, что актер Александринского театра срочно командировался в московский Малый театр, а музыканты-питерцы переезжали в Большой театр Москвы. И соответственно — наоборот. Чиновники императорской конторы не обеспокоивались ни семьями, ни иными вопросами подчиненных им артистов. Чиновники ведали и репетуарной частью, от них зависело принимать или нет к постановке пьесу или музыкальный спектакль. Это не давало ходу свободе творчества, и потому все большее место в истории русского театра занимали частные труппы.

     Вся последующая  история русского театра была историей господства западноевропейского, преимущественно  французского, драматического искусства. Такое положение вещей продолжалось почти сто лет. Французская школа игры, акклиматизировавшись вполне на русской сцене и соответствуя внутреннему характеру репертуара, породила немалое количество сценических художников. Свойственная ей красота внешних приемов, отделка мельчайших подробностей игры, продуманность стиля и достоинства декламационной стороны исполнения вместе с глубоким уважением к искусству поставили лучших русских актёров наряду с крупными артистическими силами Запада. Были эпохи в истории русского театра, беспримерные по числу замечательных дарований, находившихся одновременно на сцене.

    XIX век стал для России открытием  своих талантов. Русский театр,  оказавшийся прекрасным учеником  и принявший в себя основы  западно-европейской культуры, стал искать собственные пути развития, ни в коем случае при этом не отстраняясь от своих учителей — деятелей западно-европейской культуры. Истинный хороший ученик всегда будет благодарен учителям. Происходило зарождение русской интеллигенции.

    Это время характеризуется поднятием  русского музыкального искусства — стало появляться много русских самобытных музыкантов, композиторов, вокалистов, танцоров и балетмейстеров, особенного успеха достига русская опера. В музыке появилось свое русское направление, в развитии которого не последнюю роль сыграли композиторы «Могучей кучки», поставившие во главу угла музыкальных произведений не столько музыкальную красоту, услаждающую слух, а тему, сюжет музыкального произведения.

    Первым  русским театральным историографом стал Пимен Николаевич Арапов, подготовивший к изданию энциклопедическую «Летопись русского театра» (СПб., 1861), куда вошла вся история русского театра от 1673 до 26 ноября 1825 года. В России появилась театральная и музыкальная критика (один из ярчайших представителей ее — Владимир Васильевич Стасов). В Санкт-Петербурге в 1808 году начинает выходить первый русский театральный журнал на русском языке — «Драматический вестник», периодичность — 2 раза в неделю. Второй русский театральный журнал, как и положено по традиции времени, стал выпускаться в Москве в 1811 г. — назывался «Журнал драматический» . И уже через несколько лет количество различной театральной прессы насчитывалось несколько десятков, и все они выходили в Петербурге и Москве.

    На театральной сцене, наряду с произведениями классической европейской драмы, занимали свое место отечественные произведения. Серьезные драмы выдающихся русских литераторов Пушкина, Лермонтова, Гоголя, а также произведения менее значимых литераторов (Хмельницкий; Потехин; Ленский; Тарновский), отнюдь не теснили произведения европейских драматургов, а становились в единый ряд с ними. Легкие французские водевили не сходили с русских театральных подмостков, но охотно соседствовали с водевилями русских авторов, сочинявших свои творения во многом в стиле французских классических водевилей, однако с использованием отечественных социальных и бытовых основ и специфически отечественных тем.

    В XIX веке русский театр постепенно становится выразителем исключительно  российских социально-общественных идей. Новые поколения драматургов, режиссеров, актеров уже целиком сосредотачиваются на истории и социальных явлениях России.

     Игра актеров  еще оставалась искусственно напыщенной и мало соответствовала нынешним представлениям о театральной культуре. Однако время потребовало реформ в этой области.

    Большая роль в становлении реалистического  русского театра отведена творчеству Александра Николаевича Островского. Новаторские театральные идеи Островского  находили свое воплощение в первую очередь в императорских Малом (Москва) и Александринском (Петербург) театрах, а с императорских сцен переходили в частные антрепризы, работавшие в провинции.

    С появлением Островского своеобразные его создания нашли себе превосходных исполнителей и истолкователей в среде блестящей актёрской плеяды, способной понять, усвоить и воспроизвести самые разнородные типы. Садовский и Шумский, прекрасные исполнители мольеровских типов, дали незабвенные образцы из галереи Островского. Высокие создания Шекспира, комизм театра Мольера и «русская душа» героев Островского — все было под силу этим крупным дарованиям, изощренным школой.

    Однако  все театральные новаторства  после Островского в русском  императорском театре закончились. Чиновная контора, в подчинении которой  находились императорские театры, боялась любых катаклизмов, могущих помешать и покачнуть «чиновные кресла». Все новаторства в драматических императорских театрах были строжайше запрещены — роли переходили от одних актеров к следующим поколениям безо всяких изменений. А новые спектакли ставились в установленных разрешенных рамках.

    Вскоре  после Февральской революции  Дирекция императорских театров  была преобразована в Дирекцию государственных  театров (директор Фёдор Батюшков), которая существовала до ноября 1917 года. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

БОЛЬШОЙ ТЕАТР - БОЛЬШАЯ ИСТОРИЯ

    История Большого, или, как его назвали  современники, Петровского театра связана  с именем губернского прокурора, князя Петра Васильевича Урусова, имевшего труппу актеров. Именно Урусов 17 (28) марта 1776 года получил высочайшее позволение «содержать театральные всякого рода представления, а также концерты, вокалы и маскарады, а кроме его, никому никаких подобных увеселений не дозволять во все назначенное по привилегии время, дабы ему подрыву не было». По данной ему «высочайшей» привилегии князь был обязан в течение пяти лет построить для труппы постоянное театральное здание «с таким внешним убранством, чтобы он городу служил украшением...»