Культурно-историческая эволюция театральных представлений

                                                         Заочное отделение

РЕФЕРАТ

  Факультет                   «Театральное искусство»

 Специализации         «Режиссура эстрады и массовых праздников»

 По предмету «Режиссура фестивального движения»

Тема  «Культурно-историческая эволюция театральных                    представлений»

История театральных представлений  уходит в далекое прошлое - свои театры имелись и в Древнем Египте, и в Греции и в Римской империи.

С тех пор как на Земле  появились первые люди, форма и  содержание их культурного отдыха постоянно  развивалась и усложнялась: то, что  когда-то было ритуальной пляской вокруг костра, теперь выглядит как супер- мегашоу, в котором задействованы лазеры, небоскребы и аэрокосмическая техника.

Специфическим средством  выражения театра (от греч. theatron - место для зрелищ) является сценическое действие, возникающее в процессе игры актера перед публикой. Истоки театра лежат в древних охотничьих игрищах и массовых народных обрядах. А первые литературные произведения, в свою очередь, создавались именно для постановки театрального действа. В Древней Греции существовали различные виды театра со своими традициями и сценической техникой. Богатые и разнообразные формы зрелищ были созданы в странах Древнего Востока, в Индии, Китае, Индонезии, Японии. В средневековой Европе носителями народного театрального творчества являлись бродячие актеры - гистрионы, жонглеры, скоморохи. Первым профессиональным европейским театром стала итальянская народная комедия масок. С эпохи Возрождения театр становится литературным, тяготеет к оседлому образу жизни в городских культурных центрах.

С этих пор театр превращается в общественное средство развлечения, которым остается вплоть до начала XX века, когда на смену ему приходит кино. Увлечение театром можно  проследить до начала II Мировой войны, после которой кино окончательно утвердилось в роли, ранее отведенной театру. К этому моменту интерес  к театру становится сугубо профессиональным. После полувекового забвения интерес  к театру начинает возвращаться, но уже не может приобрести прежнего значения.

Песни козлов во славу  Диониса

Костюмированные шествия  жрецов устраивали еще в древнем  Египте, а первые полноценные представления  стали давать на подмостках древнегреческих  театров — тоже с легкой руки жрецов, которые периодически топали строем по Элладе, прославляя бога вина Диониса. А поскольку после общения  с зеленым змием ничего путного  не получается, театральных жанров было сначала всего два — трагедия и комедия. Греческие актеры были мужчинами — уважаемыми и свободнорожденными. Женщин в актрисы не пускали, на комедийные представления тоже, а для просмотра  трагедий сажали отдельно от мужской  половины зрителей.

Театры устраивались с  размахом — зрительный зал, правда, был без крыши, зато публике разрешалось  приносить на представления подушки, еду и вино, чтобы было веселее смотреть на сцену. Сценой, кстати, называлась постройка (что-то вроде гримерки) за орхестрой — площадкой для актеров. Как: В спектакле было занято всего два актера и хор — от 7 до 15 человек. Актеры выступали на маленьких табуретках-котурнах, прикрепленных к ногам вместо обуви, и в масках, изображавших основные эмоции. Здание театра было настолько большим, что с последних рядов лиц актеров не было видно, так что маски поясняли зрителям, кто кого куда послал. Исполнителям тоже было непросто: им приходилось без конца менять маски, внятно (и громко!) декламировать стихи, петь арии и танцевать на шатких котурнах.

Хлеба и зрелищ!

Первые гладиаторские  бои состоялись в Риме в 264 году до нашей эры на Бычьем рынке, и зрители  были под таким впечатлением, что  событие попало в летописи, а устроители поняли, что нужно развивать тему. Со временем гладиаторы стали сражаться  не только друг с другом, но и с  животными (римляне вообще любили использовать животных нетрадиционно — и плевать  им было на экологию); потом появились  гладиаторы-карлики и даже гладиаторы-женщины. Запретили все это безобразие только в 400 году нашей эры, когда  передовые жители Римской империи  массово приняли христианские ценности. Театр в Риме тоже существовал, но как-то не прижился — может, потому, что актера, умиравшего по замыслу  пьесы, в последний момент заменяли на арестанта, приговоренного к смерти, и убивали прямо на сцене: тут и Станиславский согласился бы, что все получалось очень достоверно. Даже слишком.

Гладиаторами становились  пленные и рабы, жаждущие спасения и свободы, а иногда — свободные  граждане, мечтавшие о славе и  деньгах. В актеры шли опять же рабы (непрестижное это было занятие), лицедеи по призванию и даже один экстравагантный император — Нерон.

Бои проходили на цирковых аренах, а на театральные представления  бюджета не хватало, поэтому до середины I века до нашей эры трагедии давали на временных подмостках, а комедии  — прямо на городских улицах. К началу I века новой эры римляне  все-таки начали строить театры, почти  полностью скопипастив их у греков и добавив от себя кровлю.

Римские актеры играли без  масок, так что трагический жанр постепенно вымер. Зато расцвела пантомима  и пиррихии (танцевально-пантомимические  спектакли), потому что в них участвовали  женщины, которые устраивали на сцене  почти порнографические пляски —  и часто делали на этом грандиозную  карьеру.

Пантомимистка Феодора была девушкой совсем без комплексов, поэтому сначала превратилась из актрисы в патрицианку, а потом вообще стала женой императора Юстиниана. Мужчин-пантомимистов толпа тоже обожала: народ бегал за ними по улицам, их принимали в знатнейших домах и воздвигали им памятники рядом со статуями цезарей. Проще говоря, именно в эпоху Римской империи появились первые фанаты и фан-клубы актеров.

С V по X век это было церковное  богослужение с пением молитв —  литургия, но постепенно скучноватые, хотя и задушевные гимны разбавили  жонглерами, мимами и прочими комедиантами, а популярные в те времена жития  святых превратились в миракли —  средневековые мистерии.

Гистрионы — фрилансеры от театра, странствующие актеры, ваганты — поэты, певцы и жонглеры, шпильманы — бродячие артисты из Германии, а еще студенты университетов и совсем молодые церковнослужители. Где: Вначале, конечно, в церкви, а к XIII веку — на городских площадях.

Актеры давали многосерийные  представления в сопровождении  рифмованных стихов (написанных в  основном на латыни) или показывали сюжеты из Библии — в комическом изложении, с шутками-прибаутками  на злобу дня. За этот самый комизм и актуальность мистерии к середине XVI века и запретили. Совсем.

Комедия дель арте — это высший пилотаж импровизации по-итальянски: именно от площадной комедии масок ведут свое начало профессиональные актерские труппы, театральная режиссура, сценарии и четкое разделение на амплуа. Кто: Актеры, пожизненно исполнявшие роли одного-двух персонажей, имена и характеры их были такими же неизменными и традиционными, как греческие театральные маски. Только "юные влюбленные" играли без масок и более или менее соответствовали возрасту своих персонажей. Эти комедии разыгрывались в апартаментах знатных вельмож, при королевских дворах, на временных подмостках, на карнавалах. Актеры комедии дель арте не изнуряли себя заучиванием роли: за кулисами висел листок с приблизительным сценарием, и, придерживаясь его, актеры вдохновенно несли отсебятину. Естественно, для такой импровизации нужны были хорошая дикция, память, находчивость, фантазия, а заодно — владение искусством пантомимы, акробатики и декламации.

Цирк, цирк, цирк!

Любимое зрелище современных  детей и жителей Древнего Рима. Кто: Клоуны, акробаты, силовые гимнасты, фокусники, иллюзионисты, дрессировщики, наездники, эквилибристы. В стационарном каменном здании или шатком полотняном шатре, который вместе со всей труппой  и реквизитом возили по городам и  весям. Здание и шатер объединял  обязательный атрибут цирка — арена, причем к XIX веку ее размер был унифицирован во всепланетном масштабе: 13 метров в диаметре — по такой окружности лошади легко скакать галопом, не сбрасывая всадника себе под ноги. Как: По "цирковым" дням все античные граждане могли бесплатно насладиться скачками, боями гладиаторов, искусством дрессировщиков и даже водными баталиями, ради которых вся арена заливалась водой при помощи сложной гидравлической системы. Позже цирк стал платным, но развлечения изменились мало — разве что гладиаторов заменили борцы.

Вертеп

Вообще, "вертеп" на старославянском  означает "пещера" — скажем, та пещера, в которой родился Иисус, а вовсе не притон, бордель или  еще какое неприличное место. В старину вертепом называли и  композицию из фигур, воспроизводящих  сцену Рождества Христова. Участники - иногда — живые актеры, чаще кукловоды  и куклы ручной работы, с удивительной резьбой, одеждой и украшениями. Современные коллекционеры покупают таких кукол за весьма впечатляющие суммы.

Вертеп обожали славяне  России, Польши, Белоруссии и Украины. В католических странах и сегодня  устраивают вертепы с девой Марией, волхвами и младенцем Христом. Как: Из подручных материалов, с применением  народных искусств и шедевров декоративно-прикладного  мастерства. Масштабно мыслящие устроители праздников организуют целые Вифлеемские  деревни с живыми актерами и домашними  животными: туда можно войти как  в музей — и дело богоугодное, и прибыль в кармане.

Балаган

Балаган - жанр демократичного сатирического спектакля родился  на русских ярмарках, а первый официальный  балаган учредил в 1700 году Петр I, приказавший выстроить в Москве, в Китай-городе, деревянную "комедийную хоромину", которую два года спустя открыла труппа немецких комиков. Очень  скоро балаган стал обязательной частью программы народных увеселений. В древности это были скоморохи  — они устраивали представления  под аккомпанемент гудка, гуслей, жалейки, домры, волынки или бубна. Но публика попадалась скуповатая, официальные власти скоморохов не жаловали, поэтому долгое время им приходилось  объединяться в ватаги, промышлявшие разбоем на большой дороге. И только к началу XVIII века бродячие артисты  переместились в балаганы, в компанию силачей, гимнастов, фокусников и дрессировщиков. На ярмарках под балаган приспосабливали  что придется, а позже стали  строить специальные временные  здания: публика поприличнее занимала первые ряды — лавки, остальные стояли сзади — в "загоне". Самые известные балаганы работали в Москве, Петербурге и Нижнем Новгороде. Кроме обычных развлечений, в балагане устраивали раек — ящик с толстым стеклом, сквозь которое можно было разглядывать передвижные картинки и слушать рифмованные комментарии к ним: получалось что-то вроде телевизора на ручной тяге. К ящику прилагался агент — раешный дед, который устраивал пиар-акции перед входом в балаган.

ДРЕВНЕГРЕЧЕСКИЙ ТЕАТР

Происхождение древнегреческой  драмы и театра

Появлению драмы в Греции предшествовал длительный период, на протяжении которого главенствующее место  занимали сначала эпос, а затем  лирика("Илиада", "Одиссея", произведения лирических поэтов VI в. до н.э.).

Рождение греческой драмы  и театра связано с обрядовыми играми, которые посвящались богам-покровителям земледелия: Деметре, ее дочери Коре, Дионису. Такие обряды иногда превращались в  культовую драму.

Дионис (или Вакх) считался богом творческих сил природы; позднее  он стал богом виноделия, а потом  богом поэзии и театра. Символами  Диониса служили растения, особенно виноградная лоза. Его часто изображали в виде быка или козла.

На праздниках, посвященных  Дионису, распевали не только торжественные, но и веселые карнавальные песни. Шумное веселье устраивали ряженые, составлявшие свиту Диониса. Участники  праздничного шествия мазали лицо винной гущей, надевали маски и козлиные шкуры.

Из обрядовых игр и  песен в честь Диониса выросли  три жанра древнегреческой драмы: трагедия, комедия и сатировская комедия (названная так по хору, состоявшему из сатиров).Трагедия отражала серьезную сторону дионисийского культа, комедия - карнавально-сатирическую. Сатировская драма представлялась средним жанром. Веселый игровой характер и счастливый конец определили ее место на праздниках в честь Диониса: сатировскую драму ставили как заключение к представлению трагедий.

Многое о происхождении  греческой драмы могут сказать  сами слова трагедия и комедия. Слово  «трагедия» происходит от двух греческих  слов: трагос - "козел" и одэ - "песнь", т.е. "песнь козлов". Это название вновь ведет нас к сатирам-спутникам Диониса, козлоногим существам, прославлявшим подвиги и страдания бога. Слово «комедия» происходит от слов комос и одэ. "Комос" - это шествие подвыпившей толпы ряженых, осыпавших друг друга шутками и насмешками, на сельских праздниках в честь Диониса. Следовательно, слово комедия обозначает "песнь гуляк".

Греческая трагедия, как  правило, брала сюжеты из мифологии, которая хорошо была известна каждому  греку. Используя мифологическую оболочку, драматург отражал в трагедии современную ему общественно-политическую жизнь, высказывал свои этические, философские, религиозные воззрения. Поэтому роль трагических представлений в общественно-политическом и этическом воспитании граждан была огромна.

Уже во второй половине VI в. до н. э. трагедия достигла значительного  развития. Античная история передает, что первым афинским трагическим поэтом был Феспид (VI в. до н. э.). Первая постановка его трагедии состоялась весной 534 г. до н. э. на празднике Великих Дионисий. Этот год принято считать годом рождения мирового театра.

Феспиду приписывают усовершенствование масок и театральных костюмов. Но главным нововведением Феспида было выделение из хора одного исполнителя, актера. Этот актер мог обращаться к хору с вопросами, отвечать на вопросы хора, изображать по ходу действия различных персонажей, покидать сценическую площадку и возвращаться на нее.

Таким образом, ранняя греческая  трагедия была своеобразным диалогом между актеров и хором. При  этом, хотя количественно партия актера в первоначальной драме была невелика и главную роль играл хор, именно актер с самого своего появления стал носителем действенного, энергичного начала.

В комедии гораздо шире, чем в трагедии, к мифологическим мотивам примешивались житейские, которые постепенно стали преобладающими или даже единственными, хотя в целом  комедия по-прежнему считалась посвященной  Дионису. Так, стали разыгрываться  небольшие сценки бытового и пародийно-сатирического  содержания. Эти импровизированные  сценки представляли собой элементарную форму народного балаганного  театра и назывались мимами (в переводе значит "подражание", "воспроизведение"; исполнители этих сценок также назывались мимами).

Героями мимов были традиционные маски народного театра: горе-воин, базарный воришка, ученый-шарлатан, простак, дурачащий всех, и т.д.

Комедия V в. до н. э. была политической по своему содержанию. Она постоянно затрагивала вопросы политического строя, внешней политики Афинского государства, вопросы воспитания молодежи, литературной борьбы и др.

Злободневность древней  аттической комедии усугублялась тем, что в ней допускалась полная свобода в карикатурном изображении  отдельных граждан, выводимых к  тому же под своими подлинными именами (поэты Эсхил, Софокл, Еврипид, Агафон, вождь афинской демократии Клеон, философ Сократ и другие - у Аристофана). При этом древняя аттическая комедия создает обычно образ не индивидуальный, а обобщенный, близкий к маске народного комедийного театра. Например, Сократ в "Облаках" Аристофана наделен не чертами реального лица, но всеми свойствами ученого-шарлатана, одной из любимых масок народных карнавалов. Такая комедия могла существовать только в условиях афинской рабовладельческой демократии.

Театр демократических  Афин

Своего наивысшего расцвета древнегреческое театральное искусство  достигло в творчестве великих трагиков V в. до н. э. - Эсхила и Софокла.

Творчество Эсхила связано  с эпохой становления Афинского  демократического государства. Это  государство формировалось в  период греко-персидских войн, которые  велись с небольшими перерывами с 500 до 449 г. до н. э. и носили для греческих государств-полисов освободительный характер.

Эсхил родился в Элевсине, близ Афин. Известно, что Эсхил принимал участие в сражениях при Марафоне и Саламине. Битву при Саламине он описал как очевидец в трагедии "Персы". Незадолго до своей смерти Эсхил отправился на Сицилию, где и умер.

Эсхил написал около 80 трагедий и сатировских драм. До нас дошли полностью только семь трагедий; из других произведений сохранились небольшие отрывки.

Мировоззрение Эсхила в основе своей было религиозно-мифологическим. Он верил, что существует извечный миропорядок, который подчиняется действию закона мировой справедливости. Человек, вольно или невольно нарушивший справедливый порядок, будет наказан богами, и  тем самым равновесие восстановится. Идея неотвратимости возмездия и  торжества справедливости проходит через все трагедии Эсхила.

Эсхил ввел в свои трагедии второго актера и тем открыл возможность  более глубокой разработки трагического конфликта, усилил действенную сторону  театрального представления. Это был  настоящий переворот в театре: вместо старой трагедии, где партии единственного актера и хора заполняли  всю пьесу, родилась новая трагедия, в которой персонажи сталкиваются на сцене друг с другом и сами непосредственно мотивировали свои действия.

Из дошедших до нашего времени  трагедий великого драматурга особо  выделяются следующие: "Персы" (472 г. до н. э.), где прославляется победа греков над персами в морском сражении при острове Саламине (480 г. до н. э.); "Прометей Прикованный" - возможно, самая известная трагедия Эсхила, повествующая о подвиге титана Прометея, подарившего огонь людям и жестоко за это наказанного; трилогия "Орестея" (458 г. до н.э.),известная тем, что единственный дошедший до нас полностью образец трилогии, в которой мастерство Эсхила достигло своего расцвета.

Эсхил известен как лучший выразитель общественных устремлений  своего времени. В своих трагедиях  он показывает победу прогрессивных  начал в развитии общества, в государственном  устройстве, в морали. Творчество Эсхила оказало заметное влияние на развитие мировой поэзии и драматургии.

На смену Эсхилу пришел Софокл (496-406 до н. э.), который продолжил его традиции, но в то же время ввел новшества в творчество трагедий. Софокл происходил из зажиточной семьи владельца оружейной мастерской и получил хорошее образование. В 486 г. Софокл одержал на конкурсе драматургов свою первую победу над самим Эсхилом.

Софокл принимал участие и в государственной жизни, занимая ответственные должности. Так, он был избран стратегом и вместе с Периклом участвовал в экспедиции против острова Самоса, решившего отделиться от Афин.

До нас дошло только семь трагедий Софокла, написал же он их свыше 120.Трагедии Софокла несут в себе новые черты. Если у Эсхила главными героями были боги, то у Софокла действуют люди, хотя и несколько оторванные от действительности. Поэтому о Софокле говорят, что он заставил трагедию спуститься с неба на землю. Основное внимание Софокл уделяет человеку, его душевным переживаниям. Конечно, в судьбах его героев ощущается влияние богов, даже если они и не появляются по ходу действия, и эти боги также могущественны, как и у Эсхила, - они могут сокрушить человека. Но Софокл рисует, прежде всего, борьбу человека за осуществление своих целей, его чувства и мысли, показывает страдания, выпавшие на его долю.

Творчество Софокла сложно и противоречиво. Его трагедии отразили не только расцвет, но и назревающий кризис полисной системы, закончившейся гибелью афинской демократии.

Греческая трагедия в творчестве Софокла достигает своего совершенства. Софокл ввел третьего актера, увеличил диалогические части комедии (эписодии) и уменьшил партии хора. Действие стало более живым и достоверным, так как на сцене могли одновременно выступать и давать мотивировку своим поступкам три персонажа. Однако хор у Софокла продолжает играть важную роль в трагедии.

Наиболее известны трагедии Софокла из фиванского цикла мифов.Это "Антигона"(около 442 до н. э.),"Царь Эдип" (около 429 до н.э.) и "Эдип в Колоне" (поставлен в 441 г. до н. э., уже после смерти Софокла). В основе этих трагедий, написанных и поставленных в разное время, лежит миф о фиванском царе Эдипе и о несчастьях, обрушившихся на его род.

Трагедии Софокла явились художественным воплощением гражданских и нравственных идеалов античной рабовладельческой демократии периода ее расцвета. Этими идеалами были политическое равенство и свобода всех полноправных граждан, беззаветное служение родине, уважение к богам, благородство стремлений и чувств сильных духом людей.

РИМСКИЙ ТЕАТР

Истоки римского театра

Истоки римского театра и  драмы восходят, как и в Греции, к обрядовым играм, богатым карнавальными  элементами. Таков, например, праздник Сатурналий - в честь италийского  божества Сатурна. Особенностью этого  праздника было "переворачивание" привычных общественных отношений: господа на время становились "рабами", а рабы - "господами".

Одним из истоков римского театра и драмы были сельские праздники  сбора урожая. Еще в отдаленные времена, когда Рим представлял  собой небольшую общину Лациума, по деревням справлялись праздники в связи с окончанием жатвы. На этих праздниках распевались веселые грубоватые песни - фесценнины. Зародившись еще при родовом строе, фесценнины существовали и в последующие века, и в них, по свидетельству Горация, находила отражение социальная борьба между плебеями и патрициями.

Существовала и другая форма примитивных зрелищ - сатура. Основой для сатур послужили  мимические танцы этрусских плясунов. В 364 г. до н. э. Рим постигло моровое поветрие. Чтобы умилостивить богов, решили устроить сценические игры. Из Этрурии были приглашены актеры-плясуны, которые исполняли свои танцы под аккомпанемент флейты. Этрусским актерам стала подражать римская молодежь, которая прибавила к пляске шуточный диалог, написанный нескладными стихами, а также жестикуляцию. Так возникли сатуры (в переводе значит "смесь").

Сатуры были драматическими сценками бытового и комического  характера, включавшими в себя диалог, пение, музыку и танцы.

Еще одним видом драматических  представлений комического характера  являлись ателланы, которые были позаимствованы у других племен, населявших Апеннинский полуостров, с которыми Рим вел непрерывные войны. Молодежь увлеклась этими играми и стала устраивать их в дни праздников.

Таким образом, в Риме существовали примерно те же обрядовые игры, что  и в Древней Греции. Но дальше слабых зачатков драмы развитие народного  театра не пошло. Это объясняется  консервативным укладом римской  жизни и сильным сопротивлением жрецов. Поэтому в Риме не сложилось самостоятельной мифологии, которая в Греции послужила "почвой и арсеналом" искусства, в том числе драмы.

Римский театр  эпохи республики

Римляне взяли литературную драму в готовом виде у греков и перевели ее на латинский язык, приспособив к своим понятиям и вкусам.

После первой Пунической войны, на праздничных играх 240 г. до н. э., было решено устроить драматическое представление. Постановку поручили греку Ливию Андронику, находившемуся в рабстве у римского сенатора, который и дал ему латинское имя Ливий. После отпущения на волю, он остался в Риме и стал обучать греческому и латинскому языку сыновей римской знати. Этот учитель и поставил на играх трагедию и, вероятно, также комедию, переработанные им с греческого образца или, быть может, просто переведенные с греческого языка на латинский. Эта постановка дала первый толчок развитию римского театра.

С 235 г. до н.э. начинает ставить  на сцене свои пьесы драматург  Гней Невий (около 280-201 до н.э.). Его с полным основанием можно назвать первым самобытным римским поэтом.

Наибольшей славы Невий достиг в области комедии. Невий был создателем паллиаты - литературной комедии, которая представляла собой переработку бытовой греческой комедии. Паллиата ставилась в Риме в течении III-II вв. до н. э.

Продолжателем дела Невия как комедиографа был его младший современник Тит Макций Плавт. Его творчество относится к тому периоду, когда Рим из сельскохозяйственной общины превращается в сильнейшее государство Средиземноморья. По единодушной оценке древних, Плавт был самым блестящим представителем паллиаты. Он умел искусно соединить новую аттическую комедию с элементами народной римской ателланы, с ее буффонадой, живостью действия, с ее порой непристойными, но остроумными шутками.

Публий Теренций Афр, работавший, как и Плавт, в жанре паллиаты, принадлежал уже к следующему поколению драматургов. Уроженец Карфагена, Теренций еще мальчиком был привезен в Рим, где стал рабом римского сенатора. Заметив выдающиеся способности юноши, сенатор дал ему хорошее образование, а затем отпустил на волю. Теренций написал шесть комедий, и все они сохранились. Сюжеты этих комедий он, как правило, заимствует у Менандра, причем сознательно подчеркивает их греческий колорит. Конфликты в комедиях Теренция носят семейный характер, и основной целью драматурга является гуманизация нравов. Теренций стремится дать более углубленную психологическую характеристику своих персонажей, создавая интересные, жизненные образы.

Одна из наиболее известных  комедий "Братья" (160 до н. э.) - ставит вопрос о воспитании молодежи. В комедии побеждают новые взгляды, представители которых считают, что надо быть снисходительным к проделкам молодых людей, воспитывать их не приказами и наказаниями, а добрыми советами.

Теренций может быть назван предшественником новой европейской драмы. Европейский театр неоднократно обращался к его творчеству. Влияние его комедий "Формион" и "Братья" чувствуется в творчестве Ж.-Б. Мольера.

Новый интерес к гуманистическим  тенденциям драматурга возник в XVIII в., в период формирования буржуазной "мещанской" драмы. Дидро считал Теренция своим предшественником, Лессинг в "Гамбургской драматургии" дал подробный анализ "Братьев", считая эту комедию образцовой.

ТЕАТР СРЕДНЕВЕКОВЬЯ

Литургическая и  полулитургическая драма

Одной из форм театрального искусства раннего средневековья  стала церковная драма. Борясь против остатков античного театра, против сельских игрищ, церковь стремилась использовать действенность театральной  пропаганды в своих целях. Уже  в IX веке театрализуется месса, вырабатывается ритуал чтения в лицах эпизодов из легенд о жизни Христа, о его  погребении и воскресении. Из этих диалогов рождается ранняя литургическая  драма. Существовало два цикла такой  драмы - рождественский, рассказывающий о рождении Христа, и пасхальный, передающий историю его воскресения.

Со временем литургическая  драма усложняется, разнообразятся костюмы "актеров", создаются "режиссерские инструкции" с точным указанием  теста и движений. Всем этим занимались сами священники.

Устроители литургических  представлений накопили постановочный  опыт и стали искусно показывать народу вознесение Христа и другие евангельские чудеса. Приближаясь к  жизни и используя постановочные  эффекты, литургическая драма уже  не привлекала, а отвлекала прихожан от службы. Развитие жанра таило  в себе его самоуничтожение.

Не желая отказаться от услуг театра и не будучи в силах  совладать с ним, церковные власти выводят литургическую драму  из-под сводов храмов на паперти. Рождается  полулитургическая драма (середина XII в.).И тут церковный театр, формально находясь во власти духовенства, подпал под влияние городской толпы. Теперь она диктует ему свои вкусы, заставляет давать представления в дни ярмарок, а не церковных праздников, полностью перейти на родной, понятный толпе язык.

Светская драматургия

Первые ростки нового реалистического  направления связываются с именем трубадура Адама де Ла-Аль (около 1238-1287) из французского города Арраса. Де Ла-Аль был страстно увлечен поэзией, музыкой и театром. Он жил в Париже и в Италии (при дворе Карла Анжуйского) и получил довольно широкую известность как поэт, музыкант, драматург.