Музыкальная культура XVIII века

                                                              Нет на земле живого существа,

                                                             Столь жестокого, крутого, адски злого,

                                                            Чтоб не могла хотя на час один  
                                                             В нём музыка свершить переворота...”

                                             Вильям Шекспир. 
 

  Введение 

    Музыка – это великое, никогда не увядающее искусство. Она окружает человека, с древнейших времен и по сей день. Особенно много музыки звучит сегодня — в век радио и телевидения, когда так доступны концерты, и практически каждый может научиться играть на каком-либо инструменте.

  Музыка  – это вид искусства, который отражает действительность и воздействует на человека посредством осмысленных и особым образом организованных звуковых последовательностей, состоящих в основном из тонов. С другими разновидностями её объединяет способность выражать мысли, эмоции и волевые процессы человека в слышимой форме и служить средством общения людей и управления их поведением.

  Музыка влияет не только на отдельного человека, но и на целые поколения и государства. Изучение развития музыкальной культуры может помочь лучше понять настроения и переживания эпох, так как каждому периоду развития соответствует своя музыка. 
 
 
 
 
 

  Музыкальная культура XVIII века 

  XVIII век - это время решающего перелома  в развитии всей Европы. 
Создаются предпосылки для огромного роста естественных наук, философии, литературы и искусства. Именно в это столетие Россия впервые выходит на широкую дорогу общеевропейского культурного развития.

  Русская культура XVIII века связана с именами  Ломоносова, Радищева, Крылова, архитектурными произведениями Растрелли, живописью Рокотова, театром Волкова, Шереметьева, русскими композиторами Бортнянским, Фоминым, Ханданкиным. Их искусство представляет уникальную ценность и в настоящее время.

  В XVIII веке, благодаря усилиям Петра I, сблизилась русская и европейская культура.

  Большое внимание уделялось музыке. С эпохи Петра I начинается внедрение новых форм городского музицирования. В домах столичной петербургской аристократии в обязательном, предписанном порядке устраивались “ассамблеи” – открытые вечера, где каждый приходящий мог проводить время, как ему нравилось. Одни играли в карты, другие просто беседовали, третьи танцевали модные тогда танцы под соответствующую музыку. Также Петром I были учреждены еженедельные концерты в доме тайного советника Бассевича, где играла инструментальная капелла герцога Голштинского. В репертуаре капеллы были произведения Корелли, Тартини, Телемана и других знаменитых европейских композиторов.

  Большую роль в развитии музыкальной культуры сыграла реформа армии. В армии  каждый полк имел группу музыкантов. Военные оркестры состояли обычно из гобоев, труб, валторн, литавр и барабанов. Военные оркестры принимали активное участие в торжествах, связанных с празднованием военных успехов. В 1702 годы были выписаны из-за границы группа иностранных музыкантов, в обязанности которых входило также обучение игре на различных инструментах русских певчих и солдатских детей. В военных оркестрах сформировались речеголосное песнопение, разнообразное по своим характерам. Широко развивается особый род “приветственных” или “панегирических” кантов. Новые формы музицирования получают широкое распространение среди элиты государства.

  В это же время появляется новая  песенная лирика светского типа, которая  отражает те глубокие, коренные сдвиги, которые произошли во всем строе русской жизни и образе мысли русских людей.

  В дворянских салонах Петербурга развивается  мода на исполнение чувствительных романсов или “арий”. Известны имена некоторых  любителей - поэтов, сочинявших любовные послания в стихах. А так как лирическая поэзия мыслилась тогда в неразрывной связи с музыкой, то и эти стихи предполагали музыкальное оформление.

     В начале 60-х годов оркестр был разделен на две самостоятельные группы

музыкантов - исполнителей оперно-симфонической и бальной  музыки. Такая

дифференциация была несомненным признаком роста исполнительских сил. 

  Влияние театра на развитие русской музыки XVIII века. Опера 

  В 1702 году в Москве состоялось открытие общедоступного театра. Его представления  проходили в специально выстроенном  здании на Красной площади, которое называлось “Комедийной храминой”. Постановки спектаклей шла на иностранном языке, поэтому не всегда была доступна пониманию публики. Это и явилось основной причиной того, что в 1706 году театр был закрыт.

  Театральные постановки содержали в себе также инструментальные эпизоды в виде маршей, шествий и т.п. Основной и наиболее характерной формой придворного театра была опера. В 1733 году при дворе императрицы Анны Иоанновны появилась итальянская театральная группа, в репертуаре которой кроме “комедий масок”, были также интермедии с музыкой. Через некоторое время удалось добиться приезда в 
Петербург по контракту композитора Франческо Арайа с несколькими оперными певцами. С их помощью 29 января 1736 года на сцене Эрмитажного театра была впервые поставлена опера Арайа “Сила любви и ненависти”.

  При Екатерине II к развитию оперной культуры были привлечены крупнейшие европейские силы. С 1762 по 1768 годы в России жил и работал знаменитый венецианский композитор Бальдассарре Галуппи, после него на должность руководителя придворной оперы приглашается Траэтта Томазо, служивший ранее при венецианском дворе. Они пишут оперы в том же пышном и торжественном стиле, который существовал до них. Особенным блеском и монументальной роскошью отличались следовавшие одна за другой постановки “Ифигении в 
Тавриде” Галлупи и “Олимпиады” Траэтта, в которых большое место было отведено хорам и кордебалетам.

  Уже с начала середины столетия стали  даваться оперные спектакли на русском  языке. В 1755г. при дворе силами отечественных исполнителей была поставлена опера Арайа “Цефал и Проктис” на русский текст Сумарокова. В 1756 г. по указу правительства в Петербурге основывается Российский театр, спектакли которого были открыты за плату для всех желающих. Вскоре такой театр был создан и в Москве. На сцене обоих этих театров, наряду с драматическими спектаклями, давались также и оперные. Преобладающую часть их репертуара составляли оперы песенно-комического склада как переводные, так и оригинального отечественного происхождения.

  Среди всей актерской плеяды особенно выделялся  превосходный комик Я.С.Воробьев, с  одинаковым успехом выступавший  в драматических и оперных ролях.

  Уже на исходе столетия восходит «звезда» русского вокального искусства, любимица петербургской и московской публики, знаменитая Е. С. Сандунова. 

  Влияние народного творчества на развитие русской  музыки 

  Вкус  к народной песне, несмотря на увлечение  западными обычаями и манерами, сохранялся в XVIII веке на всех ступенях русского общества, вплоть до близкой ко двору аристократической верхушки. Обычным развлечением во дворце было пение песен с хороводами и плясками, в которых принимали участие разодетые по-деревенски придворные кавалеры и дамы. Любительницами такого рода развлечений были императрицы Анна Иоанновна и Елизавета Петровна.

  Народная  песенная традиция к началу XVIII века, в основном сложилась, и ее формирование можно было считать завершившимся.

  Главная и ведущая роль принадлежала тем  простым, «обиходным» песенным жанрам, которые ближе и теснее всего  были связаны с повседневной жизнью широких народных масс, отражая их обыкновенные житейские нужды, скорби и радости. Это могла быть лирическая, шуточная или иронически-насмешливая песня. Другая характерная для XVIII века тема — это тема скитаний, бродяжничества, бездомной жизни и смерти.       Широкое развитие получает в XVIII веке и другой тип песен, выражающих в насмешливой сатирической форме протест крестьянской массы против крепостного гнета и вражду к верхушке власти. Напевы их большей частью приближаются к острым и бойким плясовым мелодиям, обнаруживая иногда явную связь со скоморошьей традицией. Постоянной темой сатирических песен является также насмешка над монашеством и духовенством.

  Наглядное представление о бытовании народной песни в городской среде XVIII века дают многочисленные рукописные сборники того времени, содержащие в себе обиходный репертуар повседневного домашнего музицирования.

  Быстро  растущий интерес к народному  творчеству заставляет обратиться к  систематическому собиранию и изучению различных видов национального фольклора. Результатом этого стало издание в 1770 году сборника М.Д.Чулкова “Собрание народных песен”.

  Особый  интерес представляют сборники В.Ф. Трутовского и И. Прача, в которых  даны нотные записи всех песен в  обработке для голоса с сопровождением. Первый сборник был издан в период с 1776 по 1795г. под названием “Сборник русских простых песен с нотами”. Сборник Прача вышел под названием “Собрание русских народных песен с их голосами, положенных на музыку И. Прачем” в 1790 году 

     Хоровая музыка 

     Высокие традиции хоровой музыки, ведущие  свое начало от храмовой культуры Древней  Руси, в эпоху Просвещения существенно  преобразились под влиянием процесса становления «русской европейскости». В хоровом искусстве этого  времени можно выделить как линию преемственности, так и принципиально новые явления, связанные с освоением европейского профессионального музыкального языка. Бурное распространение светских жанров, развитие оперной и инструментальной музыки способствовали появлению новых концертных форм в хоровом творчестве. Авторы эпохи просвещения значительно расширили сферу своей деятельности, являясь одновременно творцами светских и храмовых сочинений. Следствием этого явилось взаимопроникновение средств выразительности хоровой, оркестровой, оперной и камерно-вокальной музыки.

     В 18 веке значительно расширилось  жанровое содержание хоровых произведений. Появились профессиональные обработки  русских и украинских народных песен, кантаты итальянского образца с  оркестровым сопровождением, хоровая  оперная музыка. Танцевальная музыка с хором и др. Ведущим жанром хорового искусства этого времени был русский классический хоровой концерт – духовный концерт, достигший в екатерининскую эпоху своего наивысшего расцвета. Во второй половине 18 века этот жанр предстает как явление самобытное и одновременно принадлежащее к европейской классицистической музыке.

     В истории русского классического  хорового концерта выделяется несколько  этапов. Первый из них (60-70-е гг.) представлен  музыкой основоположников жанра  – итальянского композитора Б. Галуппи и его ученика, русского мастера М.С. Березовского. Это был этап первоначальной «апробации» европейских барочных полифонических приемов на русской почве в сочетании с освоением новых форм музыкального классицизма.

     Второй  этап (70-80-е гг.) ознаменован творческими достижениями Д.С. Бортнянского, а также сочинениями авторов, оставивших менее заметный след в истории музыки ( П.А. Скоков, Ф. Диц и др. ). В произведениях этого времени происходит утверждение классицистических средств выразительности при отказе от сложных полифонических форм.

     Кульминация в развитии русского хорового концерта наступает в 90-е гг. 18 века. В этот период были созданы многие зрелые концерты Д.С. Бортнянского, а также  сочинения его даровитых современников А.Л. Веделя, И.А. Козловского и др. К рубежу веков в стилистике духовных концертов происходит смешение разных тенденций. В мелодику многих сочинений проникают интонации, близкие романсовой лирике, которые сочетаются с приемами полифонического письма.

     Вершинные достижения русской хоровой музыки эпохи Просвещения связаны с именем Д. С. Бортнянского. В хоровых сочинениях выразилась его уникальная способность воплощать высокие религиозно-нравственные идеи в ясной и доступной для всех слушателей форме. Свой опыт европейски образованного профессионала он использовал для решения задач, стоящих перед отечественной музыкой в период рождения «русской европейскости».

  Бортнянский обучался пению и теории музыки в  Придворной певческой капелле в  Петербурге. Композицию изучал под руководством венецианского мастера Б. Галуппи. С 1769-1779 год жил за границей. В это же время в Италии были поставлены его оперы: "Креонт" (1771), Алкид" (1778, Венеция), "Квинт Фабий" (1779, Модена). С 1779 становиться капельмейстером, а с 1796 директором Придворной певческой капеллы. С деятельностью Бортнянского связан расцвет капеллы. Бортнянскому принадлежат три оперы на французские тексты: "Праздник сеньора" (1786, Павловск), "Сокол" (1786, Гатчина) и наиболее значительная из них - "Сын соперник, или Современная Стратоника" (1787, Павловск). Выдающийся мастер хорового письма, Бортнянский вошёл в историю русской музыки прежде всего как автор хоровых духовных композиций. Наряду с еще одним выдающимся композитором XVIII века М. С. Березовским, Бортнянский создал новый тип русского хорового концерта. Ему принадлежат многочисленные хоровые концерты, церковные песнопения, светские хоры и другие камерно-инструментальные произведения 
Бортнянского, среди которых выделяются квинтет (1787), концертная симфония (1796) - первые образцы крупной циклической формы в русской музыке. Русские композиторы XVIII века стремились выразить в музыке свое национальное содержание, свою тематику, свой образный строй. 
Процесс освоения основных форм профессиональной музыки носил у них творческий характер прежде всего потому, что в эти традиционные формы они стремились вложить оригинальное, самобытное содержание и опирались при этом в первую очередь на русскую народную песню. 
Народная песня - главный источник творчества композиторов XVIII века. 

     Развитие  камерной музыки 

       «Век был песен» - так сказал об эпохе Просвещения поэт Г.Р. Державин. Облик песенной культуры того времени был необычайно многообразен и даже многоязычен. В быту причудливо переплелись песни российские и французские, цыганские и немецкие, крестьянские и городские, любительские и профессиональные. Песня звучала со страниц литературных произведений и публиковалась в специальных сборниках «в удовольствие многих любителей», исполнялась в домах аристократов.

     В 18 веке в связи с развитием  классицистической поэзии появляется «книжная песня». У ее истоков стояли поэты – Кантемир, Тредиаковский, Ломоносов и Сумароков. Музыка «книжных» любовно-лирических песен создавалась, как и музыка кантов, чаще всего на три голоса. Авторы ее в большинстве своем были анонимны. Порой это были сами поэты. Поскольку по представлениям эпохи все синтетические музыкальные жанры считались разновидностью литературы, то автором «книжной песни» обычно назывался поэт, а не музыкант. Не потому, что музыка была всегда плоха – просто о ней редко серьезно задумывались. Не случайно среди подобного рода песен середины века встречаются в изобилии безграмотные подделки, состоящие из смеси оперных арий, духовных стихов и модных танцев. «Книжная песня» была фактом культуры грамотной России, но не фактом музыкального искусства. Для того, чтобы стать искусством, она должна была пережить этап любительства и возродиться в новом качестве – как профессиональная музыка.

     Важной  вехой на этом пути стал первый авторский  сборник песен «Между делом безделье, или Собрание разных песен с приложенными тонами на три голоса». Опубликовал эти песни в 1759 г. Знатный вельможа елизаветинского двора Григорий Николаевич Теплов. Песни его сборника отражают уровень вполне профессионального бытового музицирования середины столетия. Камерная музыка 18 века существовала под самыми разными названиями – «кант», «песня», «ария», «российская песня». После опубликования сборника Теплова прошло несколько десятков лет, в течение которых «книжная песня» постепенно преобразовалась в жанр музыкальный, в так называемую «российскую песню». Ее расцвет связан с творчеством двух композиторов – Ф.М. Дубнянского и О.А. Козловского, которые внесли огромный вклад в ее развитие и оставили большое наследие.

     Развитие  вокальной лирики в русском музыкальном  искусстве 18 века сопровождалось интенсивным освоением европейских жанров камерной инструментальной музыки. Этот процесс был тесно связан с повсеместным распространением домашнего музицирования, поэтому многие камерные сочинения были рассчитаны на любительское исполнение.

     Формирование профессионального камерного инструментализма началось в 80-е годы. Когда в русскую музыку вошли композиторы санкт-петербургской школы. У истоков этого процесса стоял скрипач-виртуоз, блестящий импровизатор, дирижер и педагог Хандошкин. Его творчество вдохновляла русская народная песня, которую он использовал в качестве исходного материала при создании вариаций. Исследователи полагают, что мелодии некоторых песен, взятых в качестве тем для вариаций, были впервые записаны самим композитором. Важно подчеркнуть, что в музыке Хандошкина произошло органичное слияние инструментального языка и русского фольклора.

     Таким образом, композиторы санкт-петербургской  школы с поразительной творческой смелостью решили многие задачи, возникшие  в русском музыкальном искусстве в эпоху становления «русской европейскости». При отсутствии исторических традиций светской музыки и инструментализма они сумели в уникально короткий срок преодолеть «заданность» исторического движения и включиться в контекст европейских ценностей, сохранив многие исконно русские эстетические приоритеты. Их творчество, при всей скромности конкретных художественных результатов, определило перспективное направление в дальнейшем развитии русской светской музыки: от «русской европейскости» к национальной музыкальной классике. 
 

  Русская композиторская школа 

  Последняя треть XVIII века занимает рубежное положение  в истории русской музыки. В  это время в России укладывается и созревает своя, национальная композиторская школа. Наступает первый расцвет  молодой светской музыкальной культуры, подготовленный реформами Петра I и всем предшествующим развитием музыкально-общественной жизни. Выдвигается группа талантливых композиторов, завоёвывающих известность не только в России, но и за рубежом. Развертывается творческая деятельность целой плеяды талантливых русских композиторов, связанных общностью стремлений и истоков своего творчества. Среди выдающихся русских композиторов конца XVIII столетия можно назвать Березовского и Бортнянского, Е.Фомина, Хандошкина и Матинского.

  Крепнут и усиливаются реалистические тенденции  русской художественной культуры. Источником реалистического литературного  стиля становится фольклор. Язык литературы насыщается образами и приемами народно - поэтической речи или же характерными выражениями, словесными оборотами и эпитетами, воспроизводящими обычную разговорную манеру "простонародья". Целые оперы создавались посредством «нанизывания» народно-песенных мелодий, сохранявших большую близость к подлиннику и лишь иногда подвергавшихся незначительному развитию.

  В некоторых русских операх конца XVIII века появляется тенденция объединения  комедии с углубленной, сосредоточенной  чувствительностью.

Ораториальные, хоровые концерты пользовались большим  успехом у публики. Одновременно устраивались и сольные концерты.

     Большим успехом пользовались выступления клавесинистов и органистов В.Пальшау, И Гесслера. Гесслера, А. Сартори, известных в России также и по своей педагогической деятельности.

     Успехи музыкального образования и театрально-концертной жизни

создали прочную основу для дальнейшего роста музыкальной культуры. Если в начале века домашнее музицирование процветало лишь в узком кругу русской аристократии и было в значительной степени данью «иноземному вкусу», то теперь оно сделалось потребностью.

     К музыкальному искусству, несмотря на сословные ограничения, тянутся все более широкие слои населения, и даже представители крепостного сословия теперь составляют едва ли не основную группу музыкантов-профессионалов. К концу XVIII века можно говорить о вполне сложившихся, устойчивых национальных традициях в области музыкального исполнительства, оперного театра, концертной жизни. 

Музыка  в начале XIX века 

     Поскольку в средние века профессиональная письменная музыкальная культура была исключительно церковной и развивалась на основе, полученной из Византии, почти не соприкасаясь с европейским миром, а затем, во второй половине 17 в. и особенно в 18 в., став искусством также и светским, испытала очень интенсивное западное влияние, – национальная композиторская школа полностью обрела свое индивидуальное лицо сравнительно поздно, в полной мере – к середине 19 в. До этого времени русская музыка, средневековая или Нового времени, была почти неизвестна за пределами страны, однако, вступив в зрелый период, быстро вышла на мировую арену.

     В 19 в. ее главными чертами, в оценке западноевропейской критики, были: опора на богатый и свежий фольклорный музыкальный материал «евразийского» типа, сочетающий в себе «восточные» и «западные» элементы; принципиально новые формы симфонического развития – часто синтезирующего, а не аналитического, как в западноевропейском симфонизме, типа; оригинальные оперные формы, построенные, с одной стороны, на смелом непосредственном отражении в музыке интонаций речи (Даргомыжский, Мусоргский), а с другой – на применении в опере приемов эпического, сказочного и т.п. повествования (Бородин, Римский-Корсаков).

     Предклассическая эпоха русской музыки, первая треть 19 в., характеризуется совмещением классицистических черт с чертами раннего романтизма; в жанровом отношении предпочтение по-прежнему отдается музыкальному театру. Широкое распространение получили оперы «волшебного», сказочного жанра, а также классицистическая трагедия с музыкальными номерами. На этом поприще особенно прославился работавший в Петербурге композитор польского происхождения Иосиф Козловский (1757–1831) и переводная мелодрама с музыкой разных русских авторов.

     В 1810–1820-е годы линия, идущая от комической оперы 18 в., была продолжена дивертисментами – театральными представлениями на фольклорные или патриотические темы с большим количеством песен и плясок в народном стиле, а также музыкой к водевилям. В Москве выдвинулся как автор ранних романтических опер Алексей Николаевич Верстовский (1799–1862), наибольшим успехом пользовались поставленные в Большом театре его оперы «Пан Твардовский», «Аскольдова могила», «Громобой».

     В Москве же сложилась школа авторов русского романса (Александр Александрович Алябьев (1787–1851), Александр Егорович Варламов (1801–1848), Александр Львович Гурилев (1803–1858)). Широкое распространение в это время получило домашнее музицирование, появилось много музыкальных кружков и салонов. Наиболее заметными среди них были салон братьев Михаила и Матвея Виельгорских, где исполнялась новейшая западноевропейская музыка, а также салон княгини Зинаиды Волконской, который посещали многие известные поэты и музыканты. В 1802 в Петербурге было создано Филармоническое общество, дававшее от двух до пяти больших публичных концертов в сезон: в них впервые в России прозвучали оратории и кантаты Генделя, Гайдна, Моцарта, Бетховена и др.    Немалое значение имело также развитие нотоиздательского дела: в 1801 году вышел указ Александра I, разрешавший ввозить иностранные книги и ноты, открывать частные типографии и без особых цензурных ограничений печатать книги и ноты. В 1802 в Петербурге появилось издательство Г.Дальмаса и в том же году в Москве А.О.Сихра начал выпускать «Журнал для семиструнной гитары»; в 1806 было основано московское издательство Ж.Пейрона и Ф.Л.Вейсгейрбера, и одновременно Д.Н.Кашин начал издание «Журнала отечественной музыки». С каждым годом росло число издаваемых книг по музыкальной теории и педагогике, в том числе русских авторов.

     Из среды полулюбительского, полупрофессионального дворянского музицирования вышли два первых русских музыкальных классика – Михаил Иванович Глинка и Александр Сергеевич Даргомыжский. Гений Глинки проявился в разных жанрах – симфоническом, камерно-вокальном, камерно-инструментальном, но высшим достижением композитора стали его оперы – патриотическая народная трагедия «Жизнь за царя» (1836) и эпическая сказка «Руслан и Людмила» (1842), написанные на уровне лучших европейских произведений той эпохи и в то же время вполне самобытные по стилю, они во многом определили доминирование оперного жанра в русской музыке 19 в. и основные пути его развития. Творчество младшего современника Глинки – Даргомыжского больше соотносится с атмосферой 1840–1860-х годов, его романсы и песни, с одной стороны, продолжают традиции салонного музицирования эпохи Пушкина и Глинки, а с другой, обращены к образу «маленького человека» – героя русской литературы «гоголевского» периода. В последнем своем сочинении, опере «Каменный гость» по Пушкину, Даргомыжский создал новаторский жанр «разговорной оперы», оказавший влияние на эстетику следующего поколения петербургских композиторов. Князь Владимир Федорович Одоевский выразил убеждение, что теперь русская музыка войдет на равных в европейскую культурную жизнь. Однако выход русской музыки на европейскую арену оказался связанным с деятельностью музыкантов второй половины 19 века.  

  Заключение 

  XVIII и XIX век дали русской и мировой  музыке замечательные сочинения. 
"Руслан и Людмила" и "Иван Сусанин" составляют гордость русской культуры. В золотой фонд русской музыки вошли фонические произведения Бородина, романсы Балакирева, Римского-Корсакого, Бородина, Кюи. Были заложены основы русского музыкального образования, которое сейчас по праву занимает одно из первых мест в мире.

  Путь, пройденный русской музыкой в течение длительного исторического периода - от древнейших времен до середины XIX века, - представляет собой закономерный процесс формирования, развития и неуклонного роста богатейшей музыкальной культуры великого народа. Рост этот совершался в обстановке острых социальных противоречий, вопреки многовековому и жестокому политическому и духовному угнетению народа. Он не прекращался даже в условиях тяжелой, героической борьбы народа за национальную независимость. 
    Замкнуты были уста народа, связаны крылья души, но сердце его родило десятки великих художников слова, звуков, красок". 
Неиссякаемым источником вдохновения для современных русских композиторов остается музыкальное творчество народа - его древнейших и более поздних исторических пластов, вплоть до видов и форм, рожденных Советской эпохой. В наши дни в русской музыке находят отражение и давние традиции древнерусской хоровой культуры.

  Музыкальная культура XVIII, XIX века через слияние  с европейской культурой, через  ее преобразование приобрела самобытные особенные черты и стала в свою очередь оказывать на нее существенное влияние, развиваясь и по сей день. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

  Список  использованной литературы:

1. Ильина Т.В., Русский XVIII век: изобразительное искусство и музыка, Дрофа, 2004
2. О. Левашёва, Ю. Келдыш, А. Кандинский, История русской музыки. Т. 1. От древнейших времен до середины 19 века, М.,1973
3. Миронов А. Г., Русская лира. «Очерки о музыкальной России»,М.,1971
4. Штейнпресс Б., Популярный очерк истории музыки до XIX века, М., 1963