Расцвет музыкальной классики России в 19 веке

                   Министерство сельского хозяйства  РФ

                          Московский Государственный

           Агроинженерный университет им. В.П. Горячкина

                                  Дмитровский филиал 
 

     Факультет: «Автомобили и автомобильное  хозяйство» 
 
 

                          РЕФЕРАТ ПО КУЛЬТУРОЛОГИИ

      ПО ТЕМЕ: «Расцвет музыкальной  классики России в 19 веке» 
 
 
 
 
 
 
 
 

Выполнил студент  группы 21-А/10                                  Валиев А.А. 

Преподаватель:                                                                     Макеев А.И. 
 
 
 

                                                      2011

      СОДЕРЖАНИЕ 

ВВЕДЕНИЕ

1.  Русская музыкальная культура первой половины ХIХ века

1.1 Развитие музыкальных жанров

1.2 Творческий гений М.И. Глинки

2.  Музыкальное искусство пореформенной эпохи (вторая половина ХIХ века)

2.1 Творчество П.И.Чайковского. Вершины музыкального романтизма

3.  Музыкальная культура «серебряного века» (1890-е годы – 1917год)

3.1 Новое направление в русской духовной музыке

3.2 Путь к «мистерии» А.Н. Скрябина

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

СПИСОК  ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ 

      ВВЕДЕНИЕ 

      Расцвет музыкальной культуры в XIX веке был подготовлен всем ходом развития ее в России.

      Народное  поэтическое и музыкальное творчество существовало еще в глубокой древности, и в нем отразилась вся жизнь  и история народа: его обычаи и  обряды, труд и борьба за свободу, надежды  и мечты о лучшей жизни.

      Русские композиторы бережно собирали и  изучали народные песни. Балакирев, Лядов, Римский-Корсаков составили сборники русских песен для голоса в сопровождении фортепиано. 

     Неизмеримо  богатство русской музыки. На протяжении свыше десяти столетий складывались и развивались ее традиции в тесном соприкосновении с музыкальной  культурой других стран и в  постоянном взаимодействии с другими  видами художественного творчества. Вот почему, обращаясь к изучению истории русского музыкального искусства  имперской эпохи, неизбежно приходится сочетать одновременно несколько аспектов ее рассмотрения.

     Русская музыка – важнейшая часть русской  культуры. Подобно русской литературе, поэзии, живописи, театру, она ярко отражает все этапы общественной жизни, становление  русской философской и эстетической мысли. В ее многообразных жанрах и формах нашли свое воплощение история  народа, его освободительная борьба, характер русского человека, своеобразие  русской природы и быта.

     В то же время русская музыка –  великая страница мировой культуры, важнейшее звено в общей цепи исторического развития музыкального мышления, в рождении и смене стилевых течений в европейском музыкальном  искусстве. Ни одно более или менее  значительное достижение русской музыки никогда не было национально ограниченным, а имело всегда глубокое международное значение. И к моменту ее классического расцвета сама широта интернациональных связей стала яркой национальной чертой русской музыки, обеспечившей не только ее мировое признание, но и ведущую роль во всемирном прогрессе музыкальной культуры.

     Русская музыка – одна из ведущих славянских культур. С культурой других славянских народов она связана со временем своего зарождения, возникнув, как и  все они, из музыки древних славян. Поэтому глубокие интонационные  взаимоприкосновения выступают  здесь особенно ярко, о чем свидетельствует, особенно начиная с 17 столетия, широкое  использование в творчестве русских  композиторов мелодики украинского, белорусского фольклора, фольклора южных и  западных славян, а также процесс  становления различных профессиональных жанров.

     Понятие «история музыки» множественно по своим  слагаемым. Ее изучение не может ограничиться рассмотрением творчества композиторов и музыкального фольклора. Немаловажную роль играет общественная функция музыкального искусства в жизни государства, степень развития исполнительской  культуры и научной мысли о  музыке, уровень эстетического восприятия музыкального искусства отдельными социальными группами, состояние  музыкального просвещения и образования.

     1.  Русская музыкальная культура первой половины 19 века 

     1.1 Развитие музыкальных жанров 

     Первая  половина 19 века была временем расцвета городской бытовой песни и  бытового романса. Вместе с ростом городов  и развитием общественного уклада городской жизни обогащалась  и русская городская песня, впитывая широкое, разностороннее содержание. Она  оказывала глубокое воздействие  на творчество русских композиторов и находила своеобразное претворение  в лирике мастеров русского романса  – Глинки, Даргомыжского, Алябьева, Варламова, Гурилева. В песне-романсе  – самом распространенном и доступном  из всех жанров музыки – наглядно осуществлялась связь между творчеством композиторским и народным. Композиторы первой половины 19 века обильно черпали материал из бытовых песен. В то же время  их собственные песни прочно входили  в быт и становились народными, как, например, «Красный сарафан» Варламова, «Соловей» Алябьева, «Колокольчик»  Гурилева.

     Городская песня начала 19 века богата по содержанию и разнообразна по жанрам. Ее творцы чутко отзывались на все окружающее: ни одно крупное событие русской  действительности не осталось незамеченным, не отраженным в песне. Отечественная  война 1812 года породила ряд новых  солдатских песен – героических, походных, шуточных, сатирических. В  них высказалось глубокое, проницательное отношение народа к большим событиям современности. Особенно популярной в  жестокий век аракчеевщины становится рекрутская песня. Песни о тяжелой  солдатской доле, о разлуке с семьей, о безвестной смерти воина на чужбине  были созвучны общественным настроениям  того времени. В них находили выход  тяжелые думы и настроения декабристских  лет, думы о подневольной доле народа и о трагических судьбах простых  людей.

     Эпоха декабристов положила начало развитию революционной песни в России. Большие заслуги в этом отношении принадлежат деятелям декабристского движения – Рылееву и Бестужеву. Традиции революционной песни, заложенные поэтами-декабристами, были подхвачены и развиты их современниками. Темы свободолюбия и протеста, борьбы против социального гнета глубоко проникли и в бытовую песню.

     На  основе народно-бытовой песенной лирики зарождалось и развивалось богатое  и многообразное романсовое творчество композиторов первой половины 19 века. Как и в предшествующем столетии, вокальная лирика раннего 19 века чутко  отзывалась на эстетические потребности  и запросы различных социальных групп. Романс «высшего», аристократического круга (преимущественно французский), романс дворянского салона средней  руки, романс в кругах литературной интеллигенции и, наконец, песня-романс широкой разночинной демократической  среды – далеко не однородные явления. Русский романс, как и русская  поэзия, развивался под воздействием передовых идей, питавших русскую  культуру. Уже в первой четверти 19 века романсовая лирика прошла большой  путь развития – от сентиментального романса, еще не порвавшего с традициями 18 века (Козловский, Жилин, Кашин), до глубоких, психологически насыщенных произведений Алябьева.

     Развитие  инструментальной культуры первой трети 19 столетия характеризуется явным  преобладанием тенденций камерности, проявляющихся и в творчестве, и в формах бытового музицирования. Искусство камерного исполнительства  нашло плодотворную почву в условиях русского быта, когда увлечение музыкой начало захватывать все более широкие слои общества. Любительские музыкальные вечера, квартетные собрания, концерты в учебных заведениях и частных домах в немалой степени содействовали росту и процветанию камерного творчества, тогда как исполнение крупных симфонических произведений, естественно, было в то время более сложной задачей.

     На  протяжении первой половины 19 века в  русской музыке появилось немало камерных ансамблей самых разнообразных жанров. Среди них – струнные квартеты, сонаты для струнных смычковых или для духовых инструментов с сопровождением фортепиано, ансамбли для струнных и духовых инструментов различного состава (в том числе, например, такой редкий вид ансамбля, как квартет для четырех флейт Алябьева, 1827). Далеко не все эти произведения достигают подлинно профессионального уровня, однако лучшие из них прокладывают путь к созданию русской камерной классики, к творениям Глинки, Чайковского, Бородина.

     Другое  значение в музыкально-общественной жизни приобрела фортепианная музыка. Тесно связанная с условиями  домашнего быта, доступная для  самых широких кругов любителей, она более гибко откликалась  на новые требования растущей национальной культуры. Прослеживая эволюцию русской  фортепианной музыки на протяжении первой половины 19 века, нельзя ограничивать ее достижения областью сольных произведений. В основе развития фортепианной культуры лежало взаимодействие всех жанров камерной музыки, включая романс и камерный ансамбль. В тесном слиянии с вокальной, песенной традицией формировались такие ценные качества фортепианной школы, как выразительная напевность, мягкость и теплота лирического тона, щедрая мелодическая насыщенность фактуры и тематизма. В сфере же камерного ансамбля складывались традиции блестящего, виртуозного концертного стиля. Нельзя не отметить, что именно в жанре фортепианного ансамбля (где ведущая роль принадлежала, как правило, пианисту) ярче всего проявила себя камерная музыка глинкинского периода.

     Особое  место в творчестве старших современников  Глинки занимала симфоническая музыка. Развитие крупных симфонических  форм в первых десятилетиях 19 века по-прежнему тесно связано с оперой, театральной  традицией. В условиях сравнительно слабо развитой концертной жизни  оркестровая музыка, естественно, не успела еще выйти на самостоятельный  путь развития. Однако она по-своему убедительно отразила художественную эволюцию русского искусства этой поры. В жанре программной увертюры к оперному или драматическому спектаклю русские композиторы сумели осуществить интересные, смелые замыслы. Яркие по оркестровке и выразительные по тематизму увертюры Козловского, Давыдова, Алябьева и Верстовского подготовили симфонические принципы Глинки. В них отразился большой путь, пройденный русской музыкой от классицизма 18 века через «неистовую романтику» к реалистическому симфонизму «Сусанина», «Камаринской» и «Руслана». 

     1.2 Творческий гений М.И. Глинки 

     Творчество  Глинки имело особое значение для  развития русской национальной культуры: в его творениях сложилась  русская музыкальная классика. Глинка навсегда останется в истории  первым русским композитором мирового значения, а потому – явлением единственным, исключительным, неповторимым.

     Глинка  стал родоначальником новой эпохи  русского искусства. Он выступил не только как завершитель пройденного  этапа, но и как открыватель новых  путей. Он не только обобщил лучшие художественные традиции прошлого, но и дал новый поворот всему  развитию русской музыки.

     В основе всей деятельности Глинки лежит  та действенная идея патриотизма, которая  в условиях декабристского периода  была неразрывно связана с понятием истинной народности. Глинка вошел  в наше сознание, прежде всего как  певец русского народа. Искусство  Глинки питалось истоками народного  творчества, усваивало древнейшие традиции русской хоровой культуры, по-новому претворяло художественные принципы русской  композиторской школы 18 и начала 19 века. К искусству Глинки ведут и  русский монументальный хоровой  стиль a cappella, и ранняя русская опера, и бытовая песня-романс, и народно-песенная традиция в жанрах инструментальной музыки 18 века. Разумеется, что все эти элементы у Глинки переплавились в новое качество более совершенного, классического стиля. Ему первому удалось придать русской профессиональной музыке широкий размах, силу идейного содержания и совершенство художественных форм. Новое содержание искусства Глинки связано, прежде всего, с новым пониманием важнейшего принципа русской композиторской школы – принципа народности. Композитору принадлежат замечательные слова: «…создает музыку народ, а мы, художники, только ее аранжируем». Народность у Глинки – это глубокое и разностороннее отображение жизни народа, его мировоззрения и характера, его исторического опыта.

     В своем понимании народности композитор был чужд национальной ограниченности. Один из самых передовых, глубоко  мыслящих художников эпохи романтизма, он живо интересовался искусством различных  народов, их бытом и нравами, их языком. В его музыке широко отражены и  песни Востока, и грация польского  танца, и темпераментная испанская  пляска, и пленительное bell canto итальянских мелодий. Такая широта восприятия в творчестве Глинки является типичной чертой русской классической школы.

     Проблема  народности в сознании Глинки была нераздельно связана с требованием  правдивого отражения жизни, с реалистическим методом творчества. И здесь композитор поднялся на ступень выше своих предшественников. Преодолевая бытовой реализм 18 века, он пришел к эстетическим принципам  высокой типизации и поэтического обобщения явлений действительности. Особое значение в творческом методе Глинки приобретает проблема мастерства. Никто из его предшественников не уделял так много внимания вопросам художественной формы, архитектоники, композиции. Любое произведение Глинки привлекает цельностью и стройностью  формы, точностью и ясностью музыкального выражения.

     Национальное  искусство Глинки не принадлежит  ни классицизму, ни романтизму, оно  тем более не является простой  суммой классицистических и романтических элементов. Впитав достижения западноевропейской музыкальной культуры. В совершенстве овладев высоким мастерством, он выработал свою систему эстетических взглядов, опирающуюся на принципы русского художественного реализма пушкинской эпохи. Этой системе и подчинен стиль Глинки.

     Глинка  оставил после себя огромное бесценное  наследие потомкам – свои произведения, в которое входят оперы «Иван  Сусанин» и «Руслан и Людмила»; «Камаринская», «Вальс-фантазия» и  другие симфонические произведения; более 70 романсов; камерные инструментальные ансамбли и фортепианные произведения.

     Роль  Глинки в русском музыкальном  искусстве велика. Только с его  творчеством русская музыка вышла  на путь широкого, монументального, общенародного  искусства.

      2.  Музыкальное искусство пореформенной эпохи (вторая половина 19 века) 

     Исторический  период 60-80 гг. 19 века принято называть пореформенным – в 1861 году царским  указом было отменено крепостное право, что повлекло за собой либерализацию  русской общественной жизни. Этот этап отмечен высоким расцветом художественной культуры как цельного и самобытного  явления. Именно тогда в искусстве  сформировалась определенная система  духовно-эстетических ценностей, которые  воплотились в литературе и театре, в живописи и музыке.

     Музыкальное искусство не осталось в стороне  от жгучих вопросов современности. Народнические  позиции характерны для мировоззрения  многих композиторов, уверовавших в  мессианскую роль русского народа, в торжество его исторического  духовного подвига. Музыка отразила весь спектр напряженных нравственных исканий русской интеллигенции  тех лет, воплотила в музыкальных  образах навеянные временем идеалы. Одни мастера идеализировали русскую  историю, чистоту народной жизни, другие верили в самосовершенствование  личности на основе законов народной этики, иные же стремились воплотить  в творчестве некий прообраз народной культуры, рожденной из вечно живого источника – первозданной природы.

     Жанровое  своеобразие русской музыки тесно  связано с «литературоцентризмом», характерным для художественной культуры пореформенной эпохи. Порожденный  эстетикой реализма, он выразился  в приоритетной роли слова, художественного  и публицистического. Ведущим жанром музык в это время является опера – историческая, эпическая, лирическая, драматическая. Продолжают развиваться и другие синтетические  музыкальные жанры – романс, песня. Вокальная музыка пополняет собой  «музыкальную энциклопедию» русской  поэзии, обогащая ее социально-обличительными и лирико-психологическими образами.

     Инструментальная  музыка этой эпохи также тяготеет к реалистической сюжетности, к конкретике литературного первоисточника. Это выразилось, в частности, в том особом значении, которое приобретает у русских композиторов программная инструментальная музыка. Она черпает из всей мировой литературы (от традиционных пушкинских текстов до сочинений Шекспира), переосмысливая их с позиции современности.

     Кульминацией  в развитии инструментальной музыки стало создание русской многочастной симфонии, свидетельствующее о высокой  зрелости отечественного симфонизма –  лирико-драматического (у П.И.Чайковского), эпического (у А.П.Бородина). Получили развитие и другие виды симфонической  музыки – инструментальные концерты (А.Г.Рубинштейн, П.И.Чайковский, Н.А.Римский-Корсаков), увертюры, фантазии, симфонические  картины.

     Приметой  многожанрового расцвета музыки становится рождение классического русского балета, в котором драматическая сущность сюжета раскрывается симфоническими средствами.

     Развитие  музыкальной культуры не могло не отразить две основные тенденции,  значимые для русского национального  менталитета. Первая из них связана  с ускорением темпа европеизации музыкальной жизни, с радикальными сдвигами в концертной практике, исполнительстве, образовании. Было организовано Русское  музыкальное общество (РМО), открыты  первые консерватории в Петербурге и Москве.

     Вторая  тенденция русской музыкальной  культуры пореформенной эпохи была ближе «почвенническим» общественным взглядам. Так, центром музыкальной  жизни Петербурга стал кружок музыкантов, возглавляемый М.А.Балакиревым. Он вошел  в историю как Новая музыкальная  школа, или «Могучая кучка». Кружок составили начинающие композиторы, не получившие профессионального образования  и нашедшие в М.А. Балакиреве своего главного наставника: Ц.А.Кюи, А.П.Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков. Эстетические позиции «кучкистов»  сформировались на почве радикальных  народнических идей, подкрепленных  богатым опытом развития отечественной музыки предшествующих лет, творчеством М.И. Глинки и А.С.Даргомыжского. Члены «Могучей кучки» считали, что национальное искусство произрастает из народного творчества, и путь русского композитора связан с претворением в музыке образа народа, его истории, его нравственных идеалов. 

     2.1 Творчество П.И. Чайковского 

     Вершины музыкального романтизма.

     Творчество  П.И.Чайковского вобрало и сфокусировало  всеобъемлющую информацию о человеке, психологии его чувств, динамике страстей; оно запечатлело диалектику естественных порывов к счастью и невозможность  изменить трагическую сущность земного  Бытия.

     Гений Чайковского сформировался в  пореформенную эпоху. Он был свидетелем высокого подъема и упадка народнического движения в русской культуре, современником  композиторов «Могучей кучки».

     Стиль музыки Чайковского сложился в контексте  нетрадиционных представлений композитора  о природе национальной самобытности. В трактовке «национального»  и «народного» он шел иным путем, нежели приверженцы «кучкизма». Русский  фольклор не был для него универсальным  источником, первоосновой музыкального языка. С помощью обобщенных, опосредованных народно-песенных интонаций Чайковский воплотил национальный образ «русскости», России, российскую действительность в ее современной многогранности. Поэтому композитор не ставил своей  задачей использовать в музыке конкретные жанры подлинного крестьянского  фольклора, а обращался к «интонационному  словарю» окружающего его городского музыкального быта. Привычные городские  интонации в сочетании с эмоциональной  открытостью, искренностью и мелодичностью  сделали музыку Чайковского понятной и доступной самому широкому слушателю  и в России, и за границей. Именно поэтому произведения Чайковского быстро завоевали симпатии европейцев, способствовали международному признанию русской музыки во всем мире.

     Феномен творчества Чайковского как явления  глубоко русского заключается в  том, что композитор, воплощая личное, сумел выразить общезначимое, рассказывая  языком музыки о своих душевных переживаниях – подняться на уровень обобщения  философских и нравственных идей, которые являются ключевыми в  культуре России. Среди них болью  написанный в сердцах и умах современников  вопрос, гениально сформулированный Ф.М. Достоевским: все ли человеку дозволено(?), а также извечные проблемы жизни  и смерти, добра и зла, любви  и ненависти. С отечественными культурными  традициями музыку Чайковского роднит ненавязчивое «учительство», изнутри  идущее сострадание к людям, сочувствие их немощам и горестям, иначе говоря, истинный гуманизм в общечеловеческом его понимании.

     Не  менее органично произведения Чайковского  вписываются и в достижения европейского искусства, в стилистику романтизма. Чайковский полагал, что «европейская музыка есть сокровищница, в которую  всякая национальность вносит что-нибудь свое на общую пользу». Привносить "свое", не чужеродное «общему» композитор всегда считал важной задачей, никогда специально не заботясь о собственной оригинальности. Поэтому он говорил самобытным, но в то же время универсальным музыкальным языком, восприняв романтизм именно как общую художественную идею.

     Романтическое мироощущение открыло безграничные возможности для проявления лирического  дара композитора. Лучшие страницы его  сочинений окрашены в эмоциональные  тона, придающие музыке характер исповедального высказывания.

     Диапазон  творческих интересов композитора  необычайно широк. В его наследии десять опер («Евгений Онегин», «Ундина», «Кузнец Вакула», «Пиковая дама»  и др.), три балета («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»), семь симфоний, более десяти оркестровых  сочинений, инструментальные концерты, хоровая и фортепианная музыка, камерно-вокальные произведения. В каждой области Чайковский был новатором, хотя к реформаторству никогда не стремился. Используя традиционные жанры, композитор находил возможности для их обновления. Он создал лирико-драматическую оперу, симфонию-трагедию, обогатил одночастную программную увертюру и симфоническую поэму, а также явился основоположником русского симфонизированного балета, концерта-симфонии.

     Творчество  Чайковского оказало огромное влияние  на современников. Его имя уже  тогда ассоциировалось с величайшими  представителями русской культуры. В последующие десятилетия ни один из музыкантов не миновал воздействия  мощного симфонизма Чайковского  и его оперного стиля. Художественное и гуманистическое значение его  музыки особенно актуализировалось  во второй половине 20 века. На фоне глобальных экологических катастроф, войн, разрушений и духовных кризисов все более  сбываются слова композитора: «Я желал бы всеми силами души, чтобы  музыка моя распространялась, чтобы  увеличивалось число людей, любящих  ее, находящих в ней утешение и  подпору».

      3.  «Серебряный век» в русском музыкальном искусстве (1890-е гг. – 1917) 

     Конец 19 и начало 20 века были для русской  музыки порой необычайно быстрого, стремительного развития и выдвижения новых сил и течений, что связано  с всеобщей переоценкой ценностей, пересмотром многих утвердившихся  в предыдущую эпоху представлений  и критериев эстетической оценки. Процесс этот протекал в острых спорах и столкновениях различных, иногда сближавшихся, иногда антагонистичных  тенденций, казавшихся непримиримыми  и взаимоисключающими. Но именно это  многообразие и интенсивность исканий  определяют особое богатство данного  исторического периода – одного из самых интересных и плодотворных в отечественном искусстве. Выдающиеся достижения и открытия в разных областях художественного творчества, которыми было ознаменовано время, обогатили  его новым содержанием, новыми формами  и выразительными средствами.

     Тенденции культуры «серебряного века» глубоко  изменили облик музыкального искусства. Среди «традиционалистов», у которых  движение к новому совершалось без  разрыва с накопленным опытом, выделяются имена представителей петербургской  школы, ближайших последователей Н.А.Римского-Корсакова, - А.К.Глазунова и А.К.Лядова. Московскую школу достойно представляет С.И.Танеев, а также менее известные, но одаренные  авторы – А.С. Аренский, В.С. Калинников, М.М. Ипполитов-Иванов.

     Но  уже в 1900-е гг. в русской музыке выдвигается блестящее поколение  молодых композиторов, относящихся  к великим творцам «серебряного века». В их искусстве сказалось  обновление мироощущения, драматизм  и накал страстей «эпохи рубежа веков», вольное парение в ее стилевом многоголосии. Музыка заговорила образами символизма (А.Н.Скрябин), неоклассицизма (Н.К.Метнер), неоромантизма (С.В. Рахманинов), неофольклоризма (И.Ф. Стравинский), кубофутуризма (С.С. Прокофьев), свободно сочетая язык всех стилей.

     Музыкальное искусство «серебряного века» было новаторским по своей сути. Открытия Скрябина, Рахманинова, Стравинского, Прокофьева в области лада, гармонии, формы способствовали становлению  новой образности и средств художественной выразительности в музыке 20 века. 

     3.1 Новое направление в русской духовной музыке 

     Эпоха рубежа 19-20 вв. явилась подлинным  «духовным ренессансом» русской  церковной музыки. Хоровые сочинения, созданные в период примерно с  середины 1890-х по 1917г., относятся  к так называемому Новому направлению  в отечественном богослужебном  музыкальном искусстве. Это направление  было представлено композиторами разных творческих возможностей и установок. Среди них были музыканты петербургской  и московской композиторских школ. Всех их объединила одна общая идея – идеализация подлинных церковных  напевов, претворение их в нетто  музыкально-возвышенное, сильное своей  выразительностью и близкое русскому сердцу типичною национальностью.

     Обращение к истокам, к практике знаменного пения Древней Руси становится сутью  Нового направления. На первый взгляд, подобный церковно-певческий «неоклассицизм»  вполне гармонирует с магистральной  линией развития искусства того времени, с устремленностью к возрождению  моделей прошлых культур. Однако музыка Нового направления – это  совершенно особая ветвь художественного  творчества «серебряного века», поскольку  она выполнила своеобразную посредническую функцию между богослужебной  практикой с ее строгим каноном  и светским искусством концертного  предназначения. Сочинения приверженцев этого течения связаны не только с литургическим текстом (что  часто встречается в музыке 20 века), но с конкретным богослужением, что позволяло включать многие произведения в церковную службу. Новый стиль  в духовной музыке развивался быстро и плодотворно. Композиторы внимательно изучили старинные распевы, пытаясь на их основе выделить принципы гармонизации церковных мелодий.