Обучение основам техники акварельной живописи на занятиях по изобразительной деятельности в старшей группе

ВВЕДЕНИЕ

В системе общественного воспитания детей дошкольного возраста большое место отводится рисованию. Именно в процессе рисования у ребенка совершенствуются наблюдательность, эстетическое восприятие, эстетические эмоции, художественный вкус, творческие способности, умение доступными средствами самостоятельно создавать красивое.                             Занятия рисованием развивают умение видеть прекрасное в окружающей жизни, в произведениях искусства. Собственная художественная деятельность помогает детям постепенно подойти к пониманию произведений живописи, графики, скульптуры, декоративно-прикладного искусства.                                                                                                                 Основная цель обучения рисованию в детском саду — научить детей изображению предметов и явлений как средству образного отражения жизненных впечатлений. Для изображения нужны ясные, отчетливые представления, а также умение выразить их в определённых образах. Создавая рисунок, ребенок контролирует свои действия представлением изображаемого предмета и оценивает их.                                                                                                   Представления, нужные для рисования, образуются в процессе восприятия. Исследования Н. П. Сакулиной показывают, что необходимо учить детей определенному способу восприятия предмета, его обследованию. Однако для того чтобы нарисовать тот или иной предмет, недостаточно иметь ясное представление о его форме, цвете, строении, необходимо уметь выразить эти свойства предмета в художественной форме на плоскости листа бумаги, подчинить движение руки задаче изображения.                                                                       Техника в искусстве – это совокупность специальных способов и  приемов, посредством которых исполняется художественное произведение.              Знание техники, применение того или иного материала позволяет наилучшим способом выявить этот материал.                                                                                                  Изучение детских рисунков свидетельствует о том, что в дошкольных учреждениях мало уделяется внимания проведению занятий по обучению детей технике акварельной живописи. Дети не владеют техникой акварельной живописи, не умеют правильно держать инструмент, которым рисуют (карандаш, кисть), не владеют рациональными способами движения руки при рисовании. Плохое владение инструментом, своей рукой, незнание материалов, способов рисования, их выразительных возможностей вызывает затруднения при решении изобразительных задач, мешает ребенку передать в изображениях задуманное.                                                                                                                                            Программой детского сада определены виды графических материалов для каждой возрастной группы. В старшей группе детей впервые знакомят с миром волшебных красок – акварелью, акварельными красками. Они удобны в употреблении, быстро сохнут, легко наносятся на бумагу. Живопись акварельными красками процесс достаточно увлекательный, хотя и не самый простой. Для акварели не требуется большого количества материалов, но знание материала и умение его правильно применять, использовать все возможности этого красивого тонкого художественного материала — залог правильной работы с акварелью.                                                                                                                              Однако в практике работы дошкольных учреждений не достаточно уделяется внимания методике проведения занятий по акварельной живописи, отсутствуют конкретные методические рекомендации по проведению таких занятий, воспитатели используют однообразные методы обучения.                                           Всё выше изложенное подтверждает актуальность выбора темы нашего исследования: «Обучение основам техники акварельной живописи на занятиях по изобразительной деятельности в старшей группе».             

Цель исследования: разработать методику занятий по обучению основам акварельной живописи в старшей группе.                                                                                    Для достижения поставленной цели необходимо решить следующие задачи:                                                                                                                                                                                      1. Проанализировать искусствоведческую литературу по теме исследования с целью выявления техник акварельной живописи.                                                        2. Проанализировать педагогическую литературу по теме исследования.                                                                                                                                                                        3. Выявить педагогические подходы в обучении техники акварельной живописи.                                                                                                                                                                                      4. Разработать и провести педагогический эксперимент.             

Объект исследования - занятия по изобразительной деятельности в старшей группе.

Предмет исследования - процесс обучения основам техники акварельной живописи на занятиях по изобразительной деятельности в старшей группе.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                  Гипотезой исследования  явилось предположение о том, что успешное обучение основам техники акварельной живописи возможно при следующих условиях:                                                                                                                                                          - использование произведений искусства;                                                                                      - использование дидактических игр с художественным содержанием;                            - знания специфики обращения с материалами и инструментами;                             - свободное владение разнообразными техническими приемами;                                           - организация занятия по сюжетному рисованию;                                                                      - использование различных техник рисования.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                           

Методы исследования:

-  анализ искусствоведческой и психолого-педагогической литературы;

- наблюдения за художественной деятельностью детей;

- педагогический эксперимент;

- анализ детских художественных работ.                                                                                                                                                                                                                                                                                        База исследования –  две группы  детей старшего дошкольного возраста  МБДОУ детского сада комбинированного вида № 7 города Пензы.                                                                                                                                                                                                                  Структура дипломной работы – работа состоит из введения, двух глав, заключения и приложений.

ГЛАВА I.  ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ ОСОБЕННОСТИ АКВАРЕЛЬНОЙ ЖИВОПИСИ

I. 2. Живопись как вид изобразительного искусства

Искусствоведы считают живопись наиболее распространенным видом изобразительного искусства, художественные произведения, которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо твёрдую поверхность. В художественных произведениях, создаваемых мастерами, используется рисунок как основа живописи, цвет, светотени, технические приемы, фактура и композиция. Это позволяет воспроизводить на плоскости красочное богатство мира, объёмность предметов, их качественное материальное своеобразие, пространственную глубину и световоздушную среду.                                                                                                                                                                                      Живопись один из наиболее древних видов искусства, завоевавших огромную популярность. Популярна она и в наши дни и значение ее растет с каждым годом, так как несет в себе большой эстетический потенциал общечеловеческую информацию, развернутую во времени.                                                        Живопись - статическое искусство, и как всякое искусство, является формой общественного сознания, представляет собой художественно-образное отражение мира. Как каждый вид изобразительного искусства, живопись имеет художественные особенности, свою историю возникновения и развития.                                                                                                                                                                                      Живописное искусство, как таковое, построенное на плоскостном изображении  (картинной плоскости) с помощью изобразительных средств выразительности, возникло в 30 г. до н.э. в эпоху романизации Египта.                                          Сохранились наскальные росписи (в пещерах Фон-де-Гом в Южной Франции, Альтамира в Северной Испании и др.), исполненные земляными красками (красными, жёлтыми и коричневыми охрами, умброй), чёрной сажей и древесным углём с помощью расщепленных палочек, кусочков меха и просто пальцев создавались правдивые, выразительные, динамичные изображения отдельных животных, а затем и охотничьих сцен.

                                                                                                                                                                        Рис. 1. Наскальные росписи в северной Испании.

В живописи палеолита встречаются как линейно-силуэтные изображения, так и несложная моделировка образов, но композиционное начало в ней ещё слабо выражено. Более развитые, абстрактно-обобщённые представления о мире отразились в отвлечённо-ритмизированной живописи неолита (росписи в Вальторте, Испания), в которой изображения связываются в повествовательные циклы, появляется образ человека.                            Живопись рабовладельческого общества обладала уже развитой образной системой, богатыми техническими средствами. Краски наносились ровным слоем на белый грунт. При этом использовались следующие цвета:  земляные - жёлтые, красные и коричневые; минеральные – синие. В качестве связующих веществ использовались  альбумин, казеин, глютин, гуммисмолы. Появились волосяные кисти.

Рис. 2. Изображение человека в наскальных росписях.

В восточных деспотиях (Древнем Египте и др. государствах), в древней Америке существовала монументальная живопись (роспись гробниц, реже - зданий), связанная обычно с заупокойным культом и носившая развёрнуто-повествовательный характер; главное место занимало обобщённое и нередко схематичное изображение человека. В присущей этой живописи строгой канонизации изображений, проявлявшаяся в особенностях композиции, соотношении фигур отражалась господствовавшая в рабовладельческом обществе жёсткая иерархия.                                                                                                                                             Древняя живопись обладала декоративными качествами, своей плоскостностью эта живопись подчёркивала гладь стены. Особенно высокого уровня достигла роспись древнеегипетских гробниц (картины загробной жизни, включающие бытовые и батальные сцены, анималистические изображения) с её музыкальной ритмичностью и чёткостью композиции, изысканностью линий.                                                                                                                                                          В античности живопись по-прежнему выступает в синтезе с архитектурой и скульптурой, служит вместе с ними не только культовым, но и светским целям; происходит (особенно в Древней Греции) осознание общественной (в т. ч. нравственно-воспитательной) значимости живописи, как и всего искусства в целом. Постепенно раскрываются новые, специфические возможности живописи, дающей более широкое по тематике отображение действительности, чем скульптура, стремящейся к чувственно-полнокровному воплощению мира.                                                                                                                 Для античной живописи, с её пластической ясностью форм, характерны то плоскостные контурные изображения, то объёмные, а также широкое, свободное письмо, жизненно-точное изображение предметов и отчасти пространства; палитра красок по мере развития живопись расширялась и обогащалась; возникла тональная живопись, существовавшая одновременно с живописью локальным цветом. В античности зарождаются принципы светотени, своеобразные варианты линейной и воздушной перспективы.                            Наряду с мифологическими сценами создавались бытовые и исторические сцены, пейзажи, портреты, натюрморты. Украшавшая храмы, жилища, гробницы монументально-декоративная живопись (фрески и мозаики, сохранившиеся в Помпеях, Геркулануме, Пестуме, Казанлыке, Северном Причерноморье) в результате длительного развития пришла к иллюзорному изменению архитектурного пространства и архитектурных форм.                                                                                                                                                                                      Античная фреска (на многослойной штукатурке с примесью мраморной пыли в верхних слоях) имела блестящую, глянцевитую поверхность. В Древней Греции возникла почти не дошедшая до настоящего времени станковая живопись (на досках, реже - холсте), выполнявшаяся главным образом в технике энкаустики - восковой живописи. Реже использовались клеевые краски и темпера, которые позволяли выразительно лепить объёмы. Некоторое представление об античной станковой живописи дают фаюмские портреты.

                                                                                                                                                                                                          Рис. 3. Портрет в Античной живописи.

В средние века в живописи Западной Европы, Византии, Руси, Кавказа, Балкан, развивавшейся преимущественно в русле церковной христианской идеологии, создавались религиозно-аскетические образы, полные духовной экспрессии. Несмотря на строгую канонизацию изображений, в средневековой живописи находили отзвук народные представления. Например, на Руси в иконах и фресках Феофана Грека, Андрея Рублёва, Дионисия, отдельные (часто наивные) наблюдения. При этом определяются основные виды живописи:  фреска, икона, а также миниатюра.

                                                Рис. 4.  Рублёв А. Троица.

Последовательность исполнения, тип изображения, композиция, раскраска - всё регламентировалось. Делавшиеся с тщательностью, присущей ремесленному труду, иконы, настенные росписи (подчинявшиеся архитектурным членениям и плоскости стены), а также мозаики, витражи вместе с архитектурой образовывали в церковных интерьерах единый ансамбль. Повышенная эмоциональность и декоративность средневековой живописи обусловлены экспрессией звучного, насыщенного цвета и акцентировано - ритмичной линии, выразительностью чётких контуров; формы в средневековой живописи плоскостные, стилизованные, фон отвлечённый, часто золотой; встречаются также условные приёмы моделировки объёмов, как бы выступающих на живописной плоскости, лишённой глубины. Значительную роль играла символика композиции и цвета. Например, в западноевропейской живописи - голубой – цвет Богоматери.                                                                                                                                                                         В 1-м тыс. нашей эры высокий подъём пережила монументальная живопись (клеевыми красками по белой гипсовой или известковой грунтовке на глинисто-соломистом грунте) в странах Передней и Средней Азии, в Индии, Китае, на Цейлоне.                                                                                                                                             В феодальную эпоху в Месопотамии, Иране, Индии, Средней Азии, Азербайджане, Турции развивалось искусство декоративно-плоскостной миниатюры, привлекающей как тонкой красочностью, изяществом орнаментального ритма, так и яркостью отдельных жизненных наблюдений. Глубокой поэтичностью, поразительной зоркостью видения людей и природы, лаконичностью оттачивавшейся веками живописной манеры, тончайшей тональной передачей воздушной перспективы выделялась дальневосточная живопись тушью, акварелью и гуашью на свитках из шёлка и бумаги - в Китае, Корее, Японии.                                                                                                                              В Западной Европе в эпоху Возрождения утверждаются принципы нового, базирующегося на антифеодальном мировоззрении, жизнелюбивого гуманистического искусства, вновь открывающего и пытливо познающего земной, материальный мир, проникнутого духом раннебуржуазного антропоцентризма; в силу этого возрастает роль живописи, вырабатывающей систему средств реалистического изображения действительности.                                           Отдельные достижения живописи Возрождения были предвосхищены в XIV веке итальянским живописцем Джотто ди Бондоне. Научное изучение перспективы, оптики и анатомии, использование усовершенствованной Ян Ван Эйком (Нидерланды) техники масляной живописи способствовали широкому раскрытию заложенных в природе живописи возможностей. В живописи убедительно воспроизводятся объёмные формы (с помощью светотеневой моделировки) в единстве с глубоким пространством (разворачивающимся за зрительно уничтожаемой живописной плоскостью) и световой средой, осваивается цветовое богатство мира. Новый расцвет пережила фреска, иногда зрительно расширяющая интерьер дворца или церкви, важное значение приобрела и станковая картина, сохранявшая декоративное единство с окружающей предметной средой.

Рис. 5. Джотто ди Бондони. Введение Богородицы во храм.

Ощущение гармонии мироздания, увлечение свежестью отдельных ярких жизненных деталей, интерес к реальной личности, духовная активность образов характерны для композиций на религиозные и мифологические темы, портретов, бытовых и исторических сцен, изображений обнажённой натуры.                                                                                                                               Темперу вытеснила сначала комбинированная техника (лессировка и проработка деталей маслом по темперному подмалёвку), а затем и технически совершенная многослойная масляно-лаковая живопись без темперы. Наряду с гладкой, детализирующей живописью на досках с белым грунтом (характерной для художников нидерландской школы) венецианская школа живописи вырабатывает приёмы свободной, широкой, пастозной живописи на холстах с цветными грунтами. Одновременно с живописью локальным, часто ярким цветом, с чётким рисунком развивалась и тональная живопись (в венецианской школе, тонко и разнообразно выявившей богатство колористических возможностей живописи).                                                                      Крупнейшие живописцы эпохи Возрождения - Мазаччо, Пьеро Делла Франческа, Мантенья, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Веронезе  внесли большой вклад в техники и технологии живописи.             

Рис. 6. Леонардо да Винчи. Мадонна с младенцем.

XVII-XVIII веках процесс развития европейской живописи усложняется. Складываются национальные школы во Франции (Ж. де Латур, Ф. Шампень, Н. Пуссен, А. Ватто, Ж. Б. Шарден, О. Фрагонар, Ж. Л. Давид), в Италии (Леонардо да Винчи. М. Караваджо, Д. Фетти, П. да Кортона, Дж. Б. Тьеполо, Дж. М. Креспи, Ф. Гварди), в Испании (Эль Греко, Д. Веласкес, Ф. Сурбаран, Б. Э. Мурильо, Ф.Гойя), Фландрии (П. П. Рубенс, Я. Иорданс, А. ван Дейк, Ф. Снейдерс), в Голландии (Ф. Хале, Рембрандт, Я. Вермер,                       Я. ван Рёйсдал, Г. Терборх, К. Фабрициус), в Англии (Т. Гейнсборо, У. Хогарт), в России (Ф. С. Рокотов, Д. Г. Левицкий, В. Л. Боровиковский).

Рис. 7. Шарден Ж.Б. Прачка.

Происходит интенсивная борьба течений, прогрессивных и реакционных идей, передовых направлений против академизма, живопись провозглашает новые социально-гражданские идеалы, обращаясь к более развёрнутому и точному изображению реальной жизни в её движении и многообразии, особенно повседневного окружения человека (пейзаж, интерьер, предметы обихода); углубляется психологическая проблематика, осознаётся и воплощается конфликтное взаимодействие личности и мира.                            В XVII  веке расширилась и четко оформилась система жанров.                    В XVII-XVIII веках процветает монументально-декоративная живопись (особенно в стиле барокко), существующая в тесном единстве со скульптурой и архитектурой и создающая, часто с помощью иллюзионистических эффектов, интенсивно действующую на человека эмоциональную среду. В то же время возросла роль станковой живописи.                            Усложнение проблематики живописи, обилие стоявших перед ней задач, классовая и сословная дифференциация мироощущения привели к формированию различных живописных систем, которые отличались общностью стилевых признаков. Основные из них:                                                                                     - эмоционально насыщенная, динамичная живопись барокко, с характерной незамкнутой, спиралевидной композицией;                                                                      - строго уравновешенная живопись классицизма с её культом чёткого, строгого, ясного рисунка, преобладанием объёмно-светотеневого начала над цветом, локальностью цвета;                                                                                                                                            - живопись рококо с её игрой изысканных нюансов цвета, светлых и блёклых тонов, так и не укладывавшихся в какие-либо определенные стилевые рамки.                                                                                                                                                                         Стремясь к тончайшему воспроизведению красочности мира, световоздушной среды, многие художники совершенствовали систему тональной живописи. Всё это вызвало резкую индивидуализацию технических приёмов преобладавшей в XVII-XVIII веках многослойной масляной живописи. В то же время картины нередко выполнялись одновременно несколькими художниками, специализировавшимися по определенным изобразительным мотивам.                                                                                                   Нарастание станковизма, усиление потребности в произведениях, рассчитанных на интимное созерцание, повлекли за собой развитие и камерных, тонких и лёгких техник живописи - пастели, акварели, туши, различных видов портретной миниатюры. В XIX веке новые национальные школы живописи складываются в Европе живописной и в Америке. Расширяются связи живописи Европы и других частей света. Опыт европейской реалистической живописи, отдельные формальные достижения получают самобытное истолкование, часто на основе местных древних традиций (в Индии, Китае, Японии и др. странах). Европейская живопись также испытывает влияние искусства неевропейских стран (главным образом Японии и Китая), сказывающееся в обновлении отдельных приёмов декоративно-ритмической организации живописной плоскости.                                                         В XIX  веке  живопись шире и глубже других видов изобразительного искусства решает сложные и актуальные мировоззренческие проблемы, играет активную роль в общественной жизни. Важное место в живописи в тот период приобрела острая критика социальной действительности. В то же время, на протяжении всего XIX века, в живописи официально культивировались далёкие от жизни академические каноны, отвлечённая идеализация образов, возникли натуралистические тенденции, игнорировавшие специфичность, самостоятельную экспрессию выразительных средств живописи. В борьбе с этими тенденциями, с рационалистичностью и отвлечённостью официальной салонно-академической живописи складывается живопись романтизма с её  эмоциональным накалом, активным интересом к драматическим событиям истории и современности, показом сильных человеческих страстей, энергии и живописного языка, динамики построений, контрастностью света и тени, насыщенностью колорита (Т. Жерико, Э. Делакруа во Франции; во многом О. А. Кипренский, Сильвестр Щедрин, К. П. Брюллов, А. А. Иванов в России).                                                                                                                                                                                       Отказываясь от классических идеалов гармонического совершенства, реалистическая живопись, основывающаяся на непосредственном наблюдении характерных явлений действительности,  приходит к более полному, конкретно-достоверному, часто повышенно-наглядному изображению жизни. Выдающиеся художники реалистической живописи:   Г. Курбе, Ж. Ф. Милле, О. Домье, К. Коро, мастера барбизонской школы во Франции; Дж. Констебл в Англии; А. Менцель, В. Лейбль в Германии; А. Г. Венецианов, П. А. Федотов в России.

                            Рис. 8. Брюллов К.  Последний день Помпеи.

              Живопись демократического реализма широко показывает быт и труд народа, его борьбу за свои права, обращается к важнейшим событиям истории, создаёт яркие, психологически-углублённые образы простых людей и передовых общественных деятелей; во многих странах возникают школы национального реалистического пейзажа. Особой социально-критической остротой отличается тесно связанная с эстетикой русских революционных демократов живопись передвижников и близких к ним художников - В. Г. Перова, И. Н. Крамского, И. Е. Репина, В. И. Сурикова, В. В. Верещагина, И. И. Левитана.                                                                                                                                                                            К живому воплощению окружающего мира в его естественности и непосредственности, постоянной изменчивости приходит в начале 1870-х годов живопись импрессионизма (К. Моне, О. Ренуара, К. Писсарро,                         А. Сислей, Э. Дега во Франции). Преодолев господствовавшую в живописи тех лет условность, черноту колорита, обновив технику и приёмы организации живописной поверхности, выявив красоту чистого цвета, трепетной живописности и фактурных эффектов.                                                                                     В XIX веке в Европе господствует станковая живопись маслом. В декоративном отношении она ещё меньше, чем прежде, связана с предметной средой. Техника масляной живописи приобретает во многих случаях ярко индивидуальный, свободный характер, но постепенно утрачивает присущие ей раньше тщательность, строгую систематичность, многослойность, снижается прочность произведений живописи (чему способствовало и распространение новых красок фабричного производства взамен употреблявшихся ранее красок ручного приготовления); палитра расширяется (создаются новые пигменты и связующие); вместо тёмных цветных грунтов в начале XIX века вновь внедряются белые грунты. Как и другие виды монументального искусства (архитектура, скульптура), монументально - декоративная живопись, использовавшая в XIX веке почти исключительно клеевые или масляные краски, приходит в это время в упадок. Лишь в конце XIX - начале XX века делаются попытки возрождения монументальной живописи и слияния различных видов живописи с произведениями декоративно-прикладного искусства и архитектурой в единый ансамбль (главным образом в искусстве "модерна"); обновляются и технические средства монументально-декоративной живописи, разрабатывается техника силикатной живописи.                                          В конце XIX – начале XX века во всём мире развитие живопись становится особенно сложным и противоречивым; одновременно сосуществуют и борются реалистические и модернистские течения. Вдохновлённая идеалами  Октябрьской революции, вооружённая методом социалистического реализма, интенсивно развивается живопись в СССР и других социалистических странах. Возникают новые школы живописи в странах Азии и Африки, Австралии, Латинской Америки.                                                                      Реалистическая живопись в конце XIX – начале XX века своими демократическими тенденциями, тесной связью с жизнью следует лучшим традициям живописи предшествующих эпох. В то же время её отличает стремление познать и показать мир во всей его противоречивости, раскрыть сущность происходящих в социальной действительности глубинных процессов, внутренний смысл жизненных явлений, не имеющих порой достаточно наглядного облика, поэтому отражение и истолкование многих явлений реальности приобретает субъективный, символический характер. Живопись XX века  наряду с чувственно-достоверным, иллюзорным, объёмно-пространственным способом изображения широко использует новые (а также и восходящие к древности) условные принципы трактовки зримого мира. Уже в живописи постимпрессионизма (П. Сезанн,                     Винсент Ван Гог, П. Гоген, А. Тулуз-Лотрек) и отчасти в живописи "модерна" зарождаются черты, определившие особенности некоторых течений XX века (активное выражение сугубо личного отношения художника к миру, эмоциональность и ассоциативность цвета, мало связанного с естественными красочными отношениями, утрированность форм, декоративность).   В первом течении, возникшем в XX веке, - в фовизме - характер образа, броскость ярких цветовых контрастов отчётливо диктуются, прежде всего, субъективной волей художника, интенсивно переживающего действительность. По-новому осмысляется мир в искусстве великих русских живописцев конца XIX – начале XX века - в социально-насыщенных, образно-заострённых картинах В. А. Серова, напряжённо-драматических произведениях М. А. Врубеля.

Рис. 9. Врубель М.А. Шестикрылый серафим.

В XX веке действительность осознаётся и претворяется в разных аспектах в живописи крупнейших художников капиталистических стран:                   П. Пикассо, А. Матисса, Ф. Леже, А. Марке во Франции; Д. Риверы, Х. К. Ороско, Д. Сикейроса в Мексике; Р. Гуттузо в Италии; Дж. Беллоуза,                         Р. Кента в США. Во многих их картинах, настенных росписях нашло повышенно-эмоциональное выражение правдивое осмысление трагических противоречий действительности, переходящее в обличение уродств капиталистического строя; живопись передовых художников пропагандирует прогрессивные политические идеи современности, с особой широтой, эпичностью и экспрессией воссоздавая исторические и современные события; в ней воплотились также жизнерадостно-оптимистическое восприятие мира, увлечение его материальностью.                                                                                     С эстетическим осмыслением новой, "технической" эры связано не только отражение пафоса индустриализации жизни, не только проникновение в живопись геометричных, "машинных" форм, к которым нередко сводятся формы органические, но и поиски в живописи отвечающих мироощущению современного человека, его духовным потребностям. Эмоционально-образные цветовые решения новых форм могут быть использованы в декоративном искусстве, архитектуре и промышленности. Широкое распространение в живописи, главным образом капиталистических стран, с начала XX века получили различные модернистские течения, отражающие общий кризис культуры буржуазного общества, в той или иной степени, порывающие живую связь с реальностью. Однако и в модернистской живописи порой находят косвенное отражение "больные" проблемы современности, безудержный дух протеста (например, в живописи экспрессионизма с её драматической неистовостью, кризисными настроениями). В живописи многих модернистских течений (кубизм, футуризм, сюрреализм) отдельные более или менее легко узнаваемые элементы зримого мира фрагментируются или геометризируются, предстают в неожиданных, иногда алогичных сочетаниях, порождающих множество ассоциаций, сливаются порой с чисто абстрактными формами. Дальнейшая эволюция многих из этих течений уже в 1910-х гг. привела к полному отказу от изобразительности, к появлению абстрактной живописи.                                                        Живопись, как искусство, любого другого вида имеет свой язык, средства выразительности, средства изображения; приемы и технику, материалы которые отражают эту технику.

1.2. Акварельная живопись: История развития

Акварель была известна еще в древние времена, хотя в чистом виде, то есть без примеси плотных, кроющих белил, вряд ли существовала ранее XVIII века. Ее знали древние египтяне, применявшие акварель в цветных изображениях на папирусах. Акварель была знакома также китайцам и этрускам. У китайцев живопись на фарфоре напоминает акварельную раскраску своей легкостью, изяществом цветовой гармонии, свойственной акварельной технике. Полагают, что живопись на стенах римских катакомб первых веков нашей эры производилась водяными красителями, близкими к акварельным краскам.                                                                                                                                                          В средние века, как в России, так и в Западной Европе акварель                   использовали при украшении церковно-служебных книг (орнамент и                   миниатюра), но это была акварель с применением белил. В XI веке, когда широкое распространение получила миниатюра, иллюстрирующая рукописные книги, появляются трактаты о различных приемах акварельной техники и ее рецептура.                                                                                                                                            В XV веке, с появлением гравюры на дереве, акварель начинают применять для подцвечивания оттисков, а также рисунков, пользуясь ее прозрачностью, позволяющей просвечивать контурам гравюры, причем вначале производилось лишь подцвечивание одной черной акварелью или сепией, потом двумя-тремя красками, а с течением времени количество красок постепенно увеличивалось.                                                                                                                               В эпоху Возрождения акварель привлекает внимание таких художников, как гениальный Дюрер и Ганс Гольбейн Младший. Работая акварелью, Дюрер постигает ее большие возможности в пейзаже, отчасти и в других жанрах. Он сам изготовлял акварельные краски на меду и выполнял ими чудесные рисунки (из них часто воспроизводятся «Заяц», «Букет фиалок» и др.).

              Рис. 10. Дюрер А. «Букет фиалок».

Находящаяся в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге работа Ганса Гольбенна «Успение мадонны» (1501) также дает нам представление об акварельной технике того времени. Смелый рисунок прописан пером свежей, гармоничной по цвету акварелью, которая выявляет и подчеркивает формы фигуры.                                                                                                                             

Заметное совершенствование акварельной техники наблюдается в XVII веке, чему способствует развитие пейзажной живописи. Характерные особенности акварели — ее тонкость, прозрачность и воздушность — оказались очень ценными качествами при изображении природы. Лучшие мастера этого времени — Рембрандт, Рубенс и другие — создали прекрасные акварельные пейзажи.

Рис. 11. Рембрандт Ван Рейн.  Пейзаж.

Художники Голландии используют акварель не только в пейзаже, но также в портретном жанре. Интересны акварельные работы Иорданса, отличающиеся глубиной тонов прозрачностью и чистотой красок. Однако в XVII веке акварель в основном все еще была служанкой масляной живописи. Самостоятельной, серьезной живописью она становится лишь в XVIII веке, сначала в Англии, а затем и во Франции, Италии и других странах.                                          В этот период большое распространение, как в масляной, так и в акварельной живописи получает городской пейзаж. Мастером                            архитектурного пейзажа во Франции является Гюбер Робер,                                           в Италии — Каналетто, Гварди, Белотто, гравер и рисовальщик Пиранези и другие художники. Заметная роль в архитектурном пейзаже принадлежит акварельным этюдам и зарисовкам.                                                                                                                              Но классической страной акварельной живописи по праву считается Англия. Природа островной Англии с ее обособленным, своеобразным климатом, с ее «цветными» туманами, постоянно меняющимися                      атмосферными явлениями по-своему способствовала развитию акварельной техники, как бы подсказывала способы применения акварели как                            прозрачной краски.                                                                                                                                                          Уже в XVIII веке английская акварель все больше и больше наделяется живописными качествами и от прозрачной монохромной отмывки, применяемой Геннсборо и Александром Козенсом, переходит к живописной многоцветной технике. Во главе английской акварельной школы становятся такие превосходные художники, как Джон Козенс, Тернер, Констебль, Ричард Бонингтон, Томас Гёртин. Они вырабатывают блестящую технику, овладевают воздушной перспективой, что позволяет передавать и трепетность воздуха, и мерцающее солнечное освещение. Кажется, что художники - акварелисты Англии не ведали препятствий в изображении вечерних зорь, туманной дымки, рассеянного солнечного света, пробивающегося сквозь влажный воздух, моросящего дождя. Недаром говорят, что английские акварелисты, и в первую очередь Тернер, «открыли» лондонские туманы.

Рис. 12. Джон Роберт Козенс. Пейзаж.

Английский акварельный пейзаж завоевывает ведущее место среди других жанров изобразительного искусства Англии, становится                        традиционно национальным. В нем нет подражания романтическим                итальянским или швейцарским ландшафтам. В непритязательной красоте родной природы английские акварелисты нашли неиссякаемый источник художественных откровений, творческой новизны.  В обращении английских художников - акварелистов к национальному пейзажу большую роль сыграло творчество Томаса Гёртина, светоносно изображавшего непритязательные сельские пейзажи или панорамно раскинувшиеся английские ландшафты.              Ранние произведения Тёрнера отличались изысканно сдержанным колоритом, излучали свет. Впоследствии, оказавшись в Италии, он увлекся передачей световых эффектов, артистичным мазком, что придавало его акварелям несколько условно романтический характер.                                                                       Весьма разнообразны по техническим приемам виртуозные акварели Бонингтона, выполненные с кажущейся небрежностью. Его акварели, как и живопись маслом, отмечены высветленным солнечным колоритом.                                          Констебль создал немного законченных, «выставочных» акварелей. Зато его этюды, сделанные акварельными красками, являются образцом в передаче световоздушной среды. В основе его акварельных этюдов (часто выполненных одной сепией) лежат контрасты темного и светлого, переливы мазков от сочных бликов до бархатной глубины. Картины Констебля свидетельствуют о том, насколько благотворно сказалась «мокрая» техника на его живописи маслом. Именно занятия акварелью способствовали тому, что в его картины проникла сама жизнь природы, световоздушная перспектива реального пространства.                                                                                                                Среди известных мастеров акварельной живописи можно назвать еще таких художников, как Альма-Тадема, Лоуренс, Купер, Варрон, Уистлер и другие.                                                                                                                                                                                      Английская акварель показала художникам других стран заключенные в ней возможности для изображения беспредельного красочного богатства природы. В ее последующем развитии за пределами Англии можно проследить благотворное влияние английской школы акварельной живописи.              Соприкосновение с английской акварельной живописью благотворно сказалось на развитии живописного мастерства таких французских художников XIX века, как Жерико и Делакруа. Побывав в последние годы жизни в Англии, Жерико создал целую серию многоцветных акварельных рисунков, отмеченных истинно живописным решением жанровых мотивов.  В использовании живописных возможностей акварели еще дальше пошел Делакруа, выдвинувший на первый план живописный подход во всех видах своей графики. Делакруа и целый ряд других художников сделали акварельную живопись модной во Франции и вывели это искусство из-под влияния английской школы, создав свою технику и свой стиль — стиль легких эскизных акварельных изображений, представляющих фиксацию быстро сменяющихся впечатлений художника.                                                                                                  Художник - баталист Эдуард Детайль, иллюстратор Гюстав Доре, живописец и график Оноре Домье, художник-хроникер, отображавший общественные и политические события, Эжен Лами, живописец, литограф и мастер портретной миниатюры Изабэ — все они, каждый на свой лад с успехом работали в акварельной технике. Кроме того, во Франции акварель получила широкое применение в художественной промышленности (акварельный рисунок на слоновой кости, веерах, ширмах, шелке и других тканях).                                                                                                                                                                                      В Германию влияние английской акварельной школы проникает через посредство французских художников. Из выдающихся немецких акварелистов можно назвать Эдуарда Гильдебрандта, Каспара Фридриха. Франца Крюгера, Адольфа Менделя. Для немецких акварелистов и рисовальщиков XIX века характерна рассудочность; дотошный                         натурализм соседствует с романтической условностью. Исключение представляют акварели, рисунки и живопись Адольфа Менделя, возглавлявшего некоторое время группу художников - акварелистов, работавших в Вене. Примером виртуозного владения средствами акварельной техники могут служить многие работы Эдуарда Гильдебрандга. Обладая способностью мгновенно фиксировать необычные явления в природе, художник любил, по словам В. В. Стасова, «ослепить воображение зрителей» эффектными очертаниями, феерическими красками.                                                        В Италии в XIX веке акварель также достигает большого совершенства,  а по законченности, богатству мотивов и легкости техники итальянская акварель иногда превосходит английскую. Такие пейзажисты, как Джиганти, Корроди сочно и ярко передавали природу Италии.