Контрольная работа по "Искусство"
- Искусство. Виды искусства. Предмет искусства.
Искусство это мастерство создавать материальные, духовные и эстетические ценности путем специфического отражения действительности или отражение специфического в действительности. Искусство это нечто искусственное по сравнению с природным, созданное при помощи технично выполненной детальности, это творчество, действующее по законам красоты. Искусство является важнейшей сферой культуры человека и относится к различным видам его деятельности. Человек в искусстве это основная тема и главный образ в структуре и содержании художественного произведения, которые художник формирует через призму собственных знаний, ценностей, переживаний в своем сознании, что и называется творческим процессом, плодом которого является предмет искусства. Исторически искусство делится на множество форм творческой деятельности, различающихся по способам материального воплощения, имеющие собственные специфические изобразительно-выразительные средства и приемы, однако в целом составляющие систему взаимодействующих видов, многообразие которых обусловлено многогранностью реального мира. К ним относятся:
- изобразительное
искусство (пластические и
- литература (творчество, реализуемое при помощи слова)
- музыка (звучание голоса, природных и технических теноров)
- архитектура
и декоративно-прикладное искусство (материальные
конструкции и вещи, удовлетворяющие
материальные и духовные потребности
людей)
- Происхождение музыки, понятие синкретизма.
Происхождение музыки было обусловлено четырьмя причинами:
- В древности человек на каждом шагу встречался с музыкой природы — пением птиц, журчанием ручья, шумом деревьев и пытался подражать им, так и возникла первая сознательная музыка.
- Схожесть первых инструментов труда и первых музыкальных инструментов неслучайна, натянув на ступу для толчения зерна кожу, получается барабан, а струнные инструменты появились на основе лука.
- Рождению элементарных песнопений могли способствовать ритмичные выкрики людей во время совместной работы, где была необходимо слаженность действий, а так же могли способствовать хоровые танцы, опять-таки возникшие во время трудовой деятельности.
- Главное условие возникновения музыки это художественный дар человека, так как именно он подтолкнуло наших предков с помощью, камня, глины, наскальной живописи передать эпизоды из своей жизни.
На этом
этапе развития, музыкальное искусство
не было отделено от других видов искусств,
таких как пение, танец, поэзия, это
явление называется «Синкретизм»,
оно присуще начальным этапам
формирования человеческой культуры.
- Музыка романтизма (связь Бетховена и Шуберта)
Музыка периода романтизма —
это профессиональный термин в музыковедении,
описывающий период в истории Европейской
музыки, который охватывает условно 1800
- 1910 годы. Музыка этого периода развилась
из форм, жанров и музыкальных идей, установившихся
в ранние периоды, такие как классический
период. Хотя романтизм не всегда подразумевает
романтические отношения, тем не менее,
этот сюжет был основным во многих работах
по литературе, живописи и музыке, созданных
в эпоху романтизма. Идеи, структура произведений,
которые установились или только наметились
в более ранние периоды, были развиты при
романтизме. В итоге произведения, относящиеся
к Романтизму, воспринимаются слушателями
(как в 19 в., так и сегодня) как более пылкие
и эмоционально выразительные. Появился
новый жанр Ноктюрн, который стал настоящей
визитной карточкой романтизма. В классической
концепции ночь была олицетворением зла,
классические произведения заканчивались
триумфальной победой света над тьмой.
Романтики же, напротив, предпочитали
ночь — время, в которое душа открывает
свои истинные черты, когда можно мечтать
и думать обо всём, созерцая тихую природу,
не отягощённую суетой дня. Композиторы-романтики
старались с помощью музыкальных средств
выразить глубину и богатство внутреннего
мира человека. Музыка становится более
рельефной, индивидуальной. Получают развитие
песенные жанры, в том числе баллада. Принято
считать, что началу становления романтизма
в музыке положил Людвиг Ван Бетховен.
Период перехода от классицизма к романтизму
считается предромантическим
периодом — сравнительно короткий период
в истории музыки и искусства. Однако основоположником
отдельного направления романтизма в
музыке приписывают другому композитору,
а именно Францу Шуберту, который был страстным
поклонником творчества Бетховена. Бетховен
это революционный пафос, философская
глубина, им Шуберт противопоставил лирические
миниатюры и картины демократического
быта. Они оба учились у великого педагога
музыки Антонио Сальери. Шуберт в некотором
смысле продолжил дело Бетховена, а именно
развил такой жанр, как песня. Благодаря
его творчеству вокальная музыка получила
развитие, и пополнилось великолепными
произведениями (Лесной царь, скиталец,
похвала слезами и т.д.). Отдельного
внимания заслуживают йенские романтики,
чья деятельность знаменовала собой первый
этап развития немецкого романтизма. Эта
группа деятелей романтического
- Понятие синестезия.
Синестезия
переводится с греческого языка
как «одновременное ощущение» или
«совместное чувство». Синестезия -
феномен восприятия, состоящий в том, что
впечатление, соответствующее данному
раздражителю и специфичное для данного
органа чувств, сопровождается другим,
дополнительным ощущением или образом,
при этом часто таким, которое характерно
для другой модальности. Типичный пример
синестезии — «цветной слух», равно как
и звуковые переживания при восприятии
цвета, и т.п. Характерным примером синестезии
является восприятие музыки некоторыми
композиторами. Именно такие синестезии
привели А. Н. Скрябина к мысли о «синтетическом
искусстве», где музыкальным тональностям
соответствовали бы определённые цвета
(симфоническая поэма «Прометей», 1910). Синестезия
давно признана сущностной принадлежностью
романтизма и, как само собой разумеющееся,
её сопрягают обычно с "панмузыкальностью",
которую яростно проповедовали романтики. В литературе, впрочем,
как и в других моносенсорных искусствах,
синестезия осуществляет важную функцию,
она возмещает неполноту чувствительности
в этих искусствах и делает художественный
образ индифферентным по отношению к видовой
ограниченности этих искусств. Важность
данного феномена неоспорима, именно благодаря
нему читатель может довообразить, довоссоздать
в воображении то, что автор только наметил
пунктиром: "Флейты звук зорево-голубой,
звук литавр торжествующе-алый" (К.Бальмонт),
"Тонкий, режущий свист, как ослепительно-белая
нить, закручивается вокруг горла" (М.Горький),
то есть синестезия это некое сотворчество
с автором.
- Роль музыки в творчестве Тургенева (Дворянское гнездо, Полина Виардо).
Главной особенностью личности Ивана Сергеевича Тургенева является его любовь к искусству, что становится понятным из его произведений, текста которых полны литературными, художественными, музыкальными и историко-культурными материалами. Но важнейшее место в творчестве Тургенева занимает музыка. С многих страниц его книг «звучат» то народная песня, то вдохновенно исполняемые героями произведения классиков. Музыка отчетливо «слышна» в романах «Накануне», «Отцы и дети» и в других произведениях. Роман «Дворянское гнездо» считается самым «музыкальным» произведением Тургенева, причем имеется в виду не, только содержание романа, где главные герои зачастую музицируют, а отношение к музыке является главным средством их характеристики, но и тональность повествования в романе. Не малую роль в жизни и творчестве Тургенева сыграла французская певица Полина Виардо. Впервые он услышал её песни в опере «Севильский цирюльник», и был поражен её необыкновенным голосом и артистизмом. С этой минуты вся жизнь Тургенева, его талант, богатство были положены к ногам этой женщины. Виардо стала для Тургенева олицетворением самого искусства. Так как Полина была замужем, Ивану Сергеевичу досталась роль её воздыхателя, которую он играл на протяжении 40 лет, до конца своих дней. В последние годы жизни И.С.Тургенев создаёт цикл «Стихотворений в прозе», которые он пишет с 1877 года. Стихотворения Тургенева в прозе это философские высказывания, жизненные выводы, и их никак нельзя назвать философскими рассказами, потому что в этих произведениях так гармонично сочетаются звуки, мелодично сливаясь в слова и фразы. Его стихотворения как сплав поэзии и прозы, мелодии и ритма, отмеченные печатью необыкновенного стилистического изящества, стали неким итогом, точкой которую Тургенев ставит в конце всех своих произведений, в конце своей жизни.
- Музыка и поэзия.
Говоря о музыки и поэзии нужно отметить их взаимодополняемость. В слове, музыка находит мыслительную оформленность, а в музыке, слово обретает высшую эмоциональность и выразительность. Эта связь органична и подкрепляется тем, что у музыки и звучащего слова имеется много общих свойств: темп, ритм, частота, тембр, диапазон, эмоциональность, певучесть, мелодичность. Музыкальность слова отчетливо видна в народном фольклоре, опере, песне, романсе, то есть там, где присутствует мелодекламация. К художественным текстам композиторы создавали музыку, а бывало, что к мелодиям поэты писали слова. Создание поэтического произведения строится на ритмической организации стиха, при помощи ассонанса, аллитерации, звуковых повторов, референтов, ритмики и разных способов рифмовки, благодаря чему в поэтическом тексте проступает некий звуковой рисунок. Композиция так же играет важную роль и имеет такие принципы, как повторение, реприза, возвращение к заданной теме (рондо). Многие произведения Тургенева, строились по музыкальным законам композиции:
- Увертюра, которая содержит зарисовку пейзажа или интерьера, описание встречи, в ней на эмоциональном уровне присутствует заданность будущей темы, обозначается конфликт.
- В центре произведения находится развитие темы, которая делится на подтемы.
- Окончание произведения это слияние раздробленного в центре сюжета на подтемы в единую тему, которая достигает максимальной экспрессии, и что бы передать волнение персонажей, автор прибегает к музыке, звучание которой затем ослабевает, проскальзывают нотки печали, назревает развязка.
- Искусство и литература древней Руси (иконопись, жития святых). 8. Русская иконопись на библейские сюжеты. 9. Русская иконопись на жития святых.
Значительное место в искусстве древней Руси занимал фольклор, так как он был непосредственно связан с народным бытом. Фольклор послужил одним из основных источников письменной летописи и некоторые из письменных памятников, а именно «Слово о полку Игореве» (предполагаемый автор Йоиль Быковский), а так же «Повесть временных лет» (монах Киево-Печерского монастыря Нестор), на своем примере доказывают это. Другим важнейшим толчком появления письменности служит такое событие как крещение Руси в 988 году, а так как Русь приняла христианство в его восточном, православном варианте, допускавшем, в отличие от католичества, богослужение на национальных языках, культура и письменность стали развиваться очень быстрыми темпами. Третьей причиной появления письменности явились внутренние потребности общества, которые были обусловлены усложнением социально экономических отношений и формированием государства, что стало качественным скачком развития культуры. Потребность была обусловлена необходимостью закрепления, передачи во времени и в пространстве знаний, мыслей, идей, сохранения и распространения достижений культуры. Создание славянской азбуки связывают с именами византийских монахов Кирилла и Мефодия. Созданный Кириллом глаголический алфавит, на котором были написаны первые переводы церковных книг, в скором времени был синтезирован с греческим письмом, результатом чего стало появления другого алфавита, а именно кириллицы. По утверждению ученых, до татаро-монгольского нашествия древнерусская литература обладала обширным списком произведений, состоящим из нескольких сотен книг, но, к сожалению, до нас дошли единицы. Центром книжного ремесла по праву являлся Киево-Печерский монастырь, именно в нем началось развитие особого литературного направления, пришедшего к нам из Византии, оказавшего большое влияние на культуру и литературу Руси, речь идет о житие святых, служившего важным средством внедрения христианского мировоззрения и морали. Первыми подобными древнерусскими произведениями стали «Чтение о житие и погублении блаженных страстотерпцев Бориса и Глеба» и «Житие Феодосия Печерского», составленные преподобным Нестором. Необходимо упомянуть более раннюю версию жития «Бориса и Глеба», написанную княжескими летописцами, и в отличие от византийских идей, носившую идеи единения Руси и порицания княжеской междоусобицы. Жития святых, написанные церковнослужителями, основная идея которых была мученичество святых за веру, в них затрагивались проблемы мировоззрения, морали, отношения к религии и к богу, основная цель - назидание. События в этих житиях отходят от реальных обстоятельств жизни святых, создаются их условные биографии, строящиеся обычно по традиционной схеме: рождение от благочестивых родителей, раннее монашество, аскетические или проповеднические подвиги, блаженная кончина и чудеса, творящиеся у гроба, наконец, похвальное слово святому. К житиям святых, дошедшим до наших дней относятся вышеупомянутые: «Чтение о житие и погублении блаженных страстотерпцев Бориса и Глеба» и «Житие Феодосия Печерского», а так же житие митрополита Петра, Николая Чудотворца, Георгия, Сергея Радонежского, Стефана Пермского, Кирилла Белозерского, Зосима и Савватий Соловецкие, » и др. Некоторые из этих житий святых послужили сюжетами для икон. Например, житие «Бориса и Глеба» на конях трактовка иконы находит себе подтверждение в тех словах, с которыми составитель жития Бориса и Глеба обращается к обоим святым: «Вы... нам оружие, земли Русской забрало и утверждение, и меч обоюдоострый». Другой иконой написанной на житийный сюжет святого, является икона Николая Чудотворца с житием в 12 клеймах. На подобных иконах обычно на среднем поле изображается святой в рост, либо по пояс, а в боковых клеймах размещаются сцены из его жития. Сюжеты этих сцен нередко восходили к апокрифическим источникам, что давало художнику возможность более вольного их толкования. Так же нужно упомянуть икону, написанную по мотивам жития святого Георгия, в центре которой изображен сам святой, а по периметру располагаются сцены из его жизни. Особое место занимают иконы, написанные на жите Богоматери, они представлены в разных исполнениях, в древнерусском варианте выделяют Моление Богородицы на горе Елеонской, Смертное благовещение, Положение ризы и пояса Богородицы. Житийные иконы Божией Матери явились основой для развития принципиально нового типа икон со сказанием о чудесах. Иконы, написанные на жития Зосимы и Солловатия Соловецких, живших в уединении и посвятивших всю свою жизнь богу. Необходимо отметить, что многие все иконы, основанные на сюжете житиях святых, написаны в византийском стиле. На иконах изображены важные события, мучения, чудеса из жизни причисленных к лику святых, строящиеся по той же схеме, что и сами жития этих святых. Иконопись является важной изобразительной летописью, из чего можно сделать вывод, что говоря об отношении икон написанных по мотивам житий святых, мы ведем речь о синтезе изобразительного искусства и литературы. Говоря об иконописи нужно дать этому изобразительному искусству определение: иконописание, написание икон. В наиболее общем смысле это — создание священных изображений, предназначенных быть посредником между миром Божественным и земным при индивидуальной молитве или в ходе христианского богослужения, одна из форм проявления Божественной истины. По преданиям, первую икону сотворил сам Иисус Христос. История первая гласит: "В одном богатом городе жил безнадежно больной богач Авгарь. Услышав о чудесной силе Христа, он послал к нему слугу с приглашением позировать художнику. Авгарь был уверен, что имея в доме изображение Христа, он исцелится. Позировать Христос не захотел, а потом, взяв кусок полотна, приложил его к своему лицу, где отпечатался лик".
Вторая легенда рассказывает, как одна добрая женщина, видя измученного Христа, несущего свой крест на Голгофу, отёрла его лицо своим платком. А придя домой, увидела на платке отпечаток святого лика Спасителя. Так по сей день существует икона – Спас нерукотворный. В иконописи сюжеты ограниченны, композиция и внешний облик персонажей строго регламентированы. Что касается икон написанных на библейские сюжеты, то тут надо выделить икону Андрея Рублева, написанную в конце XIV — начале XV веков (по другим исследованиям, около 1412), являющуюся его главным шедевром — икону «Живоначальная Троица» (Третьяковская галерея). Традиционный библейский сюжет Рублёв наполнил глубоким богословским содержанием. Отойдя от традиционной иконографии, он поместил в центре композиции единственную чашу, а её очертания повторил в контурах боковых ангелов. Одежды среднего ангела (красный хитон, синий гиматий, нашитая полоса — клав) явно отсылают нас к иконографии Иисуса Христа. Двое из сидящих за столом главою и движением стана обращены к ангелу, написанному слева, в облике которого читается отеческая начальственность. Голова его не наклонена, стан не склонен, а взгляд обращен к другим ангелам. Светло-лиловый цвет одежд свидетельствует о царственном достоинстве. Все это — указания на первое лицо Святой Троицы. Наконец, ангел с правой стороны изображен в верхней одежде дымчато-зелёного цвета. Это ипостась Святого Духа, за которым возвышается гора. На иконе есть ещё несколько символов: дерево и дом. Дерево — мамврийский дуб — превратилось у Рублёва в древо жизни и стало указанием на живоначальность Троицы. Дом воплощает Божие Домостроительство. Дом изображен за спиной ангела с чертами Отца (Творец, Начальник Домостроительства), Древо — за спиной среднего ангела (Сын Божий), Гора — за спиной третьего ангела (Святой Дух). К другим его известным иконам относятся: «Апостол Павел», «Владимирская богоматерь», «Спас в силах», «Благовещение», «Рождество Христово», «Сретение», «Крещение», «Воскрешение Лазаря», «Преображение» , «Вход в Иерусалим».
Учитель Андрея Рублева, известный иконописец, пришедший к нам из Византии – Феофан Грек, написанная им двухсторонняя икона «Успения», имеет на одной стороне сюжет Успения Божьей Матери, а на другой образ Богоматери с младенцем Христом. Изображение относится к типу икон Богородицы «Умиление», и впоследствии икона получила название «Богоматерь Умиление Донская». Ещё один знаменитый московский иконописец конца XV - начала XVI веков Дионисий (ок. 1440 - 1502). Считается продолжателем традиций Андрея Рублева. Среди дошедших до нашего времени икон известны: «Богоматерь Одигитрия», «Крещение Господне», «Распятие», «Спас в силах».От иконописи принято отделять с одной стороны другие формы церковного изобразительного искусства: монументальную (настенную) живопись (фреску, мозаику и др.), книжную миниатюру, декоративно-прикладное искусство (например, чеканные, литые изображения и эмали, шитье); с другой — живопись религиозного содержания, основанную на авторской интерпретации библейского сюжета и обращённую к чувственному переживанию зрителя. Все вышеперечисленные иконописцы так же занимались украшением храмов. Феофаном Греком расписаны:
Церковь
Спаса Преображения на Ильине улице
(Новгород (1378) (первая известная сохранившаяся
работа), Собор Рождества Богородицы (1395)
вместе с Семёном Чёрным), Архангельский
собор Кремля(1399), Благовещенский собор
Кремля вместе с Андреем Рублёвым и Прохором
из Городца (1405). Андрей Рублев расписывает:
Спасский собор Андроникова монастыря,
Благовещенский собор в Московском кремле,
делал росписи с Даниилом Чёрным в Успенском
соборе во Владимире, расписал Троицкий
собор Троице-Сергиева монастыря. Другой
мастер росписи Дионисий расписал: собор
Рождества Богородицы в Пафнутьевом Боровском
монастыре (1467—1477), Успенскую церковь
в Москве (вероятнее всего, Успенский собор,
построенный Аристотелем Фиораванти),
последние документально засвидетельствованные
произведения, и, вероятно, наиболее известные
работы Дионисия — стенные росписи и иконостас
собора Рождества Богородицы Ферапонтова
монастыря, выполненные мастером вместе
со своими сыновьями Феодосием и Владимиром.
Помимо иконописи и летописи искусство
древней Руси славится своими архитектурными
произведениями, основу которых конечно
же составляют храмы и церкви. Принципы
постройки каменных храмов были заимствованы
у Византии, по причине отсутствия навыков
работы с этим материалом. Первой каменной
постройкой была Десятинная церковь, возведенная
в Киеве в конце Х века греческими мастерами.
Она была разрушена монголо-татарами в
1240 году. В 1031-36 годах в Чернигове греческими
зодчими был воздвигнут Спасо-Преображенский
собор – самый «византийский», по мнению
специалистов, храм Древней Руси. Вершиной
южнорусского зодчества XI века является
Софийский собор в Киеве – огромный пятинефный
храм, построенный в 1037-1054 годах греческими
и русскими мастерами. Вслед за киевской
Софией были построены Софийские соборы
в Новгороде и Полоцке. Новгородская София
(1045-1060) существенно отличается от киевского
собора. Она проще, лаконичнее, строже
своего оригинала. С XII века начинается
новый этап в развитии русского зодчества,
которое отличается от архитектуры предшествующих
времен меньшей масштабностью зданий,
поисками простых, но в том же время выразительных
форм. Наиболее типичным стал кубический
храм с позакомарным покрытием и массивной
главой. Со второй половины XII века заметно
ослабевает византийское влияние, что
ознаменовалось появлением в древнерусской
архитектуре храмов башнеобразной формы,
неведомой византийскому зодчеству. Наиболее
ранним примером такого храма является
собор Спасо-Ефросиниева монастыря в Полоцке,
а также собор Михаила Архангела в Смоленске.
Важнейшими историческими и религиозными
храмами являются: Успенский собор — православный
храм, расположенный на Соборной площади
Московского Кремля. Сооружён в 1475—1479
под руководством итальянского зодчего
Аристотеля Фиораванти. Главный храм Московского
государства. Старейшее полностью сохранившееся
здание Москвы. В соборе сохраняется
Гвоздь Господень и посох святителя Петра,
митрополита Киевского и всея России.
С 1395 года в соборе находилась Владимирская
икона Божией Матери (с 1930 года в Третьяковской
галерее, в храме Николая в Толмачах). Собор
был местом погребения большинства московских
святителей до учреждения Святейшего
Синода. Собо́р свято́го Архистрати́га
Михаи́ла (Арха́нгельский собо́р) в Кремле
— православный храм, расположенный на
Соборной площади Московского Кремля.
Существующий собор был сооружён в 1505—1508
гг. под руководством итальянского зодчего
Алевиза Нового на месте старого собора
XIV века и освящен 8 ноября 1508 года митрополитом
Симоном[1]:10. С 1599 года по 1765 год при соборе
состояли особые архиереи, обязанностью
которых было совершать панихиды в дни
поминовения князей и царей. Собор Покрова Пресвятой
Богородицы, что на Рву, также называемый
Собор Василия Блаженного — православный
храм, расположенный на Красной площади
Китай-города в Москве. Широко известный
памятник русской архитектуры. До XVII века
обычно назывался Троицким, так как первоначальный
деревянный храм был посвящён Святой Троице.
Покровский собор был построен в 1555—1561
годах по приказу Ивана Грозного в память
о взятии Казани и победе над Казанским
ханством. Существует несколько версий
о создателях собора. По одной из версий,
архитектором был известный псковский
мастер Постник Яковлев по прозвищу Барма.
По другой, широко известной версии Барма
и Постник — два разных архитектора, оба
участвовавших в строительстве, эта версия
ныне устарела.[источник не указан 593 дня]
По третьей версии, собор был построен
неизвестным западноевропейским мастером
(предположительно итальянцем, как и ранее
— значительная часть сооружений Московского
Кремля), отсюда и столь неповторимый стиль,
сочетающий в себе традиции как русского
зодчества, так и европейского зодчества
эпохи Возрождения, но эта версия пока
так и не нашла никакого чёткого документального
подтверждения. Согласно легенде, архитектор
(архитекторы) собора были ослеплены по
приказу Ивана Грозного, чтобы они не смогли
больше построить подобного храма. Однако
если автором собора является Постник,
то он не мог быть ослеплён, поскольку
в течение нескольких лет после строительства
собора участвовал в создании Казанского
кремля[2]. Собор состоит из восьми храмов,
престолы которых освящены в честь праздников,
приходившихся в дни решающих боёв за
Казань. Благове́щенский собо́р — православный
храм в честь Благовещения Богородицы,
расположенный на соборной площади Московского
Кремля. Собор был построен в 1489 году псковскими
мастерами на белокаменном подклете конца
XIV - начала XV веков (оставшегося от старого
собора) и изначально был трёхкупольным.
Собор серьёзно пострадал при пожаре 1547
года и восстановлен в 1564 году, с надстройкой
двух глав с западной стороны. В 1572 году
к собору было пристроено крыльцо, впоследствии
получившее название Грозненского. Частично
сохранилась роспись, сделанная в 1508 году
художником Феодосием, сыном Дионисия,
«с братиею». Иконостас собора содержит
иконы, приписываемые традиционно старому,
допожарному иконостасу, написанному
в 1405 году Андреем Рублёвым и Феофаном
Греком. Сейчас эта точка зрения опровергнута. До
XVIII века являлся домовой церковью Московских
государей; его протопопы одновременно
были духовниками царей. В петербургский
период придворный статус протопресвитеров
собора сохранился.
- Сикстинская капелла (Микеланджело).
Сиксти́нская Капе́лла (итал. Cappella Sistina) в Риме, бывшая домовая церковь в Ватикане. Построена в 1473—1481 годах архитектором Джордже де Дольчи, по заказу папы римского Сикста IV, отсюда и название. Ныне Капелла — музей, выдающийся памятник Возрождения. Сикстинская капелла была сооружена на месте, где до неё существовала «Великая капелла» (итал. Cappella Maggiore), которой в эпоху Средневековья собирался папский двор, состоявший из около двухсот членов — кардиналы, представители различных религиозных орденов и знатных семейств. Сикст IV опасался военной угрозы со стороны флорентийской Синьории Медичи, с которой находился в напряжённых отношениях, и от Мехмеда II, чьи войска угрожали восточным берегам Италии. Поэтому он решил укрепить эту постройку. Проект создал архитектор Баччо Понтелли, а работы велись под руководством Джордже де Дольчи. Капелла была освящена 15 августа 1483 года — праздник Вознесения Богоматери. Прямоугольное в плане помещение с росписями стен, выполненными в 1481—1483 годах Сандро Боттичелли, Пинтуриккьо и другими мастерами по заказу Сикста IV. Архитектор Донато Браманте (по версии Кондиви), завидуя превосходству Микеланджело, присоветовал папе Юлию II поручить флорентийскому скульптору, расписать своды Сикстинской капеллы. Римский папа одобрил затею, призвал к себе Микеланджело и повелел тотчас начинать эту работу. Все соперники и недоброжелатели злословили по поводу того, что такой труд поручили Микеланджело Буонаротти, которому было тогда всего 33 года - для художника это совсем молодые годы. "Не удастся ему ничего сделать, - говорили они. - Стенная живопись - это нелегкое дело, не справится с ней этот тщеславный молодчик. Вот тогда и будет на нашей улице праздник".
По
заказу папы Юлия II он выполнил роспись
потолка Сикстинской капеллы (1508—1512),
представляющую библейскую историю
от сотворения мира до потопа и включающую
более 300 фигур. В 1534—1541гг в той же
Сикстинской капелле для папы
Павла III исполнил грандиозную, полную
драматизма фреску «Страшный суд».
Гений Микеланджело наложил отпечаток
не только на искусство Ренессанса, но
и на всю дальнейшую мировую культуру,
поэтому он считается одним из величайших
мастеров эпохи Ренессанса. Сам Микеланджело
брался за эту работу неохотно, потому
что никогда до этого не занимался стенной
живописью. Он знал, что роспись свода
- дело трудное, всячески старался уклониться
от этой работы и предлагал папе поручить
это дело Рафаэлю. Но папа решил, что именно
Микеланджело должен расписать потолок
Сикстинской капеллы, и потому не слушал
никаких возражений. Постройку строительных
лесов для росписи потолка папа Юлий II
поручил Браманте, но тот подвесил платформу
на веревках и во многих местах из-за этого
потолок был пробит. Микеланджело долго
размышлял, каким же образом будут заделаны
эти дыры, когда нужно будет расписывать
эти места. Донато Браманте на это ответил,
что по-другому сделать было невозможно,
а о дырах в потолке можно будет подумать
в свое время. Но Микеланджело велел снять
эти жалкие сооружения и построил не касающиеся
стен подмостки, лежа на которых и приступил
к работе. ачатых работ Микеланджело не
показывал никому. Но едва лишь он принялся
за дело, как чуть было не пришлось отказаться
от работы. Еще свежие краски вдруг стали
покрываться плесенью, причины которой
сначала никто не мог понять. Потом, правда,
установили, что виной всему стало плохое
качество римской извести и что Микеланджело
употреблял свой раствор слишком сырым.
Когда все было исправлено, он с прежним
жаром принялся за дело и в 20 месяцев без
всяких препятствий выполнил половину
работы. Но тайна, которою он при этом окружил
себя, сильно возбуждала общее любопытство.
Микеланджело не желал, чтобы его посещал
даже папа. Однако Юлий II был у него несколько
раз, и, несмотря на свой преклонный возраст,
поднимался на леса. Он был нетерпелив
до предела, и постепенно им овладевало
все большее нетерпение. Он то и дело требовал,
чтобы художник пустил его к себе наверх
и показал свою работу. Но и Микеланджело
не любил, чтобы ему мешали, поэтому не
пускал Юлия II. Иногда папа проникал в
капеллу тайком, и тогда Микеланджело
бросал сверху доски, которые обращали
в бегство взбешенного старика. Папа хотел
безотлагательно разделить со всеми свое
удивление и восхищение, и напрасно Микеланджело
заверял его, что еще не совсем окончил
работу. Юлий II ничего не хотел слышать,
и не успела еще улечься пыль от разобранных
лесов, как 1 ноября 1509 года капелла была
открыта. Весь Рим бросился сюда, все в
немом восторге, не исключая бывших завистников
и соперников, смиренно склонили головы
перед великим гением. Сам папа торжественно
отслужил в капелле обедню, где на собравшихся
восторженных зрителей смотрели с купола
могучие образы библейских пророков и
сивилл, Творца в трех моментах создания
мира и первых людей, Ноя, патриархов и
целого ряда других лиц, причем каждый
из них был, словно красивой рамой, окружен
особым орнаментом. Успех был громадный,
а злые намерения Браманте только послужили
к большей славе Микеланджело.тПо прошествии
некоторого времени Микеланджело принялся
за роспись второй части свода - более
обширной. И на этот раз нетерпение папы
было столь велико, что он едва не поссорился
с Буонаротти. Микеланджело хотел на несколько
дней съездить в родную Флоренцию и пошел
просить у папы денег. Но тот спросил: "Когда
же ты окончишь мне капеллу?" - "Как
успею!" - ответил Микеланджело. "Да
я сброшу тебя с подмостков!" - воскликнул
вспыльчивый папа и дотронулся до него
своим посохом. И тогда Микеланджело вернулся
домой, привел в порядок свои дела и только
приготовился уехать, как папа прислал
к нему своего любимца Аккурзио с извинениями
и пятьюстами дукатами. "Не мешало бы
прибавить фигурам позолоты, - сказал папа,
- а то моя капелла покажется очень бедной".
- "Те, кого я написал тут, - возразил
Микеланджело, - были все люди бедные".
И никаких изменений вносить не стал.ь"Потоп"
является первой композицией, выполненной
художником на потолке Сикстинской капеллы.
Главной идеей "Потопа" является
не всемирная катастрофа, а человек со
всеми его сильными и слабыми сторонами.
Он показан в бесплодной борьбе со смертью,
которая обрушивается на него проливным
дождем с хмурого неба. Вся земля покрыта
водой, только гребни гор, как маленькие
островки, виднеются среди безбрежного
океана. Измученные и объятые ужасом люди
с пожитками поднимаются на вершину одного
из таких островков в надежде на спасение.
Среди них мужчины, женщины и дети. Вот
жених на руках несет испуганную невесту;
мать, держа на руках малыша, пытается
укрыть его от разбушевавшейся стихии;
рядом обезумевший от страха юноша, надеясь
уцелеть, карабкается на гнущееся под
порывами ветра дерево. Среди безбрежного
моря воды обезумевшие и озверевшие люди
борются за место в уже переполненной
лодке. Справа на скале группа беженцев
пытается укрыться от ливня под большим
куском холста. В этой группе тоже все
по-разному реагируют на происходящее.
Муж с женой с покорностью смотрят на подступающую
к их ногам воду; юноша, облокотившийся
на бочонок, нашел забвение в вине; старик
и женщина протягивают руки, чтобы помочь
мужчине, несущему на своих плечах безжизненное
тело сына. Вдали виден ковчег, вокруг
него тоже бушуют страсти: обезумевшие
от страха люди стучат в него кулаками,
взывая о помощи и прося пустить их. Микеланджело
изображает всех этих людей перед лицом
приближающейся смерти, показывая их поведение
в зависимости от их душевных сил и качеств.
Несмотря на драматичность сюжета, фреска
эта не оставляет чувство безнадежности
и безысходности, и у зрителя как будто
еще остается надежда на спасение отчаявшихся
людей. А дальше расположена фреска "Сотворение
Адама", которую некоторые искусствоведы
считают едва ли не самой прекрасной композицией
всей росписи. Об этом шедевре искусствовед
В.Н. Лазарев писал: "Отправляясь от
библейского текста ("И сотворил Бог
человека по образу своему, по образу Божью
сотворил его" ("Книга Бытия", I,
27), художник дает совершенно новое претворение.
По бесконечному космическому пространству
летит Бог-Отец, окруженный ангелами. Позади
него развевается огромный, надутый, как
парус, плащ, позволивший охватить все
фигуры замкнутой силуэтной линией. Плавный
полет Творца подчеркнут спокойно скрещенными
ногами. Его правая рука, дающая жизнь
неодушевленной материи, вытянута. Она
почти вплотную прикасается к руке Адама,
чье лежащее на земле тело постепенно
приходит в движение. Эти две руки, между
которыми как бы пробегает электрическая
искра, оставляют незабываемое впечатление...
Расположив фигуру Адама на покатой поверхности,
художник как бы создает у зрителя иллюзию,
будто фигура покоится на самом краю земли,
за которой начинается бесконечное мировое
пространство. И поэтому вдвойне выразительны
эти две протянутые навстречу друг другу
руки, символизирующие мир земной и мир
астральный. И здесь Микеланджело великолепно
использует просвет между фигурами, без
которого не было бы ощущения безграничного
пространства. В образе Адама художник
воплотил свой идеал мужского тела, хорошо
развитого, сильного и в то же время гибкого".
Во фреске "Отделение света от тьмы"
Бога Саваофа, борющегося с хаосом, Микеланджело
наделяет собственной творческой страстью...
А потом последовали фрески с библейскими
пророками ("Пророк Исайя", "Пророк
Захария", "Пророк Иона" и др.) и
мифологическими сивиллами ("Дельфийская
сивилла", "Эритрейская сивилла",
"Кумекая сивилла" и др.). Десятки,
сотни тысяч страниц написаны на множестве
языков о фресках сикстинского потолка.
Несметны толкования смысла, который Микеланджело
хотел вложить в свои образы. Что представляли
они собой по замыслу этого титана эпохи
Возрождения? Некоторые исследователи
полагают, что это - новое, чисто микеланджеловское
толкование Библии, другие видят в его
образах новое осмысление "Божественной
комедии" Данте, третьи находят в них
живописную поэму о восхождении человека
от скотского состояния (фреска "Опьянение
Ноя") до божественного совершенства...
Все это правильно, но ни одно толкование
не исчерпывает полностью содержания
знаменитых фресок Сикстинской капеллы.
- Картина Иванова Александра «Явления Христа народу» и Евангелия (Прямое соответствие сюжету)
Алекса́ндр
Андре́евич Ива́нов (1806—1858) — русский
художник, создатель произведений на библейские
и антично-мифологические сюжеты, представитель
академизма, автор грандиозного полотна
«Явление Христа народу». Академизм (фр.
academisme) — направление в европейской живописи
XVII—XIX веков. Академизм вырос на следовании
внешним формам классического искусства.
Последователи характеризовали этот стиль
как рассуждение над формой искусства
древнего античного мира и Возрождения. Академизм
помогал компоновке объектов в художественном
образовании, воплощал в себе традиции
античного искусства, в которых идеализирован
образ натуры, компенсируя при этом норму
красоты. ("Явление Мессии») — картина
русского художника Александра Андреевича
Иванова. Сюжет картины основывается на
первой главе Евангелия от Иоанна. Замысел
большого полотна, изображающего явление
народу Мессии, долгое время увлекал Иванова.
В 1834 году он написал «Явление воскресшего
Христа Марии Магдалине». Через три года,
в 1837, художник приступил к созданию «Явления
Христа народу». Иванов писал картину
в Италии. Он работал над ней в течение
20 лет (1837—1858) и о ней знали все, кто интересовался
живописью. Павел Третьяков приобретал
эскизы, поскольку саму картину приобрести
было невозможно — она писалась по заказу
Академии художеств и была как бы уже куплена
ей. В мае 1858 году Иванов решился отправить
картину в Санкт-Петербург и явиться туда
вместе с ней. Средства на перевоз картины
пожертвовала Великая княгиня Елена Павловна.
Выставка самой картины и всех относящихся
к ней эскизов и этюдов была организована
в одном из залов Академии Художеств и
произвела не сильное впечатление на общественность.
Александр Иванов скончался 3 (15) июля 1858
года. Через несколько часов после его
смерти «Явление Христа народу» купил
император Александр II за 15 тысяч рублей.
Император принёс его в дар Румянцевскому
музею, который вскоре переехал из Санкт-Петербурга
в Москву (в дом Пашкова). Для картины был
построен специальный павильон. При расформировании
музея в 1925 году работа была передана в
Государственную Третьяковскую галерею.
Там, однако, не оказалось зала для размещения
такого полотна. Были обсуждения, куда
поместить картину. В проект здания на
Крымском Валу был, в частности, заложен
зал для картины Иванова. Но все же было
решено пристроить зал к основному зданию
в Лаврушинском переулке. Зал был готов
к 1932 году, тогда полотно и заняло свое
место, где находится и сейчас. В Государственном
Русском музее в Санкт-Петербурге хранятся
три эскиза к картине и многочисленные
этюды[1]. Участники картины объединены
в группы. В центре композиции — Иоанн
Креститель, совершающий обряд крещения
в водах реки Иордан. Он указывает собравшимся
на приближающегося Христа. В левой части
картины, за Иоанном Крестителем изображена
группа апостолов: юный Иоанн Богослов,
за ним — Петр, далее — Андрей Первозванный
и Нафанаил. Этой группе противостоит
толпа нисходящих с холма во главе с фарисеями.
Среди них выделяется фигура человека
в коричневом хитоне с непокрытой головой.
В нем угадываются портретные черты писателя
Н. В. Гоголя, с которым был дружен Иванов.
Пространство картины оказывается пронизанным
действиями сил, влекущих к Христу и уводящих
от него. Обозревая первый план картины,
мы встречаем лица, отмеченные мучительной
работой сознания. Композиционно картина
построена так, что люди на первом плане
будто глядятся в гигантское зеркало,
в котором отразилась природа с выступающей
на ее фоне фигурой Христа. Он словно приносит
с собой завет спокойствия и умиротворяющей
гармонии, которые властвуют в природном
мире. Затянувшаяся на многие годы работа
над картиной была связана с взыскательным
поиском того, что можно было бы назвать
конкретным наполнением символистического
каркаса композиции. Полем экспериментального
поиска стали этюды. В них многократно
варьируются образы картины — раба, дрожащего,
сомневающегося и других. В картине Иванов
изобразил человеческие характеры, темпераменты,
состояния во всем их бесконечном многообразии:
здесь и уже обращенные в христианскую
веру, и язычники, колеблющиеся, испуганные,
сомневающиеся. На первом плане выделяется
группа «раба и господина». Особенно характерно
лицо раба, о котором Иванов сказал: «Сквозь
привычное страдание впервые появилась
отрада». В глубине центральной группы
— человек в серой широкополой шляпе с
посохом. Это так называемый «странник»,
в образе которого Иванов запечатлел самого
себя. «Явление Мессии народу» должно
было стать его отчётным произведением
за государственный пенсион в Италии.
Молодого художника послали на Апеннины
«для усовершенствования в исторической
живописи» на четыре года — он же сумел
растянуть «стажировку» на тридцать три
года. Одну из фигур купающихся, ближайшую
к Христу, Иванов рисовал со своего друга
Николая Гоголя. Сходство особенно заметно
на этюдах к картине, на самом же большом
полотне оно сглажено. Есть два варианта
картины: на первой — Гоголь спиной к Христу,
есть версия, что это совпало с началом
работы над «Мёртвыми душами»; на второй
— Гоголь лицом к Христу, по окончании
работы над поэмой. Считается, что именно
об этой картине говорится в повести Н.
В. Гоголя «Портрет» как о произведении,
так поразившем главного героя Чарткова
на склоне лет. В озере отражение нагого
старика с посохом — в одежде Христа. наибольшие
трудности в понимании «Явления Христа
народу» были связаны с тем, что в самой
картине оказались заложены глубокие
внутренние противоречия, в сущности,
не разрешенные художником. Религиозная
тема послужила Иванову для воплощения
внерелигиозного содержания, реалистический
метод, с поразительной силой и глубиной
раскрывающий действительность, в работе
Иванова совмещался с непреодоленными
чертами условной академической схемы.
Преодолению этих противоречий была посвящена
вся многолетняя работа художника над
«Явлением Христа народу». Картину окружает
грандиозная галерея подготовительных
этюдов, эскизов и рисунков. Их насчитывается
более шестисот. Уже в начале работы над
картиной Иванов вкладывал в свою тему
не столько религиозный, сколько нравственный
смысл. Его интересовал не догматический
церковный рассказ, а великий нравственный
переворот, духовное перерождение людей
при появлении Мессии. Такая постановка
темы в значительной мере предопределила
характер дальнейшей работы над картиной.
Чтобы выполнить свою задачу и показать
в картине всю сложную совокупность душевных
переживаний своих героев, Иванов должен
был обратиться прежде всего к живой действительности,
которая одна только и могла дать ему материал
для изучения тайн человеческой психики.
Но и этого было недостаточно. Стремление
к внутренней правде и жизненности в изображенном
им событии сочеталось у Иванова с тенденцией
к «антикварской точности», «строжайшему
отчету во всем со стороны истории». Тема
Иванова была исторической, и он не мог
найти нужной ему натуры в окружающей
жизни; а между тем, задача исторической
живописи, в глазах Иванова, заключалась
именно в том, чтобы представить со всей
силой правды и реальности не только внутренний
смысл, но и внешнюю сторону изображаемого
события.Новаторским в замысле Иванова
было прежде всего само понимание темы.
В русской академической живописи XVIII
- начала XIX века образы прошлого неизменно
принимали героический характер независимо
от того, принадлежал ли избранный сюжет
к античной, русской или библейской истории,
независимо даже от сущности изображаемого
события. Иванов сознательно отказался
от театральной героизации своих персонажей,
и трагическая патетика, ставшая уже традиционной
в русской исторической картине, сменилась
у него исканиями глубокой и подлинной
человечности. Кардинально изменились
и средства художественного выражения.
Главным носителем экспрессии в картине
Иванова становится не обнаженная человеческая
фигура, как это было у академических мастеров,
не поза и жест, а лицо, одухотворенное
и отражающее внутреннюю жизнь человека.
Пластика уступает место живописи. Столь
же новаторской была установка Иванова
на всестороннее и углубленное изучение
исторических, археологических и этнографических
источников. Во второй половине
XIX века в искусстве образовались два направления:
историческое и религиозное. Николай Ге
был представителем исторического направления,
его картинам присуще точное изображение
природы, быта, архитектуры и интерьеров
того времени. Первой в ряду картин на
евангельские сюжеты была картина “Тайная
Вечеря” (1863), которую Ге, по возвращении
в Россию выставил на выставке в Петербурге
осенью 1863 года. Творчество художника
отличается новизной трактовки евангельских
тем, драматической взволнованностью,
смелой постановкой моральных проблем.
Картина написана согласно его настроению
и пониманию евангельской истории. Художник
не идеализировал образ Иисуса Христа,
а показал его как реального человека,
совершившего подвиг во имя человечества.
Главной в этой картине стала для художника
тема раскола в кругу единомышленников.
Основной принцип картины — это принцип
психологизма, которому соответствуют
и композиционное и колористическое решения.
“Тайная Вечеря” получила признание
официальных кругах, художнику было присвоено
звание профессора Академии художеств,
минуя звание академика. Картина была
приобретена царем. Радостный и удовлетворенный
Ге, в начале 1864 г. возвращается во Флоренцию,
пишет много эскизов на евангельские сюжеты:
“Христос и Мария, сестра Лазаря”, “Братья
Спасителя” и другие. Несмотря на то, что
художник стремился овладеть методом
критического реализма, он все еще обращался
к романтизму. Следующей его работой была
картина “Вестник Воскресения”, написанная
именно в этом стиле.
- Гюстав Доре, иллюстрации к библии
Поль
Гюстав Доре́, родился 6 января 1832 в Страсбурге,
умер 23 января 1883 в Париже — французский
гравёр, иллюстратор и живописец. С самого
раннего детства поражал окружающих мастерством
рисунка, например, в десятилетнем возрасте
выполнил иллюстрации к «Божественной
комедии» Данте. В 1854 году выходит его
первая самостоятельная книга-альбом
«История Святой Руси» (полное название
«Живописная, драматическая и карикатурная
история Святой Руси на основании текстов
хроникеров и историков Нестора, Сильвестра,
Карамзина, Сегура и т. д. в 500 рисунках
с комментариями»). Доре называют величайшим
иллюстратором XIX века за непревзойдённую
игру света и тени в его графических работах.
Похоронен на кладбище Пер-Лашез. Но по
праву его главными произведениями считаются
иллюстрации написанные на библейские
сюжеты, которые использовались в различных
изданиях Библии на разных языках в Европе
ХІХ века, а позже в странах Северной и
Южной Америки. Иллюстрированные сюжеты
на библейскую тематику создавались многими
мастерами изобразительного искусства,
но среди них Доре был одним из самых выдающихся.
История сохранила тысячи рисунков и миниатюр,
украшавших древние списки и первопечатные
издания Священных книг. Доре создал 230
гравюр к Библии. Благодаря реализму
своего стиля Доре дал вторую жизнь этим
рассказам, описывающим реальные события.
На протяжении многих веков фрески, мозаики
и рельефные изображения на камнях с их
точной иконописью и ореолами над определёнными
предметами, несли в себе некую карикатурность
в восприятии многими верующими. Однако,
в иллюстрациях Доре библейские герои
и места событий выглядят правдоподобно
и неподдельно. «Обращаясь к Ветхому завету,
он даст его в плане древнего космизма,
стремясь передать грандиозные процессы,
переживаемые человечеством на заре цивилизации.
Все в этих листах предельно грандиозно
и космично: вздыбленные скалы, бескрайние
долины, бездонные ущелья, чудовищные
деревья, несметные человеческие потоки,
яркие вспышки света, прорезающие ночную
мглу, подавляющая своими масштабами архитектура
древних храмов и дворцов. Вот почему "фон",
"атмосфера" является здесь главным,
определяющим моментом. Иллюстрируя Новый
завет, Доре более академичен и суховат,
несколько скован и сдерживает свою фантазию,
хотя в отдельных листах, например в "Апокалипсисе",
дает полную волю своему воображению».
Некоторые названия гравюр: Сотворение
Евы, , Изгнание Адама и Евы из Рая, Жертвоприношение
Каина и Авеля, Убийство Авеля Каином,
Потоп.
- Классицизм как основное направление в искусстве и литературе России 18 веке.
КЛАССИЦИЗМ(от
лат. классический - образцовый), стиль
и направление в литературе и искусстве
17 - нач. 19 вв., Обратившиеся к античному
наследию как к норме и идеальному образцу.
Классицизм сложился в 17 в. во Франции.
В 18 в. классицизм был связан с Просвещением;
основываясь на идеях философского рационализма,
на представлениях о разумной закономерности
мира, о прекрасной облагороженной природе,
стремился к выражению большого общественного
содержания, возвышенных героических
и нравственных идеалов, к строгой организованности
логичных, ясных и гармоничных образов.
Соответственно, возвышенным этическим
идеям, воспитательной программе искусства
эстетика классицизма устанавливала иерархию
жанров - "высоких" (трагедия, эпопея,
ода, история, мифология, религиозная картина
и т. Д.) И "низких" (комедия, сатира,
басня, жанровая картина и т. д.). В литературе
(трагедии П. Корнеля, Ж. Расина, Вольтера,
комедии Мольера, поэма "Поэтическое
искусство" и сатиры Н. Буало, басни
Ж. Лафонтена, проза Ф. Ларошфуко, Ж. Лабрюйера
во Франции, творчество веймарского периода
И. В . Гете и Ф. Шиллера в Германии, оды
М. В. Ломоносова (утренние и вечерние размышления
о боге)( и Г. Р. Державина (ода Бог), трагедии
А. П. Сумарокова (Ода первая иамбическая)
и Я. Б. Княжнина (Дидона) в России) ведущую
роль играют значительные этические коллизии,
нормативные типизированные образы. Для
театрального искусства (Мондори, Дюпарк,
М. Шанмеле, А. Л. Лекен, Ф. Ж. Тальма, Рашель
во Франции, Ф. К. Нейбер в Германии, Ф. Г.
Волков, И. А. Дмитревский в России) характерны
торжественный, статичный строй спектаклей,
размеренное чтение стихов. В музыкальном
театре утвердились героика, нормативность
и приподнятость стиля, логичная ясность
драматургии, доминирование речитатива
(оперы Ж. Б. Люлли во Франции) или вокальная
виртуозность в ариях (итальянская опера-сериа),
благородная простота и возвышенность
(реформаторские оперы К. В. Глюка в Австрии).
Архитектуре классицизма (Ж. Ардуэн-Мансар,
Ж. А. Габриель, К. Н. Леду во Франции, К.
Рен в Англии, В. И. Баженов (Владимирская
церковь в Быково, Пашков дом, Михайловский
замок в СПб), М. Ф. Казаков (Здание сената
в московском кремле, Здание университета
на моховой, Малый Николаевский дворец),
А. Н. Воронихин (Казанский собор в СПб,
Санкт-Петербургский государственный
горный институт, дом Государственного
казначейства), А. Д . Захаров (Гатчина.
Лютеранская церковь Святого Петра) , К.
И. Росси в России) присущи четкость и геометризм
форм, логичность планировки, сочетание
гладкой стены с ордером и сдержанным
декором. Изобразительное искусство (живописцы
Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. Л. Давид, Ж. О. Д.
Энгр, скульпторы Ж. Б. Пигаль, Э. М. Фальконе
во Франции, скульпторы Г. Шадов в Германии,
Б. Торвальдсен в Дании, А. Канова в Италии,
живописцы А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмов, скульпторы
М. И. Козловский, И. П. Мартос в России)
отличается логичным развертыванием сюжета,
ясностью, уравновешенностью композиции.[БСЭ]
Этот стиль развился в результате творческого
освоения форм, композиций и образцов
искусства античного мира и эпохи Возрождения.
Художник, по мысли основоположников классицизма,
постигает действительность, чтобы затем
отобразить в своем творчестве не конкретного
человека с его страстями, а тип человека,
миф, словом, вечное во временном, идеальное
в реальном. Если это герой - то без недостатков,
если персонаж сатирический - то до конца
низменный. Классицизм не допускал смешения
"высокого" и "низкого, а потому
между жанрами (например, трагедией и комедией)
устанавливались границы, которые не нарушались.
Русский классицизм придавал особое значение
“высоким” жанрам: эпической поэме, трагедии,
торжественной оде. Создателем жанра оды
в русской литературе стал М. В. Ломоносов,
трагедии — А. П. Сумароков. В одах соединялись
лирика и публицистика, позволявшая не
только восхвалять царей, но и как бы “учить”
их. Русские трагедии, как правило, писались
не на античном материале — их героями
были деятели отечественной истории. С
70-х годов XVIII в. в литературе возникает
новое направление — сентиментализм.
С ним появляются новые жанры: путешествие
и чувствительная повесть. Особая заслуга
в развитии этого жанра принадлежит Н.
М. Карамзину (повесть “Бедная Лиза” ,
“Письма русского путешественника” )
. В литературу вторгался новый
взгляд на жизнь, возникала новая структура
повествования: писатель внимательнее
всматривался в действительность, изображал
ее более правдиво. Давая характеристику
писателю или поэту, нельзя ограничиться
лишь механическим причислением их творчества
к тому или иному направлению. У каждого
художника — своя уникальная судьба.
- Контрольная работа по "Искусство"
- Контрольная работа по «Искусствознанию»
- Контрольная работа по "Искусству"
- Контрольная работа по "Искусству"
- Контрольная работа по "Искусству"
- Контрольная работа по "Искусству"
- Контрольная работа по "Искусству"
- Контрольная работа по «Информационным технологиям управления»
- Контрольная работа по "Информационые технологии управления"
- Контрольная работа по "Информациоонным технологиям"
- Контрольная работа по "Инфраструктуре поддержки малого и среднего предпринимательства"
- Контрольная работа по «Инфраструктуре поддержки малого и среднего предпринимательства»
- Контрольная работа по "Ипотечному кредитованию"
- Контрольная работа по "ИППУ"
