Анализ картин эпохи возрождения

Анализ картин эпохи  Возрождения 

АНАЛИЗ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ КАРТИН МИРА ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ 
 

СОДЕРЖАНИЕ 
 

Введение 

1. Ранний Ренессанс  (треченто и кватроченто) –  середина XIV – XV в 

2. Высокий Ренессанс  (чинквеченто) – до второй трети  XVI в 

3. Поздний Ренессанс  – вторая треть XVI – первая  половина XVII в 

Заключение 

Список использованной литературы 
 

Введение 
 

Эпоха Ренессанса –  очень сложная эпоха. Здесь перед  нами предстают сотни имен, десятки  трактатов об искусстве, и только часть из них посвящена непосредственно  эстетике. 

Возрожденческая культура богата именами, особенно известны имена  художников Микеланджело Буонаротти (1475-1564), Рафаэля Санти (1483-1520) , Леонардо да Винчи (1452-1519), Тициана Вецеллио (1488-1576), Эль  Греко (1541-1614) и др.  

Художники стремятся  к обобщению идейного содержания, синтезу, их воплощению в образах. При  этом их отличает желание выделить основное, главное в образе, а  не детали, частности. В центре стоит  образ человека - героя, а не божественной догмы, принявшей человеческий облик. Идеализированный человек всё чаще трактуется как гражданин, титан, герой, то есть как современный, культурный человек. 

Многие художники  этого времени творят одно, а думают совсем другое. Они часто создают  действительно новые художественные формы, так что можно нисколько  не сомневаться в их новизне, но эти  же мастера в то же самое время  в своей внутренней и духовной жизни буквально разрываются  на части, не знают, что делать, бесконечно каются и попеременно бросаются  от одной художественной позиции  к другой.  

Собственно эпоху  итальянского Возрождения условно  подразделяют на ряд этапов: 

Ранний Ренессанс (треченто и кватроченто) – середина XIV – XV в.; 

Высокий Ренессанс (чинквеченто) – до второй трети XVI в.; 

Поздний Ренессанс  – вторая треть XVI – первая половина XVII в. 

Эти же этапы иногда называют, прибегая к художественно  преобразованным образам. В таком  случае можно первый этап назвать  «гуманистическим», второй этап – «героическим», «титаническим», третий этап – «трагическим». 

1. Ранний Ренессанс  (треченто и кватроченто) –  середина XIV – XV в. 
 

В раннем Ренессансе выдвигается на первый план свободная  человеческая индивидуальность и что  эта индивидуальность обычно выражена здесь весьма сильно. 

1. Джотто ди Бондоне  (ключевая фигура в раннем Ренессансе, первым наделил чувством фигуру, определяющую композицию, и индивидуализировал  пространство и событие. Его  стиль живописи был для XIV века  обязательным. 

С именем Джотто ди Бондоне (1266/1267 - 1337) связан решительный поворот  к реалистическому искусству. Наиболее известными произведениями Джотто, дошедшими  до нашего времени, считаются росписи  на евангельские сюжеты в капелле  дель Арена в Падуе и росписи  на темы из жизни Франциска Ассизского в церкви Санта Кроче во Флоренции.  

В этих шедеврах мастер отказывается от плоскостного характера  иконописных изображений на основе синтеза объема и плоскости. Одним  из наиболее трогательных образов, созданных  Джотто, по праву считается образ  Христа в сцене «Поцелуй Иуды» (фрески капеллы дель Арена в Падуе, 1304-1306). Мастеру удалось передать высокий  драматизм сцены через пристальный  и многозначительный взгляд Христа, обращенный на предателя. При этом Джотто сумел передать спокойствие Христа в соединении с ясным осознанием предначертанной ему судьбы.  

Тема фрески «Христос и Иуда» проходит лейтмотивом  через весь падуанский цикл («Встреча Марии и Елизаветы», «Бегство в  Египет», «Оплакивание Христа» и  др.). Новаторство Джотто оказало  колоссальное воздействие на изобразительное  искусство эпохи Возрождения.  

2. Выдающимся мастером  Раннего Ренессанса считается  Сандро Боттичелли (1445-1510). Среди  его работ наибольшую известность  приобрела картина «Рождение  Венеры». Его произведения построены  на религиозных и мифологических  сюжетах, они отмечены одухотворенной  поэзией, игрой линейных ритмов, тонким колоритом.  

В творчестве Боттичелли не проявляет интереса к развитию повествования, к мотивам бытовым, драматическим коллизиям или  героическим подвигам. Его картина  «Смерть Олоферна», написанная в 1472 - 1473 гг., - изображение момента, когда  уже всё свершилось и Юдифь  покинула шатёр, унося отрубленную  голову царя. В холодном сумраке  рассвета приближённые Олоферна застывают  в оцепенении перед обезглавленным телом своего предводителя. В основе двух самых прославленных картин Боттичелли лежат образы мифологии  и поэзии - это «Весна» и «Рождение  Венеры» (1480-е гг.). В произведениях  зрелой поры творчества художника преобладает  сочетание яркости образов с  внутренней тревогой и надломленностью; картины Боттичелли наполнены каким-то скрытым трепетом при их красочности  и нарядности, созданные, чтобы радовать взор: и Мадонны, и цветущая флора, и Венера овеяны грустью, взгляд их выдаёт затаённую боль при наличии  черт утончённого декоративизма. Удлинённые, слегка изломанные в своём движении, "готические" фигуры скользят над  землёй, едва прикасаясь к ней. У  художника отсутствуют изображения  большой пространственной глубины. 

3. Великим живописцем  раннего Возрождения был Мазаччо  (1401 - 1428 гг.) - живописец, в картинах  которого лаконичность, энергичность  развития действия, выразительность  мимики и движений оппонировали  прежнему неторопливому многословию,  изобиловавшему вставными эпизодами  рассказа. В произведениях Мазаччо  присутствовал естественный горизонт  вместо условного построения пространства с горизонтом, поднятыми к верхнему краю картины и расположенными друг над другом фигурами; цветовая гамма Мазаччо была более сдержанна, в отличие от ярко декоративной красочности; возросла роль светотеневой моделировки, позволяющей выявить пластику предметов и фигур. Мазаччо решительно отказался от унаследованной от миниатюры детализации и изобилия частностей.  

«Чудо со статиром» (1428 г.) - многофигурная композиция: при  входе в город Христа с него и его учеников спросили пошлину - статир (монету). По приказу Христа Пётр поймал в озере рыбу и нашёл  в её пасти статир, который был  передан стражнику. Величавость  фигур апостолов, входящих в город, мужественность лиц с индивидуализированными чертами людей из народа, естественность жестов и движений, введение жанровых моментов в сцене поиска монеты Петром, - всё носит светлый, глубоко правдивый  характер.  

В другом творении Мазаччо, картине «Изгнание из Рая», впервые  в живописи Возрождения даётся изображение  обнажённых фигур, мощно моделированных боковым светом. Через движения и  мимику изображены смятение, стыд, раскаяние. Новаторские искания Мазаччо - пути дальнейшего развития реалистической живописи. 

4. Величайший живописец  Ян Ван Эйк считается главным  представителем и одним из  родоначальников искусства Раннего  Возрождения в Голландии. Любое  из сохранившихся произведений  Ван Эйка выдающееся явление  в мировой живописи. Одним из  них является знаменитый «Гентский  алтарь» (1432), многостворчатый складень, находящийся в капелле св. Иоанна  собора св. Бавона в Генте. С  именем Ван Эйка связывается  выдающееся новшество в европейском  искусстве - распространение живописи  маслом (до этого преобладала  темпера). Его именуют одним из  первых в Европе крупных мастеров  портретной живописи, у которого  портрет превратился в самостоятельный  жанр. Всемирно известный «Портрет  четы Арнольфани» (1434) считается  первой жанровой картиной в  нидерландской живописи и первым  парным портретом в европейском  искусстве.  

5. Совершенно иное  художественное явление представляет  великий нидерландский живописец  Босх. Он обладал энциклопедическими  познаниями в теологии и науке,  литературе и медицине. Каким-то  непостижимым образом ему удалось  объединить средневековую фантастику, фольклорные, сатирические и нравоучительные  тенденции. Все творчество художника  пронизывает одна тема: борьба  добра и зла, божественных и  адских сил.  

Ранняя картина  Босха «Корабль дураков» несет иносказательный  смысл: по житейскому морю плывет корабль, которым никто не управляет. Все, кто на нем находятся - монахи, горожане, крестьяне,- предаются разгулу. Каждая фигура намекает на какой-нибудь порок: невоздержанность, обжорство, пьянство, тщеславие. Фигуры людей намеренно  уплощены, лица напоминают гротескные маски.  

Не только Босху, но другим нидерландским живописцам присущ мистический настрой. В отличие  от итальянского Возрождения, носившего  преимущественно оптимистический  характер, Северному Возрождению  в целом свойственен гораздо  больший пессимизм. В нем сильнее  чувствовались трагизм, религиозная  мистика, ирония и скептицизм.  
 

2. Высокий Ренессанс  (чинквеченто) – до второй трети  XVI в. 
 

Период Высокого Ренессанса был сравнительно коротким и связан прежде всего с именами  трех гениальных мастеров - Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэля Санти (1483-1520) и  Микеланджело Буонарроти (1475 1564). Расцвет  ренессансной культуры пришелся, как  ни странно, на период экономического и политического упадка Италии. 

1. Леонардо да  Винчи был наиболее яркой личностью,  явив миру идеал «универсального  человека» Возрождения. Сочетая  разработку новых средств художественного  языка с теоретическими обобщениями,  он создал величественные полотна,  среди которых наиболее известны  «Тайная вечеря» и «Джоконда». Он прославился также как ученый  и инженер. Ему принадлежат  многочисленные открытия, проекты,  экспериментальные исследования  в области математики, естественных  наук, механики. Леонардо да Винчи  обогатил идеями почти все  области знания, рассматривая свои  рисунки как наброски к гигантской  натурфилософской энциклопедии.  

Наибольшую известность  получили также такие его картины, как «Благовещение», «Мадонна с цветком» (Мадонна Бенуа), «Поклонение волхвов», «Мадонна в гроте». До Леонардо да Винчи  художники обычно изображали большие  группы людей, при этом выделялись лица первого и второго плана. На картине  «Мадонна в гроте» впервые изображено четыре персонажа: Мадонна, ангел, маленький  Христос и Иоанн Креститель. Но зато каждая фигура - обобщённый символ. 

«Возрождение» знало  два типа изображения. Это были либо статичный образ торжественного предстояния, либо рассказ, повествование  на какую-либо тему. В «Мадонне...»  нет ни того, ни другого: это и  не рассказ, и не предстояние, это  сама жизнь, её частичка, и здесь  всё естественно.  

Обычно художники  изображали фигуры на фоне пейзажа, перед  природой. У Леонардо - они в природе, природа окружает персонажи, они  живут в природе. Да Винчи отходит  от приёмов освещения, лепки образов с помощью света. У него нет резкой границы света и тени, граница как бы размыта. Это его знаменитая, неповторимая «сфумато», дымка. 

2. Младший современник  Леонардо, великий живописец Рафаэль  вошел в историю как создатель  цикла шедевров, связанных с изображением  мадонн (художественные образы Богоматери).  

Величайшее творение Рафаэля – «Сикстинская мадонна». Мастер получил также известность  благодаря своим архитектурным  проектам дворцов, вилл, росписи парадных залов Ватиканского дворца. Как и  Леонардо да Винчи, Рафаэль много  работает с натуры, изучает анатомию, механику движений, сложные позы и  ракурсы, ищет компактные, ритмически сбалансированные композиционные формулы.  

Рафаэль оказал огромное влияние на последующее развитие итальянской и европейской живописи, став наряду с мастерами античности высшим образцом художественного совершенства. 

3. Последним титаном  Высокого Возрождения был Микеланджело - великий скульптор, живописец,  архитектор и поэт. Несмотря на  его разносторонние таланты, его  называют первым рисовальщиком  Италии благодаря самой значительной  работе уже зрелого художника  - росписи свода Сикстинской капеллы  в Ватиканском дворце (1508-1512). Общая  площадь фрески 600 кв. метров. Она  представляет собой художественную  иллюстрацию библейских сюжетов  от сотворения мира. Особенно  выделяется из живописных работ  мастера фреска алтарной стены  Сикстинской капеллы «Страшный  Суд». Как скульптор Микеланджело  стал известен благодаря своему  раннему произведению «Давид»,  а как архитектор став проектировщиком  и руководителем строительства  основной части здания собора  Св. Петра в Риме, до сих пор  остающегося самым крупным католическим  храмом в мире.  

4. На период Высокого  и Позднего Возрождения приходится  расцвет искусства венецианской  школы, среди представителей которой  выделяются великий живописец  - Джорджоне (1476-1510). 

Джорджоне – ученик Джованни Беллини, художник, считающийся  первым мастером Высокого Возрождения  в Венеции, принадлежал к породе мечтателей. В стиле Джорджоне  есть общее и с Рафаэлем и с  Леонардо да Винчи: Джорджоне «классичен», ясен, уравновешен в своих композициях, а его рисунку свойственна  редкая плавность линий. Но Джорджоне  лиричнее, интимнее, у него есть качество, искони свойственное венецианской школе  и поднятое им на новую ступень - колоризм. Любовь венецианцев к чувственной  красоте цвета привела, шаг за шагом, к новому живописному принципу, когда материальность изображения  достигается не столько светотенью, сколько градациями цвета. Отчасти, это уже есть у Джорджоне 

Он обессмертил  свое имя полотнами «Юдифь», «Спящая  Венера», «Сельский концерт». 

5. Величайший представитель  венецианской школы - Тициан Вечеллио (ок. 1489/90-1576), ставший после преждевременной  смерти Джорджоне, в мастерской  которого он обучался, главой  венецианской школы. Общим для  Джорджоне и раннего Тициана  является ярко выраженный светский  характер живописи и жизнеутверждающие  мотивы. В отличие от мрачных  флорентийцев, венецианцы, кажется,  находят в жизни только светлые  стороны. Гармоничная, богатая  оттенками живопись Джорджоне  выражает поэтическое чувство  влюбленности в красоту земного  бытия, единство человека и  природы.  

При жизни Тициан получил признание в Европе. Ряд  значительных работ был выполнен Тицианом по заказу европейских монархов и папы римского. Работы Тициана  привлекают новизной решения прежде всего колористических и композиционных задач. Впервые на его полотнах появляется изображение толпы как части  композиции. Наиболее известные работы Тициана: «Кающаяся Магдалина», «Любовь  земная и небесная», «Венера», «Даная», «Святой Себастьян» и др. Галерея  выполненных им портретов современников  была предметом глубокого изучения и подражания для последующих  поколений европейских живописцев. 
 

3. Поздний Ренессанс  – вторая треть XVI – первая  половина XVII в 
 

Период Позднего Возрождения отмечен рядом важных изменений в искусстве. Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру и технику (так называемый маньеризм) великих мастеров Возрождения.  

Среди крупных основоположников маньеризма называют Якопо Понтормо (1494-1557) и Анджело Бронзино (1503-1572), работавших преимущественно в жанре  портрета. К маньеризму целиком можно  отнести творчество Якопо Тинторетто (1518-1594), представителя венецианской школы Позднего Возрождения, пытавшегося  соперничать с Микеланджело в  грандиозности замыслов. Он создает  ирреальный мир, в котором всегда присутствуют личные эмоции художника.  

1. Понтормо Якопо  (1494-1557) – основатель так называемого  маньеристического, или антиклассического  направления. Термин маньеризм  в своем основании имеет слово  "манера", то есть способ  или характер письма, в узком  смысле - стиль художественного произведения.  

О полном и совершенном  владении мастером самыми передовыми приемами тогдашнего искусства свидетельствует  фреска на вилле Медичи в Поджо-а-Кайяно, созданная Понтормо в 1519-1520 годах. Тут  изображены крестьяне, отдыхающие в  самых непринужденных позах светлым  теплым днем под сенью древесных  ветвей. Четыре человека и собака располагаются  возле низкого и очень приближенного  к передней плоскости изображения  парапета, остальные сидят на парапете, на ветвях дерева. Сразу над парапетом  видно небо. Колорит отличается необыкновенной легкостью, воздушностью. Во фреске тесно  сплавлены черты позднеренессансного  стиля и новые идеи Понтормо. С  одной стороны, в свободных позах  художник передает столь ценимую  Возрождением естественную пластику человеческого  тела, но, с другой, - сложность поворотов  фигур и разнообразие ракурсов доведены им до такой степени, что они уподобляются отвлеченным, музыкально-выразительным  формам.  

Наибольшее место  в творчестве Понтормо занимают глубоко  трагические образы, выразившиеся прежде всего в его церковных росписях и картинах, В созданном в 1525-1528 годах «Положении во гроб» для  церкви Санта Феличита во Флоренции  все новые художественные идеи, которые  мы заметили во фреске Поджо-а-Кайяно, достигают своего полного развития. Действие разворачивается на фантастическом нейтральном фоне. Фигуры громоздятся  одна над другой вдоль плоскости  картины, причем они как будто  лишены тяжести, словно парят в различных  позах. Колорит строится на чистых, диссонирующих между собой красках. Они положены крупными пятнами и  создают мистическое освещение. 

Понтормо был одним  из первых рисовальщиков Италии, причем рисунок является едва ли не самой  замечательной частью его творческого  наследия. В какой-то степени такое  заключение основывается на том, что  рисунки сохранились в большем  количестве сравнительно с живописными  произведениями и на особенной свободе  проявления в рисунке фантазии и  экспериментального духа его искусства. В человеческом отношении, как и  в своем искусстве, Понтормо представляет собой новый, неизвестный Ренессансу тип художника.  

Влияние, оказанное  Понтормо на последующее развитие искусства, громадно. Среди его прямых учеников выделяется А. Бронзино. 

2. Представителем  венецианской школы является  великий живописец Паоло Веронезе (1528-1588), создавший множество праздничных,  светских по духу картин, тем  не менее применял маньеризм  к декорированию дворцов уже  как сознательный прием, разрабатывая  одну из самых любимых тем  маньеризма - фантастический пейзаж  или пейзаж с руинами. 

Его кисти принадлежат  известные картины – это «Брак  в Кане Галилейской», «Пир в доме Левия». Веронезе очень любил писать сцены пиров и собраний, на которых  изображал всю роскошь тогдашней  Венеции. Любимым сюжетом Веронезе была «Тайная вечеря». 

Значение Веронезе огромно. Он великий колорист и несравненный мастер изображения человеческого  тела в самых смелых и эффектных  ракурсах и первый по размаху подлинный  декоратор. Росписи дворцов французских  королей, германских князей и российских императриц так или иначе ведут  свое начало от плафонов и панно  Веронезе, от его живописи, но никогда  не превосходят её. В поздний период творчества искусство Веронезе начинает испытывать воздействие кризисных  тенденций: появляется холодная парадность, формальная патетика, хотя лучшие работы даже этих лет продолжают сохранять  очарование жизненности и декоративно-колористическое  богатство. В некоторых произведениях  последних лет появляются настроения смутной тревоги, скорби и драматизма, вообще не характерные для мироощущения мастера. Изысканный, утонченный колорит  его становится менее насыщенным. 

3. Одним из крупнейших  живописцев Венеции был Якопо  Робусти, по прозвищу Тинторетто (1518—1594), создавший свой художественный  стиль, Его сложные композиции  с обилием фигур и действием  больших масс, находящихся в стремительном  движении, полны динамизма и экспрессия («Процессия св. Урсулы», «Битва  при Заре»). Ему свойственно трагическое  восприятие жизни, вызванное разладом  между идеальным и реальным. Свои  сюжеты Тинторетто черпал главным  образом в античной мифологии  («Вакх», «Спасение Арсинои», «Ариадна»,  «Венера и Вулкан», «Происхождение  Млечного Пути», «Меркурий и  три грации» и др.). Позднее  он обратился к библейской  тематике. Картины этого периода  проникнуты некоторой долей мистицизма («Введение Марии во храм»,  росписи в здании братства  св. Рокко). Тинторетто работал непрерывно, напряженно и самозабвенно, нередко  бесплатно. Выразителен поздний  автопортрет художника – седобородого  старца с огромными печальными  глазами. 

4. Основоположником  реалистического направления в  европейской живописи XVII века является  Микеланджело да Караваджо (1573-1610). Полотна мастера отличаются простотой  композиции, эмоциональным напряжением,  выраженным через контрасты света  и тени. Караваджо первым противопоставил  подражательному направлению в  живописи (маньеризму) реалистические  сюжеты народного быта.  

Он писал натюрморты, большие полотна на сложные темы, сцены из повседневной жизни («Фруктовщик», «Укушенный ящерицей мальчик» и др.). Обращаясь к религиозной тематике, он наделял святых человеческими  страстями, воспевал прекрасное и трагическое («Видение Савла», «Мученическая смерть св. Петра», «Мадонна со змеей» и др.), вызвав осуждение церковников. Караваджо  открывал новую страницу в истории  искусства. Народный, светский характер живописи, блестящее мастерство художника  прославили его имя не только в  Италии, но и за ее пределами. 

По существу, Караваджо  стал инициатором крупного переворота в живописи, повлиявшего даже на иностранных художников. Его искусство  оказало огромное влияние не столько  на итальянцев, сколько на ведущих  западноевропейских мастеров ХVII века - голландцев, фламандцев, французов, испанцев: Рубенса, Йорданса, Жоржа де Латура, Сурбарана, Веласкеса, Рембрандта. Караваджизм породил два популярных жанра: натюрморт и сцены из народной жизни, ставших особенно популярными в Европе. Европа приняла новаторский дух итальянца, а в Италии Церковь решительно отвергла натурализм Караваджо. И, видимо, не случайно, потому что итальянское Возрождение уже завершилось. Италия сказала практически все, что могла сказать. Наступила очередь североевропейского Возрождения. 

5. Доменико Теокопули  (1541-1614) (таково настоящее имя Эль  Греко) легендарный мастер, судьба  которого таинственна и полна  чудес. Его живопись занимает  совершенно особое место в  истории европейского искусства.  Эль Греко - один из выдающихся  живописцев позднего Возрождения,  автор полотен на религиозные  и мифологические сюжеты и  жанровых полотен. 

Творческая мощь и своеобразие художественного  метода Эль Греко наиболее полно  проявились во время работы над огромным алтарным образом «Похороны графа  Оргаса», написанным по просьбе его  друга-священника Андреса Нуньеса  для церкви Святого Фомы. В этом полотне художником воплощена легенда  о чуде, якобы происшедшем в XIV веке во время погребения кастильского вельможи графа Оргаса. Согласно преданию, граф Оргас пожертвовал церкви большие  сокровища и желал быть погребенным  именно в церкви Святого Фомы. После  его смерти в 1312 году во время похорон  свершилось чудо: спустившиеся с небес  святой Стефан и блаженный Августин собственными руками предали погребению тело благочестивого графа. 

Благодаря алтарным картинам «Троица», «Воскресение Христа»  и др. художник приобрел широкую  известность.  

В 1579 г. для толедского собора Эль Греко исполняет «Эсполио» («Снятие одежд с Христа»). Композиция имела невиданный успех. 

Эль Греко был  выдающимся портретистом. В Толедо он создал целую портретную галерею  своих знаменитых современников: кардинала  Таверы, ученого А. де Коваррубиаса, поэта И. де Себальоса. Один из самых  знаменитых — портрет инквизитора  Ниньо де Гевары. Свою красавицу-жену, аристократку Иерониму де Куэвас, художник запечатлел на полотне «Портрет дамы в мехах». На многих картинах изображен  их единственный сын Хорхе Мануэль.  

Главным мотивом  творчества Эль Греко всегда оставались религиозные картины, исполненные  для церквей, монастырей, госпиталей Толедо, Мадрида и других городов. Художника занимают мотивы мученичества святых («Мученичество св. Маврикия»), тема «святого семейства» («Святое  семейство»), сюжеты из жизни Иисуса Христа («Несение креста», «Моление о  чаше»). Особое место в искусстве  Эль Греко занимают образы святых; художник нередко изображает их беседующими  друг с другом («Св. Иоанн и св. Франциск», «Апостолы Петр и Павел»). В творчестве Эль Греко нашли отражение местные предания, связанные с христианской верой и христианской церковью («Погребение графа Оргаса»).  

Поздние работы Эль  Греко («Лаокоон», «Снятие пятой  печати»), в которых воображение  художника принимает причудливые, ирреальные формы, не были поняты современниками. Последней значительной работой  Эль Греко стал пейзаж «Вид Толедо». 
 

Заключение 
 

Ренессанс (Возрождение) (Renaissance), эпоха интеллектуального  и художественного расцвета, который  начался в Италии в XIV веке, достигнув  пика в XVI веке и оказав значительное влияние на европейскую культуру.  

Термин «Возрождение», означавший возврат к ценностям  античного мира (хотя интерес к  римской классике возник ещё в XII веке), появился в XV веке и получил  теоретическое обоснование в XVI веке в трудах Вазари, посвящённых творчеству знаменитых художников, скульпторов  и зодчих. В это время сложилось  представление о царящей в  природе гармонии и о человеке как венце её творения. 

Живописцы Ренессанса создали цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира, наполнили  традиционные религиозные сюжеты земным содержанием (Никола Пизано, конец XIV века; Донателло, начало XV века). Реалистическое изображение человека стало главной  целью художников Раннего Возрождения, о чем свидетельствуют творения Джотто и Мазаччо. Изобретение способа  передачи перспективы способствовало более правдивому отображению действительности.