Музыка и лирика эпохи Возрождения

В истории европейских стран  эпоха Возрождения – это период XIV- XVI веков, ознаменованный расцветом всех видов искусств - литературы, живописи, музыки и архитектуры, многими научными и географическими открытиями, установлением экономических и культурных отношений между странами, морскими путешествиями.

В эпоху Возрождения расширяются  представления о мире, преодолевается узость средневековых взглядов, происходит обращение к наследию античности, возрождение ее культурных ценностей. Мыслителей и поэтов классической древности ученые и художники периода Ренессанса воспринимали как своих учителей.

Самым главным в культуре Возрождения  был интерес к человеку, вера в  силу его мысли и воли, в его  творческие возможности. Человек считался высшей ценностью. Именно поэтому деятели эпохи Возрождения называли себя гуманистами, они стремились содействовать благоденствию людей на земле.

Духовная и телесная красота  человека воплощена на полотнах великих  живописцев, в творениях скульпторов. Таковы «Джоконда» Леонардо да Винчи, «Сикстинская мадонна» и «Мадонна Конестабиле» Рафаэля, величественные богини реальные женщины на картинах Рубенса («Камеристка») и Тициана («Даная»).

В литературе эпохи Возрождения  главная роль в изображении земной природы человека принадлежит поэзии. В произведениях современная авторам жизнь изображена во всем многообразии явлений, созданы образы людей разных сословий, характеров и нравов. Возросла роль авторства литературных произведений. Средневековые произведения были плодами коллективного творчества. Имена их создателей не известны.

Все три рода литературы – эпос, лирика и драма представлены в  литературе эпохи Возрождения произведениями, завоевавшими мировую известность.

Ренессанс имеет неравномерные  историко-хронологические границы  в разных странах Европы. В Италии он наступает в XIV веке, в Нидерландах начинается в XV столетии, во Франции, Германии и Англии его признаки наиболее четко проявляются в XVI веке. Развитие связей между творческими школами, обмен опытом между музыкантами, становится знаменем времени и позволяет говорить о тенденциях, общих для всей эпохи.

                             Литература эпохи Возрождения.

Средневековая драма начала свою историю  в X веке. Самым популярным драматическим жанром сделался мим, где главная роль принадлежала не драматургии, а особенностям постановки. Трагедией считался римский эпос – «Энеида» Вергилия и «Фарсалия» Лукана. Трагедия – это произведение, оканчивающееся катастрофой, написанное высоким стилем и повествующее о деяниях царей.

Рыцарский роман возник во Франции в XII веке (романы Кретьена де Труа). В начале XIII века рыцарский роман достигает расцвета в Германии, где он представлен такими авторами, как Гартман фон Ауэ, Готфрид Страсбургский, Вольфрам фон Эшенбах. Рыцарский роман очень быстро стал одним из самых популярных литературных жанров. В момент возникновения он отчетливо противостоял героическому эпосу, но дальнейший ход эволюции вел оба жанра к сближению. Роман утрачивал первоначальную композиционную упорядоченность, строгость и ясность формы, стремительно увеличивался в размерах, порождая монстров, обрастал продолжениями, растворялся в циклах, сводах и суммах.

В XV веке рыцарский роман становится прошлым. Он еще читается, но не создается. Произведения, появившиеся на свет в XII – XIV веках, продолжают составлять основу библиотек, вельмож, горожан. В Англии романы продолжают писаться, но единственный качественный роман – «Смерть Артура» Томаса Мэлори. Однако за пределами Италии, в том же столетии, появляются еще два романа, которые вошли в историю: «Маленький Жан из Сантре» Антуана де Ла Саля и «Тирант Белый» Жоанота Мартуреля. В этих романах обращает на себя внимание изменившийся подход к художественной действительности. Она вплотную приближена к реальности. Герои обоих романов – доблестные, блестящие рыцари, они ищут подвигов и совершают их, но в их подвигах нет ничего сверхъестественного.

Пятнадцатый век – особая эпоха  в истории рыцарства. Это время  именуется рыцарским возрождением. По всей Европе возникают новые рыцарские  ордена (Подвязки, Св. Духа, Золотого Руна, Звезды). XV век – время грациозного рыцарского маскарада, реквизит которого брался не из реальной традиции рыцарского быта, а из фиктивной традиции куртуазного романа. Рыцарская литература прошлого предлагала модели поведения рыцарской практики, и та порождала литературу, бравшую эту практику за образец. Идет повышенное внимание к формам социального обихода и рыцарского этикета, к тому, что стало в то время смыслом жизни рыцарского сословия. Но реальность, на которую они опираются, - маскарадная, реальность церемониала, чистой формы.

Возрождение – новый взлет рыцарского романа, наступивший с первыми  годами XVI века. У ренессансного рыцарского романа было два образца, два источника популярности. Первый возник в Испании, где к четырем книгам «Амадиса Гальского» Гарси Родригесом де Монтальво добавлялись новые и новые романы. Всего в Испании в течение XVI века было создано около пятидесяти рыцарских романов, большинство из которых быстро находило переводчиков или перелагателей в других странах Европы.

Вторым центром притяжения стала  Италия и «Неистовый Орландо» Лудовико Ариосто. Его поэма породила целое  семейство влюбленных и безумствующих  паладинов и в литературном сознании эпохи занимала место в одном  ряду с испанским романом.

Ренессанский взлет рыцарского романа был не долгим – чуть более  полувека. За это время он дал  несколько шедевров, оставил следы  в культурном обиходе. Свидетельством тому карта Нового Света, на которую  рукой читателей «Амадиса» из числа конкистадоров нанесены Калифорния и Амазонка, жития Тересы де Хесус и основателя ордена иезуитов Игнатия Лойолы, чей путь к святости проходил через отречение от пухлой книги, наполненной рыцарскими бреднями, придворная мода во Франции на протяжении царствований от Франциска I до Карла IX, вдохновлявшаяся образами и образцами испанского рыцарского романа.

Рыцарский роман пришелся ко двору. Одновременно с Мэлори, в середине семидесятых годов XV века, Маттео Мария Боярдо приступает к своему «Влюбленному Орландо». Эту поэму считают местом схождения двух главных средневековых эпико-романических циклов, каролингского и бретонского. Каролингский цикл дал «Влюбленному Орландо» своих персонажей, Карла Великого и его паладинов, бретонский – свои сюжеты, свою систему ценностей, где любовь и рыцарская доблесть возносятся превыше всего. В поэме Боярдо отсекается все, что составляло специфику французского и испанского романов – пафос достоверности, повышенный к социальному обиходу, практицизм, явный и неявный протест против любой идеализации и идеализма. На первом плане вновь вымысел, фантастика, сказочность, могучие богатыри.

«Смерть Артура» - энциклопедия форм и типов романа, опробованных за три века существования этого  жанра.

История рыцарского романа после Ариосто  – это ряд упорных попыток дать его свободе не внутренний, а внешний ограничитель. С такой установкой подходит к рыцарскому роману в «Освобожденном Иерусалиме» Торквато Тассо – как к источнику хаоса, беспорядка, анархии. В качестве идеологической свободы герой характеризуется отречением от всех личных обязательств и становится слугой, игрушкой эгоистических страстей. В качестве структурной свободы появляется возможность отходы и уклонения от жестких композиционных законов классического эпоса. Герой должен пройти через все искушения романа, чтобы стать достойным эпоса.

Тем самым, рыцарский роман предстает  одновременно в виде эстетического  идеала и жанрово тупика.

Новелла – жанр, созданный литературой  Возрождения. В отличие от драматургии, он не имеет образца в античной литературе, в отличие от рыцарского романа – не продолжает средневековую традицию. Жития святых и фабрио (стихотворная комическая повесть, возникшая во Франции в XII веке и вплоть до XIV века пользовавшаяся большой популярностью).

Ренессанская новелла создается в «Декамероне» Джованни Боккаччо. Есть несколько особенностей новеллы:

Первая – рассказ лишается автономности и входит состав целого. Начиная  с «Декамерона» новелла существует только в составе новеллистической книги.

Вторая – все сюжеты приводятся к общему знаменателю. В «Декамероне» житийная тематика снижается. Рыцарский сюжет освобождается от своей спиритуальности; сюжет фаблио очищается от эротического или физиологического комизма. Все новеллы объединяются благодаря тому, что в их центре оказывается парадоксальный поворот, который представляет в ином свете ситуацию.

Третья жанровая характеристика новеллы -  драматизация и частичная интериоризация конфликта. Поступок, действие, событие  не расположены на осях добро/зло, ум/глупость, они указывают на чувства, страсти, привычки, убеждения человека. Поступок имеет опору в самом персонаже.

Четвертая особенность новеллы: она  полностью освобождается от соотнесенности с внеповествовательным дидактизмом, не иллюстрирует никаких философских  или этических положений. Новелла «Декамерон» утверждает в сознании читателей идеалы благородства, доблести, верности, щедрости, но совершается это только художественными средствами, логикой повествования.

Пятая особенность: новелла под  пером Боккаччо изменяет свой статус в литературной иерархии. Фаблио занимали в ней место в самом низу, «пример» вообще не имел какого-либо места. Новелла соотносится с эпосом. Главным признаком литературы в то время был стиль. Боккаччо делает новеллу литературно значимым жанром.

Пять изменений, внесенных Боккаччо, характеризуют новеллу, как жанр. Полностью ренессанским явлением «Декамерон» стал в начале XVI века, когда Пьетро Бембо в своих «Рассуждениях о народном языке» объявил язык и стиль Боккаччо абсолютным и высшим образцом для литературной прозы. Для культурного высказывания на итальянском языке.

Шестнадцатый век, зенит Возрождения, является и временем расцвета новеллы, главным образом в Италии. Все  авторы новеллистических книг берут  за образец «Декамерон», но ни одному не удается воспроизвести созданный Боккаччо образ действительности. Самый крупный итальянский новеллист того времени – Маттео Банделло. Новеллы Банделло – своеобразная хроника XVI века, на достоверности своих историй настаивал сам новеллист, многие его произведения опираются на реальные события.

Как и Боккаччо, Банделло стремится  представить более многообразную  картину жизни, но в ней нет  декамероновской цельности. Светлые  краски оттеняются мрачными, общее  настроение трагично и основным источником этого мрачного колорита является разрушительное действие человеческих страстей. Банделло одним из первых сделал предметом художественного изображения иррациональное начало в человеке.

Шестнадцатый век – время  расцвета новеллы и в других странах  романской Европы, во Франции и в Испании. Большинство новелл в «Гептамероне» Маргариты Наваррской посвящено любовной теме, которая, редко разрешается в традиционном для новеллистики ключе. Подобно Банделло, Маргарита Наваррская изображает игру страстей, но обращает внимание на их внутреннее содержание.

Музыка эпохи Возрождения.  

Эпоха Возрождения является временем расцвета всех видов искусств и обращением их деятелей к античным традициям  и формам. Музыкальную культуру представляют несколько новых творческих школ и выдающиеся композиторы: Франческо Ландини (XIV век), Гийом Дюфаи и Иоханнес Окегем (XV век), Жоскен Депре (XVI век).

Эпоха Возрождения является периодом перемен во всех областях искусства - живописи, архитектуре, скульптуре, музыке. Этот период ознаменовал переход  от средневековья к современности. Период между 1500 и 1600, называемый Высоким Возрождением, является наиболее революционным периодом в истории европейской музыки, это век, в котором была разработана гармония и родилась опера.

Новое мироощущение отразилось в музыке и преобразило ее облик. Она постепенно отходит от норм средневекового канона, индивидуализируется стиль, впервые появляется само понятие «композитор». Изменяется фактура произведений, число голосов увеличивается до четырех, шести и более. Складываются мажорный и минорный лады и тактовая система ритмики, характерные для более поздней музыки.

В эпоху Возрождения профессиональная музыка теряет характер чисто церковного искусства и испытывает влияние  народной музыки, проникается новым  гуманистическим мироощущением. Высокого уровня достигает искусство вокальной и вокально-инструментальной полифонии в творчестве представителей «Ars nova» («Нового искусства») в Италии и Франции XIV века, в новых полифонических школах — английской (XV век), нидерландской (XV—XVI века), римской, венецианской, французской, немецкой, польской, чешской (XVI век).

Появляются различные жанры  светского музыкального искусства  — фроттола и вилланелла в Италии, вильянсико в Испании, баллада в  Англии, мадригал, возникший в Италии (Л. Маренцио, Я. Аркадельт, Джезуальдо да Веноза), но получивший повсеместное распространение, французская многоголосная песня (К. Жанекен, К. Лежён).

Эпоха Возрождения завершается  появлением новых музыкальных жанров — сольной песни, кантаты, оратории и оперы, способствовавших постепенному утверждению гомофонного стиля.

В концертной жизни начала эпохи  Ренессанса основным инструментом был  орган, но с течением времени состав музыкальных инструментов расширился, к струнным и духовым инструментам добавились новые разновидности. Например, виолы – семейство струнных смычковых. По форме они напоминают инструменты современного скрипичного семейства (скрипку, альт, виолончель) и являются их предшественниками (сосуществовали в музыкальной практике до середины XVII столетия).

Среди шипковых инструментов эпохи  Возрождения центральное место  принадлежит лютне. В Европу она  пришла с Ближнего Востока в конце  XIV века, а к началу XVI века этому инструменту был создан богатый репертуар, под аккомпанемент лютни исполняли песни.

В XV – XVI веках возникли различные виды клавишных. Основные типы таких инструментов – клавесин, клавикорд, чембало, вёрджинел.

За Средневековьем последовал Ренессанс, который был для музыкантов эрой открытий, новшеств и исследований, эпохой Возрождения всех слоев культурного и научного проявления жизни от музыки и живописи до астрономии и математики. Хотя в основном музыка оставалась религиозной, но ослабление церковного контроля над обществом открыло композиторам и исполнителям большую свободу в проявлении своих талантов. Музыка эпохи Возрождения, подобно изобразительному искусству и литературе, возвратилась к ценностям античной культуры. Она не только услаждала слух, но и оказывала на слушателей духовное и эмоциональное воздействие.

Торжества и празднества были отличительной  чертой Возрождения. Люди той эпохи  отмечали все - от дней святых до прихода  летней поры. Во время уличных шествий  музыканты и певцы с богато украшенных подмостков на колесах читали баллады, исполняли сложнейшие мадригалы, разыгрывали драматические представления. Публика с особым нетерпением ждала "живых картин" с музыкальным сопровождением и декорациями в виде механического облака, из которого спускалось предусмотренное сценарием божество. 

Самая величественная музыка сочинялась для церкви. По нынешним меркам хоры были не так уж и велики - от 20 до 30 человек, но их голоса усиливались звучанием вводимых в состав оркестров тромбонов и труб-корнетов, а на большие праздники (например, Рождество) певцов собирали со всей округи в один громадный хор. Лишь католическая церковь считала, что музыка должна быть простой и понятной, и потому ставила в пример сакральную музыку Джованни Палестрины, писавшего короткие произведения на духовные тексты. Позже сам маэстро попал под влияние выразительной и могучей "новой" музыки и стал писать монументальные и красочные произведения, требовавшие немалых навыков хорового пения.

Возрождение искусства и науки  в XIV-XVI вв. было эпохой великих перемен, ознаменовавших переход от средневекового образа жизни к современности. Сочинение и исполнение музыки в этот период приобрели особое значение. Гуманисты, изучавшие древние культуры Греции и Рима, объявили написание музыки полезным и благородным занятием. Считалось, что каждый ребенок должен научиться петь и овладеть игрой на музыкальных инструментах. Ради этого именитые семьи принимали в свои дома музыкантов, чтобы те давали уроки их чадам и развлекали гостей. В конце 16 века композиторы начали раздвигать границы стилей эпохи Возрождения, на смену приходила эпоха Барокко со своими особенностями и новыми открытиями в музыке.

Музыка Нидерландов XV - XVI веков богата именами великих композиторов, среди  них Жоскин Депре (1440 - 1524), о котором  писал Царлино и который служил при французском дворе, где сложилась франко-фламандская школа. Высшим достижением нидерландских музыкантов стала хоровая месса «a capella», соответствующая устремленности ввысь готических соборов.  
 
В Германии получает развитие органное искусство. Во Франции при дворе создавали капеллы, устраивались музыкальные празднества. В 1581 году Генрих III утвердил должность «главного интенданта музыки» при дворе. Первым «главным интедантом музыки» был итальянский скрипач Бальтазарини де Бельджозо, который поставил «комедийный балет королевы», спектакль, в котором впервые музыка и танец даны как сценическое действие. Так возник придворный балет. 

Клеман Жанекен (около 1475 - около 1560), выдающийся композитор французского Возрождения, является одним из создателей жанра многоголосной песни. Это 4-5-голосные произведения, песни-фантазии. Многоголосная светская песня - шансон - получила распространение и за пределами Франции. 
 
В эпоху Возрождения широкое развитие получает инструментальная музыка. В числе основных  музыкальных инструментов называют лютню, арфу, флейту, гобой, трубу, органы различного типа (позитивы, портативы), разновидности клавесина;  скрипка была народным инструментом, но с разработкой новых струнных смычковых инструментов типа виолы именно скрипка становится одним из ведущих музыкальных инструментов. 
 
Если умонастроение новой эпохи впервые пробуждается в поэзии, получает блистательное развитие в архитектуре и живописи, то музыка, начиная с народной песни, пронизывает все сферы жизни. Даже церковная музыка теперь воспринимается в большей мере, как и картины художников на библейские темы, не как нечто сакральное, а то, что доставляет радость и удовольствие, о чем заботились и сами композиторы, музыканты и хоры.  
 
В живописи, архитектуре произошел перелом и в развитии музыки, с разработкой музыкальной эстетики и теории, с созданием новых жанров, в особенности синтетических видов искусства, как опера и балет, каковые и следует воспринимать как ренессансные, переданные векам. Музыка эпохи Возрождения звучит  в архитектуре гармонией частей и целого, вписанной в природу, в интерьерах дворцов, в картинах.

В 16 веке впервые распространилось нотопечатанье, в 1501 году венецианский книгопечатник Оттавиано Петруччи издал "Harmonice Musices Odhecaton" - первый крупный  сборник светской музыки. Это была революция в распространении музыки, а также способствовало тому, что франко-фламандский стиль стал доминирующим музыкальным языком Европы в следующем столетии, поскольку, будучи итальянцем Петруччи в свой сборник, включил музыку франко-фламандских композиторов. Впоследствии он опубликовал множество произведений и итальянских композиторов, как светских, так и духовных.

Также были популярны и духовые  инструменты - блок-флейта, флейта и  рожок. Самая сложная музыка писалась для только что созданных клавесина, верджинела (английский клавесин, отличающийся небольшими размерами) и органа. При этом музыканты не забывали слагать и музыку попроще, не требовавшую высоких исполнительских навыков. На это же время пришлись перемены в нотном письме: на смену тяжелым деревянным печатным блокам пришли изобретенные итальянцем Оттавиано Петруччи передвижные металлические литеры. Опубликованные музыкальные произведения быстро раскупались, все больше людей стали приобщаться к музыке.

В 1516 году Андреа Антико - римско-венецианский печатник опубликовал сборник фроттол для клавишных инструментов. Италия становится центром создания клавесинов и скрипок. Открывается множество мастерских по созданию скрипок. Одним из первых мастеров был Андреа Амати из Кремоны, положивший начало династии скрипичных мастеров. Он внес  изменения в конструкцию существовавших скрипок, что улучшило звучание.      Франческо Канова да Милано (1497 - 1543) - выдающийся итальянский лютнист и композитор эпохи Ренессанса, создал репутацию Италии как страны виртуозных музыкантов. Он до сих пор считается лучшим лютнистом всех времён. Музыка стала важным элементом культуры.  

В 1537 году в Неаполе испанским  священником Джованни Тапия была построена первая музыкальная консерватория "Санта Мария ди Лорето". Адриан Вилларт (ок.1490-1562) - нидерландский композитор и педагог, работал в Италии, представитель франко-фламандской полифонической школы, основоположник венецианской школы. Вилларт развивал музыку для двойного хора.

Новые инструменты, печатание нот и широкая популярность музыки способствовали развитию камерной музыки. Как явствует из ее названия, она предназначалась для звучания в небольших залах перед немногочисленной аудиторией. Исполнителей было несколько, преобладали вокальные выступления, так как искусство пения в ту пору было развито куда больше, чем музицирование. Кроме того, гуманисты утверждали, что на слушателя сильнее всего воздействует "чудесный сплав" двух искусств - музыки и поэзии. Так, во Франции как жанр выделился шансон (многоголосая песня), а в Италии - мадригал.

В эпоху Возрождения  мадригал достиг вершины своего развития и стал самым популярным музыкальным жанром эпохи - песнь на родном языке - многоголосые хоровые сочинения, написанные на текст лирического стихотворения любовного содержания. Чаще всего для этой цели использовались стихотворения прославленных мастеров: Данте, Франческо Петрарки и Торквато Тассо. Мадригалы исполнялись непрофессиональными певцами, а целым ансамблем любителей, где каждую партию вел один певец. Основное настроение мадригала - печаль, тоска и грусть, но встречались и радостные, оживленные сочинения.

 В отличие от более ранних  и простых мадригалов времени  Треченто, мадригалы Ренессанса  были написаны для нескольких (4-6) голосов, зачастую их создателями были иностранцы, служившие при дворах влиятельных северных семейств. Мадригалисты стремились создавать высокое искусство, часто используя переработанную поэзию великих итальянских поэтов позднего средневековья: Франческо Петрарки, Джованни Боккаччо и других. Характернейшей чертой мадригала стало отсутствие структурных канонов. Основным принципом было свободное выражение мыслей и чувств. Представитель венецианской школы Киприано де Роре и представитель франко-фламандской школы Ролан де Лассю экспериментировали с гармонией, ритмом, фактурой и другими средствами музыкальной выразительности.

Шансоны тех лет исполнялись  в несколько голосов на трогательные стихи с широким тематическим диапазоном - от возвышенной темы любви  до повседневной сельской жизни. Композиторы сочиняли к стихам очень простые мелодии. Впоследствии из этой традиции родился мадригал - произведение для 4 или 5 голосов на вольную поэтическую тематику. В XVI веке композиторы пришли к выводу, что мадригалу недостает глубины и силы звучания, к которым всегда стремились в Древней Греции и Риме, и начали возрождать античные музыкальные размеры. При этом резкая смена быстрого и плавного темпов отражала перемены настроения и эмоционального состояния. Таким образом, музыка стала "живописать слова" и отражать чувства. К примеру, восходящий тон мог означать вершину (душевный подъем), нисходящий - долину (юдоль печали), медленный темп - грусть, ускорение темпа и приятные на слух гармоничные мелодии - счастье, а намеренно длинный и резкий диссонанс обозначал горе и страдание. В более ранней музыке преобладали стройность и слаженность. Теперь же в ее основе лежали многозвучие и контраст, отражавшие богатый внутренний мир человека. Музыка стала глубже, она приобрела личностный характер.

Не менее популярным жанром светской музыки была песня в сопровождении музыкальных инструментов. В отличие от музыки, звучащей в церкви, песни были довольно простыми в исполнении. Их рифмованный текст отчетливо членился на 4-6 - строчные строфы. В песнях, как и в мадригалах, большое значение приобретал текст. При исполнении поэтические строки не должны были затеряться в многоголосном пении. Особой известностью пользовались песни французского композитора Клемана Жанекена (ок.1485-1558).

Многоголосные вокальные произведения мотеты, традиционно принадлежавшие к жанру духовной музыки, стали теперь приобретать более светский характер.

В 1558 году Джозеффо Царлино (1517-1590) создал "Основы гармоники". В этом творении музыкальной науки 16 века он возродил античную концепцию звучащего числа, обосновал теоретическое и эстетическое оправдание большого и малого трезвучий, обосновал полное признание интервалики чистого строя в качестве звуковой материи для многоголосной музыки. Его учение о музыке оказало значительное влияние на западноевропейскую музыкальную науку и легло в основу многочисленных характеристик мажора и минора. Еще одной важной многоголосой песенной формой была вилланелла. Зародившись на основе популярных песен в Неаполе, она очень быстро распространилась по всей Италии и в дальнейшем ушла во Францию, Англию, Германию. Итальянская вилланелла XVI века дала сильнейший толчок развитию аккордов-ступеней и гармонической тональности.

В начале XVI в. большинство известных  композиторов были родом из Северной Европы, но в конце столетия первой скрипкой зазвучали итальянцы. Молодые музыканты из многих стран приезжали на учебу в Италию. Английские музыканты изучали итальянский мадригал и подражали ему. Композиторы Таллис и Доуленд писали как сложную церковную музыку, так и незамысловатые песни для одного голоса. Музыка перестала быть четко рассчитанной и строго духовной. Она приобретала эмоциональный, выразительный и ярко индивидуальный характер. Музыка заговорила с людьми - и люди понимали ее язык.

Возрождение, или Ренессанс - период в истории культуры, охватывающий примерно XIV-XVI века. Свое название этот период получил в связи с возрождением интереса к античному искусству, ставшему идеалом для деятелей культуры нового времени. Композиторы и музыкальные теоретики — Й. Тинкторис. Дж. Царлино и другие — изучали древнегреческие музыкальные трактаты; в произведениях Жоскена Депре, которого сравнивали с Микеланджело, по словам современников, «возродилось утерянное совершенство музыки древних греков»: появившаяся в конце XVI— начале XVII в. опера ориентировалась на законы античной драмы.

                              Церковная музыка 16 века.

Шестнадцатый век характеризуется  очень сильным влиянием Католической Церкви и её инквизиции на развитие искусства и науки Европы.  В 1545 году собрался Тридентский собор (XIX Вселенский собор, 1545 -1563), один из важнейших соборов в истории Католической Церкви, целью которого было дать ответ реформационному движению. На этом соборе рассматривалась церковная музыка.

Ведущее положение занимала духовная музыка, звучащая во время церковного богослужения. В эпоху Возрождения она сохранила основные темы средневековой музыки: хвалу Господу и Творцу мира, святость и чистоту религиозного чувства. Главная цель такой музыки, как говорил один из ее теоретиков, - «услаждать Бога».

Основу музыкальной культуры составляли мессы, мотеты, гимны и псалмы.

Месса - музыкальное произведение, которое представляет собой собрание частей католической литургии латинского обряда, тексты которой положены на музыку для одноголосного или многоголосного пения, в сопровождении музыкальных инструментов для музыкального сопровождения торжественного богослужения в Римско-католической церкви и протестантских церквях высокого направления, например, в Церкви Швеции.

Мессы, представляющие собой музыкальную ценность, также исполняются вне богослужения на концертах.

Церковная месса, восходящая к традиционным мелодиям григорианского хорала, наиболее ярко выражала суть музыкальной культуры. Как и в Средние века, месса  состояла из пяти частей, но теперь она стала более величественной и масштабной. Мир уже не казался человеку столь малым и обозримым. Обычная жизнь с ее земными радостями уже перестала считаться греховной.

Специальная комиссия поручила Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (1514-1594), одному из величайших композиторов церковной музыки, создать пробные мессы. Палестрина создал три шестиголосые мессы, в том числе, и "Месса Папы Марцелла", посвященную Папе Марцеллу II, своему покровителю в юношеские годы. Эти произведения оказали сильное влияние на духовенство и поставили точку в споре. Выступления против использования в церковной музыке контрапункта прекратились. Тридентский собор постановил за правило всем композиторам духовной музыки писать в стиле Палестрины. В 1582 и в 1614 годах Григорианский хорал был пересмотрен и полностью переписан для очищения от «неточностей и "варварства" и приведён к стандарту  Палестрины. Наследие Палестрины составляет несколько сотен композиций, в том числе 105 месс, 68 офферториев, более 300 мотетов, 72 гимна, 35 магнификатов, 11 литаний. Творчество Джованни Пьерлуиджи Палестрины является вершиной развития контрапунктической духовной музыки «a capella».