Возрождение в Италии

     Ведение

     В данной работе описывается творчество и творение великих гениев эпохи Возрождения. Таких как Донателло, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан и т.д. Их великие произведения наложили отпечаток и оставили много загадок для современной истории.

     Рассмотрим, как зарождался великий гений Леонардо да Винчи, какие открытия и творения оставил он после себя.

     Росписи потолка  Микеланджело в Сикстинской  капеллы, это творение не под силу повторить даже при сегодняшнем  развитии технологии, не удивительно, что в то время оно это было по истине чудом.

     В данной работе я хотела рассмотреть  период именно с 15 века, так как это, по моему мнению, является наиболее цветущим периодом. 

Цель данной работы: Изучить эпоху Итальянского Возрождения начиная с 15в. Познакомится с гениальными творцами этой эпохи.

Задачи работы:

- провести анализ того как менялась жизнь выражаемая в творчестве творчество;

- отметить влияние  старой школя искусства на  творение своих учеников; 
 
 
 
 
 
 
 
 

     1.Возрождение  в Италии

     В Средние века средоточием культуры, в том числе и художественной, были феодальный замок, храм и монастырь. Но с течением времени жизнь изменялась: возникали города, в них мануфактуры, развивался торговый обмен. Новые условия жизни породили и новое мышление, в основе которого лежало светское вольномыслие, противостоящее господствующему религиозному. Если христианская средневековая мораль предписывала человеку уповать на райскую жизнь вне земных пределов, то новое мировоззрение утверждало право человека на счастье в его земном бытии, причем под счастьем понималось его право на свободное развитие и проявление всех природных задатков, стремление к знаниям и к свободному творчеству.

     Художники стали искать божественную красоту  не на небе, а на земле, стремясь понять божественное через земное. Образцом для творчества они избрали античность, противопоставив ее готике. Вместо Священного Писания начали изучать сочинения античных авторов, в первую очередь произведения великого греческого мыслителя Платона. По инициативе банкира Козимо деи Медичи, некоронованного правителя Флоренции, была открыта Платоновская академия собрание любителей и знатоков греческой философии. Возрождая античные формы, художники утверждали при этом нравственную и эстетическую ценность личности.

     Признание ценности человека как личности получило название гуманизм и составило основу мировоззрения новой эпохи. Место человека в мире очень точно обозначил итальянский философ и гуманист того времени Пико делла Мирандола, который говорил, что в центр мироздания он ставит человека, чтобы оттуда ему было удобно обозревать все, что есть в мире. Человек, созданный по «образу и подобию Божьему», способный видеть и воспринимать красоту окружающего мира, стал главной темой и литературы, и живописи и скульптуры. Сложился тот комплекс культуры, который принято называть Ренессансом, или Возрождением. Это французское название переломной исторической эпохи в развитии итальянского, а затем и всего европейского искусства 15 – 16 вв. Термин «Возрождение» впервые употребил итальянский художник Дж. Вазари, автор «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Возрождением он назвал деятельность итальянских художников, противопоставивших эстетический античный идеал средневековому готическому. Эстетика итальянского Возрождения опиралась на те принципы красоты, которые были сформулированы выдающимся философом и богословом Фомой Аквинским. Согласно его теории, Божественная премудрость распространялась на все вокруг.

     Художественная  культура Возрождения открыла не только человека, но и тот реальный мир, в котором он жил. Природа  и вещный мир уже изображались в позднем готическом искусстве. Однако художники Ренессанса не только воспроизводили натуру, они ее изучали и устанавливали определенные закономерности. Художественное видение мира сочеталось у них с научным, преимущественно математическим, взглядом на вещи. Крупнейший теоретик искусства Л. Б. Альберти в своих сочинениях о живописи, скульптуре и архитектуре подчеркивал, что математика является основой правильного отображения действительности. Важнейшим достижением стало открытие перспективы, полностью изменившее видение мира. Это чисто техническое средство организации пространства на плоскости определило точку зрения, с которой воспринималось все изображенное в живописной композиции.

     Искусство Возрождения стремилось к рационализму, к научному взгляду на вещи, к  реализации принципа - «подражать природе». При этом не забывали и о красоте, ибо, по словам Альберти, в живописи изящество не только приятно, но и  необходимо, и искусство теряет смысл, если оно лишено эстетической прелести.

     Становление и развитие ренессансной культуры являлось процессом длительным и неравномерным. Культура Возрождения не была достоянием одной лишь Италии, но в Италии новая культура зародилась раньше, чем в других странах, и путь ее развития отличался исключительной последовательностью. Итальянское искусство Возрождения прошло несколько этапов.

     К началу 15в. относится ранний этап искусства Возрождения, обычно обозначаемый как кватроченто, или раннее Возрождение. Своей полной завершенности оно достигло к концу 15 - началу 16 в. Этот период наивысшего расцвета, длившийся всего тридцать-сорок лет, называют Высоким, или классическим, Возрождением. Последние две трети 16 столетия, ознаменованные усилением феодальной реакции и наступлением контрреформации, именуют периодом позднего Возрождения.  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

     2.Раннее возрождение - Флорентийское кватроченто.

     Кватроченто называют ту эпоху итальянского Возрождения, которая заключена пределы 15 столетия. Очень поэтично охарактеризовал эту эпоху известный историк искусства П. П. Муратов: «На необъятном кладбище истории, бесследно поглотившем целые народы, среди запутанного лабиринта могил, приютивших невечные страсти, недовоплощенные порывы, несделанные дела, памятник кватроченто возвышается одиноко и отдельно, прекрасный и законченный, как создание художника». 

     15 век время возникновения и  подъема различных территориальных  художественных школ, их активного взаимодействия, борьбы. В этих условиях намечается и магистральная линия развития ренессансного искусства, представленная мастерами Флоренции.

     Ощущение  неразрывности с эпохой раннего  Возрождения создает, прежде всего архитектура. Новое направление в архитектуре Флоренции 15 в. было связано не столько с прямым возрождением античных традиций и ордерной системы, сколько с переработкой наследия романской итальянской архитектуры, в частности построек «uнкрустацuоююго» стиля.

     Родоначальником нового направления строительной техники  Возрождения явился Филиппо Брунеллеско (1377-1446). Он первым стал использовать ордер совершенно по-новому, свободно обыгрывая ордерный мотив в различных композиционных ситуациях. Наиболее ярким примером этого стало возведение им огромного купола собора Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции (Пр.1.), которое откладывалось на несколько десятилетий. Принципиально новым было использование аркады, не имевшей прототипов в античном искусстве: греки вообще не использовали аркаду, римляне не опирали арки на колонны. Брунеллеско, связав в единую конструкцию колонну и арку, использовал мотив глубокой открытой лоджии в оформлении П-образного фасада Воспитательного дома.

     По-своему применял Брунеллеско ордерную систему  и при создании нового типа городского дворца. В изобразительном искусстве флорентийского кватроченто легко прослеживаются два направления, мало соприкасающиеся одно с другим. В творчестве художников первого направления было ощутимо влияние античности. Они искали, прежде всего одухотворенную форму, стремились к монументальности, к созданию героических образов. Приверженцами этой линии были скульптор Донателло, художники Мазаччо ,Учелло, Пьеро делла Франческа, ювелир, скульптор и художник Андреа дель Верроккьо и другие.

     Другая  линия уходила корнями в традиции византийской иконы и средневековой  миниатюры. Художники этого направления  были прекрасными колористами, но мало уделяли внимания правдивой передаче формы и объема. Их картины походили на цветочные ковры, усеянные птицами и бабочками. Художники этого направления кватроченто были в свое время более популярны, свойственная их вещам прелесть оценена раньше. Это фра Беато Анжелико, фра Филиппо Липпи, Беноццо Гоццоли, Доменико Гирландайо. Но на исходе столетия оба этих направления самым удивительным образом сплелись в творчестве двух величайших мастеров Сандро Боттичелли и Леонардо да Винчи.

     Первым  и самым ярким скульптором  первого направления кватроченто  в Италии был Донато (1386-1466), которого близкие друзья называли Донателло и который именно так подписывался на некоторых своих произведениях.

     Античная  скульптура знала только «телесность» изображения, идеалом было бесстрастное гармоничное тело. Донателло сумел  соединить античные идеалы с религиозной  духовностью и утвердить нравственную и эстетическую ценность человеческой личности. Не было ни одной области  скульптуры, в которой он не работал  бы и в которую не внес бы что-то принципиально новое. Донателло первым создал образ одухотворенной человеческой личности.

     1 - монументальная свободно стоящая статуя. Наиболее ярким примером этого вида скульптуры является фигура св. Георгия, выполненная для фасада Донателло первый в эпоху Ренессанса изваял обнаженную статую Давида, для которого использовал мотив античной статуи Гермеса.

     2 - статуарная пластика, связанная с архитектурным сооружением. Донателло создал множество статуй для украшения соборов, уравняв тем самым скульптуру с архитектурой. Особенностью его стиля являлось то, что при работе над статуей, предназначенной на обозрения снизу, он допускал некоторое искажение пропорций, учитывая, где она будет установлена. Поэтому в рабочем помещении созданные им фигуры не достигали и половины того эффекта, который производили затем в отведенном для них месте.

     3 - сложная алтарная композиция и рельефная пластика. Донателло создал роскошный, весь вызолоченный алтарь капеллы семейства Кавальканти в церкви Санта-Кроче во Флоренции, со сценой Благовещения в центральной части, где предельно жизненно передал испуг Марии от внезапного появления ангела (Пр.1.). Фигура ее робко склоняется в почтительном поклоне, и на лице отображены смирение и благодарность. Множество живописных рельефов было выполнено Донателло для кафедр, консисторий, алтарей в соборах Флоренции, Сиены, Падуи. Донателло положил начало чрезвычайно распространенному в 15 в. типу надгробий, в которых были соединены элементы архитектуры  и пластики.

     4 - конный монумент. Донателло первым после столетнего забвения возродил конную статую, увековечив в Падуе память кондотьера Эразма ди Нерни, прозванного Гаттамелатой («пестрая кошка») за рябое лицо. Падуанцы были настолько потрясены конной статуей, в которой как бы слышится храп и дрожь коня, а в фигуре всадника ощущается мужество и неукротимость, что всячески попытались перевести Донато в свое гражданство и удержать в Падуе. Бесспорно, Донателло по своему мастерству, вкусу и знаниям был первым среди новых художников.

     Одним из наиболее ярких представителей второй линии кватроченто, источники которой следует искать в традициях византийской и средневековой миниатюры, является Беноццо Гоццоли (1420-1497). Им было расписано великое множество капелл в различных церквах Флоренции и других городов Италии. Он проделал уникальную работу на кладбище Кампосанто в Пизе, добавив к росписям более раннего периода новые. На двадцати двух фресках трехсотметровой длины, покрывающих кладбищенскую стену, Гоццоли с величайшей изобретательностью отобразил истории Ветхого завета, начиная со дня сотворения мира до царствования Соломона, увязав их с историей папства и личностями иерархов католической церкви. Но самым красочным его творением являются фрески капеллы флорентийского дворца Медичи-Рикарди, написанные на сюжет «Поклонения волхвов», также выбранный неслучайно и имеющий отзвук в современной жизни.

     Во фресковом цикле «Поклонение волхвов» Гоццоли изобразил длинную вереницу всадников, едущих на великолепно разукрашенных лошадях к месту поклонения Христу. На трех стенах капеллы были созданы три отдельные композиции, каждая из которых посвящалась одному из волхвов  Мельхиору, Балтазару и Каспару и их богатым дарам - золоту, ладану и смирне. Вместе с алтарным образом фра Филиппо Липпи «Поклонение младенцу» росписи Гоццоли составляли единое целое .

     В жизни Флоренции такому шествию  королей-волхвов во время празднеств в честь младенца Иисуса уделял ось  значительное место, поскольку Медичи, некоронованные владыки Флоренции, были патронами одноименного флорентийского братства, ставшего своеобразным символом благосклонности Бога к тем, кто, будучи наделен огромными богатствами, употребляет их на благую цель.

     Все фресковые циклы Гоццоли с  их праздничной декоративностью, грациозностью  персонажей, изысканностью пейзажей с виноградниками, кипарисами и пиниями  отражали увлечение цветом, его драгоценной  красотой, его сиянием (недаром Гоццоли широко применял позолоту) и превращали расписанные им стены в многоцветные ковры.

     По  всей этой работе рассеяно бесчисленное множество портретов с натуры. Так, приближающуюся к первому плану  кавалькаду, включенную в композицию правой стены, возглавляют Козимо и  Пьеро Медичи, а среди следующих  за ними людей в одеждах флорентийских  бюргеров Беноццо Гоццоли изобразил  самого себя.

     Флорентийское кватроченто - эпоха раннего Ренессанса - многим представляется лучшим временем Возрождения, а гений Сандро Боттичелли (1445-151 О) обозначает высшую его точку. О жизни этого художника мало известно, но редко какой художник так выражал духовное содержание своей эпохи, как Боттичелли. В его творчестве и в его жизни ясно просматриваются два периода.

       Первый этап - это время Джулиан о Медичи и Симонетты Веспуччи, сонетов Лоренцо Великолепного и стансов Анджело Полициано, турниров и карнавальных шествий, время вечной весны и радости. Атмосфера того времени ощущается и в карнавальных стихах Лоренцо Великолепного:

                     Юность, юность, ты чудесна,

                     Хоть проходишь  быстро путь.

                     Счастья хочешь? - счастлив будь

                      Нынче. Завтра  неизвестно.  

     Кружок  Лоренцо Великолепного, блистательного и сильного владыки Флоренции, являлся средоточием ее интеллектуальной жизни. В него входили философ Пико делла Мирандола, поэт Анджело Полициано, архитектор и теоретик искусства Леон Баттиста Альберти, и над всем царствовала любовь Джулиано Медичи, брата Лоренцо, и Симонетты Веспуччи.

     На  глазах у них расцветал гений  Боттичелли, и оттого, быть может, эта  прелестная женщина и этот юноша были для него самыми близкими и дорогими людьми. Искусство Боттичелли полно их образами, а затем памятью о них. К этому периоду относятся картины «Весна» и «Рождение Венеры», «Венера и Марс», «Мадонна с гранатом» и др.

     В картине «Рождение Венеры» (Пр.2.) мечтательно-одухотворенный образ обнаженной богини, рожденной из волн, это классическая Венера стыдливая, и она воплощает две стороны любви - целомудренную и чувственную Источник композиции нередко видят в «Гимне Афродите» Гомера, довольно широко известном во времена Боттичелли:

                  ... туда по волнам  многозвучным 

                  В пене воздушной  пригнало ее дуновенье Зефира

                  Влажною силой своей. И Оры в златых диадемах,

                  Радостно встретив богиню, нетленной одели одеждой.  

     В этом произведении, как в фокусе, отразились особенности индивидуальной творческой манеры Боттичелли. Боттичелли называли «величайшим художником линии», поскольку и объем, и форму, и иллюзию глубины он создавал контуром. Предмет изображения обретал у него характер отвлеченного символа, был наполнен поэзией и пробуждал в душе музыкальные ассоциации: дерево - стройное, с гладким стволом, пышной листвой, усыпанное одновременно цветами и фруктами; очаровательные женщины с гибкими телами, струящимися золотыми кудрями и продолговатыми светлыми глазами, легко и безвольно скользящие по лугу, подобно листьям, гонимым ветром; Венера, плывущая по морю на краю легкой раковины и едва касающаяся ее.

     В своих картинах-поэмах Боттичелли сотворил образ одухотворенной, интеллектуальной красоты, как позднее Микеланджело в своих фресках символ могучего человека-борца.

     Второй  период жизни Боттичелли - время  Савонаролы и иноземных нашествий, апокалипсических бедствий, обрушившихся на Италию,  это время, ведущее к гибели и забвению. Мадонны и античные сюжеты исчезли с его картин, а сам художник становится приверженцем секты «плакс» Джироламо Савонаролы, настоятеля доминиканского монастыря Сан-Марко.

       В 1494 г. французский король Карл 8 ввел на Апеннинский полуостров свои войска, положив начало одному из самых трагических периодов в истории Италии. В это время Боттичелли создал ряд произведений, проникнутых пессимизмом и безнадежностью, среди них «Мистическое Рождество», «Оплакивание Христа».

     На  картинах эпохи Возрождения в  центре композиции всегда человек, он является главным стержнем, вокруг которого и для которого строится весь мир. На картинах Боттичелли человеку отведена другая роль, здесь он скорее лицо страдающее. Его Мадонны и Венеры про изводят впечатление людей, понесших утрату, вызывая этим чувство неизгладимой печали ... Одни из них утратили небо, другие - землю. Вероятно, в этом ощущении утраты и лежит разгадка притягательности творчества Боттичелли.

     Перейдем  к одному из самых значимых творцов эпохи Возрождения. Творчество Леонардо да Винчи (1452-1519), его гениальные находки являются связующим звеном между ранним и Высоким Возрождением. Судьбы художников не всегда логичны, но Леонардо поражает с самых первых шагов, как никто.

     Переломный  момент в жизни случился, когда в воздухе носились идеи о возрождении античных идеалов. Однажды Верроккьо (Леонардо находился у него в учениках) получил заказ на картину «Крещение Христа» и поручил Леонардо написать одного из двух ангелов. Это была обычная практика художественных мастерских того времени, учитель создавал картину вместе с помощниками-учениками. Самым талантливым и старательным поручалось исполнение целого фрагмента. Два ангела, написанные Леонардо и Верроккьо, недвусмысленно продемонстрировали превосходство ученика над учителем. Все дело было в том, что в то время писали красками на основе яичного желтка, а Леонардо использовал при написании ангела краску на основе масла. Она давала просто поразительный эффект. Как пишет Вазари, пораженный Верроккьо творением своего ученика  забросил кисть и никогда больше не возвращался к живописи. Ученик превзошел своего учителя.

     Леонардо  да Винчи  постоянно экспериментировал и ставил перед собой трудновыполнимые задачи. Он много начинал, но никогда ничего не заканчивал, так как считал, что рука не способна достичь художественного совершенства в задуманных им вещах. Так, например, осталась нереализованной его фантазия написать маслом на холсте голову Медузы с клубком змей вместо прически. Не были доведены до логического завершения многие его работы, не была отлита в бронзе статуя коня, она осталась только в виде глиняной статуе, поскольку это было технически невыполнимо. Загадочными и не объяснимым магнетизмом манят к себе его творения «Тайная вечеря» и «Мена Лиза Джоконда», «Битва при Ангиари» и «Святая Анна с Марией и Христом на коленях» И это тем более поражающий итог, если вспомнить о поистине вулканической производительности мастеров его уровня - Рафаэля, Тициана, а позже Рубенса, Рембрандта.

     Леонардо  да Винчи был новатором во всем и большую часть времени отдавал науке. Он являет собой единственный пример великого живописца, для которого его искусство не было главным делом жизни.

     Он  был также ваятелем и зодчим, певцом и музыкантом, стихотворцем и импровизатором, теоретиком искусства, театральным постановщиком и баснописцем, философом и математиком, инженером, механиком, гидротехником и фортификатором, физиком и астрономом, анатомом и оптиком, биологом, геологом, зоологом и ботаником. Но этот перечень не исчерпывает его занятий. Достаточно привести лишь некоторые заглавия записок, оставленных Леонардо, чтобы представить масштаб его личности. Это: «Трактат об архитектуре и военном деле», «Анатомическая рукопись», «Трактат о свете и тени», «Трактат о стереометрии», «Трактат о полете птиц», «Трактат о глазе», «Трактат о живописи», «Трактат о движении и измерении воды». Причем написано все в его зеркальной манере навыворот, так что прочесть рукописи можно было, только в зеркале. Эти манускрипты подлинное чудо и по форме, и по содержанию. Однако мало какие научные идеи находили отклик у современников, они слишком опережали время и воспринимались как гениальная фантазия, как игра ума. Он создавал не виданные машины и немыслимые орудия. Так, в письме к турецкому султану Леонардо излагал проект, который мог бы соединить Стамбул и Галету, самое интересное то, что такой мост был построен но только в 19 в.

     Живописные  произведения Леонардо, созданные им в начале 16в., стали новым шагом на пути к искусству Высокого Возрождения.

     «Мадонна  в гроте» считается первой монументальной алтарной композицией Высокого Возрождения. Живописи раннего Ренессанса были свойственны либо статичные образы торжественного представления, либо подробное повествование типа жанровых сцен. Фигуры изображены не перед пейзажем, как прежде, а в самом пейзаже. Леонардо в этой картине положил начало чрезвычайно распространенной в живописи Высокого Возрождения пирамидальной композиции. Все фигуры как бы вписаны в равнобедренный треугольник, вершина которого совпадает с головой Марии. Утяжеляя правый нижний угол картины двумя фигурами - ангела и младенца Христа, он уравновешивал ее с помощью просвета в левой верхней части.

       Леонардо да Винчи создал новую  манеру живописи - невесомую световоздушную  среду, смягчающую контуры. Для  этого он помещал источник  света спереди и сзади фигуры, и взаимодействие двух противоположных  потоков света не позволяло светотени «растекаться» лишь в одном направлении, а приводило к ее рассеянию на формах, порождая эффект едва уловимой дымки, окутывающей фигуру и названной им сфумато. И это было не просто гениальное умение передавать волшебство светотеней, это было открытие новой красоты.

     Игра  света и тени, отблески света в  сумерках или в ненастную погоду, когда предметы как в пелене, что было гениально воплощено в творении  Моны Лизы Джокондо (Пр.2.).

     Так как Мона Лиза, жена Франческо дель Джокондо, рассказывал Вазари, была очень красива, Леонардо, дабы меланхолия не исказила ее черты, прибег к следующему приему, во время писания портрета он приглашал музыкантов, которые играли на лире и пели, и шутов, которые постоянно поддерживали в ней веселое настроение. Ухищрения, к которым прибегал Леонардо, чтобы добиться нужного выражения на лице модели, показательны для творческого метода великого художника, который считал, что хороший живописец должен писать не только человека, но и состояние его души.

     В «Джоконде», ставшей своеобразной «визитной  карточкой» эпохи Возрождения, да Винчи создал неповторимый портрет человека, поместив Мону Лизу на фоне странного идеалистического пейзажа, состоящего из гор, пересеченных водными потоками и окутанных испарениями, сквозь которые с трудом пробивается свет.

     В Милане, куда Леонардо уехал из Флоренции, не получая заказов, помимо «Мадонны в гроте», «Дамы с горностаем»  и «Мадонны Литта», он написал «Тайную  вечерю», фреску в трапезной доминиканского монастыря Санта-Мария делла Грация. Леонардо выбрал для изображения  момент после роковых слов Иисуса. Вместо религиозного таинства художник передал драму человеческих чувств, психологическое состояние каждого апостола, Леонардо создал в «Тайной вечере» самую умную, законченную и полную иллюстрацию этих слов. Эта работа далась ему тяжело и не однозначно, Леонардо бродил по улицам в поисках лиц для своего творения. Но основной смысл композиции состоит в ее поразительной взаимосвязи с пространством интерьера. Леонардо довел «пространство» фрески до иллюзорного продолжения реальной комнаты. Преувеличив для слишком тесного помещения трапезной масштабы фигур, он добился тем самым ощущения величия и значимости происходящего события.

     Все работы Леонардо да Винчи принесли ему славу, но не принесли заказов. В  поисках заказов Леонардо да Винчи  переезжал из одних областей Италии в другие, выполняя заказы то миланского герцога, то Флорентийской республики, то инспектируя военные укрепления Чезаре Борджа в Романье.

       Невозможность найти работу в Италии побудила Леонардо принять приглашение французского короля Франциска 1, и в 1517 г. он уехал, захватив большинство своих картин и все рукописи, которые так и остались во Франции после его смерти в знаменитом замке Клу на реке Луаре близ Амбуаза.

     3.Высокое Возрождение

     Для художников  периода  Высокого Возрождения особенно характерна масштабность образа. Наряду с крупными архитектурными формами, такими как собор св. Петра в Риме архитектора Браманте, появились скульптурные и живописные произведения огромных размеров, например «Давид» Микеланджело, фигуры пророков и сивилл в его же росписи Сикстинской капеллы.

       Искусство Высокого Ренессанса  предстает в виде гораздо менее  высокой гряды, над которой  возвышаются несколько грандиозных  вершин: это творчество Браманте, Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне и Тициана.

     Выдающимся  архитектором эпохи Высокого Возрождения  является Донато Браманте (1444-1514), создавший стиль римского классицизма. Этот стиль восходил к римской античности и отличался рациональностью, уравновешенностью несущих и несомых частей, сочетанием арки, круга и купола. Все эти особенности были отражены в проекте собора св. Петра в Риме, который должен был напоминать по форме греческий крест с закругленными сторонами, мощным сферическим куполом и башнями по углам, доводящими план почти до квадрата. Браманте первым нашел «идеальную» композицию здания, которая со всех сторон выглядела одинаково и в которой пространство преобладало над массой, придавая зданию необычайную «воздушность». Эта грандиозная симметричная крестово-купольная постройка в процессе возведения была преобразована в традиционную базилику, но позже, в архитектуре европейского классицизма, именно она получила широкое распространение и стала основной сначала во Франции, а затем в Англии и России. Арочные пролеты были навеяны сводами базилики Максенция и Константина, самого грандиозного сооружения Древнего Рима; мощный барабан повторял абрис римской ротонды; сферический купол соотносился с формой купольного завершения Пантеона.  

     Еще один творец эпохи Высокого Возрождения  является Рафаэль Санти (1483-1520). И первыми его учителями были его отец Джованни Санти и глава умбрийской школы прославленный Пьетро Перуджино. Рафаэль настолько глубоко усвоил манеру учителя, что работы обоих мастеров было невозможно различить.