Особенности «сурового стиля» в советской живописи

                             Московский  гуманитарно – экономический институт

                                                  Волгоградский  филиал

 

 

                                       КУРСОВАЯ   РАБОТА

 

           Студента  4  курса                                  факультета дизайна

                                     

          Учебная дисциплина: История   искусств  и   культуры

          Тема:  Особенности «сурового стиля» в советской живописи

 

 

 

 

                                                     Руководитель  

Член правления ВОО  ВТОО "СХР",         педагогикой Член Союза художников России,    заслуженный работник культуры РФ.

 

 

 

 

 Защищена                                                                             Оценка

«____»_________20___г.                                            «______________»   

 

 

ПЛАН

Введение

Основная часть

1. Искусство «сурового стиля» в советской живописи.

1.1. Эпоха перемен.

1.2. Истоки «сурового стиля».

2. Особенности живописи  «сурового стиля».

2.1. Обращение художников в историко-революционный жанр.

2.2. Пейзажная живопись  в «суровом стиле».

2.3. Основные образы «сурового стиля».

2.4. Эволюция в развитии портрета.

2.5. Приватизация «сурового стиля». Распад  стиля на субкультуры.

Заключение

Список литературы

Приложения (иллюстрации произведений художников)

 

 

 

 

 

 

 

 

Введение.

Целью данной курсовой работы является раскрытие  особенностей «сурового стиля» в советской живописи.

От «сурового стиля» 60-х годов до сегодняшнего дня живопись прошла немалый путь развития. Ей свойственны различные стилевые концепции: лирико-эпические, и лирико-романтические, течения декоративное, ретроспективное и др. На сегодняшний день проблема стилей в современном искусстве является актуальной и  еще ждет своего теоретического осмысления. Сосуществование, взаимопроникновение, взаимообогащение и переработка стилевых  направлений   в национальные формы – это процесс очевидный, а главное, полезный для искусства в целом.

За последнее время, стало заметно, как стираются, размываются границы между жанрами, сближаются и виды искусства. Это вообще черта нашего времени. В изобразительном искусстве стирание границ жанров и сближение видов искусства – процесс закономерный, отражающий общий ход развития современной культуры.

Искусство «сурового стиля» в 60-е годы было главным событием в жизни отечественной живописи.

  Прошедшая война продолжает волновать как людей старшего поколения, так и некоторую  современную  молодежь.  Тема памяти трактуется в современном искусстве чаще всего не прозаически-предметно, а символически. Иногда даже живописец не выявляет четко границы жанра.

  В данной работе мы   обратимся  к  истокам  живописи  «сурового стиля», рассмотрим  его  возникновение, проследим  эволюцию  развития  основных изобразительных жанров стиля, проанализируем  особенности  стиля на  примерах  произведений художников этого поколения и их  изобразительные средства.

Задачи:

-Обратиться к истокам искусства, рассмотреть происхождение стиля.

-Проследить эволюцию  в сюжетной линии.

-Рассмотреть особенности и характерные черты стиля через анализ  произведений художников этого поколения, их тематика, художественные образы, герои.

Предмет исследования: живопись «сурового стиля».

Объект исследования: Произведения художников этого поколения, их тематика, сюжетная линия, основные образы и герои.

 

 

 

 

 

 

 

 

1. Искусство «сурового  стиля» в советской живописи.

1.1. Эпоха перемен.

    Изобразительное искусство первого послевоенного пятилетия теснейшим образом связано с предшествующим периодом — периодом Великой Отечественной войны. Художники стремились запечатлеть важнейшие события исторической битвы за свободу, раскрыть глубокие причины, обеспечившие победу СССР, — высокие моральные качества советских людей.

   На первых послевоенных выставках было показано много произведений, начатых еще в военное время.

  Годы тяжких страданий, пережитых в период Великой Отечественной войны, раскрыли новые, неведомые ранее глубины народного характера. Художники увидели героя в самом обыкновенном, рядовом советском человеке. Ведь в повседневной жизни так причудливо переплетаются обыденные, героические, поэтические моменты.

Советские люди проявили невиданное мужество и стойкость в борьбе. Их питала твердая вера в победу правого дела. Имена Зои Космодемьянской, Александра Матросова, героев-краснодонцев узнал весь мир. Но были еще миллионы безымянных борцов, подвиг которых  также увековечен в искусстве.

Многие произведения искусства  были связаны с непосредственными  впечатлениями их авторов — участников войны. Так, например, возникла картина «Отдых после боя». Ее автор, бывший боец Ленинградского фронта, Ю. М. Непринцев изобразил в ней своих однополчан.

Зимой 1942 года в прифронтовой землянке, еле освещенной самодельным  светильником, художник Юрий Михайлович Непринцев впервые познакомился с поэмой А. Т. Твардовского «Василий Теркин». Один из бойцов читал поэму  вслух, и Непринцев видел, как светлели сосредоточенные лица солдат, как забыв об усталости, смеялись они, слушая это замечательное произведение.

В чем же огромная сила воздействия  поэмы? Почему так близок и дорог  сердцу каждого воина образ Василия  Теркина? Над этим уже тогда задумался  художник.

Непринцев перечитывает поэму  несколько раз и убеждается в  том, что ее герой вовсе не какая-то исключительная натура, а обыкновенный парень, в образе которого автор  выразил все лучшее, чистое и светлое, что присуще советским людям.

Весельчак и балагур, умеющий  в трудную минуту поднять настроение товарищей, подбодрить их шуткой, острым словом, Теркин и в бою проявляет  находчивость и мужество. Таких живых  «Теркиных» на дорогах войны можно  было встретить повсюду.

В большой жизненности  образа, созданного поэтом, и заключался секрет его обаяния. Именно поэтому  Василий Теркин сразу стал одним  из любимых народных героев.

 «Он жил в моем сознании, — писал впоследствии художник, — накапливая новые черты, обогащаясь новыми подробностями, для того чтобы стать главным героем картины».

Но не сразу родился  замысел картины. Длинный, полный труда  и раздумий путь прошел художник, прежде чем приступил к написанию  картины «Отдых после боя».

В 1947 году Непринцев пишет  картину «Здравствуй, Ленинград!», посвященную  героям-подводникам, возвращающимся в  родной город. Героической обороне  Севастополя посвящена его следующая  картина — «Последняя граната». В 1949 году на выставке появилась еще  одно полотно Непринцева — «Лиза  Чайкина».

Все эти картины были подчинены  одной цели, объединены одной идеей  — прославить замечательные черты  советского человека. Но требовательный к себе, художник не был удовлетворен созданным. Хотелось найти какое-то новое, жизненно-правдивое решение в характеристике душевных качеств советских людей, обобщить и свои впечатления от богатых событиями военных лет, создать такое произведение, которое ярко раскрывало бы величие героического подвига советского народа в Отечественной войне.

«Мне хотелось, — писал  художник, — изобразить воинов Советской  Армии не в момент свершения каких-либо героических поступков, когда все  душевные силы человека напряжены до предела, показать их не в дыму сражения, но в простой будничной обстановке, в минуту краткого отдыха».

Так зарождается мысль  о картине. Воспоминания военных  лет помогают определить ее сюжет: группа бойцов в короткий перерыв между  боями расположилась на заснеженной  поляне и слушает веселого рассказчика. В первых эскизах уже был намечен  общий характер будущей картины. Группа располагалась полукругом, развернутым  на зрителя, и состояла всего из 12—13 человек. Фигура Теркина была помещена в центре композиции и выделена цветом. Расположенные по бокам ог него фигуры формально уравновешивали композицию.

В этом решении было много  надуманного, условного. Малочисленность  группы придавала всей сцене характер случайности и не создавала впечатление  сильного, дружного коллектива людей.

Поэтому в последующих  эскизах Непринцев увеличивает  количество людей и наиболее естественно  их располагает. Главный герой Теркин перемещается художником от центра вправо, группа строится по диагонали слева  направо. Благодаря этому увеличивается  пространство, намечается его глубина.

Зритель перестает быть только свидетелем этой сцены, он становится как бы ее участником, вовлекается  в круг бойцов, слушающих Теркина.

Чтобы придать еще больше достоверности и жизненности  всей картине, Непринцев отказался  от солнечного освещения, так как  эффектные контрасты света и  тени могли бы внести в картину  элементы театральной условности, которой  так избегал художник. Мягкий рассеянный свет зимнего дня давал возможность  полнее и ярче выявить разнообразие лиц и их выражений.

Но самым главным для  художника была работа над изображением внутреннего мира героев. «Хотелось, — писал Непринцев, — чтобы  зритель полюбил моих героев, почувствовал их живыми и близкими людьми, чтобы  он находил и узнавал в картине  своих собственных фронтовых  друзей».

Художник понимал, что  только тогда ему удастся создать  убедительные и правдивые образы героев, когда они будут предельно  ясны для него самого. Непринцев  начал тщательно изучать характеры  бойцов, их манеру говорить, смеяться, отдельные жесты, привычки, иначе  говоря, начал «вживаться» в образы своих героев. В этом ему помогали впечатления военных лет, боевые встречи, воспоминания его фронтовых  товарищей. Неоценимую услугу оказали  ему его фронтовые зарисовки, портретные изображения боевых друзей. Много было сделано этюдов с натуры, но они не переносились в картину  непосредственно, без предварительной  доработки. Художник искал, выделял  наиболее яркие черты того или  иного человека и, напротив, убирал все второстепенное, случайное, мешающее выявлению основного. Каждый образ  он стремился сделать сугубо индивидуальным и типичным.

«В своей картине я  хотел дать коллективный портрет  советских людей, солдат великой  армии-освободительницы. Подлинный  герой моей картины — это русский  народ».

Картина «Отдых после боя» — результат напряженной, серьезной  работы художника, взволнованной любви  к своим героям, большого уважения к ним.

Каждый образ в картине  — это целая биография. И перед  взглядом любознательного зрителя  проходит целый ряд ярких индивидуально  неповторимых образов.

Глубокая жизненность  идеи обусловила ясность и цельность  композиции, простоту и естественность живописного решения. Картина Непринцева воскрешает трудные, полные героики и суровости, лишений и невзгод и вместе с тем радости побед дни Великой Отечественной войны. Именно поэтому она всегда будет дорога сердцу советского человека, любима широкими массами советского народа.

  Воинам, грудью прикрывавшим родную землю на тысячеверстных фронтах, помогал весь народ. Фронт и тыл были едины. Эта мысль нашла образное воплощение в картинах А. И. Лактионова «Письмо с фронта», Б. М. Неменского «Мать», «Сестры наши».

В годы, когда империалистические круги западных держав начали разрабатывать  планы новой войны, содействовать  возрождению германского фашизма, у художников Кукрыниксов возник замысел картины «Конец», в которой они показали, чем кончаются и впредь будут кончаться подлые попытки врагов поработить наш народ. В картине показаны последние минуты фашистских главарей, застигнутых врасплох в подземелье — в Рейхсканцелярии.

Эта картина не потеряла силы своего воздействия и в настоящее  время. Она является грозным предостережением тем, кто и сейчас еще стремится  возродить западногерманскую военную  машину.

События Великой Отечественной  войны пробудили горячий интерес  к героическому прошлому нашей Родины. Подвиг советского народа был живым  продолжением истории — ведь русские  люди уже не раз грудью вставали на защиту Отечества.

Важное место среди  произведений исторической живописи послевоенного  времени занимает картина А. П. Бубнова «Утро на Куликовом поле». Куликовская битва положила начало освобождению русской земли от татарского ига. Обращение к этой теме имело большое патриотическое значение.

Рожденные войной темы были различны. Неодинаковыми путями шли  художники и к их воплощению. Но общим для всех мастеров был высокий  пафос гуманистического утверждения  красоты и ценности человека и  острая ненависть ко всему, что мешает его счастью, что враждебно светлой  и радостной жизни на мирной земле.

Страна быстро залечивала раны, нанесенные войной. Жизнь властно  увлекала мастеров искусства в бурный водоворот событий, диктовала новые  темы, предъявляла более высокие  требования.

Неиссякаемым источником вдохновения для советских художников является образ В. И. Ленина. Над этой темой работают и зрелые мастера, и молодежь, обильно пополнившая  в эти годы творческие ряды.

Одним из наиболее значительных произведений начала 50-х годов была картина «Выступление В. И. Ленина на III съезде комсомола». Она исполнена группой молодых художников: В. В. Соколовым, Д. К. Тегиным, Н. Н. Чебаковым, Н. П. Файдыш-Крандиевской — под руководством одного из крупнейших мастеров советского искусства Б. В. Иогансона.

Тридцатилетие со дня исторического  съезда советская молодежь отмечала в 1950 году как свой праздник. Юноши  и девушки вновь и вновь  обращались мысленно к тем далеким  дням, когда прозвучали вещие слова  Владимира Ильича — учителя и  друга молодых строителей новой  жизни.

Картина «Выступление В. И. Ленина на III съезде комсомола» была творческим откликом живописцев на это волнующее  событие. Характерной особенностью развития советского искусства в  конце 40-х — начале 50-х гг. было обогащение тематики произведений. В  них нашли отражение самые  разнообразные стороны нашей  жизни.

По-настоящему увлекает художников романтика и поэзия свободного труда  на мирной земле. Эпическое произведение о тружениках-колхозниках создала  украинская художница Т. Н. Яблонская. Много времени провела она в колхозе им. В. И. Ленина, изучая жизнь и труд крестьян. Картина «Хлеб» — одно из наиболее крупных произведений советской живописи. В нем раскрыта главная черта нашей жизни — радость труда, ставшего желанной потребностью для советских людей.

Многие художники обращаются к темам, выявляющим черты новых  взаимоотношений в советском  обществе — растущее чувство дружбы, товарищества, повышенное чувство ответственности  за судьбу человека.

Теплым, хорошим чувством и большой любовью согреты  произведения о детях, созданные  молодой художницей И. В. Шевандроновой («На приеме у врача», «В сельской библиотеке»). В центре внимания художников находится тема борьбы советского народа за мирное сосуществование и укрепление братских связей с трудящимися других стран. Важное значение для решения этой темы имели поездки советских художников за границу. Они способствовали глубокому знакомству художников с жизнью трудящихся, установлению и укреплению личных контактов советских и зарубежных граждан.

Большим уважением к трудолюбивому  индийскому народу проникнуты произведения С. А. Чуйкова «Столяр сикх в розовом  тюрбане», «Подметальщица из касты  неприкасаемых», «Студентка из Калькутты» и многие другие. Впечатления, накопленные  во время двух поездок в Индию, художник синтезировал в дальнейшем в триптихе «О простых людях Индии».

Не любование экзотической красотою природы и этническими  особенностями национального типа, а глубокое уважение к людям труда  проявилось в индийских циклах Чуйкова. Художники стремились к большей  душевности, сердечности, человечности образов. Однако среди картин, исполненных  большого и искреннего чувства, на первых послевоенных выставках стали появляться огромные торжественные полотна, холодные и невыразительные по содержанию. В этих больших многофигурных  композициях народ изображался  как серая толпа, безликая масса, составляющая лишь фон для изображения  Сталина.

В работах некоторых мастеров большие и сложные проблемы решались на мелких темах. Иногда художнику не удавалось правильно выбрать  острые, характерные, достойные изображения  сюжеты.

 

1.2. Истоки «сурового стиля».

XX съезд развенчал культ  личности Сталина. Огромные успехи  были достигнуты в промышленности, в сельском хозяйстве. Началось  осуществление грандиозного семилетнего  плана, намеченного XXI съездом.  Своего рода революцией в сельском  хозяйстве было освоение целинных  и залежных земель.

Страна вступала в новый  период — период развернутого строительства  коммунизма.

Открылась новая страница в истории советского искусства. В партийных документах, выражающих «волю миллионов людей, волю миллионов  умов, коллективный разум миллионов  людей», изложены новые требования к художникам на современном этапе.

Коммунистическая партия, неустанно напоминала и напоминает мастерам советского искусства о  необходимости серьезно изучать  жизнь, укреплять связи с нею.

В приветствии I Всесоюзному  съезду художников (1957) ЦК КПСС подчеркивал, что советские люди ждут произведений, которые доставят им чувство подлинного эстетического наслаждения и  радости, обогатят духовно, будут облагораживать и возвышать человека, поднимать  его на борьбу за самые светлые  и высокие идеалы нашего времени.

  Современное советское искусство непрерывно развивается. Крепнут художественные коллективы во всех республиках, краях и областях. Художники разных республик стремятся показать особенности труда и быта своего народа.

Среднеазиатские мастера  часто изображают чабанов и хлопкоробов, кавказцы — нефтяников и рыбаков, прибалтийцы воспевают особую красоту  труда, связанного с суровым северным морем. Национальные черты выражаются в типах и характерах людей, в  формах и красках природы, в своеобразии  творческого почерка художников. В современной живописи главной  темой стала тема труда. Еще А. М. Горький говорил, что не было в  мире героики более величественной, чем героика труда, творчества.

Тогда впервые зрители  познакомились с работами Г. Коржева, Т. Салахова, братьев А. и С. Ткачевых, Г. Иокубониса, И. Голицына и многих других.      Появились новые журналы по искусству – «Творчество», «Декоративное искусство СССР», «Художник» и новое издательство – «Художник РСФСР». Начинается обмен выставками с другими социалистическими странами. В декабре 1958 г. в Москве была устроена большая выставка работ художников социалистических стран. Советское искусство стало широко пропагандироваться в Западной Европе, США, в Индии, Сирии, Египте и др. В 1958 г. на Всемирной выставке в Брюсселе многие советские художники получили высокие награды.

   Несомненна активизация художественной жизни в эти годы, но сам художественный процесс был далеко не однозначным.

   Время так называемой «оттепели» было недолгим и в самом себе имело печальные рецидивы предшествующей эпохи: в культуре и искусстве продолжалась «борьба с буржуазной идеологией». Однако с выставок стали постепенно исчезать повествовательно-натуралистические произведения. Высокогражданственного звучания в картинах и скульптурах художники стремились достичь без декламации и наигранного пафоса.

   «Суровому стилю»  предшествует лирический "импрессионизм" – искусство "оттепели" 1953-1957 годов, своего рода переходного периода.   "Оттепель" в   общепринятом   значении – это  реабилитация   повседневности, освобожденной не только от строгих предписаний (дисциплинарной идейности, обязательной культурности), но и от тотальной однородности.  
В середине 50-х очень популярны как юмористические, так и мелодраматические жанровые сюжеты с семейными размолвками и разводами (такие сюжеты пишет в 1956 и 1957 годах Коржев). 
   Культура "оттепели" – действительно бегство из истории в повседневность; отказ – по причине усталости или детского легкомыслия – от решения последних, "проклятых" вопросов; поведение в любом случае трусливое и "мещанское" с точки зрения морального героизма ("суровости"). 
Само по себе искусство "оттепели" имеет в основе черты сталинской антропологии – например, упоминавшуюся уже инфантильность. Но то, что в сталинской живописи присутствовало как исходная точка или первая стадия развитии, в живописи "оттепели" становится главным и завершающим.

  Например, щурящийся  на солнце деревенский мальчишка ("Сашка-тракторист" Максимова) – сюжет традиционный для сталинского искусства. Для живописи "оттепели" важнее то, что именно городской мир истории и культуры – через городских детей и подростков, через солнце, бьющее в окна квартир и заменяющие портреты Сталина, радиоприемники или газеты ослепительными квадратами на полу – приобретает природные..черты. 
   Наиболее мифологизированная стилистическая идея искусства середины 50-х, пленэрная "этюдность", сама по себе не была художественной революцией даже для СССР. Она вполне укладывалась в эстетику позднего сталинского стиля (имевшего одним из своих источников живописность школ Коровина и Архипова). "Этюдность" тоже была феноменом свободы – в частности, освобождением от дисциплины большого..стиля. 
   Сталинский стиль, утратив рожденную страхом диктатуру сюжета и канонического "образа", обрел – пусть в тех же внешних сюжетных рамках – профессиональную свободу, превратился в чистую живопись, культивирующую колористическую сложность и техническую виртуозность; стал субкультурой, специальным эстетским "искусством для искусства", вернулся не просто к Коровину и Архипову, но даже к Фешину. Именно демонстративная быстрота и легкость исполнения и была выражением артистической свободы.

   Как продолжение этого пленэрного "импрессионизма" – уже   в рамках   прообраза "сурового стиля" (например, у раннего Попкова и   у раннего Салахова) – можно найти мотив утреннего "пути на работу", солнечного "начала рабочего дня". Здесь же, и только здесь – у Оссовского, особенно у позднего Дейнеки середины 50-х – культивируется и тема спорта, чаще всего бега (как выражение той же эйфории, той же чисто природной и телесной   радости бытия, – рождающей бьющую через край, избыточную силу, не знающую усталости). 
   В последние годы Коммунистическая партия и Советское правительство уделяют много внимания и заботы вопросам дальнейшего развития сельского хозяйства. Новые стороны в жизни колхозной деревни и совхозов нашли яркое и образное воплощение в произведениях А. А. Пластова «Август колхозника», «Девушка с велосипедом», «Лето», Н. Л. Веселовой «Портрет председателя колхоза М. Г. Долгова» и многие другие. В произведениях, посвященных изображению труда, художники раскрыли существенные черты современной действительности: они показали новый характер труда и новое отношение к нему со стороны тружеников. Однако только этой темой невозможно исчерпать всего содержания современной жизни. Оно раскрывается в бесконечно разнообразных проявлениях — в быту, на отдыхе, в событиях личной и общественной жизни.

Романтика и поэзия, лирические чувства, жизнерадостность, тонкий юмор, молодой задор и особая красота  нашего современника отражены в картинах, посвященных этим сторонам жизни.

Особенно лиричны картины Ю. И. Пименова о трудовых буднях Москвы: «Сезон ремонта», «В весеннем парке», «Район завтрашнего дня», «Обыкновенное утро» и другие. Они объединены общей темой «Московские рассказы». Острота нового мироощущения позволяет художнику в обыденной сцене начала рабочего дня («Обыкновенное утро») увидеть трудовой энтузиазм москвичей и передать его в обаятельном облике девушки, старательно моющей витринное окно, и в четком ритме движения людей на просторной, светлой улице.   Герои Пименова, чаще всего женщины и девушки, — труженики: маляры, шоферы, штукатуры. В небольших картинах он рассказывает об их жизни всегда тепло, поэтично, часто — с юмором.

Труд людей преобразил лицо нашей земли. В глухих лесах  выросли заводы, голые степи превратились в плодородные поля, сады зацветают  в пустыне. Автострады и мосты, ажурные  вышки на линиях электропередач, силуэты  фабричных труб, новые жилые районы в старых городах и совсем новые  социалистические города на берегах  могучих рек. Особую красоту нового облика земли воспели наши художники-пейзажисты. Рядом с именами известных  певцов природы, таких, как М. С. Сарьян, В. В. Мешков, С. В. Герасимов, Н. М. Ромадин, Я. Д. Ромас, А. М. Грицай, по праву стоят  имена пейзажистов, дарование которых  полностью раскрылось и раскрывается лишь в послевоенные годы (Г. Г. Нисский, Б. Ф. Домашников и другие).

Народ как главная движущая сила истории, человек со сложным  духовным миром — творец событий  всемирно-исторического значения, и  в то же время рядовой в строю  — вот мысль, красной нитью  проходящая через все полотна  на историко-революционную тему, созданные  в конце 50-х годов.

Разные по сюжетам и  по художественным приемам произведения советских мастеров несут светлые  идеи гуманизма и патриотизма. Однако было бы неверным утверждать, что художники  уже достигли совершенства. Слабое профессиональное мастерство и неверное понимание проблем современности  в искусстве толкали некоторых, особенно молодых мастеров на ложный путь псевдоноваторства — повторения формалистических исканий.

Смелое творческое соревнование различных мастеров, открытое признание  ошибок, неустанные поиски яркой образности — свидетельство силы советского искусства, жизненности метода социалистического  реализма.

 2.1. Особенности живописи «сурового стиля».

  Время Хрущева – эпоха мобилизации и культурной революции (как первой стадии нового культурного   цикла) –  начинается   лишь   после 1957 года.    Именно логика  культурной революции объясняет стремление "сурового   стиля" к уничтожению культуры "оттепели"   (простой, наивной и легкомысленной).

«Суровый стиль» был порождением  «оттепели» и свидетельствовал как  будто бы об определенных шагах по пути демократизации общества. Это  были первые попытки заговорить в  искусстве «человеческим языком»  – после помпезных произведений послевоенного времени.

   Идут поиски новых выразительных средств,   в  каждом из видов   изобразительного искусства, поиски динамичности, лаконизма, обобщенности при  эмоциональности   и остроте самого характерного.   Художники   разрабатывают   новый,   суровый стиль (этот термин принадлежит советскому искусствоведу А.Каменскому). 
 
   В  это время выявилось стремление художественно воссоздать действительность  без обычной в 40–50-е годы парадности, сглаживания всех трудностей,  а   также   без    иллюстративности, «литературщины», ставших почти нормой, – т. е. без всего того, что лишает произведение глубины и выразительности, пагубно влияя на образное содержание и художественное мастерство.

   Художники: П. Никонов, Н. Андронов, В. Попков, Т. Салахов, Д. Жилинский, В. Иванов, М. Савицкий, братья А. и П. Смолины, П. Оссовский, А. Васнецов, Т. Нариманбеков, М. Аветисян и другие в поисках «правды жизни» обратились к сдержанной, условной, обобщенной форме, отвергнув всякую описательность.        Композиция, как правило, лапидарна, рисунок жесток и лаконичен, цвет условен, не отвечает натурным соотношениям.