Дикоративное искусство

Содержание: 
 

1.Введение…………………………………………………………………………….стр.1 

2.Декоративно-прикладное  искусство…………………………………………стр.3 

3.Монументально-декоративная  резьба по дереву…………………………стр.3 

4.Деревянная  скульптура………………………………………………………….стр.3-4 

5.Хохлома.  Хохломская роспись…………………………………………………стр.4-5 

6.Гжель.  Гжельская керамика……………………………………………………..стр.6-8 

7.Палех.  Палехская миниатюра……………………………………………………стр.9 

8.Городец.  Городецкая роспись…………………………………………………….стр. 

9.Мстера. Мстерская миниатюра……………………………………………………...стр. 

10.Холуй.  Холуйская миниатюра……………………………………………………..стр. 

11.Заключение……………………………………………………………………………..стр. 

12.Список  используемой литературы……………………………………………….стр. 

Декоративно- прикладное искусство 

Декоративное  искусство тесно  связано со всем изобразительным искусством своего времени. Прежде всего, оно находится в тесной связи с архитектурой. Отдельные отрасли  декоративного искусства имеют с ней непосредственное взаимоотношение. Их часто нельзя отделить друг от друга.

      В декоративном  искусстве, также как и во всяком искусстве, выражаются чувства и переживания человека, его душевный мир – запечатлевается душа народа. Это и есть реальное содержание декоративного искусства.

         Русское декоративное  искусство имеет  многовековую историю.  В нем своеобразно отразились судьбы русского народа, его духовный мир, эстетические вкусы и понятия.

        В художественной  жизни Древней  Руси декоративное  искусство имело  особенно большое  значение. Оно сопровождало  многие стороны  общественной жизни  народа того времени. Творческая самобытность и художественное своеобразие древнерусского декоративного искусства при всей своей широкой связи его с искусством других стран Востока и Запада бросаются в глаза с первого же взгляда.

      Гений древнерусских  мастеров декоративного искусства проявился во многих областях творчества. Они достигли высочайшего совершенства в резьбе по дереву, в художественном литье, ковке и чеканке, в изделиях из камня, кости, в гончарном и ювелирном деле.

   Богатство творческой  фантазии, тонкость вкуса чувство пропорции силуэта, цветовой гармонии- все это ярко проявилось в творениях древнерусских мастеров. В этом заключается огромная художественное значение их творчества. 
 
 
 
 

Монументально- декоративная резьба по дереву. 

В истории  развития древнерусской деревянной резьбы значительное место занимает крупная рельефная резьба, применявшаяся главным образом в отделке зданий, судов, предметов обстановки.

     Образцом крупной  рельефной резьбы  по дереву является  известная резная  сосновая доска, которая, возможно была тяблом иконостаса. В центре тябло помещено распятие, по сторонам которого расположены два шестикрылых серафима и четыре полуфигуры святых, а по концам -  фантастические изображения львов.

      В смешении этих  мотивов особенно  наглядно раскрывается состояние двоеверия, царившее в сознании людей того времени, когда пережитки славянских, языческих верований продолжали существовать  и даже развиваться наряду с пришедшей из Византии христианской идиологии. 

Деревянная  Скульптура 

      До нас дошло мало памятников деревянной скульптуры. Они погибли от частых пожаров, когда целиком выгорали города, посады и деревни, почти сплошь состоящие из деревянных построек, во время опустошительных войн с половцами и татарами, а также и во время междуусобной барии феодальных князей.

        Точно определить  время возникновения  на Руси деревянной  скульптуры не  представляется возможности.  Нам известны деревянные  статуи и рельефы  Николы Чудотворца, Георгия Победоносца,  Распятого Христа, библейских пророков и евангелистов. Надо  думать, что деревянная скульптура, мелкая и крупная, широко была развита на Руси в народном быту. В сельских храмах и часовнях стояли деревянные изваяния святых, резные деревянные иконы ставились в божницах изб, они вешались на дверях домов и воротах скотных дворов.

  В деревянной скульптуре  XVI- XVII  веков сильным ключом билось народное творчество. Стало больше страсти и динамики.

     Огромную роль деревянной скульптуры в Древней Руси и широкое ее распространение нашло свое эстетическое обоснование в теоретических работах современников. Знаменитый иконописец и теоретик Симон Ушаков в своем « Слове к любителю писания», этом своеобразном трактате об искусстве, отводит огромное место скульптуре.

       В изобразительном  искусстве он различает шесть видов в зависимости от материала и техники исполнения. На первом месте искусство - из камня, дерева кости (статуарное); на втором - лепное дело - из глины извести, воска, муки; литье - из золота, серебра, меди; ваяние - на бисере и благородных камней; резьба - на медных досках и, наконец, живопись красками. Так, устами виднейшего художника, представителя прогрессивной эстетической мысли  XVII века, утверждается большое значение скульптуры в художественной культуре Древней Руси. 
 

Хохломская Роспись 
 

Русский народный художественный промысел; возник в 17 в. Ныне фабрика «Хохломской  художник» (с. Семино Ковернинского р-на) и производственное художественное объединение  «Хохломская роспись» (г. Семенов Нижегородской  обл.). Название происходит от с. Хохлома (Нижегородская обл.). Декоративная роспись на деревянных изделиях (посуда, мебель) отличается тонким растительным узором, выполненным красным и черным (реже зеленым) тонами и золотом по золотистому фону.

На  реке Узоле, в древних  заволжских лесах раскинулись старинные русские деревни - Новопокровское, Хрящи, Кулигино, Сёмино. Отсюда и ведет свою историю известный во всем мире хохломской промысел. В этих деревнях и поныне живут мастера-художники, которые расписывают деревянную посуду, продолжая традиции отцов, дедов и прадедов.  

Однако  установить время  появления хохломской росписи исследователям пока не удалось. Ведь деревянную посуду и другую утварь долго не хранили. От частого применения она изнашивалась, приходила в негодность. Её выбрасывали или сжигали, заменяя новой. До нас дошли изделия хохломских мастеров в основном лишь XIX века. Но различные документальные сведения указывают на то, что промысел зародился в более раннее время, возможно в XVII веке.

Характерная для хохломы оригинальная техника, где роспись киноварью и черной краской исполнялась по золотому фону, находит аналогии в древнерусском искусстве.

В документах есть упоминание о  том, что в конце XVI и начале XVII века в Троице-Сергиевой  лавре при торжественном  приеме гостей им подносили деревянные ковши, украшенные золотом и киноварью, а также кубки.

В начале XVII века к Троице-Сергиевой  лавре были приписаны  заволжские земли, среди которых находилась и Хохлома. Крестьяне не только видели эту золоченую посуду, но и могли знать способ её окраски. Но у хохломских мастеров был свой способ “золочения”. Посуду натирали оловянным порошком, покрывали олифой и нагревали в резные позолоченные печи. Олифа от высокой температуры желтела, а олово, просвечивающее сквозь неё, становилось золотом.

Один  из лучших мастеров хохломской росписи  так говорил об этом промысле: Самый характер росписи, подражающий золотой и серебряной посуде был подсказан декоративным искусством Древней Руси... Хохлома, вероятно, была лишь поздним отражением этого большого искусства...)

В XIX веке промысел настолько  разросся, что поставлял  свой товар в большом  количестве не только на внутренний рынок, но и за границу в страны Средней Азии и Западной Европы. Изготовлением посуды и других предметов быта занималось сразу несколько деревень Семеновского и Балакнинского уездов Нижегородской губернии, Макарьинского и Варнавинского - Костромской. Среди них было что-то типа разделения труда. В одной деревне обрабатывалось дерево, в другой - наносился рисунок. 
 

Самые ранние произведения хохломы в собрании Русского музея относятся ко второй половине XIX века. Они насчитывают около 170 разнообразных по назначению предметов быта. Посуда представлена мисками и чашками любых размеров: от маленьких, похожих на десертные розетки, до огромных 70-80 сантиметров в диаметре; различными поставцами и бочатами солонками и множеством ложек.

Дешевую обиходную посуду можно было отличить по простым узорам, нанесённым специальными штампиками из фетровой ткани или гриба-дождевика. Это спирали, ромбики, мелкие розетки и листики.

Более дорогие вещи расписывали  кистью от руки, создавая различные композиции травного орнамента, где ритмично сочетаются слегка изгибающиеся тоненькие красненькие  и черные веточки  с пышными перистыми  листьями-травинками. Иногда красно-черная пушистая травка дополняла основной орнаментальный мотив вьющегося крупного стебля, каждый завиток которого заканчивался красной ягодкой.

В 1960-е  годы стали выполнять  многопредметные  наборы и сервизы.

Современная хохлома по праву  получила широкое признание не только в нашей стране, но и далеко за её пределами. Украшенные яркой росписью столовые наборы, чашки, ложки, мебель экспонируется на многих крупнейших международных выставках. И всегда это неповторимое жизнерадостное искусство находит любовь и понимание людей всех национальностей.  
 

Гжель. Гжельская керамика. 
 

ГЖЕЛЬ (гжельская  керамика), изделия керамических промыслов Московской области, центром которых была бывшая Гжельская волость — деревни Речицы, Гжель, Жирово, Турыгино, Бохтеево, Новохаритоново, Володино, Кузяево. В настоящее время изделия  

производят  в тридцати селах  и деревнях бывших Бронницкого и  Богородского уездов, в 60 км от Москвы (ныне Раменский район). Слово «гжель»  происходит, возможно, от «жечь».

Впервые местность Гжель  упоминается среди других в духовной грамоте Ивана Калиты, затем — во всех духовных грамотах великих князей, а Иван Грозный обозначил ее как «государеву дворцовую волость», то есть собственность двора. 

На  удалении 50-60 километров к северо-востоку  от Москвы, в Раменском районе, вдоль Егорьевского шоссе расположены два десятка слившихся между собой красивых сёл и деревень.

Гжель - название одного из сёл - бывшего волостного центра, ставшего собирательным  для всей округи, символом неповторимого  искусства и народного мастерства.

Гжелью  называют выпускаемые  в этих местах высокохудожественные фарфоровые изделия, расписанные кобальтом по белому фону.

Гжель - название одного из ведущих предприятий, где возрождено истинно  народное керамическое искусство старинных  русских мастеров.

Гжель впервые упоминается  в письменных источниках в 1339 году в духовной грамоте Ивана  Даниловича Калиты. С тех пор на протяжении столетий, как одна из наиболее прибольных волостей, переходила Гжель по наследству в роду великих московских князей и царей, принося им немалый доход.

Ещё в XVI веке гжельцы  возили в Москву излишки  бытовой посуды, а  также в Яузскую  слободу московским гончарам свою глину, некоторые оставались там и работать. Выезжали они и  на московские ярмарки  и торги. Знакомились  на торгах с привозными изделиями мастеров из других мест России, из других стран.

На  базе крестьянских промыслов  и торговли постепенно складывался новый  тип крестьянского населения Гжели.

К 70 - 80 годам XVIII века Гжель  становится центром  производства в России художественной майолики. Дело в том, что со времени открытия мануфактуры Афанасия Гребенщикова в 1724 году многие гжельцы работали там гончарами. Смекалистые и расторопные, они быстро схватывали секреты нового производства майоликовых изделий, а, возвращаясь на родину, заводили свои примитивные, но многочисленные новые горны, создавали свои изделия не только из обычных красных глин, как раньше, а использовали по новой технологии белые массы с примесями других сортов глин и минеральных добавок.

Самобытные гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Крестьяне-кустари трудились от зари до зари, имея дело с глиной и творя из неё необходимые в быту вещи. Каждый из них имел свою манеру, и, создавая изделия, вносил собственное видение окружающего мира. Достоинство посуды, игрушек определялось вкусами покупателей и управлялось их спросом. Популярность гжельских изделий означала соответствие их требованиям, отвечающим утилитарным целям и художественным вкусам людей того времени. В середине XVIII века в России довольно быстро начали развиваться гончарные производства, однако гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Отсюда производство керамики распространяется в Коломенской, Серпуховской и другие уезды Московской губернии.

Конец XVIII века явился временем расцвета гжельской майолики; особенно большого искусства местные мастера достигли при изготовлении кувшинов, кумганов, квасников. Работа требовала большого терпения и искусства. Роспись не допускала поправок и переделок, так как велась по мягкому, не обожжённому черепку, покрытому белой эмалью. Гжедьцы выпускали отдельно и мелкую майоликовую пластику, которая часто отражала типичные сценки их жизни, наполненные юмором композиции, солдат, крестьянок, модниц и франтов, занятых теми или иными делами. Сюжеты были выразительны и доходчивы, покоряли ястностью замыслов, наивностью их создателей - простых народных умельцев.

Здесь изготовлялись и  изделия промышленно-хозяйственного назначения, как, например канализационные трубы для московских улиц.

В течение многих десятилетий гжельцы создавали изумительные по красоте и разнообразию росписи изразцы для оформления печей и каминов. Свыше 500 их образцов хранит теперь в своей коллекции Эрмитаж.

Многие  гжельские мастера  участвовали создании гончарного промысла и в других местах России.

Полуфаянс Гжели пытались делать ещё в последние  годы XVIII века. Завозимые  из-за границы предметы из этого материала  были настолько дороги, что их могли купить только немногие, но они же невольно толкали  гжельцев овладеть технологией их производства.

Полуфаянс уже имел белый, хотя и толстый черепок, и роспись велась не по сырой эмали, как на майоликовых  изделиях, а после  обжига, по твердому черепку, что значительно  облегчало, ускоряло работу и ускоряло брак.

Полуфаянс стал таким же замечательным художественным явлением, как и майолика. Гжельцам удалось получить белую посуду белую, наподобие фаянса в начале XIX века. Добавив в свои глины известь, гжельцы получили материал, названный простым фаянсом или полуфаянсом, и в течение XIX века создавали из него десятки тысяч необходимых предметов быта.

Не  сразу гжельцы  выработали свой самобытный стиль росписи  кобальтом, но постепенно он достиг совершенства именно в полуфаянсе. Синий цвет становится классическим, неотделимым от гжельского полуфаянса. Это был новый изобразительный живописный язык, пришедший на смену контурному рисунку с полихромной раскраской, какая ранее использовалась в майолике. Синяя краска лучше всего соединяется с глазурью, при обжиге даёт меньше брака, излучает сияние, не подвластное времени. В росписи присутствуют и элементы очеловечения, одухотворения вещей.

К середине XIX века Гжель являлась самым крупным  поставщиком керамических изделий страны.

Во  второй половине XIX века в русском керамическом производстве происходят значительные сдвиги. Лидируют теперь крупные механизированные заводы. Экономичность производства, добротность изделий и умеренность цен давали возможность выиграть борьбу на рынках сбыта.

В 1926 году число работающих в фарфорово-фаянсовой  промышленности по Гжельской области составляло 506 человек.

Товарищество  Гжель создано  в результате объединения  шести мелких цехов  разных деревень в 1972 году.

В деревне  Жирово выпускают  керамические камины, В деревнях Трошково и Фенино - гончарную и майоликовую посуду. В деревне Фенино совместно с итальянской фирмой создаётся производство по выпуску изразцов и плитки. В деревне Коломино - Фрязино делают фарфоровые игрушки, а современные производства в д. Турыгино и Бахтеево - главные центры производства художественного фарфора.

Гжельские мастера глубоко  и свято хранят традиции своих предков, творчески их развивают и приумножают. В полусказочном мире, создаваемом мастерами - керамистами нынешней Гжели, трудно провести четкую границу между искусством прошлого и настоящего. Не иссякает родник, возникший столетия назад в душе русского народа; пройдя через толщу веков, он по- прежнему остаётся могучей эстетической силой и не теряет своей чистоты. В преемственности традиций народных мастеров, верности им и находится зерно успеха и популярности гжельской керамики в наше время.

История Гжели уходит вглубь веков, и её народному  искусству суждена  долгая жизнь, сегодня  знаменитый народный промысел набирает новые  силы. В разные концы планеты улетают синие птицы Гжели, чтобы украшать быт людей, воспитывать чуство прекрасного.  
 

Исследование  гжельской глины 

В 1710 Гжельская волость  была приписана к  Аптекарскому приказу  «для дела алхимической посуды». В 1744 попытались проверить пригодность  гжельских глин для  производства фарфора  — порцелина, как  его тогда называли. В Гжель послали  специальную комиссию, в которую входили Афанасий Гребенщиков, владелец керамического завода в Москве, знаток гжельских глин, и Д. И. Виноградов. Виноградов и Гребенщиков осмотрели четыре образца местных глин и взяли для опытов 2 тыс. пудов глины-песчанки и 500 пудов глины-жировки. Всю глину доставили в Петербург, где из гжельской песчанки-черноземки Виноградов  

получил первый образец фарфоровой массы. В 1749 Виноградов пробыл в Гжели  около 8 месяцев. Он познакомил с гжельскими глинами  М. В. Ломоносова, который  высоко отозвался  о них: «...Едва ли есть земля самая частая и без примешания, где на свете... разве между глинам, для фарфора употребляемыми, какова у нас гжельская или еще исетская, которой нигде не видел я белизною превосходнее». Смешав оренбургскую глину с гжельской черноземной, Виноградов получил настоящий чистый и белый порцелин. 
 
 

ПАЛЕХ.

Палехская миниатюра.  

ПАЛЕХСКАЯ МИНИАТЮРА, вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи темперной краской на папье-маше, сложившийся в начале 1920-х гг. в поселке Палех на основе местного иконописного промысла.

Иконописный промысел

Иконописный промысел в Палехе возник в 17 в. Наибольшего  расцвета палехское  иконописание достигло в 18 — начале 19 вв. Иконы «палехского  пошиба» славились  особой тонкостью  письма с активным применением золота на одеждах святых и в орнаментах. Писание икон подразделялось на несколько этапов, каждый из которых выполнялся разными мастерами: один грунтовал доску, второй (знаменщик) наносил контур будущей иконы, третий писал доличное, то есть всю композицию, кроме ликов, рук и других обнаженных частей тела — их писал художник-личник. Имена и тексты писал мастер — подписывальщик. И, наконец, заканчивал работу над иконой олифщик. 

Особенности палехской живописи

Для стиля палехской  живописи характерны тонкий и плавный рисунок на преимущественно черном фоне, обилие золотой штриховки, четкость силуэта уплощенных фигур, подчас полностью покрывающих поверхность крышки и боковых стенок шкатулок. Декоративность пейзажа и архитектуры, вытянутые изящные пропорции фигур, колорит, построенный на сочетании трех основных цветов — красного, желтого и зеленого, восходят к традициям древнерусской иконописи. Композиция обычно обрамляется изысканным орнаментом, выполненным твореным золотом. 
 

Городец.

Городецкая  роспись.  

ГОРОДЕЦКАЯ РОСПИСЬ, русский народный художественный промысел; существует с сер. 19 в. в районе г. Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери. В 1936 основана артель (с 1960 фабрика «Городецкая роспись»), изготовляющая сувениры; мастера — Д. И. Крюков, А. Е. Коновалов, И. А. Мазин.

ГОРОДЕЦКАЯ  РОСПИСЬ по дереву, традиционный художественный промысел, получивший развитие в середине 19 века в деревнях по реке Узоле в окрестностях Городца Нижегородской области.

Возникновение росписи берет  начало в производстве городецких прялочных  донец, инкрустированных мореным дубом  и украшенных контурной  резьбой. В отличие от широко распространенных прялок, вытесанных из единого деревянного монолита, городецкие прялки состояли из двух частей: донца и гребня. Донце представляло собой широкую доску, суживающуюся к головке с «копылком» пирамидальной формы, в отверстие которого вставлялась ножка гребня. Когда на прялке не работали, гребень вынимался из копылка, и донце вешалось на стену, становясь своеобразным декоративным панно.

В середине прошлого века мастера  стали оживлять инкрустированные донца сначала  только подкраской фона, затем резьбы, а впоследствии и введением красочных сюжетных рисунков. Самое раннее подобное донце, сохранившееся до наших дней, было изготовлено мастером Лазарем Мельниковым в 1859 году. Постепенно роспись, технологически более простая, окончательно вытеснила трудоемкую инкрустацию.

В роспись  городецкие мастера  перенесли не только сюжеты, ранее используемые в инкрустации, но и обобщенную трактовку  образов, подсказанную приемами резьбы. В  росписи использовались яркие сочные краски — красного, желтого, зеленого, черного цветов, замешанные на жидком столярном клее. Со временем ассортимент расширился; помимо традиционных прялочных донец стали изготовлять и расписывать короба-мочесники, деревянные игрушки, мебель, даже части дома — ставни, двери, ворота. В 1880 году в промысле было задействовано около 70 человек из семи соседних деревень. В числе старейших мастеров, ставших зачинателями городецкой росписи, сохранились имена братьев Мельниковых и Г. Полякова, позже к ним присоединились живописцы, сохранившие секреты промысла в начале 20 века — И. А. Мазин, Ф. С. Краснояров, Т. Беляев, И. А. Сундуков.

Постепенно  выработались самобытные приемы городецкой росписи, по своей многоэтапности близкие к профессиональной живописи. Первоначально  производится окраска  фона, которая является и грунтовкой. По цветному фону мастер делает «подмалевок», нанося крупной кистью основные цветовые пятна, после чего более тонкими кистями моделирует штрихами форму. Заканчивает роспись «разживка» белилами и черным цветом, объединяющая рисунок в одно целое. Готовый сюжет обычно заключают в графическую рамочку или обводку. В городецкой росписи существует много простейших орнаментальных мотивов — розы-купавки, бутоны, травки. 

Мстёра.

Мстёрская миниатюра 

  Вид русской народной  миниатюрной живописи темперой на лаковых изделиях из папье-маше (коробки, шкатулки и др.). Возникла в 1923 году в посёлке Мстёра (Владимирская область) на основе иконописного промысла. Для мстёрской миниатюры (бытовые, фольклорные, литературные, исторические сюжеты) характерны теплота и живописная мягкость колорита, небольшие фигурки, пейзажные фоны.

В коллекции  произведений современных  художественных промыслов, хранящихся в Русском  музее, значительное место занимает лаковая  миниатюра Мстёры.

Изготовление  лакированных шкатулок с миниатюрной росписью на крышках возникло в нынешнем посёлке Мстёра Владимирской области в тридцатые годы нашего столетия. Собрание Русского музея даёт представление о пути развития и становления искусства Мстёры за почти полвека его существования. Среди экпонатов есть и такие, которые открывают нам одну из страниц предыстории промысла. Это различные бытовые предметы из дерева, расписанные темперными красками и покрытые слоем лака: круглые плоские коробочки с орнаментом, лоток с лубочной сценкой, сосуды с крышками (так называемые кубышки), одни с персонажами песен Кольцова, другие - с библейскими сюжетами. Изображение святой троицы или скачущих на лошадях волхвов, помещенные на закругленных стенках сосудов, вызывают невольное удивление. Чтобы понять, как появились на свет эти предметы из дерева, созданные в постреволюционные годы, нужно обратиться к ещё более раннему периоду истории Мстёры.

Богоявленская слобода Мстёра Возниковского  уезда Владимирской губернии, начиная с XIV века, была одним из многих в то время центров иконописи. К середине XVIII столетия на долю владимирского края выпала миссия продолжения иконописного дела, когда в других центрах оно шло к затуханию. Именно во Мстёре, а также в Палехе и Холуе с этого времени сосредоточилось основное производство икон, расходившихся по всей России.

В 1923 году на международной  выставке Полешане представили  свои шкатулки с миниатюрами. Деревянные предметы мстёрцев не выдержали конкуренции с яркими произведениями палешан. Обидным было такое поражение для мстёрцев. Решили и они использовать под миниатюру тот же материал - папье-маше.

Шкатулки, ларцы, папиросницы, из папье-маше стали  прекрасной основой  для миниатюрной темперной живописи, в которой мастера нашли новые возможности для развития своего искусства.